Різне

29 картин, які можна відвідати лише у Луврі


  • Портрет жінки (3 століття)

    Цей портрет саркофага з регіону Фаюм був написаний у греко-римський період. Слово Фаюм відноситься до дуже родючого регіону на південний захід від Каїру. Він був зосереджений навколо штучного озера Карун, амбіційного інженерного проекту 12-ї династії, побудованого в природній долині. Жителі долини Фаюм походили з Єгипту, Греції, Сирії, Лівії та інших районів Римської імперії. Вони вирощували врожаї, включаючи пшеницю та ячмінь; риба з озера вважалася великим делікатесом у всьому Єгипті; і, під владою Аменемхета III(12-та династія), район прославився пишними садами та рясними фруктовими деревами. На сьогоднішній день регіон відомий кількістю папірусних документів, виявлених протягом 19-20 століть, а також численними «фаюмськими портретами», виявленими археологами. Ці портрети в натуральну величину, очевидно, використовувались для прикраси будинків, а також використовувались у похоронних цілях. Енкаустична техніка передбачала плавлення воску та змішування його з пігментацією та, можливо, лляною олією або яйцем, а потім нанесенням його, як фарбою, на дерево або льон. Цей намальований портретвиглядає напрочуд сучасно. Ясні очі жінки та видатний ніс, а також ретельне зображення прикраси художника свідчать про те, що це було написано як впізнаваний портрет. Історики мистецтва часто приписують регіон Фаюм народженню реалістичних портретів, а численні портрети, розкриті в цьому регіоні, являють собою час новаторських художніх експериментів. (Люсінда Хокслі)

  • Літо (1573)

    Джузеппе Арчимбольдо мав великий успіх за життя, але після його смерті його робота швидко вийшла з моди, і інтерес до неї не відродився до кінця 19 століття. Стилістично його фантастичні та образні картини вписуються в популярний світ маньєристського мистецтва. Суди по всій Європі в 16 столітті особливо віддавали перевагу цьому дотепному і розумному ілюзійному живопису, і підтвердженням цього було тривале призначення Арчимбольдо як художника при Габсбурзькому дворі між 1562 і 1587 рр. Літо є частиною серії Four Seasons, що художник намальований для імператора Максиміліана IIу 1573 р. Про цю тему Арчимбольдо писав кілька разів за свою кар'єру, і ця тема стала надзвичайно популярною. Вперше він намалював серію « Чотири пори року» в 1562 році, і його творча концепція створення голови з колекції фруктів та овочів була сприйнята з великим ентузіазмом. Придворні обов'язки Арчимбольдо щодо Максиміліана не обмежувалися живописом - художника також закликали як сценографа, архітектора та інженера. Пізніше, працюючи на імператора Рудольфа II , йому також було доручено знайти антикваріат та рідкісні предмети мистецтва для колекції імператора. Картини Арчимбольдо створюють надзвичайно сюрреалістичний ефект, і вони, безумовно, є одними з найбільш образних і хитро надуманих його часів. (Тамсін Піккерал)

  • Риболовля (близько 1588 р.)

    Аннібале Карраччі народився в районі Болоньї, і разом зі своїм братом і двоюрідним братом став визнаним одним із провідних живописців Болонської школи. Він був особливо вправним креслярем і робив великий акцент на правильному малюванні, часто зображав сцени з життя і розміщуючи їх в уявному або ідеалізованому пейзажі. В цей час теми для полювання та риболовлі були популярними для оздоблення вілл у Болоньї. Риболовля була намальована як супутник іншої роботи Карраччі, Полювання. Виходячи з їх розмірів, обидва, ймовірно, були розроблені для навішування над дверними отворами у домашній віллі. Ці дві роботи були написані на початку кар'єри Карраччі і до його переїзду до Риму в 1584 році, але вони вже демонструють високодосконалий стиль художника. У цій роботі він поєднав декілька різних сцен в одній картині і спритно розробив свою композицію так, щоб око велося з переднього плану до кожної групи людей і на задній план, не пропускаючи жодних деталей. Цифри, ймовірно, базувались на дослідженнях безпосередньо з природи, а потім поєднувались із ландшафтом. Ця картина є інтригуючою, оскільки на ній показано, як Карраччі розвиває свій жест, видно на вказівній фігурі праворуч. Використання переконливого та чіткого жесту було однією з особливих навичок Карраччі, яка вплинула на пізніших живописців періоду бароко. Також очевидним є переконливе використання Карраччі пейзажу, який чудово складений у прозорому напівпрозорому світлі. (Тамсін Піккерал)

  • Підняття Лазаря (близько 1619)

    Джованні Франческо Барб’єрі на прізвисько Іль Герчіно, народився в бідності в маленькому містечку Ченто, між Феррарою та Болоньєю в Італії. В основному він був самоуком як художник. Він став одним з провідних живописців школи Болоньєзе, перебравши зайняту студію Гвідо Рені після його смерті (іронічно, оскільки розповіді свідчать про те, що Рєні ставився до Герцино неоднозначно). Стиль Герцино досить кардинально змінився за його життя, і такі роботи, як ця, яка була зроблена на початку його кар'єри, демонстрували високобароковий підхід із драматичним використанням контрастних вогнів і затемнень. Типова для барокових картин композиція складна і сповнена драматичних жестів, енергії та почуттів. Фігури забиті на передній план, майже ніби частина фризу, тоді як середина та фон практично не помітні. Ця техніка ставить глядача майже в ту саму просторову площину, що і фігури на картині, викликаючи тим самим потужний емоційний відгук. Подія полягає в тому, що Ісус воскресив померлого Лазаря. Герчіно наповнює сцену захопленою інтенсивністю та духовним запалом, яким би дуже захоплювались у його період. За кілька років до того, як ця картина була виконана, Герчіно познайомився з художникомЛюдовико Карраччі, і його надихнуло поводження з кольором та емоціями. Вплив Карраччі помітний у "Піднятті Лазаря" Герцино , хоча ця робота загалом більш енергійна за стилем. Плідний і затребуваний художник, Герцино помер багатою людиною. (Тамсін Піккерал)

