เบ็ดเตล็ด

ภาพยนตร์ - การกำกับภาพยนตร์

ฟิล์ม กำกับ

ผู้กำกับภาพยนตร์สมัยใหม่เป็นบุคคลที่มีหน้าที่รับผิดชอบมากที่สุดสำหรับรูปแบบโครงสร้างและคุณภาพของภาพยนตร์ขั้นสูงสุด ภาพยนตร์เป็นศิลปะของการทำงานร่วมกันและในบางกรณีอาจมีคนอื่นที่ไม่ใช่ผู้กำกับเข้ามามีอำนาจเหนือกว่า (เช่นโปรดิวเซอร์ที่มีอำนาจในการตัดฉากสุดท้ายหรือนักแสดงที่ได้รับความนิยมในบ็อกซ์ออฟฟิศทำให้เขามีอำนาจในการกำกับผู้กำกับ) แต่โดยทั่วไปจะถือว่าบุคคลที่ได้รับมอบหมายให้กำกับภาพต้องได้รับเครดิตหรือตำหนิสำหรับรูปแบบและเนื้อหา

ในขณะที่ฟังก์ชั่นที่ผู้อำนวยการทำหน้าที่ถูกเติมเต็มโดยใครบางคนเสมอ แต่ลำดับความสำคัญของฟังก์ชันนั้นไม่ได้รับการยอมรับเสมอไป ตัวอย่างเช่นGeorges Mélièsคิดว่าตัวเองเป็น "ผู้อำนวยการสร้าง" ของภาพยนตร์และในช่วงปีพ. ศ. 2439 ถึง 2455 เขาดูแลทุกด้านของการสร้างภาพยนตร์ที่มีชื่อของเขารวมถึงการออกแบบฉากการแสดงและการทำงานของกล้องถ่ายรูปCharles Pathéในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ฝรั่งเศสเป็นหนึ่งในผู้อำนวยการสร้างรายแรกที่มอบหมายผู้ช่วย (เฟอร์ดินานด์ Zecca) โดยเฉพาะเพื่อกำกับภาพของอาณาจักรภาพยนตร์ที่ขยายตัวอย่างรวดเร็วของเขา ที่ Gaumont Pictures ของฝรั่งเศสLouis Feuilladeและอลิซผู้ชายผู้หญิงคนแรกที่จะใช้ในตำแหน่งสำคัญในโรงภาพยนตร์ร่วมงานของผู้กำกับแต่ละคนที่เชี่ยวชาญในการแยกต่างหากประเภท ในสหรัฐอเมริกาเช่นเดียวกับในยุโรปผู้กำกับภาพยนตร์คนแรกหลายคนเป็นตากล้อง ( Edwin S.) หรือนักแสดง (DW Griffith) จนกว่าสถานการณ์จะบีบบังคับให้พวกเขารับหน้าที่กำกับต่างๆ อย่างไรก็ตามอุตสาหกรรมภาพยนตร์เติบโตอย่างรวดเร็วและในปีพ. ศ. 2453 จำนวนภาพยนตร์ที่ต้องใช้เพื่อเติมเต็มโรงภาพยนตร์ที่สร้างขึ้นใหม่จำนวนมากทำให้ต้องมีการมอบหมายการผลิต บทบาทของผู้กำกับคือการทำงานร่วมกับนักแสดงนักออกแบบช่างเทคนิคและคนอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องในกระบวนการสร้างภาพยนตร์ประสานงานและดูแลความพยายามของพวกเขาเพื่อที่จะทำให้ภาพยนตร์ที่น่าสนใจและเข้าใจได้อย่างรวดเร็วภายใต้เงื่อนไขทางการเงินและวัสดุที่เข้มงวด

