Miscellaneous

29 bức tranh bạn chỉ có thể tham quan tại bảo tàng Louvre


  • Chân dung một người phụ nữ (thế kỷ thứ 3)

    Bức chân dung quan tài này đến từ vùng Fayum và được vẽ vào thời kỳ Hy Lạp-La Mã. Từ Fayum dùng để chỉ một khu vực rất phì nhiêu ở phía tây nam Cairo. Nó tập trung xung quanh một hồ nhân tạo, Hồ Qaroun, một dự án kỹ thuật đầy tham vọng có từ triều đại thứ 12, được xây dựng trong một thung lũng tự nhiên. Người dân của Thung lũng Fayum đến từ Ai Cập, Hy Lạp, Syria, Libya và các khu vực khác của Đế chế La Mã. Họ trồng các loại cây trồng, bao gồm lúa mì và lúa mạch; cá từ hồ được coi là một món ngon tuyệt vời trên khắp Ai Cập; và, dưới sự cai trị của Amenemhet III(Vương triều thứ 12), khu vực này trở nên nổi tiếng với những khu vườn tươi tốt và cây trái phong phú. Ngày nay, khu vực này được biết đến với số lượng tài liệu giấy cói được khai quật trong thế kỷ 19 và 20, cũng như nhiều "chân dung Fayum" được các nhà khảo cổ học phát hiện. Những bức chân dung có kích thước như người thật này dường như được sử dụng để trang trí nhà cửa, cũng như được sử dụng cho mục đích danh dự. Kỹ thuật encaustic bao gồm việc nấu chảy sáp và trộn nó với bột màu và có thể là dầu hạt lanh hoặc trứng, sau đó áp dụng nó như sơn lên gỗ hoặc vải lanh. Bức chân dung vẽ nàytrông hiện đại một cách đáng ngạc nhiên. Đôi mắt trong veo và chiếc mũi nổi bật của người phụ nữ và sự khắc họa cẩn thận của người nghệ sĩ trên món đồ trang sức cho thấy đây được vẽ để trở thành một bức chân dung dễ nhận biết. Các nhà sử học nghệ thuật thường ghi nhận vùng Fayum với sự ra đời của nghệ thuật vẽ chân dung hiện thực, và nhiều bức chân dung được phát hiện ở vùng này thể hiện một thời kỳ thử nghiệm nghệ thuật đột phá. (Lucinda Hawksley)

  • Mùa hè (1573)

    Giuseppe Arcimboldo đã rất thành công trong suốt cuộc đời của mình, nhưng sau khi ông qua đời, tác phẩm của ông nhanh chóng lỗi mốt và mối quan tâm đến nó không được hồi sinh cho đến cuối thế kỷ 19. Về mặt phong cách, những bức tranh tưởng tượng và giàu trí tưởng tượng của ông phù hợp với thế giới nghệ thuật Mannerist phổ biến. Các tòa án trên khắp châu Âu trong thế kỷ 16 đặc biệt ưa chuộng loại tranh ảo ảnh hóm hỉnh và thông minh này, và minh chứng cho điều này là việc Arcimboldo được giao nhiệm vụ họa sĩ kéo dài cho tòa án Habsburg từ năm 1562 đến năm 1587. Mùa hè là một phần của loạt phim Bốn mùa mà họa sĩ này vẽ cho Hoàng đế Maximilian IIvào năm 1573. Đây là chủ đề mà Arcimboldo đã vẽ nhiều lần trong sự nghiệp của mình, và nó đã trở nên cực kỳ phổ biến. Ông lần đầu tiên vẽ một loạt tranh Bốn mùa vào năm 1562, và ý tưởng tưởng tượng của ông về việc tạo ra một cái đầu từ bộ sưu tập trái cây và rau quả đã được đón nhận rất nhiệt tình. Các nhiệm vụ lịch sự của Arcimboldo đối với Maximilian không chỉ giới hạn trong hội họa - nghệ sĩ còn được gọi là nhà thiết kế sân khấu, kiến ​​trúc sư và kỹ sư. Sau đó, khi làm việc cho Hoàng đế Rudolph II , ông cũng được giao nhiệm vụ tìm kiếm đồ cổ và đồ quý hiếm cho bộ sưu tập của hoàng đế. Các bức tranh của Arcimboldo tạo ra một hiệu ứng siêu thực hoàn toàn, và chúng chắc chắn nằm trong số những bức tranh giàu trí tưởng tượng và khéo léo nhất trong thời đại của ông. (Tamsin Pickeral)

  • Câu cá (khoảng 1588)

    Annibale Carracci sinh ra ở khu vực Bologna, cùng với anh trai và em họ của mình, được công nhận là một trong những họa sĩ hàng đầu của Trường phái Bolognese. Ông là một nhà soạn thảo đặc biệt có tay nghề cao và rất chú trọng vào việc vẽ chính xác, thường mô tả các cảnh trong cuộc sống và đặt chúng trong một phong cảnh tưởng tượng hoặc lý tưởng. Các chủ đề săn bắn và câu cá phổ biến trong trang trí biệt thự ở Bologna vào thời điểm này. Câu cá được vẽ như một tác phẩm đồng hành với một tác phẩm khác của Carracci, Hunting. Dựa trên kích thước của chúng, cả hai có lẽ được thiết kế để treo trên các ô cửa trong một biệt thự trong nước. Hai tác phẩm được vẽ sớm trong sự nghiệp của Carracci và trước khi ông chuyển đến Rome vào năm 1584, nhưng chúng đã thể hiện phong cách rất thành công của nghệ sĩ. Trong tác phẩm này, anh ấy đã kết hợp một số cảnh khác nhau trong một bức tranh và khéo léo thiết kế bố cục của mình sao cho ánh mắt được dẫn dắt từ tiền cảnh đến từng nhóm người và vào hậu cảnh mà không bỏ sót bất kỳ chi tiết nào. Các số liệu có thể dựa trên các nghiên cứu trực tiếp từ tự nhiên và sau đó kết hợp với cảnh quan. Bức tranh này hấp dẫn bởi vì nó cho thấy Carracci đang phát triển khả năng sử dụng cử chỉ của mình, được nhìn thấy trong hình chỉ tay ở bên phải. Sử dụng cử chỉ thuyết phục và rõ ràng là một trong những kỹ năng đặc biệt của Carracci, nó đã ảnh hưởng đến các họa sĩ sau này của thời kỳ Baroque. Cũng rõ ràng là khả năng sử dụng phong cảnh hấp dẫn của Carracci, được bố cục tuyệt đẹp dưới ánh sáng mờ trong suốt. (Tamsin Pickeral)