  • Йосип Карпентер (1635–40)

    Історія життя та творчості Жоржа де Ла Тура нерівномірна. Незважаючи на те, що він мав успіх у своєму власному житті, Ла Тур був забутий на кілька століть - його робота була знову відкрита на початку 20 століття. Французький живописець, часто стверджують, що на нього вплинули картини Караваджо . Однак може бути, що Ла Тур не знав роботи Караваджо, і що він самостійно досліджував ефекти тіні та світла, що відливаються однією свічкою. Побожний римо-католик, "Ла Тур" часто малював релігійні сцени. Він кілька разів повертався до теми покаяння Марії Магдалини, а також малював цю зворушливу сценуЙосипа, який навчав Ісуса в столярній майстерні. Стиль реалістичний, детальний і ретельно спланований - Ісус тримає свічку, бо, за християнськими переконаннями, він є світлом світу, що освітлює темряву світу. (Люсінда Хокслі)

  • Клубоногі (1642)

    Мало хто міг не зацікавитись цією жанровою картиною явно непрацездатного жебрака з Неаполя, який нахабно дивиться на них із зубастою посмішкою. Народжений іспанцем Хосе де Ріберабільшу частину своєї кар'єри провів у Неаполі, який тоді контролювався Іспанією, і став провідним художником міста. Ймовірно, він мав намір просто зобразити неаполітанського хлопця-жебрака, оскільки його дуже цікавили звичайні люди. Однак те, як він змішав реалізм із традицією, проголосило новий напрямок у мистецтві. Життя не посміхнулося цьому жебраку, але він весело зухвалий. Він мило носить милицю через плече і випадково, а не відчайдушно, простягає папір, що дає йому дозвіл на жебрацтво, що в той час було обов'язковим у Неаполі. На латині написано: “Дай мені милостиню для любові Божої”. Замість того, щоб показати його, що присів на брудній бічній вулиці, він стоїть на тлі безтурботного пейзажу, що нагадує історичні, міфологічні та релігійні твори, написані в класичному стилі. Рібера дає йому вражаючий зріст, зробив більшим за рахунок низької точки зору та гуманної гідності. Його жебрак майже міг бути маленьким принцом. Розсипчасте мазання стає м’якшим на ландшафті, завдяки чому хлопчик виділяється ще більше. Здатність Рібера передати відчуття індивідуальності людей реалістично і гуманно справила великий вплив на західне мистецтво і зокрема на іспанську школу. (Енн Кей)

  • Вид на інтер’єр ( тапочки ) (1654–62)

    Самуель ван Хоггстратен був майстерним художником портретів та інтер'єрів, який дбав про правильне використання перспективи. Вид на інтер’єр , який традиційно називають тапочками, ілюструє характерне використання художником голландських кахельних підлог, щоб підкреслити глибину картини. Це підкреслюється чітко відступаючими площинами картин, позначеними рамкою картини, обшивками дверей і, нарешті, двома малюнками на звороті картини. Показуючи частину відчинених дверей на передньому плані, художник розміщує спостерігача в дверному отворі, що посилює ілюзорний ефект картини. На тему Хугстратена натякають тонкі деталі. Викинута мітла, домашні тапочки та закрита книга (читання перервано) свідчать про те, що любовний зв’язок відбувається просто поза увагою. Ніжно моралізаторський тон картини був таким, до якого Хогстратен повертався кілька разів. (Тамсін Піккерал)

  • Паломництво до Кітери (1717)

    У 1717 році Жан-Антуан Ватто подарував цю картину Французькій академії як свою дипломну роботу. Це було визнано його найкращою роботою, і це стало ключовим впливом на новий стиль рококо. Тема починалася як ілюстрація до другорядної п’єси. У фільмі Флоренції Данкур " Les Trois Cousines", дівчина, одягнена як паломник, виходить із хору і пропонує глядачам приєднатися до неї у подорожі до Кітери - острова любові, де кожен зустріне свого ідеального партнера. Перший варіант теми Ватто, датований приблизно 1709 роком, був дуже буквальним зображенням, але тут він відмовився від театральних рамок і перетворив інцидент на мрійливу, романтичну фантазію. Важливо, що він вирішив зобразити кінець, а не початок подорожі. Закохані створили пару і прикрасили статую Венери праворуч квітами, і вони збираються повернутися додому. Зосередившись на цьому моменті, художник зміг створити атмосферу ніжної меланхолії, яка так характерна для його творчості. Поки більшість пар готуються до від'їзду, двоє закоханих залишились біля святині богині, зачарований любов'ю і сліпий до всього іншого. Одна з жінок, що відходять, обертається і сумно озирається на них, усвідомлюючи, що ця частина любові є найбільш швидкоплинною. Після смерті Ватто його мистецтво різко вийшло з моди. Багатьом його зображення любовних ескапад здавалися занадто тісно пов'язаними зі старими часами монархії. У революційний період студенти мистецтва використовували йогоКітера для цільової практики, кидаючи в неї хлібні гранули. (Іен Зачек)

