Çeşitli

Film - Film yönetmenliği

Film yönetmenlik

Modern sinema yönetmeni, bir filmin nihai stilinden, yapısından ve kalitesinden en sorumlu kişidir. Sinema bir işbirliği sanatıdır ve bazı durumlarda yönetmenden başka biri hakim olabilir (örneğin, son filmde otoriteye sahip bir yapımcı veya gişe popülaritesi ona yönetmeni yönetme gücü veren bir oyuncu), ancak genel olarak, resmi yönetmekle görevlendirilen kişinin, resmi ve içeriği nedeniyle övgüyü veya suçu üstlenmesi gerektiği varsayılır.

Yönetmenin hizmet ettiği işlev her zaman biri tarafından doldurulmuş olsa da, bu işlevin önceliği her zaman tanınmamıştır. Örneğin, Georges Méliès kendisini filmlerin bir "yapımcısı" olarak görüyordu ve aslında 1896'dan 1912'ye kadar set tasarımı, oyunculuk ve kamera çalışmaları da dahil olmak üzere kendi adını taşıyan filmlerin yapımının tüm yönleriyle ilgilendi .Yüzyılın dönümünde Fransa'da yaşayan Charles Pathé , hızla genişleyen film imparatorluğunun resimlerini özellikle yönetmesi için bir asistan (Ferdinand Zecca) atayan ilk yapımcılardan biriydi. Fransa'nın Gaumont Pictures, Louis Feuillade veSinemada kilit bir konuma sahip ilk kadın olan Alice Guy , her biri ayrı türlerde uzmanlaşmış yönetmenlik görevini paylaştı . In ABD'de , Avrupa'da olduğu gibi, ilk filmi yönetmenlerinden birçok (kameramanları edildi Edwin S. Porter) veya aktörler (DW Griffith), şartlar onları çeşitli yönetmenlik görevlerini üstlenmeye zorlayana kadar. Bununla birlikte, sinema endüstrisi hızla büyüyordu ve 1910'da yeni inşa edilen birçok sinema salonunu doldurmak için gereken film sayısı, prodüksiyonun devredilmesi gerekecek kadar arttı. Yönetmenin rolü, film yapım sürecine dahil olan oyuncular, tasarımcılar, teknisyenler ve diğerleriyle birlikte çalışmak, verilen finansal ve maddi kısıtlamalar dahilinde ilginç ve anlaşılır filmleri hızlı bir şekilde ortaya çıkarmak için çabalarını koordine etmek ve denetlemekti.

1920'lerin başlarında sinema filmleri hakkında ciddi bir şekilde yazanlar, yönetmene başarılar ve başarısızlıklar atfetmekten çekinmiyorlardı. Bazı yönetmenler, özellikle Almanya'da FW Murnau ve Fritz Lang ve İsveç'te Victor Sjöström , filmlerinde rol alan yıldızlar kadar meşhurdu. 1926'da William Fox , Murnau'ya Hollywood'a taşınması için 1 milyon dolar ödedi ve dünyanın şimdiye kadar gördüğü en büyük filmleri yapma umuduyla. Bu sanat ve paranın evliliğinin ana sorunu Sunrise (1927), bir anormallik olarak kalır.Film endüstrisinin tarihinde, Murnau'ya alışılmadık bir kontrol ve neredeyse sınırsız kaynak verildi. Film hala eleştirmenleri hayrete düşürüyor, ancak ticari bir başarı olmadı ve bir süre yönetmenin büyüyen itibarını engelledi. Erich von Stroheim’ın Irving Thalberg gibi yapımcılarla daha dramatik karşılaşmaları, bu iş benzeri tavrı daha da cesaretlendirdi, bu da yönetmenleri ya işçi gibi ya da zor olarak hızlıca yazmanın pratiğine yol açtı.

