Çeşitli

Sadece Louvre'da Ziyaret Edebileceğiniz 29 Tablo


  • Bir Kadının Portresi (3. yüzyıl)

    Bu lahit portresi, Fayum bölgesindendir ve Greko-Romen döneminde boyanmıştır. Fayum kelimesi, Kahire'nin güneybatısındaki çok verimli bir bölgeyi ifade eder. Doğal bir vadide inşa edilen, 12. hanedandan kalma iddialı bir mühendislik projesi olan yapay bir göl olan Qaroun Gölü etrafında merkezlenmişti. Fayum Vadisi halkı Mısır, Yunanistan, Suriye, Libya ve Roma İmparatorluğu'nun diğer bölgelerinden geldi. Buğday ve arpa gibi mahsuller yetiştirdiler; gölden gelen balıklar Mısır'da büyük bir incelik olarak görülüyordu; ve Amenemhet III yönetimi altında(12. hanedan), bölge yemyeşil bahçeler ve bol meyve ağaçları ile ünlü oldu. Bugün bölge, 19. ve 20. yüzyıllarda ortaya çıkarılan papirüs belgelerinin sayısının yanı sıra arkeologlar tarafından ortaya çıkarılan birçok "Fayum portreleri" ile tanınıyor. Bu gerçek boyutlu portreler, görünüşe göre evleri dekore etmek için ve aynı zamanda cenaze töreni için kullanılıyordu. Enkustik teknik, balmumunu eritmeyi ve onu pigmentasyon ve belki de keten tohumu yağı veya yumurta ile karıştırmayı ve ardından boya gibi ahşap veya keten üzerine uygulamayı içeriyordu. Bu boyalı portreşaşırtıcı derecede modern görünüyor. Kadının berrak gözleri ve belirgin burnu ve sanatçının takıları dikkatlice tasvir etmesi, bunun tanınabilir bir portre olduğunu düşündürüyor. Sanat tarihçileri genellikle Fayum bölgesini gerçekçi portrelerin doğuşu ile övüyorlar ve bu bölgede ortaya çıkarılan birçok portre, çığır açan bir sanatsal deneyimin zamanını temsil ediyor. (Lucinda Hawksley)

  • Yaz (1573)

    Giuseppe Arcimboldo yaşamı boyunca oldukça başarılıydı, ancak ölümünden sonra çalışmaları hızla modası geçti ve ona olan ilgi 19. yüzyılın sonuna kadar yeniden canlanmadı. Biçimsel olarak fantastik ve yaratıcı resimleri Maniyerist sanatın popüler dünyasına uyuyor. 16. yüzyıl boyunca Avrupa'daki mahkemeler özellikle bu tür esprili ve zekice illüzyon resimlerini tercih ettiler ve bunun kanıtı, Arcimboldo'nun 1562-1587 yılları arasında Habsburg sarayına ressam olarak yaptığı uzun göreviydi. Yaz , sanatçının Four Seasons serisinin bir parçasını oluşturuyor. İmparator Maximilian II için boyandıBu, Arcimboldo'nun kariyeri boyunca birkaç kez resmettiği bir konuydu ve son derece popüler hale gelen bir konuydu. İlk olarak 1562'de bir dizi Four Seasons boyadı ve bir meyve ve sebze koleksiyonundan bir kafa yaratma konusundaki yaratıcı konsepti büyük bir coşkuyla karşılandı. Arcimboldo'nun Maximilian için saraydaki görevleri resimle sınırlı değildi - sanatçı aynı zamanda sahne tasarımcısı, mimar ve mühendis olarak da çağrıldı. Daha sonra, İmparator II.Rudolph için çalışırken , imparatorun koleksiyonu için antikalar ve nadir sanat eserleri bulmakla da görevlendirildi. Arcimboldo'nun resimleri tamamen gerçeküstü bir etki yaratır ve kesinlikle zamanının en yaratıcı ve zekice uydurulmuşları arasındadır. (Tamsin Pickeral)

  • Balıkçılık (c. 1588)

    Annibale Carracci Bologna bölgesinde doğdu ve erkek kardeşi ve kuzeni ile Bolognese Okulu'nun önde gelen ressamlarından biri olarak tanındı. Özellikle yetenekli bir ressamdı ve çoğu zaman hayattan sahneleri tasvir ederek ve onları hayali veya idealleştirilmiş bir manzaraya yerleştirerek doğru çizime büyük önem verdi. Avlanma ve balıkçılık temaları şu anda Bologna'da villa dekorasyonu için popülerdi. Balıkçılık , Carracci, Hunting'ın bir başka eserine eşlik eden bir resim olarak boyanmıştır.. Boyutlarına göre, her ikisi de muhtemelen ev tipi bir villada kapı aralıklarına asılmak üzere tasarlandı. İki eser Carracci'nin kariyerinin başlarında ve 1584'te Roma'ya taşınmadan önce boyanmıştı, ancak zaten sanatçının son derece başarılı tarzını gösteriyorlar. Bu çalışmada, bir resim içinde birkaç farklı sahneyi birleştirdi ve kompozisyonunu zekice tasarladı, böylece göz ön plandan her bir grup insana ve arka plana, hiçbir ayrıntıyı kaçırmadan yönlendirildi. Rakamlar muhtemelen doğrudan doğadan yapılan çalışmalara dayanıyordu ve daha sonra manzara ile birleştirildi. Bu resim ilgi çekicidir, çünkü Carracci'nin sağdaki işaret eden figürde görülen jest kullanımını geliştirdiğini göstermektedir. İkna edici ve açık bir jestin kullanılması, Carracci'nin Barok döneminin sonraki ressamlarını etkileyen özel becerilerinden biriydi. Ayrıca Carracci'nin berrak yarı saydam bir ışıkla güzelce oluşturulmuş etkileyici manzara kullanımı da aşikardır. (Tamsin Pickeral)

  • Lazarus'un Dirilişi (c. 1619)