  • П’єро (раніше відомий як Жиль ) (бл. 1718–1919)

    Це одна з останніх картин, яку Жан-Антуан Ватто зробив за свою коротку кар’єру. На ньому видно клоуна, який дивиться на свою аудиторію із задумливим виразом обличчя, який може перегукуватися з меланхолійним настроєм художника. Жиль - загальна назва клоуна у Франції, ймовірно, що походить від Жиля ле Ніа, акробата і коміка 17 століття. За часів Ватто між цим персонажем і П'єро, провідним клоуном у commedia dell'arte, італійській театральній традиції, яка користувалася величезною популярністю у Франції, було значне перекриття. Обидві фігури зіграли невинного дурня, який став улюбленцем публіки - прототипом для Чарлі Чапліна та Бастера Кітона. Ця картинаймовірно, була виготовлена ​​як театральна вивіска, призначена для спокуси перехожих на шоу. Можливо, його створили для прем'єри комедії " Дана" , в якій одного з героїв перетворили на дупу. Як варіант, він міг рекламувати паради - короткі фарсові замальовки перед головним спектаклем. У них осла часто водили через сцену, щоб символізувати чисту дурість Жиля. Ватто використав меншу версію цього клоуна як головну фігуру в «Італійських комедіантах» - картину, яку він зробив для свого лікаря приблизно в 1720 році. В обох випадках похмура фігура Жиля нагадувала Ecce Homo(«Ось чоловік») живопис. Ця популярна релігійна тема змальовувала епізод у Страстях Христових, коли Понтій Пілат представляв Ісуса перед людьми, сподіваючись, що вони закликають до його звільнення. Натомість натовп закликав його розп’яття. (Іен Зачек)

  • Натюрморт з оливковою пляшкою (1760)

    Народжений у Парижі Жан-Батист Сімеон Шарден противився бажанням свого батька, який виробляє кабінети, піти по його стопах і замість цього став учнем у студії П'єра-Жака Казеса та Ноеля- Ноеля Койпеляу 1719 р. Протягом усього свого життя Шарден залишався вірним членом Французької академії, але, незважаючи на успіх, йому не дозволили стати професором, оскільки він був номінований художником "у галузі тварин і фруктів". Ранні натюрморти, якими він найвідоміший, були завершені за короткий проміжок часу, продемонструвавши швидкість, з якою він набув своєї майстерної техніки. За підрахунками, чверть його загального випуску була вироблена до 1732 року. Його стиль характеризується насиченою текстурою пензлем, який заборгував значний борг голландському живопису, зокрема вплив Рембрандта на поводження з фарбою. Це відокремлює його роботи від більш звичного стилю французького живопису 18 століття. Шарден писав прості побутові сцени та звичні предмети побуту. Однак,Натюрморт з оливковою пляшкою характерний для його стриманого настрою, м'якого освітлення та дивного реалізму, що надає повсякденним предметам та сценам чарівну ауру. Не дивно, що його шанувальники охрестили його "великим фокусником". Його талант полягав у створенні картин ідеальної завершеності з незмінною, але найвищою технічною майстерністю. (Роджер Вілсон)

  • Болт (бл. 1777)

    Жан-Оноре Фрагонар був одним із провідних живописців у стилі рококо. Його фотографії були легковажними, але чуттєвими, що характеризували витонченість французького придворного життя в роки, що передували революції 1789 р. Для своїх сучасників Фрагонар був відомий перш за все як майстер сюжетних книг (світлих предметів). Ці теми були відверто еротичними, але оброблялись із певним смаком та делікатністю, що робило їх прийнятними навіть у королівських колах. Дійсно, це багато говорить про сучасну моду, коли ця картина, здається, була замовлена ​​як супутник для релігійного живопису. Згідно з раннім джерелом, маркіз де Вері підійшов до художника, шукаючи картину, яку можна повісити поруч із одним із рідкісних відданих образів Фрагонар - «Поклоніння пастухів».. Для сучасних очей це може здатися дивним зіставленням, але Вері, ймовірно, призначив поєднання, щоб зобразити Священну і Профанну Любов - художню тему, яка була популярна ще з часів Відродження. Зазвичай художники передавали цю ідею в одній картині, але іноді вони поєднували картину Єви з предметом, що стосується Діви Марії (яку часто розглядали як нову Єву). Тут яблуко, яке видно на столі, є звичайним посиланням на спокусу Єви в Едемському саду. Болт був намальований, коли стиль рококо починав виходити з моди, проте ефектне освітлення та висока ступінь обробки свідчать про те, що Фрагонар адаптувався до неокласичного стилю, який входив в моду. (Іен Зачек)

  • Присяга Горацій (1784)

