เบ็ดเตล็ด

29 ภาพวาดที่คุณสามารถเยี่ยมชมได้ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์เท่านั้น


  • Portrait of a Woman (ศตวรรษที่ 3)

    ภาพโลงศพนี้มาจากภูมิภาค Fayum และวาดในสมัยกรีก - โรมัน คำว่า Fayum หมายถึงพื้นที่ที่อุดมสมบูรณ์ทางตะวันตกเฉียงใต้ของไคโร มีศูนย์กลางอยู่รอบทะเลสาบเทียม Lake Qaroun ซึ่งเป็นโครงการวิศวกรรมที่มีความทะเยอทะยานตั้งแต่สมัยราชวงศ์ที่ 12 ซึ่งสร้างขึ้นในหุบเขาธรรมชาติ ผู้คนในหุบเขา Fayum มาจากอียิปต์กรีซซีเรียลิเบียและพื้นที่อื่น ๆ ของอาณาจักรโรมัน พวกเขาปลูกพืชรวมทั้งข้าวสาลีและข้าวบาร์เลย์ ปลาจากทะเลสาบถือเป็นอาหารอันโอชะที่ยิ่งใหญ่ทั่วอียิปต์ และภายใต้การปกครองของAmenemhet III(ราชวงศ์ที่ 12) พื้นที่นี้มีชื่อเสียงในเรื่องสวนเขียวชอุ่มและไม้ผลที่อุดมสมบูรณ์ ปัจจุบันภูมิภาคนี้เป็นที่รู้จักจากจำนวนเอกสารต้นปาปิรัสที่ขุดพบในช่วงศตวรรษที่ 19 และ 20 รวมถึง "ภาพบุคคล Fayum" จำนวนมากที่ค้นพบโดยนักโบราณคดี เห็นได้ชัดว่าภาพบุคคลขนาดเท่าคนจริงเหล่านี้ถูกนำมาใช้เพื่อตกแต่งบ้านและใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในงานศพ เทคนิคการเคลือบนี้เกี่ยวข้องกับการหลอมแว็กซ์และผสมกับการสร้างเม็ดสีและอาจเป็นน้ำมันลินสีดหรือไข่จากนั้นจึงทาลงบนไม้หรือผ้าลินิน ภาพวาดนี้ดูทันสมัยอย่างน่าประหลาดใจ ดวงตาที่ชัดเจนและจมูกที่โด่งของผู้หญิงและการพรรณนาอย่างระมัดระวังของศิลปินแสดงให้เห็นว่าสิ่งนี้ถูกวาดขึ้นเพื่อให้เป็นภาพบุคคลที่เป็นที่รู้จัก นักประวัติศาสตร์ศิลปะมักให้เครดิตภูมิภาค Fayum ว่ามีการกำเนิดภาพบุคคลที่เหมือนจริงและภาพบุคคลจำนวนมากที่ค้นพบในภูมิภาคนี้เป็นช่วงเวลาแห่งการทดลองทางศิลปะที่แหวกแนว (ลูซินดาฮอว์กสลีย์)

  • ฤดูร้อน (1573)

    Giuseppe Arcimboldoประสบความสำเร็จอย่างสูงในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากที่เขาเสียชีวิตงานของเขาก็ล้าสมัยไปอย่างรวดเร็วและความสนใจในเรื่องนี้ก็ไม่ได้รับการฟื้นฟูจนกระทั่งสิ้นศตวรรษที่ 19 ในเชิงโวหารภาพวาดที่แปลกประหลาดและมีจินตนาการของเขาเข้ากันได้ดีกับโลกแห่งศิลปะ Mannerist ที่ได้รับความนิยม ศาลทั่วยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 16 ชื่นชอบภาพวาดลวงตาที่มีไหวพริบและชาญฉลาดประเภทนี้เป็นพิเศษและเป็นข้อพิสูจน์ว่านี่คืองานที่ได้รับมอบหมายอันยาวนานของ Arcimboldo ในฐานะจิตรกรประจำศาล Habsburg ระหว่างปี 1562 ถึง 1587 ฤดูร้อนเป็นส่วนหนึ่งของซีรีส์Four Seasonsที่ศิลปิน ทาสีสำหรับจักรพรรดิMaximilian IIในปี 1573 นี่เป็นเรื่องที่ Arcimboldo วาดหลายครั้งในอาชีพของเขาและเป็นเรื่องที่ได้รับความนิยมอย่างมาก เขาวาดภาพชุดโฟร์ซีซั่นส์เป็นครั้งแรกในปี 1562 และได้รับแนวคิดเชิงจินตนาการในการสร้างหัวจากคอลเลกชันผักและผลไม้ด้วยความกระตือรือร้นอย่างมาก หน้าที่ในศาลของ Arcimboldo สำหรับ Maximilian ไม่ได้ จำกัด อยู่ที่การวาดภาพ - ศิลปินยังถูกเรียกตัวในฐานะนักออกแบบเวทีสถาปนิกและวิศวกร ต่อมาในขณะที่ทำงานให้กับจักรพรรดิรูดอล์ฟที่ 2เขาถูกตั้งข้อหาหาของเก่าและของหายากสำหรับสะสมของจักรพรรดิ ภาพวาดของ Arcimboldo สร้างเอฟเฟกต์เหนือจริงอย่างละเอียดและแน่นอนว่าเป็นหนึ่งในภาพวาดที่สร้างสรรค์และสร้างสรรค์ที่สุดในยุคของเขา (แทมซินพิคเคอรัล)

  • ตกปลา (ประมาณ 1588)

    Annibale Carracciเกิดในพื้นที่ Bologna พร้อมกับพี่ชายและลูกพี่ลูกน้องของเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรชั้นนำคนหนึ่งของ Bolognese School เขาเป็นนักเขียนแบบที่มีความเชี่ยวชาญเป็นพิเศษและให้ความสำคัญอย่างมากกับการวาดภาพที่ถูกต้องโดยมักจะแสดงฉากต่างๆจากชีวิตและวางไว้ในภูมิประเทศในจินตนาการหรือในอุดมคติ รูปแบบของการล่าสัตว์และการตกปลาเป็นที่นิยมสำหรับการตกแต่งวิลล่าในโบโลญญาในเวลานี้ การตกปลาถูกวาดเป็นชิ้นส่วนร่วมกับผลงานอื่นของ Carracci, Hunting. ขึ้นอยู่กับขนาดของพวกเขาทั้งคู่อาจถูกออกแบบมาเพื่อแขวนไว้เหนือประตูในวิลล่าในบ้าน ผลงานทั้งสองชิ้นถูกวาดขึ้นในช่วงต้นอาชีพของ Carracci และก่อนที่เขาจะย้ายไปโรมในปี 1584 แต่พวกเขาแสดงให้เห็นถึงสไตล์ที่ประสบความสำเร็จอย่างสูงของศิลปินแล้ว ในผลงานชิ้นนี้เขาได้รวมฉากต่างๆไว้ในภาพวาดหนึ่งภาพและออกแบบองค์ประกอบของเขาอย่างชาญฉลาดเพื่อให้สายตาถูกนำจากเบื้องหน้าไปยังกลุ่มคนแต่ละกลุ่มและเป็นฉากหลังโดยไม่พลาดรายละเอียดใด ๆ ตัวเลขอาจมาจากการศึกษาโดยตรงจากธรรมชาติแล้วรวมกับภูมิทัศน์ ภาพวาดนี้น่าสนใจเพราะแสดงให้เห็นว่า Carracci พัฒนาการใช้ท่าทางของเขาซึ่งเห็นได้จากรูปชี้ทางด้านขวา การใช้ท่าทางที่น่าเชื่อและชัดเจนเป็นหนึ่งในทักษะเฉพาะของ Carracci ซึ่งมีอิทธิพลต่อจิตรกรในยุคบาโรกในเวลาต่อมา นอกจากนี้ยังเห็นได้ชัดว่ามีการใช้ภูมิทัศน์ที่น่าสนใจของ Carracci ซึ่งประกอบขึ้นอย่างสวยงามในแสงโปร่งแสงที่ชัดเจน (แทมซินพิคเคอรัล)