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ผู้ที่เขียนอย่างจริงจังเกี่ยวกับภาพเคลื่อนไหวไม่มีความมั่นใจเกี่ยวกับความสำเร็จและความล้มเหลวของผู้กำกับ ผู้กำกับบางคนโดยเฉพาะFW MurnauและFritz LangในเยอรมนีและVictor Sjöströmในสวีเดนแทบจะมีชื่อเสียงพอ ๆ กับดาราที่แสดงในภาพยนตร์ของพวกเขา ในปีพ. ศ. 2469 วิลเลียมฟ็อกซ์จ่ายเงิน 1 ล้านดอลลาร์ให้กับมูร์เนาย้ายไปที่ฮอลลีวูดด้วยความหวังว่าเขาจะสร้างภาพยนตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเท่าที่โลกเคยเห็นมา ประเด็นหลักของการแต่งงานของศิลปะและเงินซันไรส์ (1927) ยังคงเป็นความผิดปกติในประวัติศาสตร์ของอุตสาหกรรมภาพยนตร์สำหรับ Murnau ได้รับการควบคุมที่ผิดปกติและทรัพยากรที่ไม่ จำกัด ภาพยนตร์เรื่องนี้ยังคงสร้างความประหลาดใจให้กับนักวิจารณ์ แต่มันก็ไม่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์และมันทำให้ผู้กำกับต้องตะลึงไปชั่วขณะ การเผชิญหน้าที่น่าทึ่งมากขึ้นของErich von Stroheimกับโปรดิวเซอร์เช่นIrving Thalbergยิ่งกระตุ้นให้เกิดทัศนคติในเชิงธุรกิจนี้ซึ่งนำไปสู่การฝึกฝนการพิมพ์อย่างรวดเร็วของผู้กำกับไม่ว่าจะเป็นคนทำงานหรือยาก

ในยุคที่ยิ่งใหญ่ของ ระบบสตูดิโอ (2470–48) ผู้กำกับที่แข็งแกร่งต่อสู้กับสภาพโรงงานที่สร้างภาพยนตร์ ผู้กำกับที่มีบุคลิกที่ทรงพลัง (เช่นFrank Capra , Howard Hawks , John Fordและ Ernst Lubitsch) ได้รับอิสระอย่างมาก แต่พวกเขายังคงต้องทำงานร่วมกับนักแสดงและนักแสดงที่ทำสัญญากับสตูดิโอโดยมีเจ้าหน้าที่สหภาพตามกิจวัตรที่มีเกียรติเวลา ด้วยสคริปต์และผู้เขียนบทที่สตูดิโอเลือกไว้และมีกำหนดเวลาที่ไม่สนับสนุนการทดลอง

ทฤษฎีออเทอร์” ซึ่งเผยแพร่โดยนักทฤษฎีภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษ 1950 นำเสนอวิธีการที่มีประสิทธิภาพในการศึกษาและประเมินภาพยนตร์ในยุคสตูดิโอ คำว่าauteur (ตามตัวอักษร "ผู้แต่ง" ในภาษาฝรั่งเศส) ถูกนำมาใช้ในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1930 ในการต่อสู้ทางกฎหมายเกี่ยวกับสิทธิในทรัพย์สินทางศิลปะ การต่อสู้ทางกฎหมายนี้เพื่อพิจารณาว่าภาพยนตร์เรื่องนี้ "เป็นของ" ของผู้เขียนบทผู้กำกับหรือผู้อำนวยการสร้างเสริมความเชื่อของนักวิจารณ์และนักทฤษฎีหลายคนว่าเป็นผู้กำกับคนเดียวที่สมควรได้รับเครดิตสำหรับภาพยนตร์เช่นเดียวกับที่สถาปนิกสามารถได้รับเครดิตสำหรับ อาคารแม้ว่าจะถูกสร้างขึ้นและใช้งานโดยบุคคลอื่นก็ตาม ในขณะที่มุมมองนี้ให้ความรู้สึกโดดเด่นเมื่อผู้กำกับที่แข็งแกร่งมีความกังวล แต่ก็มีแนวโน้มที่จะเพิกเฉยต่อผู้สร้างภาพยนตร์ทั่วไป