    Il Guercino lakaplı Giovanni Francesco Barbieri, İtalya'nın Ferrara ve Bologna arasındaki küçük Cento kasabasında yoksulluk içinde doğdu. Bir sanatçı olarak büyük ölçüde kendi kendini yetiştirdi. Bolognese okulunun önde gelen ressamlarından biri oldu ve ölümünden sonra Guido Reni'nin meşgul stüdyosunu devraldı (ironik, çünkü hesaplar Guercino'nun Reni tarafından belirsizlikle değerlendirildiğini gösteriyor). Guercino'nun stili, kariyerinin başından itibaren, kontrastlı ışıkların ve karanlıkların dramatik kullanımıyla oldukça Barok bir yaklaşım sergileyen bu tür çalışmalarla, yaşamı boyunca oldukça dramatik bir şekilde değişti. Tipik Barok tablolar, kompozisyon karmaşıktır ve dramatik jestler, enerji ve hislerle doludur. Figürler, neredeyse bir frizin parçası gibi ön plana yerleştirilmiş, orta ve arka plan ise neredeyse ayırt edilemez. Bu teknik, izleyiciyi resimdeki figürlerle neredeyse aynı uzamsal düzleme yerleştirir ve böylece güçlü bir duygusal tepki uyandırır. Olay, ölü adam Lazarus'un İsa tarafından diriltilmesidir. Guercino, sahneyi, dönemi boyunca büyük hayranlık duyulacak bir ruhsal coşku ve heyecanlı bir yoğunluk ile dolduruyor. Bu tablo idam edilmeden birkaç yıl önce Guercino, sanatçıyla tanıştı.Ludovico Carracci ve Carracci'nin renk ve duygu anlayışından ilham aldı. Carracci'nin etkisi Guercino'nun Raising of Lazarus adlı eserinde görülebilir , ancak bu çalışma tarz olarak tamamen daha enerjiktir. Üretken ve aranan bir sanatçı olan Guercino, zengin bir adam olarak öldü. (Tamsin Pickeral)

  • Marangoz Aziz Joseph (1635–40)

    Georges de La Tour'un hayatı ve eserlerinin hikayesi düzensiz. Kendi yaşamı boyunca başarılı olmasına rağmen, La Tour birkaç yüzyıl boyunca unutulmuştu - çalışmaları 20. yüzyılın başında yeniden keşfedildi. Fransız bir ressam, sık sık Caravaggio'nun resimlerinden etkilendiği iddia ediliyor . Bununla birlikte, La Tour, Caravaggio'nun çalışmalarını bilmiyor olabilir ve tek bir mumla gölge ve ışığın etkilerini bağımsız olarak araştırmış olabilir. Dindar bir Roma Katoliği olan La Tour, genellikle dini sahneler çizerdi. Birkaç kez Mary Magdalene'nin tövbe temasına geri döndü ve bu dokunaklı sahneyi resmetti.Joseph, marangoz dükkanında İsa'ya öğretir. Üslup gerçekçi, ayrıntılı ve dikkatlice planlanmıştır - İsa mumu tutar çünkü Hıristiyan inancına göre, dünyanın karanlığını aydınlatan dünyanın ışığıdır. (Lucinda Hawksley)

  • Yumru Ayak (1642)

    Napoli'den açıkça sakat bir dilencinin dişlek bir sırıtışla onlara yüzsüzce baktığı bu türden resim çok az insanın ilgisini çekebilir . İspanya doğumlu José de Riberakariyerinin çoğunu daha sonra İspanya tarafından kontrol edilen Napoli'de geçirdi ve şehrin önde gelen sanatçısı oldu. Sıradan insanlara büyük ilgi duyduğu için muhtemelen Napoliten dilenci bir çocuğu tasvir etmeyi amaçlıyordu. Ancak, gerçekçiliği gelenekle harmanlama biçimi, sanatta yeni bir yönü müjdeledi. Hayat bu dilenciye gülümsemedi, ama neşeyle meydan okuyor. Koltuk değneğini kayıtsız bir şekilde omzunun üzerinde taşır ve o zamanlar Napoli'de zorunlu olan yalvarmaya izin veren kağıdı çaresizce değil, raslantısal olarak uzatır. Latince şöyle yazıyor: "Bana Tanrı aşkına sadaka verin." Kirli bir ara sokakta çömelmiş olarak gösterilmek yerine, klasik tarzda boyanmış tarihi, mitolojik ve dini eserleri anımsatan sakin bir manzaraya karşı dimdik duruyor. Ribera ona etkileyici bir yapı kazandırıyor, düşük bakış açısı ve insani bir haysiyetle daha da büyütüldü. Dilencisi neredeyse küçük bir prens olabilirdi. Gevşek fırça işi manzara üzerinde daha yumuşak hale gelir ve çocuğu daha da öne çıkarır. Ribera'nın insanların bireysellik duygusunu gerçekçilik ve insanlıkla aktarabilme becerisi, Batı sanatı ve özellikle İspanyol okulu üzerinde büyük bir etkiye sahipti. (Ann Kay)

  • Bir İç Görünüş ( Terlikler ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten, perspektifin doğru kullanımıyla ilgilenen usta bir portre ve iç mekan ressamıydı. Geleneksel olarak Terlik olarak adlandırılan bir İç Mekanın Görünümü, resmin derinliğini vurgulamak için sanatçının karakteristik Hollanda karo zemin kullanımını örneklemektedir. Bu, resmin çerçevesi, kapı kasaları ve son olarak resmin arkasındaki iki resim ile işaretlenen farklı uzaklaşan resim düzlemleriyle vurgulanmaktadır. Sanatçı, açık kapının bir kısmını ön planda göstererek, izleyiciyi kapı aralığına yerleştirerek resmin yanıltıcı etkisini artırıyor. Hoogstraten'in konusu ince ayrıntılarla anılıyor. Atılan süpürge, ev terlikleri ve kapalı kitap (okuma kesintiye uğradı), görüşün hemen ötesinde aşk dolu bir bağlantının gerçekleştiğini gösterir. Resmin nazikçe ahlakileştirici tonu, Hoogstraten'in birkaç kez geri döndüğü tondu. (Tamsin Pickeral)

  • Cythera'ya Hac (1717)

    1717 yılında Antoine Watteau sunulan bu resmi onun diploma parçası olarak Fransız Akademisi'ne. En iyi eseri olarak takdir edildi ve ortaya çıkan Rokoko tarzı üzerinde önemli bir etki oldu. Konu, küçük bir oyunun örneği olarak başladı. Florence Dancourt'un Les Trois Cousines'indeHacı gibi giyinmiş bir kız, koro çizgisinden çıkar ve seyirciyi herkesin ideal partneriyle tanışacağı aşk adası Cythera'ya doğru bir yolculuğa davet eder. Watteau'nun temanın 1709 yılına dayanan ilk versiyonu çok gerçek bir tasvirdi, ancak burada teatral çerçeveden vazgeçti ve olayı rüya gibi, romantik bir fanteziye dönüştürdü. Önemli bir şekilde, yolculuğun başlangıcı yerine sonunu tasvir etmeyi seçti. Aşıklar sağ taraftaki Venüs heykelini çiçeklerle eşleştirip çelenklediler ve eve dönmek üzereler. Sanatçı, bu ana odaklanarak, yapıtının karakteristik özelliği olan nazik melankoli havasını yaratmayı başardı. Çiftlerin çoğu ayrılmaya hazırlanırken, iki sevgili tanrıçanın tapınağında kaldı. Sevgiyle büyülenmiş ve diğer her şeye kör. Ayrılan kadınlardan biri dönüp üzgün bir şekilde onlara baktı, aşkın bu kısmının en geçici olduğunu fark etti. Watteau'nun ölümünden sonra, sanatı dramatik bir şekilde modası geçti. Birçoğu için, onun aşk kaçışlarını tasvirleri, monarşinin eski günleriyle çok yakından bağlantılı görünüyordu. Devrim döneminde, sanat öğrencileri kendiHedef antrenman için Cythera , üzerine ekmek peletleri fırlattı. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (eski adı Gilles ) (c. 1718–19)