  • Nuôi dạy La-xa-rơ (c. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, biệt danh Il Guercino, sinh ra trong nghèo khó ở thị trấn nhỏ Cento, giữa Ferrara và Bologna ở Ý. Anh ấy chủ yếu tự học như một nghệ sĩ. Ông trở thành một trong những họa sĩ hàng đầu của trường học Bolognese, tiếp quản xưởng vẽ bận rộn của Guido Reni sau khi ông qua đời (thật trớ trêu, vì các tài khoản cho biết rằng Guercino được Reni coi là không có thiện cảm). Phong cách của Guercino đã thay đổi khá nhiều trong suốt cuộc đời của ông, với những tác phẩm như tác phẩm này từ những ngày đầu trong sự nghiệp của ông thể hiện một cách tiếp cận Baroque cao với việc sử dụng ấn tượng các ánh sáng và bóng tối tương phản. Điển hình của các bức tranh Baroque, bố cục phức tạp và đầy những cử chỉ, năng lượng và cảm giác ấn tượng. Các nhân vật tập trung vào tiền cảnh, gần như là một phần của một bức phù điêu, trong khi phần giữa và hậu cảnh hầu như không thể nhận thấy. Kỹ thuật này đặt người xem gần như trong cùng một mặt phẳng không gian với các nhân vật trong tranh, do đó gợi lên một phản ứng cảm xúc mạnh mẽ. Sự kiện đó là việc người đàn ông đã chết La-xa-rơ được Chúa Giê-xu làm cho sống lại. Guercino đã thấm nhuần khung cảnh bằng một cường độ cuồng nhiệt và một lòng nhiệt thành tinh thần mà lẽ ra sẽ được ngưỡng mộ rất nhiều trong thời kỳ của ông. Vài năm trước khi bức tranh này được thực hiện, Guercino đã gặp họa sĩLudovico Carracci và được truyền cảm hứng từ cách xử lý màu sắc và cảm xúc của Carracci. Ảnh hưởng của Carracci có thể nhận thấy rõ ràng trong tác phẩm Nuôi Lazarus của Guercino , mặc dù tác phẩm này hoàn toàn mang phong cách mạnh mẽ hơn. Là một nghệ sĩ sung mãn và được săn đón, Guercino đã chết một người đàn ông giàu có. (Tamsin Pickeral)

  • Thánh Giuse Thợ mộc (1635–40)

    Câu chuyện về cuộc đời và tác phẩm của Georges de La Tour thật chắp vá. Mặc dù ông đã đạt được thành công trong cuộc đời của mình, nhưng La Tour đã bị lãng quên trong vài thế kỷ - công việc của ông đã được khám phá lại vào đầu thế kỷ 20. Một họa sĩ người Pháp, người ta thường cho rằng ông bị ảnh hưởng bởi các bức tranh của Caravaggio . Tuy nhiên, có thể là La Tour không biết công việc của Caravaggio và anh ấy đã độc lập khám phá những ảnh hưởng của bóng và ánh sáng do một ngọn nến duy nhất tạo ra. Là một người sùng đạo Công giáo La Mã, La Tour thường vẽ những cảnh tôn giáo. Ông đã nhiều lần quay lại chủ đề về sự ăn năn của Mary Magdalene cũng như vẽ nên cảnh tượng cảm động nàyvề việc Giô-sép dạy Chúa Giê-xu trong tiệm mộc. Phong cách thực tế, chi tiết và được lên kế hoạch cẩn thận — Chúa Giê-su cầm ngọn nến bởi vì, trong niềm tin Cơ đốc giáo, ngài là ánh sáng của thế giới chiếu sáng bóng tối của thế giới. (Lucinda Hawksley)

  • Bàn chân khoèo (1642)

    Ít người có thể không bị hấp dẫn bởi bức ảnh thể loại này về một người ăn xin khuyết tật rõ ràng từ Naples đang nhìn họ với nụ cười đắc ý. José de Ribera sinh ra ở Tây Ban Nhadành phần lớn sự nghiệp của mình ở Naples, khi đó do Tây Ban Nha kiểm soát, và trở thành nghệ sĩ hàng đầu của thành phố. Anh ta có lẽ chỉ định miêu tả một cậu bé ăn xin người Neapolitan, vì anh ta rất quan tâm đến những người bình thường. Tuy nhiên, cách ông pha trộn chủ nghĩa hiện thực với truyền thống báo trước một hướng đi mới trong nghệ thuật. Cuộc sống đã không mỉm cười với người ăn xin này, nhưng anh ta vẫn vui vẻ thách thức. Anh ta vui vẻ vác chiếc nạng của mình qua vai và thản nhiên, thay vì tuyệt vọng, chìa ra tờ giấy cho phép anh ta đi ăn xin, điều bắt buộc ở Naples vào thời điểm đó. Nó viết bằng tiếng Latinh: "Hãy bố thí cho tôi vì tình yêu của Chúa." Thay vì thu mình trong một con đường bẩn thỉu, anh ấy đứng sừng sững trước một khung cảnh thanh bình gợi nhớ đến các tác phẩm lịch sử, thần thoại và tôn giáo được vẽ theo phong cách cổ điển. Ribera mang lại cho anh ta một tầm vóc ấn tượng, trở nên vĩ đại hơn nhờ quan điểm thấp và phẩm giá nhân đạo. Người ăn xin của anh ta gần như có thể là một hoàng tử bé. Nét vẽ lỏng lẻo trở nên mềm mại hơn trên phong cảnh, khiến cậu bé càng thêm nổi bật. Khả năng truyền tải cảm nhận về tính cá nhân của con người với chủ nghĩa hiện thực và nhân văn của Ribera đã có tác động lớn đến nghệ thuật phương Tây và trường học Tây Ban Nha nói riêng. (Ann Kay)

  • Quang cảnh bên trong ( Dép đi trong nhà ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten là một họa sĩ vẽ chân dung và nội thất khéo léo, người quan tâm đến việc sử dụng phối cảnh một cách chính xác. Quang cảnh Nội thất , theo truyền thống được gọi là Đôi dép, minh chứng cho việc nghệ sĩ sử dụng sàn lát gạch kiểu Hà Lan đặc trưng để làm nổi bật chiều sâu của bức tranh. Điều này được nhấn mạnh bởi các mặt phẳng hình ảnh lùi lại khác nhau, được đánh dấu bởi khung của bức tranh, vỏ cửa và cuối cùng là hai hình ảnh ở phía sau bức tranh. Bằng cách hiển thị một phần của cánh cửa đang mở ở phía trước, nghệ sĩ đặt người xem vào ô cửa, điều này làm tăng hiệu ứng huyễn hoặc của bức tranh. Chủ thể của Hoogstraten được ám chỉ bởi những chi tiết tinh tế. Cây chổi bị vứt bỏ, đôi dép đi trong nhà và cuốn sách đã đóng (việc đọc đã bị gián đoạn) cho thấy một mối quan hệ đa tình đang xảy ra ngay bên ngoài tầm nhìn. Giọng điệu đạo đức nhẹ nhàng của bức tranh là thứ mà Hoogstraten đã quay lại vài lần. (Tamsin Pickeral)

  • Cuộc hành hương đến Cythera (1717)

    Năm 1717, Jean-Antoine Watteau đã tặng bức tranh này cho Viện Hàn lâm Pháp làm bằng tốt nghiệp của mình. Nó được ca ngợi là tác phẩm xuất sắc nhất của ông, và nó đã trở thành ảnh hưởng quan trọng đến phong cách Rococo đang nổi lên. Đề tài bắt đầu như một minh họa cho một vở kịch nhỏ. Trong phim Les Trois Cousines của Florence Dancourt, một cô gái trong trang phục như một người hành hương bước ra từ dàn đồng ca và mời khán giả cùng tham gia vào chuyến hành trình đến Cythera - hòn đảo của tình yêu, nơi mọi người sẽ gặp được người bạn đời lý tưởng của mình. Phiên bản đầu tiên của Watteau về chủ đề này, ra đời vào khoảng năm 1709, là một bản miêu tả theo nghĩa đen, nhưng ở đây ông đã hòa trộn với khuôn khổ sân khấu, và biến sự việc thành một tưởng tượng lãng mạn, mơ mộng. Đáng chú ý, anh ấy đã chọn để khắc họa phần cuối, thay vì phần đầu, của cuộc hành trình. Đôi tình nhân đã kết đôi và đặt vòng hoa cho tượng thần Vệ nữ bên phải, và họ chuẩn bị về chung một nhà. Bằng cách tập trung vào khoảnh khắc này, người nghệ sĩ đã có thể tạo ra không khí u sầu nhẹ nhàng, đặc trưng cho tác phẩm của mình. Trong khi hầu hết các cặp đôi chuẩn bị rời đi, hai người yêu nhau vẫn ở lại bên ngôi đền của nữ thần, bị mê hoặc bởi tình yêu và mù quáng trước mọi thứ khác. Một trong những người phụ nữ rời đi quay đầu nhìn lại họ một cách buồn bã, ý thức rằng phần tình yêu này là thoáng qua nhất. Sau cái chết của Watteau, tác phẩm nghệ thuật của ông không còn hợp thời nữa. Đối với nhiều người, những mô tả của ông về những cuộc vượt ngục đa tình dường như quá chặt chẽ với những ngày xưa của chế độ quân chủ. Trong thời kỳ Cách mạng, các sinh viên mỹ thuật đã sử dụngCythera để thực hành mục tiêu, ném những viên bánh mì vào nó. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (trước đây gọi là Gilles ) (khoảng 1718–19)