Büyük çağda stüdyo sistemi (1927–48), güçlü yönetmenler filmlerin yapıldığı fabrika koşullarıyla rekabet ettiler. Güçlü kişiliklere sahip yönetmenlere ( Frank Capra , Howard Hawks , John Ford ve Ernst Lubitsch gibi) büyük özgürlük verildi, ancak yine de stüdyoya sözleşmeli aktörler ve aktrislerle çalışmak zorunda kaldılar, sendika personeli ile zamanın onurlu rutinlerini takip etti. stüdyo tarafından seçilen senaryo ve senaryo yazarları ve denemeyi caydıran son tarihler.

"1950'lerde Fransız film teorisyenleri tarafından propagandası yapılan auteur teorisi , stüdyo döneminin filmlerini incelemek ve değerlendirmek için güçlü bir yöntem sundu. Auteur kelimesi (Fransızca'da kelimenin tam anlamıyla “yazar”), 1930'larda Fransa'da sanatsal mülkiyet hakları konusundaki yasal savaşlarda kullanıldı. Bir filmin senaristine, yönetmenine veya yapımcısına "ait" olup olmadığını belirlemeye yönelik bu hukuki mücadele, birçok eleştirmen ve teorisyenin, tıpkı bir mimarın bir film için övgüyü hak eden tek kişinin yönetmen olduğu inancını güçlendirdi başkaları tarafından yapılmış ve kullanılmış olmasına rağmen bina. Bu görüş, güçlü yönetmenler söz konusu olduğunda son derece mantıklı olsa da, ortalama film yapımcılarını görmezden gelme eğilimindeydi.

Auteurler, sağlam tekniklere, iyi tanımlanmış bir dünya vizyonuna ve prodüksiyonları üzerinde bir dereceye kadar kontrole sahip yönetmenler olarak tanımlanır. Bazı yönetmenlik durumlarının değerlendirilmesi kolaydır. Griffith ve Chaplin, büyük çabaları üzerinde tam bir mali kontrole sahipti. Ingmar Bergman gibi Avrupalı ​​sanat yönetmenleri de benzer özgürlüğe sahipti. Nitekim, filmleri genellikle önemli sanatsal kişiliklerin ifadeleri olarak pazarlandı. Bununla birlikte, auteur teorisi, sayısız filmin boğucu stüdyo durumlarının ortasında faaliyet gösteren yönetmenler tarafından yeniden değerlendirilmesini teşvik etmek için geliştirildi. Gibi Yönetmenler Leo McCarey , Gregory La Cava ve Anthony Mann üslup gerekse tematik onların filmlerini, aşılanmış ne olursa olsuntutarlı, kişisel bir estetik ile tür . Başarısız olsalar bile çıktıları, bir senaryoda belirtilen kelimeleri ve eylemleri rutin ekran görüntülerine çeviren daha zayıf yönetmenlerin ayırt edilemeyen filmlerinden ölçülemeyecek kadar daha değerli görülüyor . Stüdyo yıllarında senaryo yazarları çoğunlukla ekipler halinde çalıştılar; tek bir senaryo genellikle birkaç farklı yazarın elinden geçer, bu nedenle çoğu film, belirli bir stüdyonun ürünü olarak bireysel bir yazardan daha çok tanınır. Gerginlik yönetmeni ve aralarında tarz veya stüdyoda bir birey vizyonunu ifade ederken halka hitap ürünleri filmlere düşünülmektedir. Böylece, auteur aracılığıyla popüler sanat of sinema şiir ve güzel sanatların geleneksel hedeflerine, otantik ifade ve deha hedeflerine ulaşabilir.

Auteur teorisi özellikle 1960'larda etkiliydi ve tartışmalı bir şekilde sadece Fransız Yeni Dalgasını değil, aynı zamanda Britanya ve Amerika Birleşik Devletleri'nde de benzer hareketleri yaratmada etkili oldu. Gibi yönetmenlerLindsay Anderson , Joseph Losey , Stanley Kubrick , John Cassavetes , Francis Ford Coppola ve Arthur Penn kendilerini tomurcuklanan auteurler olarak gördüler ve kendilerine özgü tarzları ve temalarıyla eleştirel ve popüler beğeni topladılar. 1950'lerde stüdyo sisteminin çöküşüyle, tek bir kişiliğin bir filmin kontrolünü ele geçirmesi ve onu kişisel vizyon temelinde pazarlaması için gerçekten yer vardı.