  • การเลี้ยงลาซารัส (ราว ค.ศ. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri ชื่อเล่นIl Guercinoเกิดในความยากจนในเมืองเล็ก ๆ ของ Cento ระหว่าง Ferrara และ Bologna ในอิตาลี เขาได้รับการสอนด้วยตนเองในฐานะศิลปินเป็นส่วนใหญ่ เขากลายเป็นหนึ่งในจิตรกรชั้นนำของโรงเรียน Bolognese เข้ายึดสตูดิโอที่วุ่นวายของ Guido Reni เมื่อเขาเสียชีวิต (แดกดันเนื่องจากบัญชีระบุว่า Guercino ได้รับการยกย่องด้วยความสับสนโดย Reni) สไตล์ของ Guercino เปลี่ยนไปอย่างมากในช่วงชีวิตของเขาโดยผลงานเช่นนี้ตั้งแต่ช่วงแรก ๆ ในอาชีพการงานของเขาแสดงให้เห็นถึงวิธีการแบบบาร็อคอย่างมากโดยใช้แสงและความมืดที่ตัดกันอย่างมาก โดยทั่วไปของภาพวาดสไตล์บาร็อคองค์ประกอบมีความซับซ้อนและเต็มไปด้วยท่าทางที่น่าทึ่งพลังงานและความรู้สึก ร่างเหล่านี้อัดแน่นไปเบื้องหน้าจนเกือบราวกับเป็นส่วนหนึ่งของผ้าสักหลาดในขณะที่ตรงกลางและฉากหลังแทบจะมองไม่เห็น เทคนิคนี้ทำให้ผู้ชมเกือบจะอยู่ในระนาบเชิงพื้นที่เดียวกันกับตัวเลขในภาพวาดจึงกระตุ้นให้เกิดการตอบสนองทางอารมณ์ที่ทรงพลัง เหตุการณ์คือลาซารัสชายที่ตายแล้วได้รับการปลุกให้เป็นขึ้นมาโดยพระเยซู Guercino สร้างฉากด้วยความรุนแรงและความเร่าร้อนทางจิตวิญญาณที่น่าจะได้รับความชื่นชมอย่างมากในช่วงเวลาของเขา ไม่กี่ปีก่อนที่ภาพวาดนี้จะถูกประหารชีวิต Guercino ได้พบกับศิลปินLudovico Carracciและได้รับแรงบันดาลใจจากการจัดการสีและอารมณ์ของ Carracci อิทธิพลของ Carracci สามารถมองเห็นได้ในRaising of Lazarus ของ Guercino แม้ว่างานนี้จะมีสไตล์ที่กระฉับกระเฉงขึ้นโดยสิ้นเชิง Guercino ศิลปินที่อุดมสมบูรณ์และเป็นที่ต้องการตัวเสียชีวิตเป็นคนรวย (แทมซินพิคเคอรัล)

  • เซนต์โจเซฟช่างไม้ (1635–40)

    เรื่องราวชีวิตและผลงานของGeorges de La Tourเป็นเรื่องที่น่าเบื่อ แม้ว่าเขาจะมีความสุขกับความสำเร็จในช่วงชีวิตของตัวเอง แต่ La Tour ก็ถูกลืมไปหลายศตวรรษ - งานของเขาถูกค้นพบใหม่เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 จิตรกรชาวฝรั่งเศสก็มักจะอ้างว่าเขาได้รับอิทธิพลจากภาพวาดของคาราวัจโจ อย่างไรก็ตามอาจเป็นไปได้ว่า La Tour ไม่รู้จักงานของ Caravaggio และเขาได้สำรวจผลกระทบของเงาและแสงโดยอิสระจากเทียนแท่งเดียว La Tour ซึ่งนับถือศาสนาคริสต์นิกายโรมันคา ธ อลิกผู้เคร่งศาสนามักวาดภาพเกี่ยวกับศาสนา เขากลับไปที่ธีมการกลับใจของแมรีแม็กดาลีนหลายครั้งพร้อมกับวาดภาพฉากสัมผัสนี้ของโจเซฟสอนพระเยซูในร้านช่างไม้ รูปแบบเป็นจริงมีรายละเอียดและมีการวางแผนอย่างรอบคอบ - พระเยซูทรงถือเทียนเพราะในความเชื่อของคริสเตียนพระองค์ทรงเป็นแสงสว่างของโลกที่ส่องสว่างในความมืดมิดของโลก (ลูซินดาฮอว์กสลีย์)

  • ตีนปุก (1642)

    มีไม่กี่คนที่จะไม่รู้สึกทึ่งกับภาพแนวนี้ของขอทานพิการที่เห็นได้ชัดจากเมืองเนเปิลส์ที่มองพวกเขาอย่างหน้าด้านด้วยรอยยิ้มสีฟัน José de Ribera ที่เกิดในสเปนใช้เวลาส่วนใหญ่ในอาชีพของเขาในเนเปิลส์ซึ่งถูกควบคุมโดยสเปนและกลายเป็นศิลปินชั้นนำของเมือง เขาคงตั้งใจเพียงแค่วาดภาพเด็กขอทานชาวเนเปิลส์เพราะเขามีความสนใจอย่างมากในคนธรรมดา ๆ อย่างไรก็ตามวิธีที่เขาผสมผสานความสมจริงเข้ากับประเพณีเป็นการประกาศทิศทางใหม่ในงานศิลปะ ชีวิตไม่ได้ยิ้มให้กับขอทานคนนี้ แต่เขาท้าทายอย่างร่าเริง เขาถือไม้ค้ำยันไว้บนไหล่ของเขาอย่างร่าเริงและสบาย ๆ แทนที่จะถือกระดาษที่อนุญาตให้ขอทานซึ่งเป็นเรื่องบังคับในเมืองเนเปิลส์ในเวลานั้น คำอ่านในภาษาละติน:“ ขอให้ทานเพื่อความรักของพระเจ้า” แทนที่จะแสดงให้เห็นว่ากำลังหมอบอยู่บนถนนที่สกปรกเขายืนพิงภูมิทัศน์อันเงียบสงบซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานทางประวัติศาสตร์ตำนานและศาสนาที่วาดในสไตล์คลาสสิก Ribera ทำให้เขามีรูปร่างที่น่าประทับใจ ถูกทำให้ยิ่งใหญ่ขึ้นโดยทัศนะที่ต่ำและศักดิ์ศรีที่มีมนุษยธรรม ขอทานของเขาเกือบจะเป็นเจ้าชายน้อย พู่กันที่หลวมจะนุ่มนวลขึ้นในแนวนอนทำให้เด็กผู้ชายดูโดดเด่นมากยิ่งขึ้น ความสามารถของ Ribera ในการถ่ายทอดความรู้สึกเฉพาะตัวของผู้คนด้วยความสมจริงและความเป็นมนุษย์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะตะวันตกและโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อโรงเรียนภาษาสเปน (แอนเคย์)