นักแสดงถูกกำหนดให้เป็นผู้กำกับที่มีเทคนิคที่มั่นคงมีวิสัยทัศน์ที่ชัดเจนเกี่ยวกับโลกและระดับการควบคุมการผลิตของพวกเขา สถานการณ์การกำกับบางอย่างง่ายต่อการประเมิน กริฟฟิ ธ และแชปลินมีอำนาจควบคุมทางการเงินอย่างสมบูรณ์สำหรับความพยายามครั้งสำคัญของพวกเขา ผู้กำกับศิลป์ชาวยุโรปเช่นIngmar Bergmanชอบเสรีภาพที่คล้ายคลึงกัน ภาพยนตร์ของพวกเขามักถูกวางตลาดว่าเป็นการแสดงออกถึงบุคลิกทางศิลปะที่สำคัญ อย่างไรก็ตามทฤษฎีออเทอร์ได้รับการพัฒนาขึ้นเพื่อกระตุ้นให้มีการประเมินค่าภาพยนตร์จำนวนนับไม่ถ้วนโดยผู้กำกับที่ดำเนินการท่ามกลางสถานการณ์ที่สตูดิโอหายใจไม่ออก ผู้กำกับเช่นLeo McCarey , Gregory La CavaและAnthony Mann สร้างความประทับใจให้กับภาพยนตร์ของพวกเขาไม่ว่าจะเป็นประเภทที่มีความสอดคล้องกันส่วนบุคคลความงาม ผลงานของพวกเขาแม้ว่าจะไม่ประสบความสำเร็จ แต่ก็ถือว่ามีคุณค่าอย่างล้นเหลือมากกว่าภาพยนตร์ที่ไม่โดดเด่นของผู้กำกับที่อ่อนแอกว่าซึ่งเพียงแปลคำพูดและการกระทำที่ระบุไว้ในสคริปต์ให้เป็นภาพหน้าจอตามปกติ นักเขียนบทในสตูดิโอหลายปีทำงานเป็นทีมเป็นหลัก สคริปต์เดียวมักจะผ่านมือของนักเขียนหลาย ๆ คนดังนั้นภาพยนตร์ส่วนใหญ่จึงเป็นที่รู้จักในฐานะผลงานของสตูดิโอเฉพาะมากกว่าของนักเขียนแต่ละคน ความตึงเครียดระหว่างผู้อำนวยการและประเภทหรือสตูดิโอเป็นความคิดที่ภาพยนตร์ผลิตที่ดึงดูดความสนใจให้กับประชาชนในขณะที่การแสดงวิสัยทัศน์ของแต่ละคน ดังนั้นโดยผ่านทางออเทอร์ซึ่งเป็นศิลปะยอดนิยม ของภาพยนตร์สามารถบรรลุเป้าหมายดั้งเดิมของกวีนิพนธ์และศิลปกรรมเป้าหมายของการแสดงออกที่แท้จริงและความเป็นอัจฉริยะ

ทฤษฎีออเทอร์มีอิทธิพลอย่างยิ่งในทศวรรษ 1960 และเนื้อหาก็มีส่วนสำคัญในการสร้างคลื่นลูกใหม่ของฝรั่งเศสไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเคลื่อนไหวที่คล้ายคลึงกันในสหราชอาณาจักรและสหรัฐอเมริกาด้วย กรรมการเช่นLindsay Anderson , Joseph Losey , Stanley Kubrick , John Cassavetes , Francis Ford CoppolaและArthur Pennคิดว่าตัวเองเป็นนักร้องรุ่นใหม่และได้รับเสียงชื่นชมจากสไตล์และธีมที่โดดเด่น ด้วยการล่มสลายของระบบสตูดิโอในปี 1950 จึงมีช่องว่างสำหรับบุคลิกเดียวในการควบคุมภาพยนตร์และทำการตลาดบนพื้นฐานของวิสัยทัศน์ส่วนบุคคล