1960'tan sonra birinci dereceden Amerikalı sinema yönetmenleri, Avrupa'da yüzyıl boyunca uygulanan koşullarda film yapmaya başladılar. Örneğin, Fransa'nın önemsiz stüdyo sistemi, bireysel girişimcilerin bir kereye mahsus film projelerini bir araya getirmelerini sağlamış ve teşvik etmişti . Bu tür projeler genellikle bir ekip etrafında dönüyorduveya yaratıcı personel ekibi, başında yönetmen ile. Yönetmen daha sonra tasarımcının, bestecinin ve (en önemlisi) senaristin işini gerçekten şekillendirebilir, böylece film baştan sona tutarlı ve nispeten kişisel bir tarza sahip olur. Bu zanaatkar formatta, bir yapımcı sahneleri farklı bir şekilde ele almak için yönetmene güvenir. Yönetmenin, belirli bir etkiye ulaşmak için senaryoyu yeniden yazması bile gerekebilir. Bu kişisel bağlılığın bir sonucu olarak, birçok önemli filmin prodüksiyonu sırasında ortaya çıkan iyi duyurulmuş argümanlar neredeyse her zaman yönetmeni içerir.

Alfred Hitchcock , tartışmaları küçümseyen bir yönetmendi . Filmlerinin planını kafasında tuttu ve her çekim için herhangi bir tartışma olmaksızın ayrıntılı talimatlar verdi. Yapımcılarına alternatif öneriler sunma veya filmi yeniden kesme fırsatı verilmedi . Sahneler yalnızca bir şekilde, Hitchcock'un tarzına uyuyor. Bazı eleştirmenler, bir Hitchcock filmindeki oyunculuğun genellikle uydurulmuş olduğundan, setlerin yapay olduğundan ve arkadan projeksiyonlu çekimlerin açık olduğundan şikayet ederken, Hitchcock tarzı hemen tanınabilir. Çoğu insan, Hitchcock'un yönlendirmesinin etkililiğine hayran kalır, hatta bazıları filmlerinde derin ahlaki ve metafizik içgörü bulunabileceğini iddia eder .

Dünyanın dört bir yanındaki büyük yönetmenler genellikle bu saygıyı yaşadılar. Diğerleri arasında, Mizoguchi Kenji ve Kurosawa Akira ait Japonya , Satyajit Ray Hindistan, Federico Fellini İtalya'nın, Luis Bunuel İspanya ve Carl Dreyer Danimarka bireysel sanatsal açıklama yapmak için nadir fırsat verildi. Bazıları, filmleri içinde çalıştıkları ülkelere kültürel şöhret getiren sanal ulusal hazineler olarak görülüyor.

Bu istisnalara rağmen, çoğu yönetmen, özellikle bu çağda, büyük kısıtlamalar altında çalışmaktadır. televizyon endüstrisi. Geleneksel bir televizyon dizisi, dizide sürekli çalışan yapımcıların, aktörlerin ve yapım ekibinin ürün üzerinde çok daha fazla kontrole sahip olması için yönetmenleri bölümden bölüm döndürür. Bir televizyon programının her sahnesi tipik olarak üç farklı kamera kurulumundan çekilir. Yönetmen, oyunculardan mümkün olan en iyi performansları elde etmeye çalışır, ekibin uygun görüntüleri sunduğundan emin olur ve daha sonra bir editör hikayeyi anlatmak için kullanılacak en iyi kareleri seçer. Buna karşılık, güçlü film yönetmenleri genellikle kurgu ve post prodüksiyona derinden dahil olmuşlardır. Televizyon endüstrisi, stüdyo sisteminin montaj hattı özelliklerini vurgularken, günümüzde bağımsız film prodüksiyonu kendisini yönetmen diktatörlük gücüne göre ayırmaktadır.