  • มุมมองของการตกแต่งภายใน ( รองเท้าแตะ ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten เป็นจิตรกรฝีมือดีในการวาดภาพบุคคลและการตกแต่งภายในที่เกี่ยวข้องกับการใช้มุมมองที่ถูกต้อง มุมมองของการตกแต่งภายในตามเนื้อผ้าเรียกว่ารองเท้าแตะแสดงให้เห็นถึงลักษณะเฉพาะของศิลปินที่ใช้พื้นกระเบื้องดัตช์เพื่อเน้นความลึกของภาพ สิ่งนี้ถูกเน้นโดยระนาบภาพถอยที่แตกต่างกันโดยทำเครื่องหมายโดยกรอบของภาพที่บานประตูและในที่สุดภาพสองภาพที่ด้านหลังของภาพวาด โดยการแสดงส่วนหนึ่งของประตูที่เปิดอยู่เบื้องหน้าศิลปินจะวางผู้เข้าชมไว้ที่ทางเข้าประตูซึ่งจะเพิ่มเอฟเฟกต์ลวงตาของภาพวาด หัวเรื่องของ Hoogstraten ถูกพาดพิงด้วยรายละเอียดที่ลึกซึ้ง ไม้กวาดที่ถูกทิ้งรองเท้าแตะใส่ในบ้านและหนังสือที่ปิดแล้ว (การอ่านถูกขัดจังหวะ) บ่งบอกถึงความสัมพันธ์ฉันท์ชู้สาวที่เกิดขึ้นเกินกว่าจะมองเห็นได้ โทนสีที่อ่อนโยนของภาพวาดเป็นสิ่งที่ Hoogstraten กลับมาหลายครั้ง (แทมซินพิคเคอรัล)

  • การเดินทางไปยัง Cythera (1717)

    ในปี 1717 Jean-Antoine Watteau ได้นำเสนอภาพนี้ให้กับ French Academy เพื่อเป็นประกาศนียบัตรของเขา ได้รับการยกย่องว่าเป็นผลงานที่ดีที่สุดของเขาและกลายเป็นอิทธิพลสำคัญต่อสไตล์โรโกโกที่เกิดขึ้นใหม่ เรื่องเริ่มต้นจากการเป็นอุทาหรณ์ของการเล่นเล็ก ๆ น้อย ๆ ในLes Trois Cousinesของ Florence Dancourtหญิงสาวที่แต่งกายเหมือนผู้แสวงบุญก้าวออกมาจากวงคอรัสและเชิญชวนให้ผู้ชมร่วมเดินทางไปยังเกาะ Cythera ซึ่งเป็นเกาะแห่งความรักที่ซึ่งทุกคนจะได้พบกับคู่หูในอุดมคติของพวกเขา ธีมเวอร์ชันแรกของ Watteau ซึ่งมีอายุประมาณปี 1709 เป็นการพรรณนาตามตัวอักษร แต่ที่นี่เขาได้ใช้กรอบการแสดงละครและได้เปลี่ยนเหตุการณ์ให้กลายเป็นแฟนตาซีโรแมนติกชวนฝัน ที่สำคัญเขาเลือกที่จะพรรณนาถึงจุดจบแทนที่จะเป็นจุดเริ่มต้นของการเดินทาง คู่รักได้จับคู่และคล้องรูปปั้นวีนัสทางด้านขวาด้วยดอกไม้และพวกเขากำลังจะกลับบ้าน โดยมุ่งเน้นไปที่ช่วงเวลานี้ศิลปินสามารถสร้างบรรยากาศแห่งความเศร้าโศกที่อ่อนโยนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานของเขา ในขณะที่คู่รักส่วนใหญ่เตรียมที่จะจากไป แต่คู่รักสองคนยังคงอยู่ที่ศาลเจ้าเทพธิดา เคลิบเคลิ้มด้วยความรักและทำให้ทุกอย่างตาบอด ผู้หญิงที่จากไปคนหนึ่งหันกลับมามองพวกเธอด้วยความเศร้าเพราะตระหนักดีว่าความรักส่วนนี้เป็นสิ่งที่หายวับไปที่สุด หลังจากการเสียชีวิตของ Watteau งานศิลปะของเขาก็ล้าสมัยอย่างมาก สำหรับหลาย ๆ คนการพรรณนาถึงการหลบหนีด้วยความรักของเขาดูเหมือนจะผูกพันใกล้ชิดกับสมัยก่อนของสถาบันกษัตริย์มากเกินไป ในช่วงปฏิวัตินักเรียนศิลปะใช้ของเขาCytheraสำหรับการฝึกฝนเป้าหมายเหวี่ยงเม็ดขนมปังใส่มัน (Iain Zaczek)

  • Pierrot (เดิมชื่อGilles ) (ราว ค.ศ. 1718–19)