    Đây là một trong những bức tranh cuối cùng mà Jean-Antoine Watteau sản xuất trong sự nghiệp ngắn ngủi của mình. Nó cho thấy một chú hề đang nhìn chằm chằm vào khán giả của mình, với vẻ mặt đăm chiêu có thể lặp lại tâm trạng u uất của người nghệ sĩ. Gilles là tên chung của một chú hề ở Pháp, có lẽ bắt nguồn từ Gilles le Niais, một diễn viên hài kịch và nhào lộn thế kỷ 17. Vào thời của Watteau, có sự trùng lặp đáng kể giữa nhân vật này và Pierrot, chú hề hàng đầu trong Comedia dell'arte, một truyền thống sân khấu của Ý rất phổ biến ở Pháp. Cả hai nhân vật đều đóng vai kẻ ngốc ngây thơ trở thành người được khán giả yêu thích nhất — nguyên mẫu cho Charlie Chaplin và Buster Keaton. Bức tranh nàycó lẽ được sản xuất như một bảng hiệu sân khấu được thiết kế để thu hút những người qua đường vào một buổi biểu diễn. Nó có thể đã được tạo ra cho buổi ra mắt của Danaë , một bộ phim hài, trong đó một trong những nhân vật bị biến thành một con lừa. Ngoài ra, nó có thể đã quảng cáo các cuộc diễu hành — những bản phác thảo ngắn gọn, xa lạ trước buổi biểu diễn chính. Trong đó, một con lừa thường được dắt qua sân khấu để tượng trưng cho sự ngu ngốc tuyệt đối của Gilles. Watteau đã sử dụng một phiên bản nhỏ hơn của chú hề này làm nhân vật chính trong The Italian Comedians , một bức ảnh mà ông sản xuất cho bác sĩ của mình vào khoảng năm 1720. Trong cả hai trường hợp, hình bóng u ám của Gilles gợi nhớ đến Ecce Homo("Behold the Man") bức tranh. Chủ đề tôn giáo phổ biến này mô tả một tình tiết trong Cuộc Khổ nạn của Chúa Kitô, khi Pontius Pilate trình diện Chúa Giêsu trước dân chúng, với hy vọng họ sẽ kêu gọi trả tự do cho Ngài. Thay vào đó, đám đông kêu gọi đóng đinh anh ta. (Iain Zaczek)

  • Tĩnh vật với chai ô liu (1760)

    Jean-Baptiste Siméon Chardin sinh ra ở Paris đã chống lại mong muốn của cha mình, một nhà sản xuất tủ, để theo bước chân của ông và thay vào đó trở thành người học việc trong xưởng vẽ của Pierre-Jacques Cazes và Noel- Noël Coypel.vào năm 1719. Trong suốt cuộc đời của mình, Chardin vẫn là một thành viên trung thành của Viện Hàn lâm Pháp, nhưng, mặc dù thành công, ông đã bị ngăn cản trở thành giáo sư vì ông được đề cử là một họa sĩ “trong lĩnh vực động vật và trái cây”. Tĩnh vật ban đầu mà anh ta được biết đến nhiều nhất đã được hoàn thành trong một khoảng thời gian ngắn, thể hiện tốc độ mà anh ta có được kỹ thuật thành thạo của mình. Người ta ước tính rằng một phần tư tổng sản lượng của ông được sản xuất trước năm 1732. Phong cách của ông được đặc trưng bởi các tác phẩm cọ vẽ có kết cấu phong phú mang một món nợ đáng kể đối với hội họa Hà Lan, đặc biệt là ảnh hưởng của Rembrandt trong việc xử lý sơn. Điều này tách tác phẩm của ông ra khỏi phong cách quen thuộc hơn của hội họa Pháp thế kỷ 18. Chardin đã vẽ những cảnh đơn sơ trong nhà và những vật dụng quen thuộc trong gia đình. Tuy nhiên,Still Life with Bottle of Olives là điển hình của tâm trạng kiềm chế, ánh sáng êm dịu và chủ nghĩa hiện thực kỳ lạ mang đến cho các đồ vật và cảnh vật hàng ngày một luồng khí kỳ diệu. Không có gì ngạc nhiên khi những người ngưỡng mộ ông gọi ông là “nhà ảo thuật vĩ đại”. Tài năng của anh ấy nằm ở việc tạo ra những bức tranh hoàn thiện hoàn hảo với kỹ năng kỹ thuật cao nhưng không bị ảnh hưởng. (Roger Wilson)

  • Bu lông (khoảng năm 1777)

    Jean-Honoré Fragonard là một trong những họa sĩ hàng đầu trong phong cách Rococo. Những bức ảnh của ông phù phiếm nhưng gợi cảm, tiêu biểu cho sự sang trọng của đời sống cung đình Pháp, trong những năm dẫn đến cuộc cách mạng năm 1789. Đối với những người cùng thời, Fragonard được biết đến như một bậc thầy về sujets légers (chủ thể ánh sáng). Những chủ đề này công khai khiêu dâm nhưng được xử lý ở mức độ hợp lý và khéo léo khiến chúng được chấp nhận, ngay cả trong giới hoàng gia. Thật vậy, nó nói lên nhiều điều về thời trang trong ngày mà bức tranh này dường như đã được đưa vào làm tác phẩm đồng hành cho một bức tranh tôn giáo. Theo một nguồn tin ban đầu, hầu tước de Véri đã tiếp cận nghệ sĩ để tìm kiếm một bức tranh để treo cùng với một trong những hình ảnh sùng kính hiếm hoi của Fragonard— Sự tôn thờ của những người chăn cừu. Đối với con mắt hiện đại, đây có vẻ là một sự trùng lặp kỳ lạ, nhưng Véri có lẽ dự định sự kết hợp này để đại diện cho Tình yêu thiêng liêng và phàm tục — một chủ đề nghệ thuật đã phổ biến từ thời Phục hưng. Thông thường, các nghệ sĩ truyền tải ý tưởng này trong một bức tranh duy nhất, nhưng đôi khi họ ghép một bức tranh về Evà với một chủ đề liên quan đến Đức Trinh nữ Maria (người thường được coi là Eve mới). Ở đây, quả táo, được trưng bày nổi bật trên bàn, là một ám chỉ thông thường về sự cám dỗ của Ê-va trong Vườn Địa Đàng. Bolt được sơn khi phong cách Rococo bắt đầu lỗi mốt, nhưng ánh sáng ấn tượng và mức độ hoàn thiện cao cho thấy Fragonard đang thích ứng với phong cách Tân cổ điển, vốn đang thịnh hành. (Iain Zaczek)

  • Lời thề của Horatii (1784)