    Жак-Луї Давид , можливо, найнезвичайніший художник політичної пропаганди. Придворний художник Наполеона, багато з того, що ми знаємо про міфічну персону імператора та іконографію Французької революції, походить від театральних, алегоричних картин Давида. Девід був батьком неокласичного мистецького руху, який зображував класичні міфи та історію як аналоги сучасній політиці. Присяга Гораційрозповідає історію, записану римським істориком Лівієм близько 59 р. до н. е., про синів двох сімей, трьох братів Горатіїв та трьох братів Куріятіїв, які воювали у війнах між Римом та Альбою близько 669 р. до н. е. Чоловіки повинні битися, але одна з жінок із сім'ї Куріяті вийшла заміж за одного з братів Горацій, а одна сестра Горатій заручена з братом із сім'ї Куріатій. Незважаючи на ці зв'язки, старший Горатій закликає своїх синів битися з куріатіями, і вони слухаються, незважаючи на голосіння своїх горе-сестер. Зображуючи момент, коли чоловіки обирали політичні ідеали замість особистих мотивів, Девід просить глядачів розглядати цих чоловіків як взірців для наслідування під час їхнього політичного бурхливого часу. Що стосується реалізму в живописі, як і ідеалізму в політиці, Давид подорожував до Риму, щоб скопіювати архітектуру з життя. Результат мав колосальний успіх, коли картина була виставлена ​​в Паризькому салоні 1785 року. Картини Девіда все ще сильно резонують у глядачів, оскільки сила його майстерності була досить видатною, щоб сформулювати його сильні переконання. (Ана Фінел Хонігман)

  • Мадам Рекам'є (1800)

    Це широке визнання як Жак-Луї Давида «S кращий портрет. Завдяки своїй витонченості, простоті та економічності він також вважається одним із найуспішніших зразків неокласичного мистецтва. Модель Девіда, Джульєтта Рекам'є, була улюбленцем паризького суспільства. Вона була дружиною заможного банкіра з Ліону, хоча вона отримувала увагу безлічі інших чоловіків, котрі були скромно відмовлені. Девід черпав натхнення в доброчесній репутації Рекам'є. Своїми босими ногами, білою сукнею та антикварними аксесуарами вона нагадує весталку-останню дівчину. Це підсилюється позою. Погляд жінки відвертий і прямий, але її тіло відвернене, неприступне. Портретні засідання проходили не гладко: живописця дратувала незмінна безглуздість Джульєтти, в той час як вона заперечувала проти деяких художніх свобод. Зокрема, вона обурилася тим фактом, що Девід освітлив відтінок її волосся, бо це не відповідало його кольоровій гамі. В результаті вона замовила ще один портрет у одного з вихованців художника. Дізнавшись про це, Девід відмовився продовжувати. «Мадам, - кажуть він, - заявляє він, - дами мають свої капризи; так і художники. Дозвольте мені задовольнити своє. Я збережу твій портрет у теперішньому стані ". Це рішення могло бути корисним, оскільки сувора суворість картини надає їй значного впливу. Кажуть, що лампу та деякі інші деталі намалював учень Девіда Я збережу твій портрет у його теперішньому стані ". Це рішення могло бути корисним, оскільки сувора суворість картини надає їй значного впливу. Кажуть, що лампу та деякі інші деталі намалював учень Девіда Я збережу твій портрет у теперішньому стані ". Це рішення могло бути корисним, оскільки сувора суворість картини надає їй значного впливу. Кажуть, що лампу та деякі інші деталі намалював учень ДевідаЖан-Огюст-Домінік Енгр . Останній, безперечно, був вражений картиною, бо він запозичив позу Рекам'є для одного з найбільш відомих його творів - " La Grande Odalisque" . (Іен Зачек)

  • Купальник ( Купальник Вальпінсон ) (1808)

    У 1801 році, після навчання у Жака-Луї Давида , французький художник Жан-Огюст-Домінік Енгр виграв престижну нагороду в Римі. Цю нагороду присудила французька Академія Рояль, яка заплатила за те, щоб найкращі митці протягом чотирьох років відвідували Рим і вивчали італійських майстрів минулого. На жаль, держава не могла дозволити собі відправлення художників до Італії в цей час через невдалу економіку Франції. Зрештою Інгрес поїхав до Риму в 1808 р . Купальникбула однією з перших картин Інгреса, виконаної в Італії, і, хоча художник був оточений століттями важливого мистецтва епохи Відродження, це порушує традиції. Замість того, щоб розкрити особу свого суб'єкта, Енгр показав свою майже монументальну тему обличчям до глядача, злегка вивернувши тулуб, щоб відкрити спину. Це дозволяє глядачеві милуватися (і об’єктивувати) купальщицю, не викликаючи нас - вона залишається анонімною, невизначеною, її характер нерозбірливим. Пізніші роботи Енгр, присвячені жіночим ню, часто приймали більш фронтальні пози. Цікаво відзначити, що обмежена палітра зелених, кремових і коричневих кольорів Інгреса змінюється від темних тонів штори ліворуч до світлих тонів задника та покривала ліжка праворуч. Видно, що ця градація тону перегукується із символічним характером купання, вчинок, який очищає і очищає душу людини: коли няня віддаляється від ванни, вона стає білішою і, отже, більш чистою. (Вільям Девіс)

  • Пліт Медузи (1819)