    นี่เป็นหนึ่งในภาพวาดสุดท้ายของJean-Antoine Watteau ที่สร้างขึ้นในช่วงสั้น ๆ ของเขา มันแสดงให้เห็นตัวตลกที่จ้องมองมาที่ผู้ชมของเขาด้วยการแสดงออกที่ละห้อยซึ่งอาจสะท้อนอารมณ์เศร้าโศกของศิลปิน Gilles เป็นชื่อสามัญของตัวตลกในฝรั่งเศสซึ่งอาจมาจาก Gilles le Niais นักกายกรรมและนักแสดงตลกในศตวรรษที่ 17 เมื่อถึงวันของ Watteau มีการทับซ้อนกันอย่างมากระหว่างตัวละครนี้กับ Pierrot ซึ่งเป็นตัวตลกชั้นนำใน commedia dell'arte ซึ่งเป็นประเพณีการแสดงละครของอิตาลีที่ได้รับความนิยมอย่างมากในฝรั่งเศส ร่างทั้งสองรับบทเป็นคนโง่ไร้เดียงสาที่กลายเป็นที่ชื่นชอบของผู้ชมซึ่งเป็นต้นแบบของ Charlie Chaplin และ Buster Keaton ภาพวาดนี้อาจถูกสร้างขึ้นเพื่อใช้เป็นป้ายแสดงละครที่ออกแบบมาเพื่อดึงดูดผู้คนให้เข้ามาในการแสดง อาจถูกสร้างขึ้นสำหรับรอบปฐมทัศน์ของDanaëซึ่งเป็นหนังตลกที่มีตัวละครตัวใดตัวหนึ่งกลายเป็นตูด หรืออาจมีการโฆษณาขบวนพาเหรดซึ่งเป็นภาพร่างคร่าวๆก่อนการแสดงหลัก ในสิ่งเหล่านี้มักจะมีการนำลาข้ามเวทีเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความโง่เขลาของกิลส์ Watteau ใช้ตัวตลกรุ่นเล็กเป็นตัวละครหลักในThe Italian Comediansซึ่งเป็นภาพที่เขาสร้างให้กับแพทย์เมื่อประมาณปี 1720 ในทั้งสองกรณีร่างที่มืดมนของ Gilles นั้นชวนให้นึกถึงEcce Homo(“ นี่แน่ะมนุษย์”) วาดภาพ หัวข้อทางศาสนาที่ได้รับความนิยมนี้แสดงให้เห็นตอนหนึ่งใน Passion of Christ เมื่อปอนติอุสปีลาตนำเสนอพระเยซูต่อหน้าผู้คนโดยหวังว่าพวกเขาจะเรียกร้องให้ปล่อยพระองค์ แต่กลุ่มคนกลับเรียกร้องให้มีการตรึงกางเขนของเขา (Iain Zaczek)

  • Still Life with Bottle of Olives (1760)

    Jean-Baptiste Siméon Chardin ที่เกิดในปารีสต่อต้านความปรารถนาของพ่อของเขาผู้ผลิตตู้ให้เดินตามรอยเท้าของเขาและกลายเป็นเด็กฝึกงานในสตูดิโอของ Pierre-Jacques Cazes และ Noel- Noël Coypel แทนในปี 1719 ตลอดชีวิตของเขา Chardin ยังคงเป็นสมาชิกที่ซื่อสัตย์ของ French Academy แต่ถึงแม้เขาจะประสบความสำเร็จ แต่เขาก็ถูกขัดขวางไม่ให้เป็นศาสตราจารย์เพราะเขาได้รับการเสนอชื่อให้เป็นจิตรกร "ในขอบเขตของสัตว์และผลไม้" สิ่งมีชีวิตในยุคแรกเริ่มที่เขาเป็นที่รู้จักกันดีนั้นเสร็จสมบูรณ์ในช่วงเวลาสั้น ๆ ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความเร็วที่เขาได้รับเทคนิคที่เชี่ยวชาญของเขา มีการประเมินว่าหนึ่งในสี่ของผลผลิตทั้งหมดของเขาถูกผลิตขึ้นก่อนปี ค.ศ. 1732 สไตล์ของเขาโดดเด่นด้วยงานพู่กันที่มีพื้นผิวมากมายซึ่งเป็นหนี้จำนวนมากในการวาดภาพของชาวดัตช์โดยเฉพาะอิทธิพลของ Rembrandt ในการจัดการสี สิ่งนี้แยกงานของเขาออกจากรูปแบบภาพวาดฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ที่คุ้นเคยมากขึ้น ชาร์ดินวาดฉากในบ้านเรียบง่ายและของใช้ในบ้านที่คุ้นเคย อย่างไรก็ตามStill Life with Bottle of Olivesเป็นเรื่องปกติของอารมณ์ที่ไม่สามารถควบคุมได้แสงที่นุ่มนวลและความสมจริงที่แปลกประหลาดทำให้วัตถุและฉากในชีวิตประจำวันมีกลิ่นอายที่น่าอัศจรรย์ ไม่แปลกใจเลยที่แฟน ๆ ของเขาขนานนามเขาว่า "จอมเวทย์ผู้ยิ่งใหญ่" พรสวรรค์ของเขาอยู่ในการผลิตภาพวาดที่มีความสมบูรณ์แบบด้วยทักษะทางเทคนิคขั้นสูงสุด (โรเจอร์วิลสัน)

  • โบลต์ (ราว ค.ศ. 1777)

    Jean-Honoré Fragonardเป็นหนึ่งในจิตรกรชั้นนำในสไตล์ Rococo ภาพของเขาดูเรียบง่าย แต่ตระการตาบ่งบอกถึงความสง่างามของชีวิตในราชสำนักฝรั่งเศสในช่วงหลายปีที่นำไปสู่การปฏิวัติในปี ค.ศ. 1789 สำหรับคนรุ่นเดียวกัน Fragonard เป็นที่รู้จักในฐานะปรมาจารย์sujets légers (วิชาตัวเบา) ธีมเหล่านี้เป็นเรื่องที่เร้าอารมณ์อย่างเปิดเผย แต่ได้รับการจัดการด้วยระดับของรสนิยมและความละเอียดอ่อนที่ทำให้เป็นที่ยอมรับแม้ในแวดวงราชวงศ์ อันที่จริงมันพูดถึงแฟชั่นในวันนั้นที่ดูเหมือนว่าภาพนี้ได้รับมอบหมายให้เป็นชิ้นส่วนคู่หูสำหรับภาพวาดทางศาสนา ตามแหล่งที่มาในช่วงต้น Marquis de Vériได้เข้าหาศิลปินเพื่อหาภาพเพื่อแขวนไว้ข้างๆภาพสักการะบูชาที่หายากของ Fragonard - The Adoration of the Shepherds. สำหรับสายตาสมัยใหม่นี่อาจดูเป็นการตีข่าวที่แปลกประหลาด แต่Vériอาจตั้งใจให้การผสมผสานนี้แสดงถึงความรักอันศักดิ์สิทธิ์และดูหมิ่นซึ่งเป็นธีมทางศิลปะที่ได้รับความนิยมตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา โดยปกติศิลปินจะถ่ายทอดความคิดนี้ในภาพเดียว แต่บางครั้งพวกเขาก็จับคู่ภาพวาดของอีฟกับหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับพระแม่มารี (ซึ่งมักถูกมองว่าเป็นวันส่งท้ายปีเก่า) ที่นี่แอปเปิ้ลที่วางเด่นชัดบนโต๊ะเป็นการอ้างอิงทั่วไปถึงการล่อลวงของอีฟในสวนเอเดน Boltถูกวาดขึ้นเมื่อสไตล์ Rococo เริ่มออกไปจากแฟชั่น แต่แสงที่น่าทึ่งและการแสดงจบระดับสูงที่ Fragonard ปรับให้เข้ากับสไตล์นีโอคลาสสิกซึ่งกำลังเข้ามาในสมัยนิยม (Iain Zaczek)

  • คำสาบานของ Horatii (1784)