    Jacques-Louis David được cho là họa sĩ tuyên truyền chính trị phi thường nhất trong lịch sử. Họa sĩ triều đình đối với Napoléon, phần lớn những gì chúng ta biết về nhân vật huyền thoại của hoàng đế và hình tượng của Cách mạng Pháp đến từ những bức tranh ngụ ngôn, sân khấu của David. David là cha đẻ của phong trào nghệ thuật Tân cổ điển, mô tả các thần thoại và lịch sử cổ điển tương tự như chính trị đương đại. Lời thề của Horatiikể về câu chuyện, được ghi lại vào khoảng năm 59 trước Công nguyên bởi nhà sử học La Mã Livy, về những người con trai từ hai gia đình, ba anh em nhà Horatii và ba anh em nhà Curiatii, những người đã chiến đấu trong các cuộc chiến tranh giữa La Mã và Alba vào khoảng năm 669 trước Công nguyên. Những người đàn ông được yêu cầu phải chiến đấu, nhưng một trong những phụ nữ từ gia đình Curiatii đã kết hôn với một trong những anh em nhà Horatii, và một người chị Horatii được hứa hôn với một người anh trai trong gia đình Curiatii. Bất chấp những ràng buộc này, cấp cao của Horatii vẫn khuyến khích các con trai của mình chiến đấu với Curiatii và họ tuân theo, bất chấp những lời than thở của những người chị đau buồn của họ. Khi miêu tả khoảnh khắc những người đàn ông chọn lý tưởng chính trị thay vì động cơ cá nhân, David yêu cầu người xem coi những người đàn ông này là hình mẫu trong thời gian hỗn loạn về chính trị của chính họ. Ông quan tâm đến chủ nghĩa hiện thực trong hội họa cũng như chủ nghĩa duy tâm trong chính trị, David đã đến Rome để sao chép kiến ​​trúc từ cuộc sống. Kết quả là một thành công vang dội khi bức tranh được triển lãm tại Salon 1785 ở Paris. Những bức tranh của David vẫn gây được tiếng vang lớn đối với người xem bởi sức mạnh của kỹ năng của anh ấy đủ nổi bật để nói lên niềm tin mãnh liệt của anh ấy. (Ana Finel Honigman)

  • Bà Récamier (1800)

    Đây được công nhận rộng rãi là bức chân dung đẹp nhất của Jacques-Louis David. Với sự duyên dáng, đơn giản và tiết kiệm, nó cũng được coi là một trong những ví dụ thành công nhất của nghệ thuật Tân cổ điển. Người mẫu của David, Juliette Récamier, là con cưng của xã hội Paris. Cô ấy là vợ của một chủ ngân hàng giàu có ở Lyons, mặc dù cô ấy đã nhận được sự chú ý của nhiều người đàn ông khác, tất cả đều bị từ chối một cách khiêm tốn. David lấy cảm hứng từ danh tiếng nhân đức của Récamier. Với đôi chân trần, chiếc váy trắng và phụ kiện cổ, cô ấy giống như một trinh nữ mặc vest thời sau. Điều này được củng cố bởi tư thế. Người phụ nữ nhìn thẳng thắn và trực tiếp, nhưng cơ thể của cô ấy quay đi, không thể tiếp cận được. Các vị trí chụp chân dung không diễn ra suôn sẻ: họa sĩ khó chịu vì sự không đúng giờ dai dẳng của Juliette, trong khi cô phản đối một số quyền tự do nghệ thuật được thực hiện. Đặc biệt, cô phẫn nộ khi David làm sáng màu tóc của cô, bởi vì nó không phù hợp với cách phối màu của anh ấy. Kết quả là, cô đã đặt một bức chân dung khác từ một trong những học trò của nghệ sĩ. Khi biết được điều này, David đã từ chối nói tiếp. “Thưa bà,” ông được cho là đã tuyên bố, “các quý bà đều có kinh nghiệm; các họa sĩ cũng vậy. Cho phép tôi thỏa mãn của tôi. Tôi sẽ giữ bức chân dung của bạn ở trạng thái hiện tại. " Quyết định này có thể có lợi, vì mức độ nghiêm trọng của bức tranh khiến nó có nhiều tác động. Chiếc đèn và một số chi tiết khác được cho là do học trò của David vẽ Tôi sẽ giữ bức chân dung của bạn ở trạng thái hiện tại. " Quyết định này có thể có lợi, vì mức độ nghiêm trọng của bức tranh khiến nó có nhiều tác động. Chiếc đèn và một số chi tiết khác được cho là do học trò của David vẽ Tôi sẽ giữ bức chân dung của bạn ở trạng thái hiện tại. " Quyết định này có thể có lợi, vì mức độ nghiêm trọng của bức tranh khiến nó có nhiều tác động. Chiếc đèn và một số chi tiết khác được cho là do học trò của David vẽJean-Auguste-Dominique Ingres . Người sau chắc chắn bị ấn tượng bởi bức ảnh, vì ông đã mượn tư thế của Récamier cho một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của ông, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( Người tắm cho Valpinçon ) (1808)

    Năm 1801, sau khi học theo Jacques-Louis David , nghệ sĩ người Pháp Jean-Auguste-Dominique Ingres đã giành được giải thưởng danh giá Prix de Rome. Đây là giải thưởng được trao bởi Academie Royale của Pháp, người đã trả tiền cho các nghệ sĩ xuất sắc nhất của họ đến thăm Rome trong bốn năm và học các bậc thầy của Ý trong quá khứ. Thật không may, nhà nước không đủ khả năng để gửi các nghệ sĩ đến Ý vào thời điểm này vì nền kinh tế của Pháp đang thất bại. Ingres cuối cùng đã đến Rome vào năm 1808. The Batherlà một trong những bức tranh đầu tiên của Ingres được thực hiện ở Ý, và mặc dù nghệ sĩ được bao quanh bởi các tác phẩm nghệ thuật quan trọng của thời Phục hưng hàng thế kỷ, nhưng nó đã phá vỡ truyền thống. Thay vì tiết lộ danh tính của đối tượng, Ingres đã giới thiệu đối tượng gần như hoành tráng của mình quay mặt ra xa người xem với thân mình hơi vặn để mở lưng. Điều này cho phép người xem chiêm ngưỡng (và khách quan) người tắm mà không cần cô ấy thách thức chúng tôi — cô ấy vẫn ẩn danh, không được xác định, nhân vật của cô ấy không thể giải mã được. Các tác phẩm khỏa thân nữ sau này của Ingres thường áp dụng nhiều tư thế trực diện hơn. Điều thú vị là bảng màu hạn chế của Ingres gồm các màu xanh lá cây, kem và nâu thay đổi từ tông màu tối của rèm bên trái sang tông sáng của phông nền và ga trải giường ở bên phải. Sự phân cấp giai điệu này có thể được xem là để lặp lại tính chất biểu tượng của việc tắm rửa, một hành động làm sạch và thanh lọc tâm hồn của một người: khi người trông trẻ rời khỏi bồn tắm, cô ấy trở nên trắng hơn và do đó tinh khiết hơn. (William Davies)

  • The Raft of the Medusa (1819)