    Bu, Jean-Antoine Watteau'nun kısa kariyerinde ürettiği son resimlerden biridir . İzleyicisine bakan bir palyaçoyu, sanatçının melankolik ruh halini yansıtabilecek hüzünlü bir ifadeyle gösteriyor. Gilles, muhtemelen 17. yüzyıl akrobat ve komedyen Gilles le Niais'den gelen, Fransa'daki bir palyaço için genel bir addı. Watteau'nun zamanında, bu karakter ile Fransa'da oldukça popüler bir İtalyan tiyatro geleneği olan commedia dell'arte'nin önde gelen palyaço Pierrot arasında önemli bir örtüşme oldu. Her iki figür de seyircinin favorisi haline gelen masum aptalı canlandırdı - Charlie Chaplin ve Buster Keaton için bir prototip. Bu resimMuhtemelen yoldan geçenleri bir gösteriye çekmek için tasarlanmış bir tiyatro tabelası olarak üretildi. Karakterlerden birinin kıçına dönüştüğü bir komedi olan Danaë'nin galası için yaratılmış olabilir . Alternatif olarak, geçit törenlerinin reklamını yapmış olabilir - ana performanstan önceki kısa, saçma eskizler. Bunlarda, Gilles'in saf aptallığını sembolize etmek için sahne boyunca bir eşek yönlendirilirdi. Watteau bu palyaçonun daha küçük bir versiyonunu The Italian Comedyans'ta ana figür olarak kullandı , bu resim 1720'de doktoru için hazırladı. Her iki durumda da Gilles'in kasvetli figürü bir Ecce Homo'yu anımsatıyordu.("Bakın Adam") tablosu. Bu popüler dini tema, Pontius Pilatus'un İsa'nın serbest bırakılması için çağrıda bulunacaklarını umarak halkın önünde İsa'yı sunduğu Mesih'in Tutkusu'ndaki bir bölümü tasvir ediyordu. Bunun yerine, kalabalık çarmıha gerilmesini istedi. (Iain Zaczek)

  • Zeytin Şişesiyle Natürmort (1760)

    Paris doğumlu Jean-Baptiste Siméon Chardin , bir kabine üreticisi olan babasının izinden gitme isteğine direndi ve bunun yerine Pierre-Jacques Cazes ve Noel- Noël Coypel'in stüdyosunda çırak oldu.Chardin hayatı boyunca Fransız Akademisi'nin sadık bir üyesi olarak kaldı, ancak başarısına rağmen “hayvanlar ve meyveler alanında” ressam olarak aday gösterildiğinden profesör olması engellendi. En iyi bilindiği erken natürmortlar, ustaca tekniğini edindiği hızı göstererek kısa bir sürede tamamlandı. Toplam çıktısının dörtte birinin 1732'den önce üretildiği tahmin edilmektedir. Stili, Hollanda resmine, özellikle de Rembrandt'ın boyanın işlenmesindeki etkisine önemli bir borç borçlu olan zengin dokulu fırça işçiliği ile karakterize edilir. Bu, çalışmalarını 18. yüzyıl Fransız resminin daha tanıdık tarzından ayırıyor. Chardin basit ev sahneleri ve tanıdık ev eşyaları boyadı. Ancak,Zeytin Şişesiyle Natürmort , günlük nesnelere ve sahnelere büyülü bir aura veren, ölçülü ruh hali, yumuşak ışık ve esrarengiz gerçekçiliğin tipik bir örneğidir. Hayranlarının onu "büyük sihirbaz" olarak adlandırması şaşırtıcı değil. Yeteneği, etkilenmemiş ancak üstün teknik beceriyle mükemmel bütünlüklü resimler üretmekti. (Roger Wilson)

  • Bolt (c. 1777)

    Jean-Honoré Fragonard , Rokoko tarzının önde gelen ressamlarından biriydi. Resimleri anlamsız ama şehvetliydi, 1789 devrimine giden yıllarda Fransız saray yaşamının zarafetini simgeliyordu. Çağdaşları için Fragonard her şeyden önce süveterlerin (hafif konular) ustası olarak biliniyordu . Bu temalar açıkça erotikti, ancak kraliyet çevrelerinde bile kabul edilebilir kılan bir zevk ve incelikle ele alındı. Nitekim, bu resmin dini bir tabloya eşlik eden bir parça olarak görevlendirildiği anlaşılan günün modası hakkında ciltlerden bahsediyor. Erken bir kaynağa göre, marquis de Véri, Fragonard'ın ender adanmışlık imgelerinden birinin yanında asmak için bir resim arayan sanatçıya yaklaştı - Çobanların Hayranlığı. Modern gözlere bu garip bir yan yana gelme gibi görünebilir, ancak Véri muhtemelen kombinasyonun Rönesans'tan beri popüler olan sanatsal bir tema olan Kutsal ve Küfürlü Sevgiyi temsil etmeyi amaçladı. Genellikle sanatçılar bu fikri tek bir resimde aktarırlar, ancak bazen bir Havva resmini Meryem Ana ile ilgili bir konuyla (genellikle yeni Havva olarak görülen) eşleştirirlerdi. Burada, masada belirgin bir şekilde sergilenen elma, Havva'nın Cennet Bahçesi'ndeki cazibesine geleneksel bir göndermedir. Bolt , Rokoko tarzı modası geçmeye başladığında boyanmıştı, ancak dramatik ışıklandırma ve yüksek bitiş, Fragonard'ın moda olmaya başlayan Neoklasik stile uyum sağladığını gösteriyor. (Iain Zaczek)

  • Horatii Yemini (1784)