    Мало хто міг поглянути на цю картину і не вразити її пристрасть і силу. Написаний первинним рушієм французького романтизму Теодором Геріко , зараз він розглядається як визначальне твердження цього руху. Романтики відійшли від класичного мистецтва 18 століття, щоб підкреслити реалізм і емоції. Цей живопис особливо цікавий тим, що він так чітко поєднує класицизм і романтизм. Коли «Пліт Медузи» з’явився на виставці «Салон 1819», це спричинило великий скандал, жахнувши заклад. Сцена розповідає справжню історію корабельної аварії французького урядового фрегата " La Méduse", чий некомпетентний капітан та офіцери взяли для себе єдині рятувальні човни і залишили всіх, крім 15 із 150 екіпажів та пасажирів, загинути на імпровізованому плоту, занурившись у відчай, дикість та людоїдство. Жеріко наважився показати жахливий, тривожний епізод із сучасної історії (аварія сталася в 1816 році), який погано відбився на всіх причетних, таким чином, що нагадував величезні героїчні картини історії, які так любили традиціоналісти. З одного боку, тут є жахливий рівень реалізму (Геріко вивчав трупи, щоб отримати детальні дані), з надзвичайно енергійною маніпуляцією, що підсилює закручений рух і емоції. З іншого боку, тіла та композиція у формі піраміди мають класичний стиль. Незважаючи на обурення, картина здобула художнє схвалення Жеріко, і вона мала величезний вплив на інших художників,Ежен Делакруа . (Енн Кей)

  • Смерть Сарданапала (1827)

    Часто вважається найбільшим із французьких романтиків, Ежен Делакруа був справді художником свого часу. Як і його друг Теодор Жеріко , Делакруа зберіг певні класичні елементи свого раннього навчання, але показав зухвалу енергію, багате, індивідуалістичне використання кольорів і любов до екзотики, що зробило його першопрохідцем. Масивне полотно Смерть Сарданапалавибухає на почуття диким рухом і розкішним кольором, оргія поблажливої ​​екзотики. Сарданапал був ассирійським правителем давньої легенди зі смаком до крайнього декадансу. У відповідь на ганьбу великої військової поразки Сарданапал зробив величезний вогнище, на якому спалив себе до смерті разом із усіма своїми палацовими скарбами, коханками та поневоленими людьми. Делакруа насолоджувався такою байронічною драмою. Здається, він відмовився від будь-яких спроб реалістичної перспективи чи композиційної узгодженості. Викривлені тіла та предмети кружляють навколо у світі кошмарів, задушеному інтенсивним кольором та гарячою, посягаючою тінню. Детальний розпис блискучих коштовностей та багатих тканин чітко передає екстравагантний світ, який зображається, тоді як прохолодний загін, яким Сарданапал оглядає навколо себе погром, вражає зловісним настроєм. Делакруа експериментує з сірими та блакитними тонами на шкірі людини, щоб надати форму його нетрадиційному моделюванню тіл. Неважко помітити, як нестримне дослідження насильства, разом із шаленою енергією та сміливими техніками забарвлення, говорили про пізніших художників. (Енн Кей)

  • Обожнений Гомером ( Апофеоз Гомера ) (1827)

    На той час, коли Гомер Деїфіфікований був написаний, Жан-Огюст-Домінік Енгр був самопроголошеним лідером традиційного класичного живопису, протистоячи своєму впертому мистецтву французьких романтиків, таких як Ежен Делакруа . Ця конкретна картина навряд чи може бути кращим прикладом академічного підходу Інгреса, і насправді він задумав її як гімн похвали класицизму. Незважаючи на те, що він мав більш чуттєву сторону (наприклад, його "Купальник" ), вона тут була повністю придушена. Також відомий як Апофеоз Гомера , цей твір показує відомого поета Стародавньої Греції як бога, якого вінчає лаврами міфологічна фігура Перемога. Дві жінки біля його ніг представляють великі епічні твори Гомера,«Іліада» та «Одісея». Навколо нього скупчується натовп художніх гігантів давнього та нового часу, включаючи греків: драматург Есхіл пропонує пергамент ліворуч від Гомера, а афінський скульптор Фідій тримає молоток праворуч. У більш сучасних постатях переважають художники з класичного періоду Франції 17 століття, такі як драматург Мольєр та художник Нікола Пуссен. Трикутна симетрична композиція випромінює класичний ідеалізм, Гомер розміщений центрально проти античного храму, що носить його ім'я. Ця картина була погано сприйнята під час її створення. Енгр виїхав до Риму на кілька років, але він повернувся в 1840-х роках, щоб його знову визнали провідним класицистом. Стало модним прокляття традиційності Інгреса, але зараз його розглядають як впливового художника із значною технічною майстерністю. (Енн Кей)

  • Свобода, що веде народ (1830)

    Ця робота належить до періоду між 1827 і 1832 роками, протягом якого Ежен Делакруавипускав один шедевр за іншим. Це не виняток. Цей малюнок, написаний на згадку про революцію липня 1830 року, яка привела до влади Луї-Філіппа, символізує дух революції. Це викликало фурор на Паризькому салоні 1831 року, і, хоча Луї-Філіп купив твір, щоб відзначити його приєднання, він тримав його подалі від очей громадськості, оскільки він вважався потенційно запальним. Картина монументально поєднує сучасний репортаж з алегорією. Місце і час чіткі: Нотр-Дам видно вдалині, і люди одягнені відповідно до свого класу, а схудлий хлопчик праворуч символізує силу звичайних людей. Алегорична фігура Свободи, яка найкраще підходить для сцени, триколор, піднятий над нею, викликав обурення, бо замість уособлення ідеалізованої краси, яскрава мазка показує цілком справжню жінку - напівголу, брудну і переступаючу через трупи таким чином, що може натякати на те, як свобода може привести до власного гніту. На цій картині також показано, як Делакруа звертається до більш приглушеного підходу своєї пізнішої роботи, коли він робить делікатніші набіги на способи, як кольори працювали поруч, щоб передати відчуття реальності або висловити істини. Таке використання кольору було б надзвичайно впливовим серед імпресіоністів та модерністів, які походять з Росії в якому він робив делікатні набіги на те, як кольори працювали поруч один з одним, щоб передати відчуття реальності або висловити істини. Таке використання кольору було б надзвичайно впливовим серед імпресіоністів та модерністів, які походять з Росії в якому він робив делікатні набіги на те, як кольори працювали поруч один з одним, щоб передати відчуття реальності або висловити істини. Таке використання кольору було б надзвичайно впливовим серед імпресіоністів та модерністів, які походять з РосіїП'єр-Огюст Ренуар і Жорж Серат до Пабло Пікассо . (Енн Кей)