    Jacques-Louis Davidเป็นจิตรกรโฆษณาชวนเชื่อทางการเมืองที่พิเศษที่สุดในประวัติศาสตร์ จิตรกรในศาลของนโปเลียนสิ่งที่เรารู้จักส่วนใหญ่เกี่ยวกับบุคคลในตำนานของจักรพรรดิและสัญลักษณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศสมาจากภาพวาดเชิงเปรียบเทียบเชิงละครของเดวิด เดวิดเป็นบิดาของขบวนการศิลปะนีโอคลาสสิกซึ่งแสดงให้เห็นถึงตำนานและประวัติศาสตร์คลาสสิกที่คล้ายคลึงกับการเมืองร่วมสมัย คำสาบานของ Horatiiบอกเล่าเรื่องราวที่บันทึกไว้ประมาณ 59 ก่อนคริสตศักราชโดย Livy นักประวัติศาสตร์ชาวโรมันซึ่งเป็นบุตรชายจากสองครอบครัวพี่น้อง Horatii สามคนและพี่น้อง Curiatii สามคนที่ต่อสู้ในสงครามระหว่างโรมและ Alba ประมาณ 669 ก่อนคริสตศักราช ผู้ชายต้องต่อสู้ แต่ผู้หญิงคนหนึ่งจากตระกูล Curiatii แต่งงานกับพี่น้อง Horatii คนหนึ่งและน้องสาว Horatii หนึ่งคนได้หมั้นกับพี่ชายคนหนึ่งในตระกูล Curiatii แม้จะมีสายสัมพันธ์เหล่านี้ แต่ผู้อาวุโส Horatii ก็เตือนสติลูกชายของเขาให้ต่อสู้กับ Curiatii และพวกเขาก็เชื่อฟังแม้จะมีเสียงคร่ำครวญของพี่สาวที่โศกเศร้า ในการวาดภาพช่วงเวลาที่ผู้ชายเลือกอุดมคติทางการเมืองมากกว่าแรงจูงใจส่วนตัวเดวิดขอให้ผู้ชมถือว่าชายเหล่านี้เป็นแบบอย่างในช่วงเวลาที่พวกเขาวุ่นวายทางการเมือง เกี่ยวกับความสมจริงในการวาดภาพเช่นเดียวกับเขาที่มีอุดมคติในการเมือง เดวิดเดินทางไปโรมเพื่อคัดลอกสถาปัตยกรรมจากชีวิต ผลลัพธ์ที่ได้คือความสำเร็จอย่างมากเมื่อภาพวาดถูกจัดแสดงใน Salon 1785 ในปารีส ภาพวาดของเดวิดยังคงก้องกังวานอย่างมีพลังกับผู้ชมเพราะความแข็งแกร่งของทักษะของเขานั้นโดดเด่นพอที่จะสื่อถึงความเชื่อที่แข็งแกร่ง (Ana Finel Honigman)

  • มาดามเรกามิเยร์ (1800)

    สิ่งนี้ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางว่าเป็นภาพบุคคลที่ดีที่สุดของJacques-Louis David. ด้วยความสง่างามเรียบง่ายและประหยัดจึงถือได้ว่าเป็นหนึ่งในตัวอย่างศิลปะนีโอคลาสสิกที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด นางแบบของเดวิด Juliette Récamierเป็นที่รักของสังคมชาวปารีส เธอเป็นภรรยาของนายธนาคารที่ร่ำรวยจากลียงแม้ว่าเธอจะได้รับความสนใจจากคนอื่น ๆ ก็ตาม แต่ทุกคนก็ถูกปฏิเสธอย่างสุภาพ เดวิดได้รับแรงบันดาลใจจากชื่อเสียงอันดีงามของRécamier ด้วยเท้าเปล่าชุดเดรสสีขาวและเครื่องประดับโบราณเธอดูเหมือนสาวพรหมจารีเวสตัลในยุคสุดท้าย สิ่งนี้เสริมด้วยท่าทาง การจ้องมองของผู้หญิงคนนั้นเป็นคนตรงไปตรงมาและตรงไปตรงมา แต่ร่างกายของเธอกลับหลบหนีไม่สามารถเข้าถึงได้ การจัดวางภาพบุคคลไม่ราบรื่น: จิตรกรรู้สึกไม่พอใจกับความไม่ตรงต่อเวลาอย่างต่อเนื่องของ Juliette ในขณะที่เธอคัดค้านเสรีภาพทางศิลปะบางอย่างที่เกิดขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งเธอไม่พอใจที่เดวิดทำให้ผมของเธอสว่างขึ้น เพราะมันไม่เหมาะกับโทนสีของเขา ด้วยเหตุนี้เธอจึงรับหน้าที่ถ่ายภาพบุคคลจากลูกศิษย์คนหนึ่งของศิลปินคนหนึ่ง เมื่อเขารู้เรื่องนี้ดาวิดก็ปฏิเสธที่จะพูดต่อ“ มาดาม” เขาได้รับการกล่าวขานว่า“ ผู้หญิงมีตามอำเภอใจ จิตรกรก็เช่นกัน อนุญาตให้ฉันตอบสนองของฉัน ฉันจะเก็บภาพของคุณไว้ในสถานะปัจจุบัน” การตัดสินใจครั้งนี้อาจเป็นประโยชน์เนื่องจากความรุนแรงโดยสิ้นเชิงของภาพทำให้เกิดผลกระทบมาก โคมไฟและรายละเอียดอื่น ๆ บางส่วนบอกว่าวาดโดยนักเรียนของเดวิด ฉันจะเก็บภาพของคุณไว้ในสถานะปัจจุบัน” การตัดสินใจครั้งนี้อาจเป็นประโยชน์เนื่องจากความรุนแรงโดยสิ้นเชิงของภาพทำให้เกิดผลกระทบมาก โคมไฟและรายละเอียดอื่น ๆ บางส่วนบอกว่าวาดโดยนักเรียนของเดวิด ฉันจะเก็บภาพของคุณไว้ในสถานะปัจจุบัน” การตัดสินใจครั้งนี้อาจเป็นประโยชน์เนื่องจากความรุนแรงโดยสิ้นเชิงของภาพทำให้เกิดผลกระทบมาก โคมไฟและรายละเอียดอื่น ๆ บางส่วนบอกว่าวาดโดยนักเรียนของเดวิดJean-Auguste-Dominique Ingres หลังประทับใจอย่างแน่นอนโดยภาพสำหรับเขายืมท่า Recamier สำหรับหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงโด่งดังที่สุดของเขาLa Grande Odalisque (Iain Zaczek)