    Ít ai có thể nhìn vào bức tranh này và không bị choáng ngợp bởi niềm đam mê và sức mạnh của nó. Được vẽ bởi người đi đầu của Chủ nghĩa lãng mạn Pháp, Théodore Géricault , nó hiện được coi là tuyên ngôn xác định của phong trào đó. Những người theo trường phái lãng mạn đã tách khỏi nghệ thuật cổ điển của thế kỷ 18 để nhấn mạnh chủ nghĩa hiện thực và cảm xúc. Bức tranh này đặc biệt thú vị vì nó rất rõ ràng là cầu nối giữa Chủ nghĩa Cổ điển và Chủ nghĩa Lãng mạn. Khi The Raft of the Medusa xuất hiện tại triển lãm Salon 1819, nó đã gây ra một vụ bê bối lớn, khiến cả cơ sở kinh hoàng. Cảnh phim kể về câu chuyện có thật về tàu khu trục nhỏ La Méduse của chính phủ Pháp bị đắm, người có thuyền trưởng và sĩ quan không đủ năng lực đã lấy những chiếc thuyền cứu hộ duy nhất cho mình và để lại tất cả trừ 15 trong số 150 thủy thủ đoàn và hành khách bỏ mạng trên một chiếc bè tạm bợ, chìm trong tuyệt vọng, man rợ và ăn thịt đồng loại. Géricault đã dám thể hiện một tình tiết tồi tệ, đáng lo ngại từ lịch sử đương đại (xác tàu xảy ra vào năm 1816) phản ánh xấu tất cả những người có liên quan, theo cách giống với bức tranh lịch sử hào hùng khổng lồ được những người theo chủ nghĩa truyền thống yêu thích. Một mặt, có một mức độ hiện thực rùng rợn ở đây (Géricault đã nghiên cứu xác chết để xác định các chi tiết chính xác), với những nét vẽ tràn đầy năng lượng phi thường nâng cao chuyển động xoáy và cảm xúc. Mặt khác, các thân và bố cục hình kim tự tháp mang phong cách cổ điển. Bất chấp sự phẫn nộ, bức tranh đã giành được sự chấp thuận nghệ thuật cho Géricault, và nó có ảnh hưởng to lớn đến các nghệ sĩ khác,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Cái chết của Sardanapalus (1827)

    Eugène Delacroix thường được cho là người vĩ đại nhất trong số những tác phẩm lãng mạn của Pháp, Eugène Delacroix thực sự là một họa sĩ của thời đại ông. Giống như người bạn của mình, Théodore Géricault , Delacroix vẫn giữ được một số yếu tố cổ điển từ quá trình đào tạo ban đầu của mình nhưng cho thấy một nghị lực táo bạo, cách sử dụng màu sắc phong phú, theo chủ nghĩa cá nhân và tình yêu kỳ lạ khiến anh trở thành người tiên phong. Bức tranh khổng lồ Cái chết của Sardanapalusbùng nổ vào các giác quan với chuyển động hoang dã và màu sắc lộng lẫy, một sự say mê của chủ nghĩa kỳ lạ. Sardanapalus là một nhà cai trị Assyria trong truyền thuyết cổ đại với sở thích suy đồi tột độ. Để đối phó với nỗi xấu hổ về một thất bại quân sự lớn, Sardanapalus đã làm một giàn thiêu khổng lồ, trên đó ông tự thiêu cùng với tất cả các châu báu trong cung điện, các tình nhân và những người bị bắt làm nô lệ. Delacroix say sưa với vở kịch Byronic như vậy. Anh ấy dường như đã từ bỏ bất kỳ nỗ lực nào về quan điểm thực tế hoặc sự mạch lạc về mặt bố cục. Những cơ thể và vật thể biến dạng xoay quanh trong một thế giới ác mộng bị nghẹt thở với màu sắc dữ dội và bóng đen nóng bỏng, lấn át. Bức tranh chi tiết của đồ trang sức lấp lánh và các loại vải phong phú truyền tải rõ ràng thế giới xa hoa đang được miêu tả, trong khi biệt đội tuyệt vời mà Sardanapalus khảo sát tình trạng lộn xộn xung quanh gây ra một tâm trạng nham hiểm. Delacroix thử nghiệm với tông màu xám và xanh lam trên da người để tạo hình dạng cho các mô hình cơ thể độc đáo của anh ấy. Có thể dễ dàng nhận thấy sự khám phá không bị ngăn cản về bạo lực, cùng với năng lượng điên cuồng và kỹ thuật tô màu táo bạo đã nói lên sức mạnh của các nghệ sĩ sau này. (Ann Kay)

  • Homer Deified ( Sự chết chóc của Homer ) (1827)

    Vào thời điểm Homer Deified được vẽ, Jean-Auguste-Dominique Ingres tự xưng là nhà lãnh đạo của hội họa truyền thống, cổ điển, chống lại nghệ thuật cứng đầu của người Pháp lãng mạn như Eugène Delacroix . Bức tranh đặc biệt này khó có thể là một ví dụ tốt hơn về cách tiếp cận học thuật của Ingres, và trên thực tế, ông dự định nó như một bài thánh ca ca ngợi chủ nghĩa cổ điển. Mặc dù anh ấy có khía cạnh gợi cảm hơn (ví dụ, The Bather của anh ấy ), nhưng nó đã bị triệt tiêu hoàn toàn ở đây. Còn được gọi là The Apotheosis of Homer , tác phẩm này cho thấy nhà thơ nổi tiếng của Hy Lạp cổ đại như một vị thần được đội vòng nguyệt quế bởi nhân vật thần thoại Victory. Hai người phụ nữ dưới chân ông đại diện cho các tác phẩm sử thi vĩ đại của Homer,IliadThe Odyssey. Xung quanh anh ta tập hợp một đám đông yêu mến những người khổng lồ nghệ thuật từ thời cổ đại và hiện đại, bao gồm cả những người Hy Lạp đồng bào: nhà viết kịch Aeschylus đưa ra một tấm da bên trái của Homer, trong khi nhà điêu khắc người Athen Phidias cầm một cái búa ở bên phải. Các nhân vật hiện đại hơn được thống trị bởi các nghệ sĩ từ thời kỳ cổ điển thế kỷ 17 của Pháp, chẳng hạn như nhà viết kịch Molière và họa sĩ Nicolas Poussin. Bố cục hình tam giác, đối xứng toát lên chủ nghĩa lý tưởng cổ điển, với Homer được đặt chính giữa trên một ngôi đền cổ mang tên ông. Bức tranh này không được đón nhận nhiều vào thời điểm nó được tạo ra. Ingres rút lui đến Rome trong một vài năm, nhưng ông trở lại vào những năm 1840 để được ca ngợi trở lại như một nhà kinh điển hàng đầu. Nó đã trở thành mốt đối với chủ nghĩa truyền thống chết tiệt của Ingres, nhưng giờ đây ông được xem như một nghệ sĩ có tầm ảnh hưởng lớn về kỹ năng kỹ thuật đáng kể. (Ann Kay)

  • Tự do lãnh đạo nhân dân (1830)

    Công trình này thuộc về khoảng thời gian từ năm 1827 đến năm 1832 trong đó Eugène Delacroixsản xuất hết kiệt tác này đến kiệt tác khác. Điều này cũng không ngoại lệ. Được vẽ để kỷ niệm cuộc cách mạng tháng 7 năm 1830 đưa Louis-Philippe lên nắm quyền, hình ảnh này đã trở thành biểu tượng của tinh thần cách mạng. Nó đã gây ra một chấn động tại Paris Salon năm 1831, và mặc dù Louis-Philippe đã mua tác phẩm để đánh dấu sự gia nhập của mình, nhưng ông vẫn để nó tránh xa công chúng vì nó được coi là có khả năng gây viêm nhiễm. Bức tranh kết hợp nhuần nhuyễn giữa phóng sự đương đại với truyện ngụ ngôn một cách hoành tráng. Địa điểm và thời gian rõ ràng: Nhà thờ Đức Bà có thể nhìn thấy ở phía xa, và mọi người ăn mặc theo tầng lớp của họ, với cậu bé lôi thôi ở bên phải tượng trưng cho sức mạnh của những người bình thường. Hình tượng tượng trưng của Nữ thần Tự do nổi bật nhất trong cảnh, có ba màu nhô lên trên cô ấy, đã gây ra sự phẫn nộ vì thay vì nhân cách hóa vẻ đẹp được lý tưởng hóa, những nét vẽ đầy sức sống cho thấy một người phụ nữ rất thực - bán khỏa thân, bẩn thỉu và bước qua xác chết theo cách có thể gợi ý rằng tự do có thể mang lại một số áp bức cho chính nó như thế nào. Bức tranh này cũng cho thấy Delacroix đang hướng tới cách tiếp cận nhẹ nhàng hơn trong tác phẩm sau này của mình, trong đó ông đã có những bước đột phá ngày càng tinh tế vào cách mà các màu sắc hoạt động bên cạnh nhau để truyền tải cảm giác thực tế hoặc thể hiện sự thật. Việc sử dụng màu sắc như vậy sẽ có ảnh hưởng rất lớn đối với những người theo trường phái Ấn tượng và Hiện đại sau này, từ trong đó ông đã có những bước đột phá ngày càng tinh tế về cách thức mà các màu sắc hoạt động bên cạnh nhau để truyền đạt cảm giác thực tế hoặc thể hiện sự thật. Việc sử dụng màu sắc như vậy sẽ có ảnh hưởng rất lớn đối với những người theo trường phái Ấn tượng và Hiện đại sau này, từ trong đó ông đã có những bước đột phá ngày càng tinh tế về cách thức mà các màu sắc hoạt động bên cạnh nhau để truyền đạt cảm giác thực tế hoặc thể hiện sự thật. Việc sử dụng màu sắc như vậy sẽ có ảnh hưởng rất lớn đối với những người theo trường phái Ấn tượng và Hiện đại sau này, từPierre-Auguste RenoirGeorges Seurat đến Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Quang cảnh Grande Galerie của Louvre (1841)