หลังจากปีพ. ศ. 2503 ผู้กำกับภาพยนตร์อเมริกันอันดับหนึ่งเริ่มสร้างภาพยนตร์ภายใต้เงื่อนไขที่ปฏิบัติในยุโรปตลอดศตวรรษ ตัวอย่างเช่นระบบสตูดิโอที่ไม่มีนัยสำคัญของฝรั่งเศสได้เปิดใช้และสนับสนุนให้ผู้ประกอบการแต่ละรายรวบรวมโครงการภาพยนตร์ในครั้งเดียว โครงการดังกล่าวมักจะวนเวียนอยู่กับéquipeหรือทีมงานสร้างสรรค์โดยมีผู้อำนวยการเป็นหัวหน้า จากนั้นผู้กำกับสามารถกำหนดรูปแบบการทำงานของนักออกแบบนักแต่งเพลงและ (ที่สำคัญที่สุด) ของนักวาดภาพได้อย่างแท้จริงเพื่อให้ภาพยนตร์มีสไตล์ที่สอดคล้องและเป็นส่วนตัวตั้งแต่ต้นจนจบ ในรูปแบบศิลปะนี้โปรดิวเซอร์ขึ้นอยู่กับผู้กำกับในการพัฒนาวิธีการจัดการฉากที่โดดเด่น ผู้กำกับอาจจำเป็นต้องเขียนสถานการณ์ใหม่เพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ที่เฉพาะเจาะจง อันเป็นผลมาจากความมุ่งมั่นส่วนตัวนี้ข้อโต้แย้งที่ได้รับการเผยแพร่อย่างดีที่เกิดขึ้นระหว่างการผลิตภาพยนตร์ที่สำคัญหลายเรื่องมักเกี่ยวข้องกับผู้กำกับ

Alfred Hitchcockเป็นผู้กำกับคนหนึ่งที่ดูหมิ่นข้อโต้แย้ง เขาเก็บพิมพ์เขียวของภาพยนตร์ไว้ในหัวและให้คำแนะนำโดยละเอียดสำหรับแต่ละช็อตโดยไม่ต้องสนทนาใด ๆ โปรดิวเซอร์ของเขาไม่ได้รับโอกาสในการเสนอข้อเสนอแนะทางเลือกอื่นหรือบรรยายภาพยนตร์เรื่องนี้ ฉากเข้าด้วยกันในแบบเดียวเท่านั้นวิธีของ Hitchcock ในขณะที่นักวิจารณ์บางคนบ่นว่าการแสดงในภาพยนตร์ฮิตช์ค็อกมักจะถูกทำให้นิ่ง แต่ฉากนั้นเป็นของเทียมและภาพฉายด้านหลังนั้นชัดเจน แต่สไตล์ฮิทช์ค็อกก็เป็นที่จดจำได้ทันที คนส่วนใหญ่ชื่นชมประสิทธิภาพของแนวทางของฮิทช์ค็อกบางคนถึงกับอ้างว่าในภาพยนตร์ของเขามีความเข้าใจเชิงศีลธรรมและเชิงอภิปรัชญาที่ลึกซึ้ง

ผู้กำกับรายใหญ่ทั่วโลกมักจะได้รับความเคารพเช่นนี้ ท่ามกลางคนอื่น ๆMizoguchi เคนจิและคุโรซาวาอากิระของญี่ปุ่น , Satyajit เรย์ของอินเดียFederico FelliniของอิตาลีLuis Buñuelของสเปนและคาร์ลดรายเออร์แห่งเดนมาร์กได้รับโอกาสที่หาได้ยากที่จะทำให้งบศิลปะของแต่ละบุคคล บางคนถูกมองว่าเป็นสมบัติของชาติเสมือนจริงซึ่งภาพยนตร์จะนำความรุ่งเรืองทางวัฒนธรรมมาสู่ประเทศที่พวกเขาทำงานอยู่

แม้จะมีข้อยกเว้นเหล่านี้ แต่กรรมการส่วนใหญ่ทำงานภายใต้ข้อ จำกัด ที่ยิ่งใหญ่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงอายุ อุตสาหกรรมโทรทัศน์ ซีรีส์โทรทัศน์ทั่วไปจะหมุนเวียนผู้กำกับตอนต่อจากตอนเพื่อให้ผู้ผลิตนักแสดงและทีมงานผลิตซึ่งทำงานอย่างต่อเนื่องในรายการสามารถควบคุมผลิตภัณฑ์ได้มากขึ้น โดยทั่วไปแต่ละฉากของรายการโทรทัศน์จะถ่ายทำจากการตั้งค่ากล้องสามแบบที่แตกต่างกัน ผู้กำกับพยายามอย่างเต็มที่เพื่อให้ได้การแสดงที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จากนักแสดงมั่นใจว่าทีมงานกำลังส่งมอบภาพที่เหมาะสมจากนั้นบรรณาธิการจะเลือกช็อตที่ดีที่สุดเพื่อใช้ในการบอกเล่าเรื่องราวในภายหลัง ในการเปรียบเทียบผู้กำกับภาพยนตร์ที่มีอำนาจมักมีส่วนร่วมอย่างลึกซึ้งในการตัดต่อและการผลิตหลังการผลิต อุตสาหกรรมโทรทัศน์ให้ความสำคัญกับคุณสมบัติสายการประกอบของระบบสตูดิโอในขณะที่การผลิตภาพยนตร์อิสระในปัจจุบันมักจะแยกแยะตัวเองตามอำนาจเผด็จการของผู้กำกับ