  • คนอาบน้ำ ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    ในปี 1801 หลังจากศึกษาภายใต้Jacques-Louis Davidศิลปินชาวฝรั่งเศสJean-Auguste-Dominique Ingresได้รับรางวัลอันทรงเกียรติ Prix de Rome นี่เป็นรางวัลที่มอบให้โดย Academie Royale ของฝรั่งเศสซึ่งจ่ายเงินให้ศิลปินที่ดีที่สุดของพวกเขาเพื่อเยี่ยมชมกรุงโรมเป็นเวลาสี่ปีและศึกษาปรมาจารย์ชาวอิตาลีในอดีต น่าเสียดายที่รัฐไม่สามารถส่งศิลปินไปอิตาลีได้ในขณะนี้เนื่องจากเศรษฐกิจที่ล้มเหลวของฝรั่งเศส ในที่สุด Ingres ก็ไปโรมในปี 1808 The Batherเป็นหนึ่งในภาพวาดชิ้นแรกของ Ingres ที่ถูกประหารชีวิตในอิตาลีและแม้ว่าศิลปินจะถูกล้อมรอบไปด้วยศิลปะเรอเนสซองส์ที่สำคัญหลายศตวรรษ แต่ก็ยังคงแตกสลายไปตามประเพณี แทนที่จะเปิดเผยตัวตนของบุคคลนั้น Ingres ได้ให้ความสำคัญกับตัวแบบที่เกือบจะเป็นอนุสรณ์ของเขาโดยหันหน้าออกจากผู้ชมโดยที่ลำตัวของเธอบิดเล็กน้อยเพื่อเปิดหลังของเธอ สิ่งนี้ทำให้ผู้ชมสามารถชื่นชม (และคัดค้าน) ผู้อาบน้ำได้โดยที่เธอไม่ได้ท้าทายเรา - เธอยังคงไม่เปิดเผยตัวตนไม่ระบุตัวตนและไม่สามารถอธิบายตัวละครของเธอได้ ผลงานภาพเปลือยของผู้หญิงในยุคต่อมาของ Ingres มักใช้ท่าโพสต์ส่วนหน้ามากกว่า เป็นที่น่าสนใจที่จะทราบว่าจานสีเขียวครีมและน้ำตาลที่ จำกัด ของ Ingres เปลี่ยนจากโทนสีเข้มของม่านทางด้านซ้ายเป็นโทนสีอ่อนของฉากหลังและผ้าคลุมเตียงทางด้านขวา การไล่โทนสีนี้สามารถมองเห็นได้เพื่อสะท้อนถึงลักษณะสัญลักษณ์ของการอาบน้ำ การกระทำที่ชำระและชำระจิตวิญญาณของตน: เมื่อผู้ดูแลเคลื่อนตัวออกจากอ่างอาบน้ำเธอก็จะขาวขึ้นและบริสุทธิ์มากขึ้น (วิลเลียมเดวีส์)

  • แพของเมดูซ่า (1819)

    มีเพียงไม่กี่คนที่สามารถมองภาพวาดนี้และไม่ถูกครอบงำด้วยความหลงใหลและพลังของมัน ภาพวาดโดยผู้เสนอญัตติของลัทธิจินตนิยมฝรั่งเศสThéodoreGéricaultปัจจุบันถูกมองว่าเป็นคำจำกัดความของการเคลื่อนไหวดังกล่าว Romantics แตกออกจากศิลปะคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 เพื่อเน้นความสมจริงและอารมณ์ ภาพวาดนี้น่าสนใจเป็นพิเศษเพราะมันเชื่อมความคลาสสิคและจินตนิยมอย่างชัดเจน เมื่อThe Raft of the Medusaปรากฏตัวในงานนิทรรศการ 1819 Salon ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่สร้างความหวาดกลัวให้กับสถานประกอบการ ฉากนี้บอกเล่าเรื่องราวที่แท้จริงของเรือรบLa Méduseของรัฐบาลฝรั่งเศสที่อับปางกัปตันและเจ้าหน้าที่ที่ไร้ความสามารถได้นำเรือชูชีพเพียงลำเดียวสำหรับตัวเองและทิ้งลูกเรือและผู้โดยสารทั้งหมด 15 คนจาก 150 คนให้พินาศบนแพชั่วคราวจมลงสู่ความสิ้นหวังความป่าเถื่อนและการกินเนื้อคน Géricaultกล้าที่จะแสดงเรื่องราวที่เลวร้ายและน่าวุ่นวายใจจากประวัติศาสตร์ร่วมสมัย (ซากปรักหักพังเกิดขึ้นในปีพ. ศ. ในแง่หนึ่งมีระดับความสมจริงที่น่าสยดสยองอยู่ที่นี่ (Géricaultศึกษาซากศพเพื่อให้ได้รายละเอียดที่ถูกต้อง) ด้วยพู่กันที่ทรงพลังเป็นพิเศษช่วยเพิ่มการเคลื่อนไหวและอารมณ์ที่หมุนวน ในทางกลับกันร่างกายและองค์ประกอบรูปทรงพีระมิดเป็นรูปแบบคลาสสิก แม้จะมีความชั่วร้าย แต่ภาพก็ยังได้รับการยอมรับทางศิลปะสำหรับGéricaultและมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินคนอื่น ๆEugène Delacroix (แอนเคย์)

  • การตายของ Sardanapalus (1827)

    มักกล่าวกันว่าเป็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฝรั่งเศสโรมานซ์Eugène Delacroixเป็นจิตรกรในยุคสมัยของเขาอย่างแท้จริง เช่นเดียวกับเพื่อนของเขาThéodoreGéricault Delacroix ยังคงรักษาองค์ประกอบคลาสสิกบางอย่างไว้จากการฝึกฝนในช่วงแรกของเขา แต่แสดงให้เห็นถึงพลังที่กล้าหาญการใช้สีที่หลากหลายและเป็นปัจเจกบุคคลและความรักในสิ่งแปลกใหม่ที่ทำให้เขากลายเป็นนักบุกเบิก ผืนผ้าใบขนาดใหญ่The Death of Sardanapalusระเบิดความรู้สึกด้วยการเคลื่อนไหวที่ดุเดือดและสีสันอันโอ่อ่าความสนุกสนานของความแปลกใหม่ที่ผ่อนคลาย ซาร์ดานาปาลัสเป็นผู้ปกครองชาวอัสซีเรียในตำนานโบราณที่มีรสนิยมแห่งความเสื่อมโทรมอย่างมาก เพื่อตอบสนองต่อความอัปยศของความพ่ายแพ้ทางทหารครั้งใหญ่ Sardanapalus ได้สร้างกองไฟขนาดใหญ่ที่เขาเผาตัวเองจนตายพร้อมกับสมบัติในวังของเขาผู้เป็นที่รักและผู้คนที่ตกเป็นทาส Delacroix แสดงความคิดเห็นในละคร Byronic ดูเหมือนว่าเขาจะละทิ้งความพยายามใด ๆ ในมุมมองที่เป็นจริงหรือการเชื่อมโยงกันขององค์ประกอบ ร่างกายและวัตถุที่บิดเบี้ยวหมุนวนไปมาในโลกแห่งฝันร้ายที่เต็มไปด้วยสีสันที่รุนแรงและเงาที่ร้อนแรง ภาพวาดที่มีรายละเอียดของอัญมณีระยิบระยับและผ้าหลากสีบ่งบอกถึงโลกที่ฟุ่มเฟือยที่ถูกพรรณนาได้อย่างชัดเจนในขณะที่การแยกตัวที่เย็นชาที่ซาร์ดานาปาลัสสำรวจความโกลาหลรอบตัวเขาทำให้เกิดอารมณ์ที่น่ากลัว Delacroix ทำการทดลองด้วยโทนสีเทาและสีน้ำเงินบนผิวหนังมนุษย์เพื่อสร้างรูปร่างให้กับการสร้างแบบจำลองร่างกายที่ไม่ธรรมดาของเขา เป็นเรื่องง่ายที่จะเห็นว่าการสำรวจความรุนแรงโดยไม่ถูกยับยั้งพร้อมกับพลังคลั่งไคล้และเทคนิคการระบายสีที่โดดเด่นนั้นพูดถึงศิลปินรุ่นหลังได้อย่างไร (แอนเคย์)