    Jacques-Louis David , tartışmasız tarihin en olağanüstü siyasi propaganda ressamıdır. Napolyon'un saray ressamı, imparatorun efsanevi kişiliği ve Fransız Devrimi'nin ikonografisi hakkında bildiklerimizin çoğu David'in teatral, alegorik resimlerinden geliyor. David, klasik mitleri ve tarihi çağdaş siyasete benzer şekilde tasvir eden Neoklasik sanat hareketinin babasıydı. Horatii YeminiRomalı tarihçi Livy tarafından, MÖ 669 civarında Roma ile Alba arasındaki savaşlarda savaşan iki ailenin oğulları, üç Horatii erkek kardeş ve üç Curiatii kardeşin M.Ö. Erkeklerin savaşması gerekir, ancak Curiatii ailesinden kadınlardan biri Horatii kardeşlerden biriyle evli ve Horatii kız kardeşi Curiatii ailesinden bir erkek kardeşle nişanlanmıştır. Bu bağlara rağmen, Horatii kıdemli oğullarını Curiatii ile savaşmaya teşvik eder ve kederli kız kardeşlerinin ağıtlarına rağmen itaat ederler. David, erkeklerin kişisel güdüler yerine siyasi idealleri seçtikleri anı tasvir ederken, izleyicilerden bu adamları kendi siyasi olarak çalkantılı zamanlarında rol model olarak görmelerini ister. Politikadaki idealizmle olduğu gibi resimdeki gerçekçilikle de ilgilendiği için, David, mimariyi hayattan kopyalamak için Roma'ya gitti. Sonuç, tablo Paris'teki 1785 Salon'da sergilendiğinde büyük bir başarıydı. David'in resimleri hala izleyicilerde güçlü bir şekilde yankılanıyor çünkü becerisinin gücü, güçlü inançlarını ifade edecek kadar önemliydi. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Bu yaygın olarak kabul edilmektedir Jacques-Louis David bireyin en ince portre. Zarafeti, sadeliği ve ekonomisiyle Neoklasik sanatın en başarılı örneklerinden biri olarak kabul ediliyor. David'in modeli Juliette Récamier, Paris toplumunun sevgilisiydi. Lyon'lu zengin bir bankacının karısıydı, ancak hepsi alçakgönüllülükle reddedilen diğer birçok erkeğin dikkatini çekmişti. David, Récamier'in erdemli itibarından ilham aldı. Çıplak ayakları, beyaz elbisesi ve antika aksesuarlarıyla, son günkü vestal bakiresini andırıyor. Bu, pozla pekiştirilir. Kadının bakışları samimi ve doğrudandır, ancak vücudu yaklaşılamaz bir şekilde çevrilmiştir. Portre oturumu sorunsuz geçmedi: ressam, Juliette'in ısrarlı resmiyetsizliğinden rahatsız olurken, alınan bazı sanatsal özgürlüklere itiraz etti. Özellikle, David'in saçlarının gölgesini aydınlatmasına kızmıştı. çünkü renk şemasına uymuyordu. Sonuç olarak, sanatçının öğrencilerinden birinden başka bir portre yaptırdı. Bunu öğrendiğinde, David devam etmeyi reddetti. “Madam” dedi ki “hanımların kaprisleri var; ressamlar da öyle. Benimkini tatmin etmeme izin ver. Portreni şu anki durumunda tutacağım. " Bu karar faydalı olabilir, çünkü tablonun katı ciddiyeti ona etkisinin çoğunu veriyor. Lamba ve diğer bazı detayların David'in öğrencisi tarafından boyandığı söyleniyor. Portreni şu anki durumunda tutacağım. " Bu karar faydalı olabilir, çünkü tablonun katı ciddiyeti ona etkisinin çoğunu veriyor. Lamba ve diğer bazı detayların David'in öğrencisi tarafından boyandığı söyleniyor. Portreni şu anki durumunda tutacağım. " Bu karar faydalı olabilir, çünkü tablonun katı ciddiyeti ona etkisinin çoğunu veriyor. Lamba ve diğer bazı detayların David'in öğrencisi tarafından boyandığı söyleniyor.Jean-Auguste-Dominique Ingres . İkincisi, Récamier'in en ünlü eserlerinden biri olan La Grande Odalisque için verdiği pozu ödünç aldığı için kesinlikle resimden etkilendi . (Iain Zaczek)

  • Yüzücü ( Valpinçon Yüzücü ) (1808) adlı

    Fransız sanatçı Jean-Auguste-Dominique Ingres , 1801'de Jacques-Louis David'in yanında çalıştıktan sonra prestijli Prix de Rome'yi kazandı. Bu, en iyi sanatçılarının dört yıl boyunca Roma'yı ziyaret etmeleri ve geçmişin İtalyan ustalarını incelemeleri için para ödeyen Fransız Academie Royale tarafından verilen bir ödüldü. Ne yazık ki devlet, Fransa'nın çökmekte olan ekonomisi nedeniyle şu anda İtalya'ya sanatçı göndermeyi göze alamıyordu. Ingres sonunda 1808 yılında Roma'ya gitti BatherIngres'in İtalya'da yapılan ilk resimlerinden biriydi ve sanatçı, yüzyıllarca süren önemli Rönesans sanatıyla çevrili olmasına rağmen, gelenekten kopuyor. Ingres, öznesinin kimliğini ortaya koymak yerine, neredeyse anıtsal öznesini, sırtını açmak için gövdesi hafifçe bükülmüş şekilde izleyiciden uzağa bakacak şekilde öne çıkardı. Bu, izleyicinin bize meydan okumadan yüzücüye hayranlık duymasına (ve nesnelleştirmesine) olanak tanır - anonim, belirsiz, karakteri çözülemez kalır. Ingres'in daha sonraki kadın çıplakları çalışmaları genellikle daha önden pozlar benimsedi. Ingres'in sınırlı yeşil, krem ​​ve kahverengiden oluşan paletinin soldaki perdenin koyu tonlarından sağdaki zemin ve yatak örtüsünün açık tonlarına doğru değiştiğini belirtmek ilginçtir. Bu ton geçişinin yıkanmanın sembolik doğasını yansıttığı görülebilir. kişinin ruhunu temizleyen ve arındıran bir eylem: bakıcı banyodan uzaklaştıkça daha beyaz ve dolayısıyla daha saf hale gelir. (William Davies)

  • Medusa'nın Salı (1819)