ไม่ว่าจะได้รับการควบคุมอย่างสมบูรณ์หรือ จำกัด ผู้กำกับทุกคนจะต้องอนุมัติบทภาพยนตร์จากนั้นให้ความสำคัญกับฉากที่ถ่ายทำโดยสัมพันธ์กับการออกแบบโดยรวมของภาพยนตร์ หน่วยการจัดการ (ผู้ช่วยผู้กำกับและเสมียนความต่อเนื่อง ) เกี่ยวข้องกับรายละเอียดขององค์กรเพื่อให้ผู้กำกับสามารถโต้ตอบกับบุคลากรที่สร้างสรรค์ในกองถ่าย (ช่างถ่ายภาพยนตร์ทีมงานแสงและเสียงผู้ตกแต่งฉากและแน่นอนนักแสดง) สำหรับหลังการผลิตกรรมการทุกคนมองไปที่บรรณาธิการทุกวันที่รีบออกจากห้องแล็บ แต่มีเพียงบางคนเท่านั้นที่ติดตามและมีส่วนร่วมกับขั้นตอนการตัดต่อดนตรีและการมิกซ์เสียง ในทุกกรณีผู้อำนวยการเป็นบุคคลเดียวที่จะรักษามุมมองที่สมบูรณ์ของโครงการดึงสิ่งที่ดีที่สุดจากบุคลากรทุกคนตั้งแต่นักเขียนจนถึงเครื่องผสมเสียงและกำหนดรูปแบบความพยายามเพื่อให้ภาพยนตร์มีรูปลักษณ์และความหมายที่สอดคล้องกัน

การกำกับที่ประสบความสำเร็จมีส่วนเกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ทางสังคมที่จับต้องไม่ได้เช่นการรักษาความสามัคคี (หรือการแข่งขันที่มีประสิทธิผล) ให้คงอยู่ในฉากการวาดการแสดงที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จากนักแสดงการสร้างบทภาพยนตร์ให้เป็นรูปแบบที่ใช้ประโยชน์จากความสามารถของผู้กำกับภาพหรือของนักแสดงหลักหรือขอร้องให้ผู้ผลิตเงินที่จำเป็นสำหรับการถ่ายทำพิเศษ นอกเหนือจากความคาดหวังประจำเช่นนี้ผู้กำกับที่ยิ่งใหญ่ได้รับการระบุถึงแนวทางที่เป็นเอกลักษณ์หรือแยบยลในสื่อ ผู้กำกับได้รับคำชมในเรื่องการจัดการเรื่องราวที่กล้าหาญ การปฏิเสธที่จะถูกปิดล้อมด้วยข้อกำหนดมาตรฐานของละครสองชั่วโมงที่เกี่ยวข้องกับตัวละครกลางสองสามตัวตัวอย่างเช่นฟรานซิสฟอร์ดคอปโปลาได้ปะติดปะต่อภาพเฟรสโกที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงในผลงานชิ้นเอกสองส่วนของเขาThe Godfatherเช่นเดียวกับRobert Altmanในเรื่องเล่าแบบจับแพะชนแกะเช่นแนชวิลล์ (1975) และShort Cuts (1993) และPaul Thomas Anderson inแมกโนเลีย (2542). กรรมการอิตาเลี่ยนได้ทดลองกับรูปแบบมหากาพย์ในขณะที่Ermanno Olmi ‘s L'Albero degli zoccoli (1979; ต้นไม้แห่ง Clogs ไม้ ) และBernardo Bertolucci ‘s Novecento (1976;1900 ) และจักรพรรดิองค์สุดท้าย (1987) และมีโครงสร้างการเล่าเรื่องเช่นเดียวกับในRoberto Rossellini ’s Paisà (พ.ศ. 2489;ไพศาล ) และLe Balของ Ettore Scola (1983; The Ball ) ซึ่งละทิ้งการสร้างพล็อตแบบดั้งเดิมและมีเส้นเรื่องเดียวเพื่อสนับสนุนตอนสั้น ๆ ที่แยกจากกันซึ่งมีเนื้อหาหรือเชื่อมโยงกันในอดีต