    Con trai của một thương gia dệt may thành công, Patrick Allan-Fraser đã từ chối cơ hội theo cha tham gia sự nghiệp thương mại để theo đuổi thiên hướng nghệ thuật của mình. Các nghiên cứu đã đưa Allan-Fraser đến Edinburgh, Rome, London, và cuối cùng là Paris, nơi anh bắt gặp Grande Galerie tráng lệ trong bảo tàng Louvre. Khi vẽ View of the Grande Galerie of the Louvre, người nghệ sĩ đã lấy cảm hứng từ một nhóm các nghệ sĩ thời Victoria được gọi là The Clique, những người mà ông đã gặp ở London. Clique đã gạt bỏ nghệ thuật hàn lâm để ủng hộ thể loại hội họa. Grande Galerie dường như vô tận, trải dài một phần tư dặm, là nơi mà các nghệ sĩ và thợ thủ công thường tụ tập, nhưng ở đây chúng ta bắt gặp một bầu không khí thanh bình của sự trân trọng và suy ngẫm. Trong những năm sau đó, Allan-Fraser đã đắm mình trong việc trùng tu và xây dựng các tòa nhà đẹp, và sự ngưỡng mộ của ông đối với Grande Galerie là điều tối quan trọng khi thực hiện công việc này. Những tia sáng rời rạc không chỉ cho phép người xem nhìn vào hoạt động bên trong mà còn bộc lộ độ lớn và sang trọng của hội trường. Allan-Fraser được bầu vào Học viện Hoàng gia Scotland năm 1874, và ông đã ủy thác các bức chân dung của các thành viên của The Clique, để tôn trọng những người đã truyền cảm hứng cho anh ấy. (Simon Grey)

  • Quà lưu niệm de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot bắt đầu sự nghiệp của mình với tư cách là một nghệ nhân xếp nếp trước khi quyết định theo đuổi việc đào tạo nghệ thuật. Với sự hậu thuẫn của cha mình, anh học đầu tiên với Achille Etna Michallon và sau đó với Jean-Victor Bertin, mặc dù sau đó Corot phủ nhận rằng việc đào tạo của anh đã ảnh hưởng đến nghệ thuật của anh. Ông đã đi du lịch rộng rãi trong suốt cuộc đời của mình, dành vài năm ở Ý, khám phá Thụy Sĩ và bao phủ phần lớn các vùng nông thôn của Pháp. Trong các chuyến đi của mình, anh ấy đã thực hiện nhiều bản phác thảo sơn dầu và các bức tranh vẽ trong không khí ghi lại sự tức thì của ánh sáng và bầu không khí; ông cũng làm việc trên các bức tranh theo phong cách triển lãm trong studio. Quà lưu niệm de Mortefontainelà một trong những bức tranh đẹp nhất trong sự nghiệp của ông. Nó được tắm trong một thứ ánh sáng dịu nhẹ, lan tỏa, và nó là một tác phẩm của sự tĩnh lặng hoàn toàn, là mẫu mực của sự đồng hóa trữ tình và thơ mộng với thế giới của người nghệ sĩ. Khung cảnh không được lấy từ thiên nhiên, nhưng nó kết hợp các yếu tố chính của bối cảnh tự nhiên để tạo ra hình ảnh hoàn hảo, hài hòa. Cái cây duyên dáng ở phía trước, mặt nước phẳng lặng phía sau và những hình bóng yên tĩnh được chọn bằng màu sắc nhẹ nhàng là những họa tiết thường được nghệ sĩ sử dụng để tạo nên một tác phẩm phản chiếu đẹp đẽ, tĩnh lặng. Thoạt đầu làm việc theo quan điểm của những người theo chủ nghĩa Hiện thực, phong cách của Corot đã phát triển để bao hàm một nhận thức lãng mạn, mơ mộng. Như vậy, tác phẩm của ông có thể được coi là cầu nối giữa những người theo trường phái Hiện thực và những người theo trường phái Ấn tượng, và thực sự ông thường được coi là cha đẻ của trường phái Ấn tượng.Khung cảnh của Claude Monet ra sông Seine trong ánh sáng sớm được vẽ trong những năm 1890. (Tamsin Pickeral)

  • Cờ hiệu của Chúa Kitô (1455–60)

    Vùng đất Catalonia, trung tâm là thành phố Barcelona, ​​chứng kiến ​​một thời kỳ hoàng kim tuyệt vời của nghệ thuật vào những năm 1400, và người đi đầu trong sự phục hưng này là Jaume Huguet . Huguet nổi tiếng với những bức bàn thờ tuyệt đẹp, tiêu biểu cho nghệ thuật tôn giáo trang trí đẹp mắt do trường Catalan sản xuất vào thời điểm này. Ở trung tâm của bàn thờ này, Chúa Kitô đang bị đánh đập trước khi nhận bản án tử hình bằng cách đóng đinh. Người đưa ra bản án — thống đốc La Mã của Judaea, Pontius Pilate — đang ngồi trên ngai vàng lớn ở bên phải. Hình ảnh của Huguet tràn ngập màu sắc như ngọc và nổi bật với những chi tiết tinh xảo, từ gạch lát sàn đến ngai vàng và quần áo của Philatô. Có một sự đối xứng được xây dựng tốt trong bố cục: vị trí trung tâm của Chúa Kitô, hai bên là hai người đàn ông đang đánh đập và hai thiên thần nhỏ dưới chân Ngài, gạch lát nền lùi xuống, hàng mái vòm phía sau Chúa Kitô, và tầm nhìn xa của một cảnh quan với các đỉnh có kích thước đều nhau. Toàn bộ hiệu ứng mang tính trang trí cao, gần giống như một tấm thảm. Tác phẩm này được đặt hàng bởi hiệp hội thợ đóng giày cho nhà nguyện Saint-Marc của Nhà thờ Barcelona, ​​đó là lý do tại sao đôi giày xuất hiện trong đường viền trang trí. Các đường viền cũng có hình ảnh đại bàng, sư tử, thiên thần và bò - biểu tượng của các Nhà truyền giáo St. John, St. Mark, St. Matthew và St. Luke, tương ứng. Công việc của Huguet nói chung là theo khuôn mẫu của các bậc thầy Catalan thế kỷ 15 như Bernardo Martorell, và phong cách cá nhân của ông đã giúp xác định phong cách Catalan. (Ann Kay)