  • โฮเมอร์ดีไฟต์ ( The Apotheosis of Homer ) (1827)

    ตามเวลาที่โฮเมอร์ deifiedถูกวาด, Jean-Auguste-Dominique Ingresเป็นผู้นำประกาศตัวเองแบบดั้งเดิม, ภาพวาดคลาสสิกบ่อตัวเองกับศิลปะเอาแต่ใจของฝรั่งเศสโรแมนติกเช่นEugène Delacroix ภาพวาดนี้แทบจะไม่สามารถเป็นตัวอย่างที่ดีกว่าของแนวทางการศึกษาของ Ingres ได้และในความเป็นจริงเขาตั้งใจให้มันเป็นเพลงสรรเสริญของลัทธิคลาสสิก แม้ว่าเขาจะมีด้านที่กระตุ้นความรู้สึกมากกว่า (ตัวอย่างเช่นThe Batherของเขา) แต่มันก็ถูกระงับโดยสิ้นเชิงที่นี่ หรือที่เรียกว่าThe Apotheosis of Homerผลงานชิ้นนี้แสดงให้เห็นถึงกวีที่มีชื่อเสียงของกรีกโบราณในฐานะเทพเจ้าที่สวมมงกุฎด้วยเกียรติยศโดยบุคคลในตำนาน Victory ผู้หญิงสองคนที่เท้าของเขาเป็นตัวแทนของผลงานมหากาพย์อันยิ่งใหญ่ของโฮเมอร์The IliadและThe Odyssey. รอบตัวเขามีกลุ่มยักษ์ใหญ่ทางศิลปะที่น่ารักตั้งแต่สมัยโบราณและยุคปัจจุบันรวมถึงเพื่อนชาวกรีกด้วย: Aeschylus นักเขียนบทละครเสนอแผ่นหนังด้านซ้ายของโฮเมอร์ในขณะที่ Phidias ประติมากรชาวเอเธนส์ถือค้อนทางด้านขวา ตัวเลขที่ทันสมัยกว่านั้นถูกครอบงำโดยศิลปินจากยุคคลาสสิกในศตวรรษที่ 17 ของฝรั่งเศสเช่นนักเขียนบทละครMolièreและจิตรกร Nicolas Poussin องค์ประกอบรูปสามเหลี่ยมสมมาตรสื่อถึงอุดมคติแบบคลาสสิกโดยโฮเมอร์วางไว้ตรงกลางกับวิหารโบราณที่มีชื่อของเขา ภาพวาดนี้ได้รับไม่ดีในช่วงเวลาที่สร้าง Ingres ถอนตัวไปยังกรุงโรมเป็นเวลาสองสามปี แต่เขากลับมาในปี 1840 เพื่อได้รับการยกย่องอีกครั้งในฐานะนักคลาสสิกชั้นนำ มันกลายเป็นแฟชั่นสำหรับลัทธิอนุรักษนิยมของ Ingres แต่ตอนนี้เขาถูกมองว่าเป็นศิลปินที่มีอิทธิพลอย่างมากในด้านทักษะทางเทคนิคที่สำคัญ (แอนเคย์)

  • เสรีภาพนำประชาชน (1830)

    ผลงานนี้อยู่ในช่วงระหว่างปี 1827 ถึง 1832 ซึ่งเป็นช่วงที่Eugène Delacroixสร้างผลงานชิ้นเอกทีละชิ้น นี่ไม่มีข้อยกเว้น ภาพนี้วาดขึ้นเพื่อระลึกถึงการปฏิวัติในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. มันทำให้เกิดความรู้สึกที่ปารีสซาลอนปี 1831 และแม้ว่าหลุยส์ - ฟิลิปป์จะซื้องานเพื่อทำเครื่องหมายภาคยานุวัติเขาก็เก็บงานนี้ไว้ให้ห่างจากมุมมองของสาธารณชนเพราะถือว่าอาจทำให้เกิดการอักเสบ ภาพนี้ผสมผสานการรายงานร่วมสมัยกับชาดกอย่างชาญฉลาดในรูปแบบที่ยิ่งใหญ่ สถานที่และเวลาชัดเจน: Notre Dame สามารถมองเห็นได้จากระยะไกลและผู้คนจะแต่งตัวตามชั้นเรียนโดยมีเด็กผู้ชายตัวแสบอยู่ทางขวาเป็นสัญลักษณ์ของพลังของคนธรรมดา ร่างเชิงเปรียบเทียบของ Liberty ที่แสดงฉากได้ดีที่สุดไตรรงค์ยกขึ้นเหนือเธอทำให้เกิดความชั่วร้ายเพราะแทนที่จะแสดงความงามในอุดมคติ พู่กันที่มีชีวิตชีวาแสดงให้เห็นถึงผู้หญิงที่แท้จริง - ครึ่งตัวเปลือยเปล่าสกปรกและก้าวข้ามซากศพในลักษณะที่อาจชี้ให้เห็นว่าเสรีภาพสามารถนำมาซึ่งการกดขี่ของตนเองได้อย่างไร ภาพวาดนี้ยังแสดงให้เห็นว่าเดลาครัวซ์หันไปหาแนวทางการทำงานในช่วงหลังของเขาที่อ่อนลงมากขึ้นซึ่งเขาได้ทำการจู่โจมอย่างละเอียดถี่ถ้วนมากขึ้นในวิธีที่สีทำงานติดกันเพื่อสื่อถึงความเป็นจริงหรือแสดงความจริง การใช้สีดังกล่าวจะมีอิทธิพลอย่างมากในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์และโมเดิร์นนิสต์ที่จะมาจาก ซึ่งเขาได้ทำการโจมตีอย่างละเอียดถี่ถ้วนมากขึ้นในวิธีการที่สีทำงานติดกันเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของความเป็นจริงหรือแสดงความจริง การใช้สีดังกล่าวจะมีอิทธิพลอย่างมากในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์และโมเดิร์นนิสต์ที่จะมาจาก ซึ่งเขาได้ทำการโจมตีอย่างละเอียดถี่ถ้วนมากขึ้นในวิธีการที่สีทำงานติดกันเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของความเป็นจริงหรือแสดงความจริง การใช้สีดังกล่าวจะมีอิทธิพลอย่างมากในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์และโมเดิร์นนิสต์ที่จะมาจากPierre-Auguste RenoirและGeorges Seuratจะปาโบลปิกัสโซ (แอนเคย์)