กรรมการบางคนได้รับชื่อเสียงมากขึ้นสำหรับลักษณะการแสดงของพวกเขามากกว่าสำหรับการเล่าเรื่องของพวกเขารุนแรง ตัวอย่างเช่นภาพยนตร์ของ Bertolucci ไม่ได้รับการตอบรับที่ดีเสมอไป แต่ภาพที่ลื่นไหลอิ่มตัวและเอฟเฟกต์ "จิตวิเคราะห์" ของพวกเขาได้สร้างชื่อเสียงให้กับภาพยนตร์เช่นIl conformista (1970;The Conformist ) และLuna (1979) เดียวกันอาจจะกล่าวว่าสำหรับ Fellini, อันเดรย์โคฟและWerner Herzog นักวิจารณ์บางคนรู้สึกว่าคอปโปลาจากหัวใจ (1982) โครงการรุนแรงวิสัยทัศน์ส่วนบุคคลซึ่งเป็นที่น่าสนใจมากขึ้นจากจุดที่ผู้อำนวยการของมุมมองมากกว่าความพยายามของเขาประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์มากขึ้นรวมทั้งเจ้าพ่อ แม้ว่าผู้กำกับหลายคนจะให้เครดิตผู้ถ่ายทำภาพยนตร์ของตนในการบรรลุวิสัยทัศน์ที่โดดเด่นเช่นนี้ แต่นักถ่ายภาพยนตร์ส่วนใหญ่อ้างว่าเป็นเพียงการแก้ปัญหาทางเทคนิคตามคำสั่งของผู้กำกับเท่านั้น

เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้ถึงผลกระทบที่เกิดขึ้นในช่วงหลังการผลิต บรรยากาศของหูที่หนาแน่นอย่างไม่น่าเชื่อโดยรอบคอปโปลา ‘s Apocalypse Now (1979), ตัวอย่างเช่นเป็นผลมาจากการเรียงต่อกันของคะแนนของเสียงเพลงแต่ละผสมโดยทีมงานผู้เชี่ยวชาญที่มีความสามารถ แต่คอปโปลาเองก็แจ้งความแล้วความเข้าใจที่มีประสิทธิภาพของความเป็นไปได้ของเสียงในภาพยนตร์ขนาดเล็กมากของเขาการสนทนา (1974). ในทำนองเดียวกันการแบ่งปันที่ดีของAltman ‘s ชื่อเสียงต้องไปที่วิศวกรผู้ประสานงานวิทยุ miking มากที่สุดเท่าที่โหลตัวละครในฉากเดียวในแนชวิลล์ อย่างไรก็ตามอัลท์แมนที่รับรู้ถึงผลกระทบทั้งหมดที่การสนทนาซ้อนทับสองชั่วโมงจะมีต่อผู้ชมการตัดต่อที่สมบุกสมบันของ Martin ScorseseในTaxi DriverและRaging Bullเป็นหน้าที่ที่ไม่เพียง แต่เป็นความเฉลียวฉลาดของบรรณาธิการเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแนวคิดทั้งหมดของบทรูปแบบการแสดงการทำงานของกล้อง (รวมถึงโทนสีดำและสีขาวที่รุนแรงสำหรับภาพยนตร์เรื่องหลัง) และดนตรี