  • Ông già với một cậu bé (c. 1490)

    Domenico Ghirlandaio là một nghệ sĩ người Florentine nổi tiếng với những bức bích họa và chân dung của mình. Old Man with a Young Boy là hình ảnh được công nhận rộng rãi nhất của anh ấy. Một bức vẽ trong Bảo tàng Quốc gia ở Stockholm cung cấp bằng chứng cho thấy Ghirlandaio đã thực hiện các nghiên cứu về ông lão, bao gồm cả khiếm khuyết da trên mũi của ông. Người đàn ông được cho là đã mắc phải tình trạng biến dạng tê giác do hậu quả của bệnh trứng cá đỏ. Nhưng tính hiện thực của bức chân dung là khác thường so với thời của nó. Việc Ghirlandaio mắc khuyết điểm này được cho là đã ảnh hưởng đến các nghệ sĩ sau này, chẳng hạn như Leonardo da Vinci, để vẽ chủ thể của họ như họ vốn có. Người xem chắc chắn cảm động trước cảnh này. Khuôn mặt già nua của ông lão đối lập với làn da non nớt, mềm mại của đứa trẻ. Khi bàn tay đứa trẻ chạm tới ông già, mắt họ giao nhau trong một sự thể hiện tình cảm cởi mở. Màu đỏ ấm áp nhấn mạnh mối liên kết yêu thương này. (Mary Cooch)

  • The Fortune Teller (khoảng 1508–10)

    Danh tiếng chính của Lucas van Leyden là nhờ vào kỹ năng điêu khắc phi thường của anh, nhưng anh cũng là một họa sĩ tài năng được ghi nhận là một trong những người đầu tiên giới thiệu thể loại tranh Hà Lan. Sinh ra ở Leiden, nơi anh đã dành phần lớn cuộc đời mình, anh được cho là đã được huấn luyện với cha mình và sau đó là với Cornelis Engebrechtsz. Ông đến Antwerp vào năm 1521, nơi ông gặp Albrecht Dürer , người đã ghi lại sự kiện này trong nhật ký của mình. Tác phẩm của Dürer dường như có ảnh hưởng nhiều nhất đến ông, mặc dù van Leyden đã tiếp cận các đối tượng của mình bằng một hình ảnh động lớn hơn, tập trung nhiều hơn vào tính cách của từng nhân vật. Thầy bói,vốn là sự ám chỉ đến sự hư ảo của tình yêu và trò chơi, được vẽ từ rất sớm trong sự nghiệp của van Leyden, nhưng đã cho thấy tay nghề phác thảo và kỹ năng vẽ màu của ông. Nó là một nghiên cứu về tính cách, với mỗi cá nhân được khắc họa với một cảm quan sống động. Người đàn ông râu đen ở hậu cảnh đặc biệt quyến rũ, với ánh mắt nhìn xuyên thấu và vẻ mặt nham hiểm tương phản với dáng vẻ nhợt nhạt của người thầy bói. Bề mặt bức tranh có nhiều hoa văn, và các kết cấu khác nhau, từ lông thú và lụa đến thủy tinh và da thịt, đều được thể hiện một cách tuyệt vời. Đẩy bố cục lên phía trước mặt phẳng hình ảnh có tác dụng đặt người xem vào giữa các hình khác. Van Leyden đã nổi tiếng trong suốt cuộc đời của mình, và mặc dù ông không có học trò trực tiếp, nhưng ảnh hưởng của ông rất sâu sắc đến sự phát triển của nghệ thuật Hà Lan, mở đường cho truyền thống hội họa thể loại của Hà Lan. Công việc của anh ấy cũng được cho là có ảnh hưởng đếnRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Chiến thắng của Titus và Vespasia (c. 1537)

    Sinh ra là Giulio Pippi, nghệ sĩ của bức tranh này sau đó được biết đến với cái tên Giulio Romano sau thành phố nơi ông sinh ra. Khi còn trẻ, ông đã đến học với Raphael, sau đó trở thành trợ lý chính của anh ấy, và khi Raphael qua đời, anh ấy đã hoàn thành một số tác phẩm của nghệ sĩ. Bảng màu rực rỡ và phong cách tượng hình táo bạo của Romano trái ngược với sự tinh tế của giáo viên của mình, nhưng xét về trí tưởng tượng tuyệt đối và hiệu ứng ảo ảnh ấn tượng đạt được thông qua thao tác phối cảnh, Romano là người đi đầu trong lĩnh vực của mình. Ngoài thành tích họa sĩ của mình, nghệ sĩ còn là một kiến ​​trúc sư và một kỹ sư. Khoảng 1524 Romano được Frederico Gonzaga, người cai trị Mantua, tuyển dụng và bắt tay vào một dự án lớn thiết kế và xây dựng lại một số tòa nhà của thị trấn, cũng như một số phương án trang trí. Khải hoàn môn Titus và Vespasiađã được Gonzaga ủy nhiệm cho Room of the Caesars ở Palazzo Ducale. Nó mô tả hoàng đế Titus diễu hành qua Rome sau chiến thắng trước người Do Thái. Bố cục dựa trên một cảnh bên trong Cổng vòm Titus cổ đại ở Rome, và nó vẫn giữ được phần lớn chất lượng điêu khắc của bản gốc, đặc biệt là ở những con ngựa xe ngựa hiên ngang của Romano. Màu sắc rực rỡ và chủ đề cổ điển được thể hiện trong bàn tay Mannerist của Romano đã khiến tác phẩm này trở nên rất nổi tiếng vào thời đó. Cách xử lý của anh ấy đối với cảnh quan — nơi có chi tiết tuyệt đẹp và ngập trong ánh sáng mờ lung linh — là một điều đặc biệt đáng chú ý. (Tamsin Pickeral)

  • Trinh nữ và Hài nhi với Thánh Anne (c. 1510)

    Leonardo da Vinci đã học việc dưới sự chỉ đạo của nhà điêu khắc bậc thầy Andrea del Verrocchio , sau đó ông làm việc cho một số khách hàng giàu có nhất ở Pháp và Ý, bao gồm gia đình Sforza của Milan, vua của Pháp, và Vatican ở Rome. Nếu Verrocchio không chuyển sang vẽ tranh để cạnh tranh với các đối thủ của mình vào thời điểm Leonardo đang ở trong xưởng của mình, thì một số học giả tin rằng có thể hình dung rằng Leonardo đã không nhất thiết phải cầm cọ vẽ. Mặc dù cuộc đời và tác phẩm của ông có ý nghĩa vô cùng quan trọng đối với lịch sử nghệ thuật, nhưng ngày nay có khoảng 20 bức tranh được ghi nhận một cách an toàn trong bộ sưu tập của ông. Đức mẹ đồng trinh, Anne, mẹ của cô và Chúa Giêsu trẻ sơ sinh, chủ đề của bức tranh này, cùng là một trong những chủ đề phổ biến nhất của Leonardo, bằng chứng là một số bức vẽ và tranh vẽ. Chúng bao gồm một phim hoạt hình đã mất năm 1501 và The Virgin and Child with St. Anne và St. John the Baptist (khoảng năm 1508, được gọi là Burlington House Cartoon); có thể giả định rằng bức tranh hoạt hình sau này được dự định phát triển thành một tác phẩm lớn, được vẽ hoàn chỉnh, nhưng không có bằng chứng nào cho thấy bức tranh như vậy đã từng được cố gắng thực hiện. Tuy nhiên, ở đây, Đức Trinh Nữ Maria nằm trong lòng của Thánh Anne, trong khi đứa trẻ Chúa Kitô tinh nghịch vuốt ve một con cừu non hiến tế, một hiện thân được báo trước về số phận của đứa trẻ sơ sinh. Một bức vẽ bằng bút và mực quy mô nhỏ cho Trinh nữ và Đứa trẻ với Thánh Annetồn tại trong bộ sưu tập của Accademia, Venice. Những tư thế thân mật và sự tương tác tâm lý dịu dàng giữa những người trông nom tạo thành một đỉnh cao nhất mọi thời đại trong bức tranh tôn giáo. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Trong những gì đã trở thành một trong Antonello da Messina của hầu hết các bức tranh nổi tiếng, nghệ sĩ mô tả một nhà lãnh đạo quân sự của Ý, được gọi là một condottiere. (Tuy nhiên, danh tính thực sự của người đàn ông vẫn chưa được biết.) Cho đến thế kỷ 19, Ý bao gồm một tập hợp các thành phố độc lập, và các condottieri được yêu cầu cao để chiến đấu trong các trận chiến giữa các quốc gia xung đột. Antonello quan tâm đến việc thể hiện cấp bậc của người trông nom mình: anh ta ngồi trước phông nền đen trong trang phục cơ bản và đội mũ bảo hiểm với tư thế tốt, do đó nâng cao địa vị của anh ta lên trên một chiến binh bình thường. Thật vậy, đối tượng của Antonello có lẽ rất giàu có để có được một danh hiệu gần với danh hiệu quý ông hơn, và anh ta sẽ đặt bức chân dung này để nhấn mạnh địa vị xã hội của mình. Tuy nhiên, Antonello nhắc nhở người xem rằng người đàn ông này là một chiến binh tàn nhẫn. Kiểm tra kỹ hơn về Condottierotiết lộ các chi tiết như vết thương chiến tranh trên môi trên của người trông nom. (William Davies)