  • Вид на Велику галерею Лувру (1841)

    Син успішного торговця ткачами Патрік Аллан-Фрейзер відкинув можливість піти за батьком у комерційну кар'єру на користь продовження його мистецьких схильностей. Дослідження провели Аллана-Фрейзера в Единбург, Рим, Лондон і, нарешті, Париж, де він зіткнувся з чудовою галереєю Гранд в Луврі. Під час живопису Вигляд великої галереї Лувру, художник черпав натхнення у групи вікторіанських художників, відомих як Клік, з якими він стикався в Лондоні. Клік відкинув академічне високе мистецтво на користь жанрового живопису. Нескінченна, здавалося б, Grande Galerie, що простягалася на чверть милі, була місцем, де художники та ремісники часто збиралися, проте тут ми стикаємось із спокійною атмосферою вдячності та роздумів. У подальші роки Аллан-Фрейзер занурився у реставрацію та будівництво вишуканих будівель, і його захоплення Великою галереєю було першочерговим при цьому. Спорадичні промені світла не тільки дозволяють глядачеві дивитись на діяльність всередині, але також виявляють величину та елегантність залу. Аллан-Фрейзер був обраний до Королівської шотландської академії в 1874 році, і він замовив портрети членів The Clique, на повагу до тих, хто його надихнув. (Саймон Грей)

  • Сувенір де Мортефонтен (1864)

    Каміль Коро розпочав свою кар'єру прибирачем, перш ніж вирішити продовжувати художню підготовку. За підтримки батька він навчався спочатку у Ахілле Етна Міхаллона, а потім у Жана-Віктора Бертіна, хоча згодом Коро заперечував, що його навчання вплинуло на його мистецтво. Протягом свого життя він багато подорожував, провівши кілька років в Італії, досліджуючи Швейцарію та охоплюючи більшу частину французької сільської місцевості. Під час поїздок він робив численні олійні ескізи та пленерні картини, що захоплювали безпосередність світла та атмосфери; він також працював над картинами у виставковому стилі в межах майстерні. Сувенір де Мортефонтенє однією з найкращих картин його пізньої кар'єри. Він купається в м'якому розсіяному світлі, і це твір повного спокою, втілення ліричного та поетичного засвоєння світу художника. Сцена взята не з натури, але вона поєднує ключові елементи природного середовища, щоб створити ідеальний, гармонійний образ. Витончене дерево на передньому плані, простор тихої води позаду і тихі фігури, підібрані м’яким кольором, були мотивами, які художник часто використовував, щоб зробити твір красивим, тихим відображенням. Спочатку працюючи за зразком реалістів, стиль Коро розвивався, щоб охопити мрійливе, романтичне сприйняття. Таким чином, його роботи можна вважати щось на зразок моста між реалістами та імпресіоністами, і справді його часто називають батьком імпресіонізму.Погляди Клода Моне на Сену у ранньому ранковому світлі, намальовані протягом 1890-х. (Тамсін Піккерал)

  • Бичування Христа (1455–60)

    Землі Каталонії, орієнтовані на місто Барселону, побачили великий золотий вік мистецтва в 1400-х роках, і на чолі цього відродження був Жауме Хугет . Угет славиться приголомшливими вівтарними зображеннями, які характеризують чудово декоративне релігійне мистецтво, вироблене каталонською школою в цей час. У центрі цього вівтаря, Христа б'ють до винесення смертного вироку шляхом розп'яття. Чоловік, який виніс вирок - римський намісник Іудеї Понтій Пілат - сидить на великому престолі праворуч. Образ Хуге наповнений ювелірними кольорами і розсипаний дрібними деталями - від підлогової плитки до трону і одягу Пілата. У композиції є добре побудована симетрія: центральне положення Христа, оточене двома чоловіками, що вибивають побиття, і двома маленькими ангелами біля його ніг, плитка підлоги, що відступає, ряд арок за Христом і віддалений вид на пейзаж із рівномірні піки. Весь ефект надзвичайно декоративний, майже як шматок гобелена. Ця штука була замовлена ​​гільдією шевців для каплиці Сен-Марка Барселонського собору, саме тому в декоративній облямівці з’являється взуття. На кордонах також зображені орел, лев, ангел та віл - символи євангелістів св. Івана, св. Марка, св. Матвія та св. Луки відповідно. Робота Хуге в цілому відповідає формам каталонських майстрів XV століття, таких як Бернардо Марторелл, і його особистий стиль допоміг визначити каталонський стиль. (Енн Кей)

  • Старий з хлопчиком (бл. 1490)