    Çok az insan bu resme bakabilir ve onun tutku ve gücünden etkilenmeyebilir. Fransız Romantizminin ana taşıyıcılarından Théodore Géricault tarafından boyanmış , şimdi bu hareketin tanımlayıcı ifadesi olarak görülüyor. Romantikler, gerçekçiliği ve duyguyu vurgulamak için 18. yüzyıl klasik sanatından koptu. Bu resim özellikle ilginç çünkü Klasisizm ve Romantizm arasında çok açık bir köprü var. Ne zaman Medusa'nın Salı 1819 Salon sergide göründü, bu kuruluş korkunç, büyük bir skandala yol açmıştı. Sahne, gemi kazası geçiren Fransız hükümeti firkateyni La Méduse'nin gerçek hikayesini anlatıyorBeceriksiz kaptanı ve subayları tek cankurtaran botunu kendileri için alan ve 150 mürettebat ve yolcudan 15'i hariç hepsini geçici bir salda ölmeye, umutsuzluğa, vahşete ve yamyamlığa gömülen. Géricault, gelenekçiler tarafından çok sevilen büyük kahramanca tarih resimlerine benzeyen bir şekilde, çağdaş tarihin (enkaz 1816'da meydana gelen) kirli, rahatsız edici bir bölümünü göstermeye cesaret etti. Bir yandan, burada ürkütücü bir gerçekçilik seviyesi var (Géricault, ayrıntıları doğru anlamak için cesetleri inceledi), dönen hareketi ve duyguyu artıran olağanüstü enerjik fırça çalışması. Öte yandan, gövdeler ve piramit şeklindeki kompozisyon tarzı klasiktir. Öfkeye rağmen, resim Géricault için sanatsal bir onay kazandı ve diğer sanatçılar üzerinde muazzam bir etkiye sahipti.Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Sardanapalus'un Ölümü (1827)

    Çoğu zaman Fransız Romantiklerinin en büyüğü olduğu söylenen Eugène Delacroix , gerçekten zamanının ressamıydı. Arkadaşı Théodore Géricault gibi , Delacroix de erken eğitiminden bazı klasik unsurları korudu ancak cesur bir enerji, zengin, bireysel bir renk kullanımı ve onu öncü yapan egzotik sevgiyi gösterdi. Devasa tuval Sardanapalus'un ÖlümüVahşi bir hareket ve görkemli bir renkle, hoşgörülü bir egzotizm alemiyle duyulara patlar. Sardanapalus, aşırı çöküş zevkine sahip eski efsanelerin bir Asur hükümdarıydı. Büyük bir askeri yenilginin utancına yanıt olarak, Sardanapalus, tüm saray hazineleri, metresleri ve köleleştirilmiş insanlarıyla birlikte kendini yakarak öldürdüğü büyük bir ateş yaktı. Delacroix böyle bir Byronic dramasından keyif aldı. Görünüşe göre gerçekçi perspektif veya kompozisyon tutarlılığına yönelik herhangi bir girişimden vazgeçmiş görünüyor. Çarpık bedenler ve nesneler, yoğun renkler ve sıcak, tecavüz eden gölgelerle boğulmuş bir kabus dünyasında dönüp durur. Pırıltılı mücevherlerin ve zengin kumaşların detaylı resimleri, tasvir edilen abartılı dünyayı açıkça yansıtırken, Sardanapalus'un etrafındaki kargaşayı araştırdığı soğuk kopuş, uğursuz bir ruh halini yansıtıyor. Delacroix, alışılmadık vücut modellemesine şekil vermek için insan derisi üzerinde gri ve mavi tonlarla deneyler yapıyor. Çılgın enerji ve cesur boyama tekniklerinin yanı sıra, sınır tanımayan şiddet keşfinin sonraki sanatçılara nasıl ciltler anlattığını görmek kolaydır. (Ann Kay)

  • Homer Tanrılaştırılmış ( Homeros'un Apotheosis'i ) (1827)

    Zamanla Homer tanrılaştırdığı boyanmış, Jean Auguste Dominique Ingres gibi Fransız Romantiklerin dikbaşlı sanatının karşı kendini çukur, geleneksel, klasik resmin bir kendi kendini ilan liderdi Eugène Delacroix . Bu özel resim, Ingres'in akademik yaklaşımının daha iyi bir örneği olamazdı ve aslında onu klasisizme övgü ilahisi olarak tasarladı. Daha duygusal bir yanı olmasına rağmen (örneğin, The Bather ), burada tamamen bastırıldı. Homeros'un Apotheosis'i olarak da bilinen bu eser, antik Yunan'ın ünlü şairinin mitolojik figür Victory tarafından defne ile taçlandırılmış bir tanrı olduğunu gösteriyor. Ayaklarının dibindeki iki kadın, Homer'in büyük destansı eserlerini temsil ediyor.İlyada ve Odysseia. Çevresinde, Yunanlılar da dahil olmak üzere antik ve modern zamanlardan hayranlık uyandıran bir sanat devi kalabalığı toplanıyor: Oyun yazarı Aeschylus, Homeros'un solunda bir parşömen sunarken, Atinalı heykeltıraş Phidias sağda bir çekiç uzatıyor. Daha modern figürler, oyun yazarı Molière ve ressam Nicolas Poussin gibi Fransa'nın 17. yüzyıl klasik döneminden sanatçıların hakimiyetindedir. Üçgen, simetrik kompozisyon, klasik idealizmi yansıtıyor ve Homer, adını taşıyan antik bir tapınağın ortasına yerleştirilmiş. Bu resim, yaratıldığı sırada kötü karşılandı. Ingres birkaç yıllığına Roma'ya çekildi, ancak 1840'larda önde gelen bir klasikçi olarak yeniden alkışlanmak için geri döndü. Ingres'in gelenekçiliğini lanetlemek moda oldu, ancak şimdi hatırı sayılır teknik beceriye sahip oldukça etkili bir sanatçı olarak görülüyor. (Ann Kay)

  • Halkın Önünde Özgürlük (1830)

    Bu eser , Eugène Delacroix'in 1827-1832 yılları arasındaki döneme aittir.birbiri ardına başyapıt üretti. Bu bir istisna değildir. Louis-Philippe'i iktidara getiren Temmuz 1830 devrimini anmak için boyanan görüntü, devrimin ruhunu sembolize ediyor. 1831 Paris Salonunda bir sansasyon yarattı ve Louis-Philippe çalışmayı katılımını işaretlemek için satın almasına rağmen, potansiyel olarak enflamatuar olduğu düşünüldüğü için halkın görüşünden uzak tuttu. Resim, çağdaş röportajı alegori ile anıtsal bir şekilde akıllıca birleştiriyor. Yer ve zaman net: Notre Dame uzaktan görülebiliyor ve insanlar sınıflarına göre giyiniyorlar, sağdaki pis çocuk sıradan insanların gücünü simgeliyor. Sahneyi en iyi kullanan alegorik Özgürlük figürü, üzerinde yükselen üç renkli, öfkeye neden oldu çünkü idealize edilmiş güzelliği kişileştirmek yerine, Canlı fırça çalışması, özgürlüğün kendi başına nasıl bir baskı getirebileceğini düşündüren bir şekilde yarı çıplak, kirli ve cesetlerin üzerinden adım atan çok gerçek bir kadını gösteriyor. Bu resim aynı zamanda Delacroix'in, gerçeklik duygusunu iletmek veya gerçekleri ifade etmek için renklerin yan yana çalıştığı yollara giderek daha incelikli girişimler yaptığı sonraki çalışmalarının daha bastırılmış yaklaşımına döndüğünü gösteriyor. Bu tür bir renk kullanımı, Empresyonistler ve Modernistler arasında son derece etkili olacaktır. bir gerçeklik duygusunu iletmek veya gerçekleri ifade etmek için renklerin yan yana çalıştığı yollara giderek daha ince ilerlemeler yaptı. Bu tür bir renk kullanımı, Empresyonistler ve Modernistler arasında son derece etkili olacaktır. bir gerçeklik duygusunu iletmek veya gerçekleri ifade etmek için renklerin yan yana çalıştığı yollara giderek daha ince ilerlemeler yaptı. Bu tür bir renk kullanımı, Empresyonistler ve Modernistler arasında son derece etkili olacaktır.Pierre-Auguste Renoir ve Georges Seurat için Picasso . (Ann Kay)