ผู้กำกับอาจถูกมองว่าเป็นผู้แก้ปัญหาได้ดีที่สุด ผู้กำกับไม่ค่อยสนใจเรื่องเทคโนโลยีแต่ผู้กำกับจะใช้ทรัพยากรที่มีอยู่ (ความสามารถทางเทคโนโลยีและแบบแผนของการดำเนินการสร้างภาพยนตร์ในขณะนี้) และค้นหาวิธีแก้ปัญหาที่มีประสิทธิภาพสำหรับปัญหาที่น่าทึ่งหรือภาพ รูปแบบเกิดขึ้นเมื่อมีการนำวิธีแก้ปัญหาเหล่านี้หรือ“ เทคนิค” มาใช้อย่างสม่ำเสมอในภาพยนตร์หลายเรื่อง ตัวอย่างเช่น,ความชื่นชอบของBressonในการใช้เสียงนอกกล้องเพื่อส่งสัญญาณถึงเหตุการณ์สำคัญ (ซากรถในAu Hasard Balthasar [1966] การปล้นธนาคารในL'Argent ) ท้าทายรูปแบบการสร้างภาพยนตร์มาตรฐานและเข้าถึงวิธีที่มีคุณค่าอย่างยิ่งในการทำความเข้าใจการตกแต่งภายในหรือ ละครจิตวิญญาณ เทคนิคการใช้เสียงของ Bresson กลายเป็นส่วนหนึ่งของสไตล์ที่เข้มงวดและเร้าใจของเขา

กรรมการอาจมีลักษณะตามแนวทางแก้ไขที่พวกเขามาถึงเป็นประจำเมื่อมีการนำเสนอเรื่องราวหรือฉากต่อพวกเขา Murnau และ Mizoguchi ชอบการติดตามช็อตที่เนือยนิ่งในการแก้ไขสถานการณ์ที่น่าทึ่งเพื่อให้เห็นดราม่าเกิดขึ้นในระหว่างการถ่ายทำ Antonioni ปล่อยให้กล้องถ่ายภาพต่อไปได้ดีหลังจากที่ตัวละครอยู่นอกระยะเพื่อให้ผู้ชมสามารถสังเกตได้ว่าฉากที่น่าทึ่งหายไปหรือสัมผัสได้ถึงความเล็กของมันในแนวนอนที่ยังคงอยู่ หลังจากปีพ. ศ. 2513 ผู้กำกับชาวอเมริกันส่วนใหญ่ได้ใช้เทคนิคที่รวดเร็วเพื่อมอบพลังให้กับเรื่องราวที่น่าสยดสยองที่เข้ามาครอบงำโรงภาพยนตร์ทั่วโลก มีการใช้เทคนิคเหล่านี้ - เสียงระยะใกล้ดนตรีที่เร้าใจและการตัดต่อแบบกะทันหันเพื่อให้ผู้ชมสนใจและตื่นเต้น อย่างไรก็ตามภายในสไตล์อเมริกันทั่วไปนี้

เป็นที่ทราบกันโดยทั่วไปว่าผู้กำกับที่ดีที่สุดคือผู้ที่มีส่วนร่วมอย่างสม่ำเสมอไม่เพียง แต่เทคนิคที่แยบยล แต่ยังรวมถึงสไตล์หรือธีมส่วนตัวที่มีประสิทธิผลสอดคล้องกันในภาพยนตร์ยกตัวอย่างเช่นการใช้กลยุทธ์มุมมองของBrian De Palmaทำให้หนังสยองขวัญโดยเฉพาะเช่นCarrie (1976) และBody Double (1984) และเทคนิคของเขาได้รับการเปรียบเทียบกับ Hitchcock นักวิจารณ์ส่วนใหญ่เห็นด้วยว่า Hitchcock เป็นผู้กำกับที่มีความสำคัญมากกว่าเพราะกลยุทธ์มุมมองที่เข้มงวดซึ่ง Hitchcock ใช้ในภาพยนตร์เช่นRear Window (1954) นั้นเป็นมากกว่าเทคนิคการสร้างภาพยนตร์ มันเป็นการแสดงออกถึงความคิดของผู้กำกับเกี่ยวกับวิสัยทัศน์และความรู้