İster tam isterse sınırlı kontrol verilsin, her yönetmen senaryoyu onaylamalı ve ardından filmin genel tasarımıyla ilişkisi içinde filme alınan sahneye odaklanmalıdır. Yönetim birimi (bir yönetmen yardımcısı ve süreklilik katibi), yönetmenin setteki yaratıcı personelle (görüntü yönetmenleri, ışıklandırma ve ses ekipleri, set dekoratörleri ve tabii ki oyuncular) etkileşime girebilmesi için organizasyonun ayrıntılarıyla ilgilenir. Post prodüksiyona gelince, tüm yönetmenler laboratuvardan gelen günlük koşuşturmalarda editöre bakar, ancak sadece bazıları kurgu, müzik ve miksaj aşamalarını takip eder ve bunlara dahil olur . Her durumda, direktör, projenin eksiksiz bir görünümünü koruyan tek kişidir,yazarından ses karıştırıcısına kadar tüm personelden en iyisini çekmek ve filmin tutarlı bir görünüm ve anlam kazanması için çabalarını şekillendirmek.

Başarılı yönetmenlik müdürü yeteneklerinden yararlanan bir forma bir komut dosyası şekillendirme, aktörler mümkün olan en iyi performanslarını çizim, böyle sette tutma uyum (veya üretken yarışma) canlı olarak soyut toplumsal ilişkiler ile ne kadar ilgili olduğu fotoğrafçılık ya da ana aktörün ya da yapımcının özel bir çekim için gereken para için yalvarması. Bu tür rutin beklentilerin ötesinde, büyük yönetmen, ortama benzersiz veya ustaca bir yaklaşımla tanımlanır. Yönetmenler , hikayeleri cüretkar bir şekilde ele aldıkları için övgü aldılar . Birkaç ana karakterle ilgili iki saatlik bir dramanın standart gereklilikleri tarafından kuşatılmayı reddederek ,Francis Ford Coppola , örneğin, onun iki bölümlük başyapıtı birlikte gerçekten epik fresk parçalı Godfather gibi yaptılarRobert Altman gibi kolaj anlatılarındaNashville (1975) veKısa keser (1993) ve Paul Thomas Anderson içindeManolya (1999). İtalyan yönetmenler olduğu gibi epik formu ile denemişlerdir Ermanno Olmi ‘ın L'albero degli zoccoli (1979; Ahşap Clogs Ağacı ) veBernardo Bertolucci'nin ‘s Novecentol (1976;1900 ) ve The Last Emperor (1987) ve anlatı yapısı ileRoberto Rossellini ‘s paisa (1946;Paisan ) ve Ettore Scola'nın Le Bal (1983; The Ball ), tematik veya tarihsel olarak bağlantılı ayrı kısa bölümler lehine geleneksel olay örgüsünü ve tek bir hikayeyi terk ediyor.

Bazı yönetmenler, anlatı keskinliklerinden çok görsel tarzlarıyla ün kazanıyorlar . Örneğin Bertolucci'nin filmleri her zaman iyi karşılanmaz, ancak onun akıcı, doymuş görüntüleri ve "psikanalitik" etkileri Il Conformista (1970;Konformist ) ve Luna (1979). Aynı şey Fellini, Andrey Tarkovsky ve Werner Herzog için de söylenebilir . Bazı eleştirmenler, Coppola'nın One from the Heart (1982) adlı eserinin, yönetmenlik açısından The Godfather dahil ticari açıdan daha başarılı çabalarından çok daha ilginç olan yoğun, kişisel bir vizyon yansıttığını düşünüyor . Pek çok yönetmen, görüntü yönetmenlerini bu tür dikkate değer vizyonlara ulaştıkları için takdir etse de, çoğu görüntü yönetmeni sadece teknik sorunları yönetmenin emriyle çözmeyi iddia ediyor.