    Доменіко Гірландайо був флорентійським художником, відомим своїми фресками та портретами. Старий з хлопчиком - його найбільш відомий образ. Малюнок у Національному музеї в Стокгольмі свідчить про те, що Гірландайо проводив дослідження старого, включаючи дефект шкіри на носі. Вважається, що чоловік страждав від ринофіми, що викликає погіршення стану, внаслідок розацеа. Але реалістичність портрета незвична для свого часу. Вважається, що включення Гірландайо цього дефекту вплинуло на пізніших художників, таких як Леонардо да Вінчі, щоб малювати свої предмети такими, якими вони були. Глядача, безумовно, зворушує ця сцена. Старече обличчя старого контрастує з м’якою молодою шкірою дитини. Коли рука дитини тягнеться до старого, їх погляди зустрічаються у відкритому прояві прихильності. Теплі червоні підкреслюють цей любовний зв’язок. (Мері Куч)

  • Ворожка (близько 1508–10)

    Основна слава Лукаса ван Лейдена спирається на його надзвичайні навички гравера, але він також був досвідченим живописцем, якому приписували те, що одним із перших запровадив нідерландський жанровий живопис. Народився в Лейдені, де провів більшу частину свого життя, вважається, що він навчався у свого батька, а згодом у Корнеліса Енгебрехтца. Він подорожував до Антверпена в 1521 році, де зустрів Альбрехта Дюрера , який записав цю подію у своєму щоденнику. Праця Дюрера, мабуть, мала на нього найбільший вплив, хоча ван Лейден підходив до своїх предметів із більшою анімацією, концентруючись більше на характері окремих фігур. Ворожка,що є натяком на марнославство любові та ігор, було написано на початку кар'єри ван Лейдена, але вже демонструє його креслення та майстерність як колориста. Це вивчення характеру, причому кожну людину зображують з живою чутливістю. Темноволосий чоловік на задньому плані особливо підкуповує своїм пронизливим поглядом і зловісним обличчям, що контрастує з блідою фігурою ворожки. Поверхня малюнка має багато візерунків, а різні фактури - від хутра, шовку до скла та м’якоті - чудово передані. Переміщення композиції на передню частину площини зображення призводить до розміщення глядача серед інших фігур. Ван Лейден був відомим за життя, і хоча у нього не було прямих учнів, його вплив був глибоким на розвиток нідерландського мистецтва, прокладаючи шлях голландським традиціям жанрового живопису. Вважається, що його робота також мала вплив наРембрандта . (Тамсін Піккерал)

  • Тріумф Тита та Веспасії (близько 1537)

    Народжений Джуліо Піппі, художник цієї картини згодом став відомий як Джуліо Романо після міста його народження. У молодому віці він пішов вчитися до Рафаелязгодом став його головним помічником, а після смерті Рафаеля він завершив низку робіт художника. Яскрава палітра і сміливий образний стиль Романо були на відміну від тонкощів його вчителя, але, з точки зору чистої фантазії та драматичного ілюзійного ефекту, досягнутих завдяки маніпуляціям перспективою, Романо був лідером у своїй галузі. Окрім своїх живописних досягнень, художник також був архітектором та інженером. Близько 1524 року Романо був працевлаштований Фредеріко Гонзага, правителем Мантуї, і приступив до масштабного проекту проектування та відбудови деяких будівель міста, а також ряду декоративних схем. Тріумф Тита і Веспасіїбув замовлений Гонзагою для Кімнати Цезарів у Палаццо Дукале. На ньому зображений імператор Тит, який проходить парадом через Рим після перемоги над євреями. Композиція заснована на сцені з внутрішньої сторони старовинної Арки Тита в Римі, і вона зберігає значну частину скульптурних якостей оригіналу, особливо у проникливих конях Романо на колісницях. Блискучі кольори та класична тематика, надані рукою маньєризму Романо, зробили цю роботу дуже популярною у свій час. Особливо заслуговує на увагу його обробка пейзажу, який є чудово деталізованим і залитим мерехтливим напівпрозорим світлом. (Тамсін Піккерал)

  • Богородиця з немовлям зі Святою Анною (близько 1510)

    Леонардо да Вінчі був вихований у майстра скульптора Андреа дель Верроккіо , після чого працював у деяких найбагатших меценатів Франції та Італії, включаючи сім'ю Сфорца Мілана, короля Франції та Ватикану в Римі. Якби Верроккіо не перейшов на живопис, щоб конкурувати зі своїми суперниками в той час, коли Леонардо був у своїй майстерні, деякі вчені вважають, що можна подумати, що Леонардо ніколи не піднімав би пензля. Незважаючи на те, що його життя та творчість надзвичайно важливі для історії мистецтва, сьогодні в його творчості є приблизно 20 надійно віднесених картин. Діва, її мати Анна та немовля Ісус, тема цієї картини, є разом однією з найпопулярніших тем Леонардо, про що свідчать кілька малюнків і картин. Сюди входять загублений мультфільм 1501 року та «Богородиця з дитиною зі Св. Анною та Іваном Хрестителем» (бл. 1508, відомий як мультфільм «Будинок Берлінгтона»); можна припустити, що останній мультфільм мав на меті перетворитися на великий, повністю намальований твір, але немає жодних доказів того, що колись робилася спроба зробити такий живопис. Однак тут Діва Марія лежить на колінах святої Анни, тоді як дитина Христа грайливо пестить молодого жертовного ягняти, передвіщене втілення долі немовляти. Невеликий малюнок пером і чорнилом для Богородиці з дитиною зі Святою Анноюіснує у колекції Академії, Венеція. Неформальні пози та ніжна психологічна взаємодія між сидячими становлять найвищий релігійний живопис. (Стівен Пулімуд)