  • Mona Lisa (khoảng 1503–09)

    Leonardo da Vinci bắt đầu cuộc sống với tư cách là con hoang của một công chứng viên người Tuscan, và ông được cho là họa sĩ được bàn luận nhiều nhất trên thế giới. Niềm đam mê bất tận của các học giả và công chúng hầu như bắt đầu sau ngày ông bắt đầu viết văn và vẽ tranh. Anh ấy cũng là một người đàn ông có nhiều khuyết điểm và hạn chế. Anh ấy sinh ra ở thị trấn sườn đồi Tuscan của Anchiano gần Vinci, và anh ấy chuyển đến Florence khi còn nhỏ để đào tạo như một người học việc cho Andrea del Verrocchio, một nhà điêu khắc nổi tiếng thời bấy giờ. Từ những bài học ban đầu đó, Leonardo đã nhận được sự đánh giá sâu sắc về không gian ba chiều, một khái niệm phục vụ tốt cho ông trong suốt sự nghiệp của mình, cho dù ông đang vẽ hay vẽ những phức tạp của thực vật hoặc các bộ phận của cơ thể con người, máy móc chiến tranh hay công trình nước công cộng hình học toán học hoặc địa chất địa phương. Tên của bức tranh này , không được sử dụng cho đến thế kỷ 19, có nguồn gốc từ một tài liệu ban đầu của Giorgio Vasari , nó cũng cung cấp thông tin nhận dạng duy nhất của người trông nom. Mona Lisa, còn được gọi là Lisa Gherardini, được vẽ vào giữa những năm 20 tuổi sau khi cô kết hôn với một thương gia lụa tên là Francesco del Giocondo, người đàn ông có thể đã ủy thác bức chân dung. Cho đến ngày nay, người Ý biết cô với cái tên La Gioconda và tiếng Pháp làLa Joconde , dịch theo nghĩa đen là “một con chó săn (hoặc vui tươi).” Trong lịch sử gần đây, danh tiếng của bức tranh cũng có thể bắt nguồn một phần từ việc nó bị đánh cắp khỏi bảo tàng Louvre ở Paris trong một vụ trộm giật gân vào năm 1911 bởi một người theo chủ nghĩa dân tộc Ý nhưng may mắn đã được trả lại hai năm sau đó. (Steven Pulimood)

    [Bạn muốn biết thêm về lý do tại sao Mona Lisa lại nổi tiếng như vậy? Đọc Demystified này của Britannica.]

  • Từ thiện (1518–19)

    Năm 1518, Francis I của Pháp đã triệu tập họa sĩ người Florentine Andrea del Sarto đến tòa án Pháp của mình, nơi họa sĩ người Ý đã sống trong một năm. Charity là bức tranh duy nhất còn sót lại sau thời gian ở Pháp của ông; nó được sơn cho Château d'Amboise. Tác phẩm là tiêu biểu cho dòng tranh được hoàng gia Pháp ưa chuộng vào thời điểm này. Nó mô tả hình ảnh của Charity được bao quanh bởi những đứa trẻ mà cô ấy nuôi dưỡng và bảo vệ. Nó là một đại diện ngụ ngôn của hoàng gia Pháp, và nó kỷ niệm sự ra đời của Dauphin, người được tượng trưng bằng đứa trẻ bú sữa, trong khi hình tượng của Charity mang một số nét tương đồng với nữ hoàng. Cấu trúc hình chóp của bố cục là điển hình của hình thức truyền thống cho loại tranh này, và nó cũng phản ánh ảnh hưởng củaLeonardo da Vinci bên Andrea del Sarto. Đặc biệt, nghệ sĩ ngưỡng mộ The Virgin and Child with St. Anne của Leonardo . (Tamsin Pickeral)

  • Lễ tàn sát Thánh George (khoảng 1432–34)

    Bernardo Martorell làm việc ở Barcelona và có lẽ được dạy bởi Luis Borrassá, họa sĩ Catalan giỏi nhất thời bấy giờ. Chỉ có một tác phẩm còn sót lại chắc chắn thuộc về Martorell - Bàn thờ Thánh Peter of Pubol (1437), ở Bảo tàng Gerona, Ý. Tuy nhiên, Bàn thờ Thánh George mang phong cách của Martorell rất đặc biệt đến nỗi hầu hết các chuyên gia đều tin rằng ông là nghệ sĩ. Bàn thờ được tạo ra cho nhà nguyện St. George ở Cung điện Barcelona. Nó được tạo thành từ một bảng điều khiển trung tâm cho thấy Thánh George giết con rồng , hiện được đặt trong Viện Nghệ thuật Chicago, và bốn bảng bên, được đặt trong Louvre ở Pháp. Bảng điều khiển bên nàytạo thành phần cuối cùng của câu chuyện, và nó mô tả thánh địa của Thánh George. Truyền thuyết về Thánh George dường như bắt nguồn từ các tác phẩm của Eusebius ở Caesarea, có niên đại vào thế kỷ thứ tư CN. Ông được cho là một chiến binh La Mã xuất thân cao quý, người đã bị giết vào năm 303 CN vì phản đối cuộc đàn áp các tín đồ Cơ đốc giáo. Ông được phong thánh vào thế kỷ thứ 10 và trở thành vị thánh bảo trợ cho binh lính. Truyền thuyết về Thánh George phổ biến khắp châu Âu vào thời Trung cổ, và mặc dù câu chuyện về vị thánh giết một con rồng có vẻ thần thoại hơn là thần kỳ, nó vẫn được kể lại trong nhiều bức tranh thời Trung cổ. Trong cảnh cuối cùng từ truyền thuyết này, khi Thánh George bị chặt đầu, tia sét rơi xuống từ bầu trời đỏ rực và vàng. Phong cách có thể là Gothic Quốc tế, nhưng những khuôn mặt kinh hoàng, những con ngựa đang nuôi, những cơ thể nhào lộn, và chuyên gia xử lý ánh sáng thuộc về Martorell. (Mary Cooch)