Aynı şey post prodüksiyonda elde edilen etkiler için de söylenebilir. Çevreleyen inanılmaz yoğun işitsel ambiyansÖrneğin, Coppola 's Apocalypse Now (1979), yetenekli uzmanlardan oluşan bir ekip tarafından karıştırılan çok sayıda bireysel ses parçasının birleştirilmesinden kaynaklanıyordu, ancak Coppola'nın kendisi, çok daha küçük olan filmi The Konuşma (1974). Benzer şekilde, iyi bir payAltman’ın şöhreti Nashville’deki tek bir sahnede bir düzine kadar karakterin radyo mikrofonu yapmasını koordine eden mühendislere gitmelidir . Bununla birlikte, iki saatlik örtüşen konuşmaların seyirci üzerinde yaratacağı toplam etkiyi fark eden Altman'dı.Martin Scorsese’nin Taxi Driver ve Raging Bull’daki sağlam kurgusu, yalnızca bir editörün ustalığının değil, aynı zamanda senaryo, oyunculuk stili, kamera çalışması (ikinci film için sert siyah-beyaz tonlar dahil) kavramının da bir işleviydi . ve müzik.

Bir yönetmen en iyi bir problem çözücü olarak düşünülebilir. Yönetmen nadiren teknolojiyle ilgilenir ve kaynakları (şu anda çalışan film yapımının teknolojik yetenekleri ve gelenekleri) alır ve dramatik veya görsel sorunlara etkili çözümler arar. Bu çözümler veya "teknikler" bir dizi filme tutarlı bir şekilde uygulandığında bir stil ortaya çıkar. Örneğin,Bresson’un önemli olayları ( Au Hasard Balthasar [1966] 'da bir araba enkazı ; L'Argent'ta bir banka soygunu ) işaret etmek için kamera dışı ses kullanma tutkusu , standart film yapım kurallarına meydan okur ve bir iç mekanı veya manevi drama. Bresson'un ses teknikleri onun sert ve anımsatıcı tarzının bir parçası haline geldi .

Yönetmenler, kendilerine bir hikaye veya sahne sunulduğunda düzenli olarak ulaştıkları çözümlerle karakterize edilebilir. Murnau ve Mizoguchi, dramatik bir durumu düzenlemeye yorucu takip çekimini tercih ettiler, böylece dramın çekimin ortasında ortaya çıktığı görülebilir. Antonioni, izleyicinin dramatik bir sahnenin nasıl kaybolduğunu gözlemleyebilmesi veya kalan manzaradaki küçüklüğünü hissedebilmesi için, karakterler menzil dışında olduktan sonra kameranın çekime devam etmesine izin verdi. 1970'den sonra Amerikalı yönetmenlerin çoğu, dünya sinemasına hâkim olmaya başlayan cesur hikayelere güç vermek için sert, hızlı teknikler kullandı. Bu teknikler - yakın çekim ses, güçlü müzik ve ani düzenleme - izleyicinin ilgisini çekmek ve heyecanlandırmak için kullanıldı. Ancak bu genel Amerikan tarzı içinde,

Genel olarak, en iyi yönetmenlerin, yalnızca ustaca tekniklere değil, aynı zamanda filmlerine etkili, tutarlı , kişisel bir tarz veya temaya tutarlı bir şekilde katkıda bulunanlar olduğu kabul edilir .Örneğin Brian De Palma’nın bakış açısı stratejileri kullanımı Carrie (1976) ve Body Double (1984) gibi filmlere özel bir korku veriyor ve tekniği Hitchcock'unkiyle karşılaştırıldı. Bununla birlikte, eleştirmenlerin çoğu, Hitchcock'un daha önemli bir yönetmen olduğu konusunda hemfikirdir, çünkü Hitchcock'un Arka Pencere (1954) gibi filmlerde uyguladığı titiz bakış açısı stratejisi , film yapım tekniğinin bir tur de forceundan çok daha fazlasıydı; yönetmenin vizyon ve bilgi hakkındaki düşüncelerinin bir ifadesiydi.