  • Louvre'daki Grande Galerie'nin görünümü (1841)

    Başarılı bir dokumacı tüccarın oğlu olan Patrick Allan-Fraser, babasının sanatsal eğilimlerini sürdürmek adına ticari bir kariyere girme fırsatını reddetti. Çalışmalar Allan-Fraser'i Edinburgh, Roma, Londra ve nihayet Paris'e götürdü ve burada Louvre'daki muhteşem Grande Galerie ile karşılaştı. Louvre'daki Grande Galerie'nin Görünümü'nü boyarkensanatçı ilhamını, Londra'da karşılaştığı The Clique olarak bilinen bir grup Viktorya dönemi sanatçısından aldı. Clique, akademik yüksek sanatı tür resminin lehine reddetti. Çeyrek mil boyunca uzanan sonsuz gibi görünen Grande Galerie, sanatçıların ve zanaatkarların sık sık bir araya geldiği bir yerdi, ancak burada dingin bir takdir ve yansıma atmosferiyle karşılaşıyoruz. Daha sonraki yıllarda Allan-Fraser, güzel binaların restorasyonuna ve inşasına kendini kaptıracaktı ve bunu yaparken Grande Galerie'ye olan hayranlığı çok önemliydi. Düzensiz ışık ışınları, izleyicinin içerideki aktiviteye bakmasına izin vermekle kalmaz, aynı zamanda salonun büyüklüğünü ve zarafetini de ortaya çıkarır. Allan-Fraser, 1874'te Royal Scottish Academy'ye seçildi ve The Clique üyelerinin portrelerini görevlendirdi. Ona ilham verenlere hürmetle. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot , sanatsal eğitim almaya karar vermeden önce kariyerine bir draper olarak başladı. Babasının desteğiyle önce Achille Etna Michallon ve ardından Jean-Victor Bertin ile çalıştı, ancak Corot daha sonra eğitiminin sanatını etkilediğini reddetti. Yaşamı boyunca çok seyahat etti, birkaç yılını İtalya'da geçirdi, İsviçre'yi keşfetti ve Fransız kırsalının çoğunu kapladı. Gezilerinde , ışığın ve atmosferin yakınlığını yakalayan sayısız yağlı boya eskizleri ve açık hava resimleri yaptı; stüdyo içinde sergi tarzı resimler üzerinde çalıştı. Souvenir de Mortefontainekariyerinin son dönemlerinden kalma en iyi resimlerden biridir. Yumuşak, dağınık bir ışıkla yıkanır ve mutlak bir huzur çalışması, sanatçının dünyasının lirik ve şiirsel bir asimilasyonunun özüdür. Sahne doğadan alınmaz, ancak mükemmel, uyumlu bir görüntü oluşturmak için doğal ortamın temel unsurlarını birleştirir. Ön plandaki zarif ağaç, arkadaki durgun su genişliği ve yumuşak renkte seçilmiş sessiz figürler, sanatçı tarafından güzel, sessiz bir yansıma çalışması yapmak için sıklıkla kullanılan motiflerdi. İlk başta Realistlerin çizgisinde çalışan Corot'un stili rüya gibi, Romantik bir algıyı kapsayacak şekilde gelişti. Bu nedenle, çalışmaları Realistler ve Empresyonistler arasında bir köprü olarak düşünülebilir ve aslında genellikle Empresyonizmin babası olarak anılır.Claude Monet’in 1890'larda sabahın erken saatlerinde Seine manzarası boyanmıştır. (Tamsin Pickeral)

  • Mesih'in Kırbaçlanması (1455–60)

    Merkezi Barselona şehri olan Katalonya toprakları, 1400'lerde büyük bir altın sanat çağı yaşadı ve bu canlanmanın ön saflarında Jaume Huguet vardı . Huguet, şu anda Katalan okulunun ürettiği güzel dekoratif dini sanatı simgeleyen çarpıcı sunaklarla ünlüdür. Bu sunağın merkezinde, Mesih çarmıha gerilerek ölüm cezası almadan önce dövülüyor. Cezayı veren adam - Yahudiye'nin Romalı valisi Pontius Pilatus - sağdaki büyük bir tahtta oturuyor. Huguet'in görüntüsü mücevher benzeri renklerle doludur ve yer karolarından Pilatus'un tahtına ve kıyafetlerine kadar ince ayrıntılarla doludur. Kompozisyonda iyi inşa edilmiş bir simetri vardır: Mesih'in merkezi konumu, iki adam ve ayaklarının dibinde iki küçük melek, uzaklaşan yer karoları, Mesih'in arkasındaki kemer sırası ve bir manzaranın uzak görüntüsü. eşit boyutlu zirveler. Tüm efekt oldukça dekoratif, neredeyse bir duvar halısı gibi. Bu parça, ayakkabıcılar loncası tarafından Barselona Katedrali Saint-Marc Şapeli için sipariş edildi, bu yüzden ayakkabılar dekoratif bordürde görünüyor. Sınırlarda ayrıca bir kartal, bir aslan, bir melek ve bir öküz - sırasıyla St. John, St. Mark, St. Matthew ve St. Luke'un sembolleri yer alıyor. Huguet'in çalışmaları, genel olarak, Bernardo Martorell gibi 15. yüzyıl Katalan ustalarının kalıbında yer alıyor ve kişisel tarzı, Katalan tarzını tanımlamaya yardımcı oldu. (Ann Kay)

  • Genç Oğlanla Yaşlı Adam (c.1490)