  • Кондотьєро (1475)

    У той , що стало одним з Антонелло да Мессіна «s найвідоміших картин, художник зображує полководця Італії, відомого як кондотьє. (Однак справжня особистість чоловіка невідома.) До 19 століття Італія складалася з набору незалежних міських держав, і кондотьєрі користувалися великим попитом для боротьби в битвах між конфліктуючими державами. Антонелло цікавиться тим, як показати чин свого сидера: він сидить перед чорним фоном в основному одязі та головних уборах з гарною поставою, тим самим піднімаючи свій статус вище, ніж простий воїн. Справді, підданий Антонелло мабуть мав багатство, щоб дозволити собі титул, ближчий до титулу джентльмена, і він замовив би цей портрет, щоб підкреслити свою соціальну позицію. Однак Антонелло нагадує глядачеві, що ця людина - нещадний боєць. Пильніший огляд Кондотьєророзкриває такі деталі, як бойова рана на верхній губі няні. (Вільям Девіс)

  • Мона Ліза (близько 1503–09)

    Леонардо да Вінчі розпочав своє життя як позашлюбний син тосканського нотаріуса, і, можливо, він став найбільш обговорюваним у світі художником. Нескінченне захоплення з боку науковців та громадськості виникло практично з того дня, коли він почав писати та писати. Він також був людиною з вадами та обмеженнями. Він народився в тосканському містечку Анчіано біля схилу гори Вінчі, і в ранньому віці він переїхав до Флоренції, щоб навчатись учнем у Андреа дель Верроккіо, відомий скульптор доби. З тих ранніх уроків Леонардо глибоко оцінив тривимірний простір - концепція, яка добре йому служила протягом усієї кар'єри, незалежно від того, малював він або малював тонкощі рослин чи частин людського тіла, військових машин чи громадських водогонів, математична геометрія або місцева геологія. Назва цієї картини , яка не використовувалась до XIX століття, була виведена з раннього опису Джорджо Вазарі , який також надає єдину ідентифікацію сидера. Мона Ліза, також відома як Ліза Джерардіні, була намальована в середині 20-х років після того, як вона вийшла заміж за продавця шовку на ім'я Франческо дель Джокондо, чоловіка, який, можливо, замовив портрет. Донині італійці знають її як Джоконда, а французи - якLa Joconde , що дослівно перекладається як “веселий (або грайливий)”. У більш недавній історії слава картини також може походити частково з того факту, що вона була викрадена з Лувру в Парижі в сенсаційному грабіжництві в 1911 році італійським націоналістом, але на щастя повернута через два роки. (Стівен Пулімуд)

    [Хочете дізнатися більше про те, чому Мона Ліза така відома? Прочитайте це Демістифіковане Брітанікою.]

  • Благодійність (1518–19)

    У 1518 р. Франциск I Французький викликав флорентійського художника Андреа дель Сарто до свого французького двору, де італійський художник прожив рік. Благодійність - єдина картина, що збереглася за його перебування у Франції; його намалювали для замку Амбуаз. Робота типова для картин, які в цей час віддавали перевагу французькі королівські особи. На ній зображена фігура Милосердя в оточенні дітей, яких вона виховує та захищає. Це було алегоричне зображення французької королівської сім'ї, і воно святкувало народження дофіна, якого символізує немовля, що вигодовує дитину, тоді як фігура Милосердя має певну схожість з королевою. Пірамідальна структура композиції є типовою для традиційної форми для цього типу живопису, і це також є відображенням впливуЛеонардо да Вінчі на Андреа дель Сарто. Зокрема, митець захоплювався твором Леонардо " Діва та дитина зі святою Анною" . (Тамсін Піккерал)

  • Обезголовлення св. Георгія (бл. 1432–34)

    Бернардо Марторелл працював у Барселоні, і його викладав Луїс Боррасса, найпродуктивніший каталонський художник того часу. Лише одна робота, що вціліла, безумовно приписується Марторелю - Вівтар Святого Петра з Пубола (1437), що знаходиться в музеї Герони, Італія. Однак вівтар Святого Георгія настільки виразно виконаний у стилі Мартореля, що більшість експертів вважає, що він був художником. Вівтарна картина була створена для каплиці Святого Георгія в Барселонському палаці. Він складається з центральної панелі, на якій зображено святого Георгія, що вбиває дракона , який зараз знаходиться в Інституті мистецтв Чикаго, та чотирьох бічних панелей, які знаходяться у Луврі у Франції. Це бічна панельутворює завершальну частину розповіді, і в ній зображено мучеництво Св. Георгія. Легенда про святого Георгія, схоже, бере свій початок у працях Євсевія Кесарійського, датованих IV століттям н. Е. Його вважали римським солдатом знатного походження, якого в 303 році н. Е. Було забито за протест проти переслідування християн. Він був канонізований у 10 столітті і став святим покровителем солдатів. Легенда про святого Георгія була широко поширена по всій Європі в середні віки, і, хоча історія про те, що святий вбив дракона, здається більше міфологічною, ніж чудодійною, вона переказана на багатьох середньовічних картинах. В цій останній сцені з легенди, коли Святого Георгія обезголовили, блискавка падає з вогненно-червоного та золотого неба. Стиль може бути міжнародною готикою, але жахливі обличчя, виховані коні, валяються тіла, а експертне поводження зі світлом належить Martorell. (Мері Куч)