    Domenico Ghirlandaio , freskleri ve portreleriyle tanınan Floransalı bir sanatçıydı. Genç Oğlanla Yaşlı Adam , en çok tanınan imajıdır. Stockholm'deki Ulusal Müze'deki bir çizim, Ghirlandaio'nun burnundaki cilt kusuru da dahil olmak üzere yaşlı adam hakkında araştırmalar yaptığına dair kanıt sağlıyor. Adamın akne rosacea'nın bir sonucu olarak şekil bozucu rinofim hastalığından muzdarip olduğuna inanılıyor. Ancak portrenin gerçekçiliği, zamanına göre alışılmadık. Ghirlandaio'nun bu kusuru dahil etmesinin, Leonardo da Vinci gibi daha sonraki sanatçıları etkilediği düşünülmektedir., konularını olduğu gibi resmetmek. İzleyici kesinlikle bu sahneden etkilenir. Yaşlı adamın yaşlanan yüzü, çocuğun yumuşak, genç cildi ile tezat oluşturuyor. Çocuğun eli yaşlı adama uzandığında, gözleri açık bir sevgi gösterisiyle buluşur. Sıcak kırmızılar bu sevgi dolu bağı vurgular. (Mary Cooch)

  • The Fortune Teller (c. 1508–10)

    Lucas van Leyden’in başlıca şöhreti, bir oymacı olarak olağanüstü becerilerine dayanıyor, ancak aynı zamanda Hollanda tarzı resmini ilk tanıtanlardan biri olarak tanınan başarılı bir ressamdı. Hayatının çoğunu geçirdiği Leiden'de doğdu, babasıyla ve daha sonra Cornelis Engebrechtsz ile eğitim aldığı düşünülüyor. Bu olayı günlüğüne kaydeden Albrecht Dürer ile tanıştığı 1521'de Anvers'e gitti . Van Leyden konularına daha büyük bir animasyonla yaklaşmasına ve daha çok bireysel figürlerin karakterine odaklanmasına rağmen, Dürer'in çalışması onun üzerinde en fazla etkiye sahip görünüyor. Falcı,Aşkın ve oyunların kibirine bir ima olan bu, van Leyden'in kariyerinin başlarında resmedildi, ancak ressamlığını ve bir renkçi olarak becerisini zaten gösteriyor. Her bireyin canlı bir duyarlılıkla resmedildiği bir karakter çalışmasıdır. Arka plandaki koyu sakallı adam, falcının soluk figürüyle tezat oluşturan delici bakışları ve uğursuz yüzüyle özellikle büyüleyicidir. Resim yüzeyi zengin desenlere sahip ve kürk ve ipekten cama ve ete kadar farklı dokular mükemmel şekilde işleniyor. Kompozisyonu resim düzleminin önüne itmek, izleyiciyi diğer figürler arasına yerleştirme etkisine sahiptir. Van Leyden yaşamı boyunca ünlüydü ve doğrudan öğrencisi olmamasına rağmen, Hollanda sanatının gelişimi üzerindeki etkisi derindi. Hollandalı tür resim geleneğinin önünü açıyor. Çalışmasının da bir etkisi olduğu düşünülüyor.Rembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Titus ve Vespasia'nın Zaferi ( c.1537)

    Bu resmin sanatçısı doğumlu Giulio Pippi, daha sonra doğduğu şehirden sonra Giulio Romano olarak tanındı . Küçük yaşta Raphael ile çalışmaya gitti, daha sonra baş asistanı oldu ve Raphael'in ölümü üzerine sanatçının bir dizi çalışmasını tamamladı. Romano'nun canlı paleti ve cesur figüratif tarzı, öğretmeninin inceliğiyle tezat oluşturuyordu, ancak saf hayal gücü ve perspektifin manipülasyonu yoluyla elde edilen dramatik yanılsama etkisi açısından Romano, alanında bir liderdi. Sanatçı, ressamlık başarılarının yanı sıra aynı zamanda bir mimar ve mühendisti. Yaklaşık 1524 Romano, Mantua'nın hükümdarı Frederico Gonzaga tarafından istihdam edildi ve kasabanın bazı binalarının yanı sıra bir dizi dekoratif şemayı tasarlayıp yeniden inşa eden devasa bir projeye girişti. Titus ve Vespasia'nın ZaferiGonzaga tarafından Palazzo Ducale'deki Sezarların Odası için görevlendirildi. İmparator Titus'un Yahudilere karşı kazandığı zaferden sonra Roma'da geçit törenini tasvir ediyor. Kompozisyon, Roma'daki antik Titus Kemeri'nin içindeki bir sahneye dayanıyor ve özellikle Romano'nun zorlu araba atlarında, orijinalin heykelsi kalitesinin çoğunu koruyor. Romano'nun Maniyerist eliyle işlenen parlak renkler ve klasik tema, bu eseri zamanında çok popüler hale getirdi. Güzel bir şekilde detaylandırılan ve parıldayan yarı saydam bir ışıkla yıkanan manzaraya yaptığı muamele özellikle dikkat çekicidir. (Tamsin Pickeral)

  • Aziz Anne ile Bakire ve Çocuk (c.1510)

    Leonardo da Vinci , usta heykeltıraş Andrea del Verrocchio'nun yanında çıraklık yaptı ve ardından, Milano'nun Sforza ailesi, Fransa kralı ve Roma'daki Vatikan da dahil olmak üzere, Fransa ve İtalya'nın en zengin patronlarından bazıları için çalıştı. Verrocchio, Leonardo atölyesindeyken rakipleriyle rekabet etmek için resme geçmemiş olsaydı, bazı bilim adamları Leonardo'nun mutlaka bir fırça kaldırmamış olmasının mümkün olmadığına inanıyorlar. Hayatı ve işi sanat tarihi için son derece önemli olsa da, bugün yapıtlarında güvenli bir şekilde atfedilen yaklaşık 20 tablo var. Bakire, annesi Anne ve bebek İsa bu resmin konusu, çeşitli çizim ve resimlerle kanıtlandığı gibi, Leonardo'nun en popüler temalarından biridir. Bunlar arasında 1501'in kayıp bir karikatürü ve Aziz Anne ve Vaftizci Aziz John'la birlikte Bakire ve Çocuk (yaklaşık 1508, Burlington House Karikatür olarak bilinir); İkinci karikatürün büyük, tamamen boyanmış bir çalışmaya dönüştürüldüğü varsayılabilir, ancak böyle bir resme teşebbüs edildiğine dair hiçbir kanıt yoktur. Ancak burada, Meryem Ana, Aziz Anne'nin kucağına otururken, Mesih çocuğu şakacı bir şekilde, bebeğin kaderinin önceden bildirilmiş bir örneği olan genç bir kurbanlık kuzuyu okşar. Anne ile Bakire ve Çocuk için küçük ölçekli bir kalem ve mürekkep çizimiAccademia, Venedik koleksiyonunda mevcuttur. Resmi olmayan duruşlar ve bakıcılar arasındaki hassas psikolojik bağlılık, dini resimde tüm zamanların zirvesini oluşturuyor. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Biri haline gelmiştir gelende Antonello da Messina ‘nın en ünlü resimlerindensanatçı, condottiere olarak bilinen İtalya'nın askeri liderini tasvir ediyor. (Bununla birlikte, insanın gerçek kimliği bilinmemektedir.) İtalya 19. yüzyıla kadar bir dizi bağımsız şehir devletinden oluşuyordu ve condottieri'ler çatışan devletler arasındaki savaşlarda yüksek talep görüyordu. Antonello, bakıcısının rütbesini sergilemeye ilgi duyuyor: siyah bir arka planın önünde temel kıyafetler ve başlıklar içinde iyi bir duruşla oturuyor, böylece statüsünü basit bir savaşçının statüsünün üzerine çıkarıyor. Nitekim Antonello'nun konusu büyük olasılıkla bir beyefendininkine yakın bir unvana sahip olacak servete sahipti ve bu portreyi sosyal duruşunu vurgulamak için görevlendirirdi. Ancak Antonello, izleyiciye bu adamın acımasız bir savaşçı olduğunu hatırlatıyor. Condottiero'nun daha yakından incelenmesiBakıcının üst dudağındaki savaş yarası gibi detayları ortaya çıkarır. (William Davies)

  • Mona Lisa (c. 1503–09)

    Leonardo da Vinci hayata Toskana noterinin gayri meşru oğlu olarak başladı ve tartışmasız dünyanın en çok tartışılan ressamı oldu. Yazmaya ve resme başladığı günden itibaren akademisyenlerin ve halkın sonsuz hayranlığı arttı. Ayrıca kusurları ve sınırları olan bir adamdı. Vinci yakınlarındaki Toskana yamaç kasabası Anchiano'da doğdu ve Andrea del Verrocchio'ya çırak olarak eğitim almak için erken yaşta Floransa'ya taşındı., günün ünlü bir heykeltıraşı. Bu ilk derslerden, Leonardo, ister bitkilerin veya insan vücudunun parçalarının, savaş makinelerinin veya kamusal su işlerinin inceliklerini çiziyor veya çiziyor olsun, kariyeri boyunca ona iyi hizmet eden bir kavram olan üç boyutlu uzayı derin bir şekilde takdir etti. matematiksel geometri veya yerel jeoloji. 19. yüzyıla kadar kullanılmayan bu tablonun adı , aynı zamanda bakıcının tek kimliğini de sağlayan Giorgio Vasari'nin erken bir anlatımından türetilmiştir . Lisa Gherardini olarak da bilinen Mona Lisa, portreyi yaptırmış olabilecek bir ipek tüccarı olan Francesco del Giocondo ile evlendikten sonra 20'li yaşlarının ortalarında resmedildi. İtalyanlar onu bu güne kadar La Gioconda , Fransızlar iseLa Joconde , kelimenin tam anlamıyla "neşeli (veya eğlenceli) biri" olarak tercüme edilir. Daha yakın tarihte, resmin şöhreti, kısmen, 1911'de bir İtalyan milliyetçisi tarafından sansasyonel bir soygunda Paris'teki Louvre'dan çalınmış, ancak neyse ki iki yıl sonra iade edilmiş olmasından kaynaklanıyor olabilir. (Steven Pulimood)

    [Mona Lisa'nın neden bu kadar ünlü olduğu hakkında daha fazla bilgi edinmek ister misiniz? Britannica tarafından Demystified bu kitabı okuyun.]

  • Hayır Kurumu (1518–19)

    1518'de Fransız Francis I, Floransalı ressam Andrea del Sarto'yu İtalyan ressamın bir yıl yaşadığı Fransız sarayına çağırdı . Charity , Fransız kalışından günümüze kalan tek tablodur; Château d'Amboise için boyandı. Eser, şu anda Fransız kraliyet ailesinin tercih ettiği tabloların tipik bir örneğidir. Yardım ettiği ve koruduğu çocuklarla çevrili bir figürü tasvir ediyor. Fransız kraliyet ailesinin alegorik bir temsiliydi ve bebek emzirmesi ile sembolize edilen Dauphin'in doğumunu kutlarken, Charity figürü kraliçeyle bazı benzerlikler taşıyor. Kompozisyonun piramidal yapısı, bu tür resim için geleneksel formun tipik bir örneğidir ve aynı zamanda etkisinin bir yansımasıdır.Andrea del Sarto hakkında Leonardo da Vinci . Sanatçı özellikle Leonardo'nun Bakire ve Çocuğu Aziz Anne ile hayranlık uyandırdı . (Tamsin Pickeral)

  • Aziz George'un Baş Kesme (c. 1432-34)

    Bernardo Martorell Barselona'da çalıştı ve muhtemelen o dönemin en üretken Katalan ressamı Luis Borrassá tarafından öğretildi. Hayatta kalan yalnızca bir eser , İtalya'nın Gerona Müzesi'nde bulunan St. Peter of Pubol'un (1437) Altarpiece Martorell'e atfedilmiştir . Bununla birlikte, Aziz George Altarpiece Martorell'in tarzında o kadar belirgin ki, çoğu uzman onun sanatçı olduğuna inanıyor. Sunak, Barselona Sarayı'ndaki Aziz George Şapeli için yaratıldı. Bu oluşur ejderhasınıöldürme Aziz George gösteren bir merkezi panelin şimdi Chicago Sanat Enstitüsü içinde yer alır, ve Fransa'daki Louvre olan dört yan panel. Bu yan panelanlatının son bölümünü oluşturur ve Aziz George'un şehitliğini tasvir eder. Aziz George efsanesinin, Caesarea'lı Eusebius'un MS dördüncü yüzyıla tarihlenen yazılarında ortaya çıktığı görülmektedir. O, Hıristiyanların zulmünü protesto ettiği için MS 303'te öldürülen asil bir Romalı asker olarak ünlendi. 10. yüzyılda kanonlaştırıldı ve askerlerin koruyucu azizi oldu. Aziz George efsanesi Orta Çağ'da tüm Avrupa'da yaygındı ve azizin bir ejderhayı öldürmesinin hikayesi mucizevi olmaktan çok mitolojik görünse de, birçok ortaçağ resminde yeniden anlatılıyor. Efsanenin bu son sahnesinde, Aziz George'un başı kesilirken ateşli kırmızı ve altın rengi bir gökten şimşekler düşer. Tarz Uluslararası Gotik olabilir, ancak dehşete düşmüş yüzler, at yetiştirme, yuvarlanan vücutlar, ve ışığın uzman kullanımı Martorell'e aittir. (Mary Cooch)