  • มุมมองของ Grande Galerie ของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (1841)

    ลูกชายของพ่อค้าทอผ้าที่ประสบความสำเร็จแพทริคอัลลัน - เฟรเซอร์ปฏิเสธโอกาสที่จะติดตามพ่อของเขาไปสู่อาชีพการค้าเพื่อสนับสนุนการแสวงหาความเอนเอียงทางศิลปะของเขา การศึกษาได้พา Allan-Fraser ไปยังเอดินบะระโรมลอนดอนและในที่สุดก็ปารีสซึ่งเขาได้พบกับ Grande Galerie อันงดงามภายในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เมื่อวาดภาพView of the Grande Galerie of the Louvreศิลปินได้รับแรงบันดาลใจจากกลุ่มศิลปินวิคตอเรียที่รู้จักกันในชื่อ The Clique ซึ่งเขาเคยพบในลอนดอน กลุ่มวิชาการเลิกใช้ศิลปะชั้นสูงในการวาดภาพประเภท Grande Galerie ที่ดูเหมือนไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งทอดยาวประมาณหนึ่งในสี่ไมล์เป็นสถานที่ที่ศิลปินและช่างฝีมือมักมารวมตัวกัน แต่ที่นี่เราได้พบกับบรรยากาศอันเงียบสงบของการชื่นชมและการไตร่ตรอง ในปีต่อ ๆ มา Allan-Fraser จะดื่มด่ำกับการบูรณะและก่อสร้างอาคารที่สวยงามและความชื่นชมของเขาที่มีต่อ Grande Galerie เป็นสิ่งสำคัญยิ่งเมื่อทำสิ่งนี้ แสงที่แผ่ออกมาประปรายไม่เพียง แต่ทำให้ผู้ชมจ้องมองไปที่กิจกรรมภายใน แต่ยังเผยให้เห็นขนาดและความสง่างามของห้องโถงอีกด้วย Allan-Fraser ได้รับเลือกให้เข้าเรียนที่ Royal Scottish Academy ในปีพ. ศ. 2417 และเขารับหน้าที่ถ่ายภาพสมาชิกของ The Clique ในการเคารพผู้ที่ได้รับแรงบันดาลใจเขา (ไซม่อนเกรย์)

  • ของที่ระลึกเดอมอร์เตฟอนเทน (1864)

    Camille Corotเริ่มอาชีพของเขาด้วยการเป็นผ้าม่านก่อนที่จะตัดสินใจเข้ารับการฝึกอบรมด้านศิลปะ ด้วยการสนับสนุนจากพ่อของเขาเขาจึงเรียนกับ Achille Etna Michallon ก่อนแล้วจึงเรียนกับ Jean-Victor Bertin แม้ว่า Corot จะปฏิเสธในภายหลังว่าการฝึกของเขาส่งผลกระทบต่อศิลปะของเขา เขาเดินทางอย่างกว้างขวางตลอดชีวิตใช้เวลาหลายปีในอิตาลีสำรวจสวิตเซอร์แลนด์และครอบคลุมพื้นที่ชนบทของฝรั่งเศสส่วนใหญ่ ในการเดินทางของเขาเขาได้วาดภาพสีน้ำมันและภาพวาดทางอากาศจำนวนมากที่จับภาพความฉับไวของแสงและบรรยากาศ เขายังทำงานเกี่ยวกับภาพวาดนิทรรศการภายในสตูดิโอ ของที่ระลึก de Mortefontaineเป็นหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดในช่วงปลายอาชีพของเขา มันถูกอาบไปด้วยแสงที่นุ่มนวลกระจายแสงและเป็นผลงานแห่งความเงียบสงบซึ่งเป็นสิ่งที่ดีเลิศของการผสมผสานโคลงสั้น ๆ และบทกวีของโลกของศิลปิน ฉากนี้ไม่ได้ถ่ายจากธรรมชาติ แต่รวมเอาองค์ประกอบหลักของฉากธรรมชาติเข้าด้วยกันเพื่อสร้างภาพที่สมบูรณ์แบบและกลมกลืนกัน ต้นไม้ที่สง่างามเบื้องหน้าผืนน้ำอันกว้างใหญ่ที่อยู่เบื้องหลังและตัวเลขอันเงียบสงบที่หยิบออกมาในโทนสีอ่อนเป็นลวดลายที่ศิลปินใช้บ่อยครั้งเพื่อสร้างผลงานภาพสะท้อนที่สวยงามและเงียบสงบ การทำงานในช่วงแรกตามแนวของนักสัจนิยมรูปแบบของ Corot ได้รับการพัฒนาเพื่อให้ครอบคลุมการรับรู้แบบโรแมนติกในฝัน ด้วยเหตุนี้งานของเขาจึงถือได้ว่าเป็นสะพานเชื่อมระหว่างนักสัจนิยมและลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์และแท้จริงแล้วเขามักถูกเรียกว่าบิดาแห่งอิมเพรสชั่นนิสม์ทิวทัศน์ของClaude Monetของแม่น้ำแซนในแสงยามเช้าที่วาดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1890 (แทมซินพิคเคอรัล)

  • การตั้งธงของพระคริสต์ (1455–60)

    ในดินแดนแห่งคาตาโลเนียมีศูนย์กลางอยู่ที่เมืองบาร์เซโลนาได้เห็นยุคทองที่ดีของศิลปะใน 1400s และอยู่ในระดับแนวหน้าของการฟื้นฟูนี้คือJaume Huguet Huguet มีชื่อเสียงในเรื่องของแท่นบูชาที่สวยงามซึ่งบ่งบอกถึงงานศิลปะทางศาสนาที่ตกแต่งอย่างสวยงามซึ่งผลิตโดยโรงเรียนคาตาลันในเวลานี้ ตรงกลางแท่นบูชานี้พระคริสต์กำลังถูกทุบตีก่อนที่จะได้รับโทษประหารชีวิตด้วยการตรึงกางเขน ชายผู้ส่งคำตัดสิน - ปอนติอุสปีลาตผู้ว่าการรัฐยูเดียของโรมันนั่งอยู่บนบัลลังก์ขนาดใหญ่ทางด้านขวา ภาพของ Huguet เต็มไปด้วยสีเหมือนอัญมณีและเต็มไปด้วยรายละเอียดที่ละเอียดอ่อนตั้งแต่กระเบื้องปูพื้นไปจนถึงบัลลังก์และเสื้อผ้าของปีลาต มีความสมมาตรที่สร้างขึ้นอย่างดีในองค์ประกอบ: ตำแหน่งกลางของพระคริสต์ขนาบข้างด้วยชายสองคนที่ส่งการตีและทูตสวรรค์ตัวเล็กสองตัวที่เท้าของเขากระเบื้องปูพื้นที่ถอยกลับแถวของซุ้มประตูด้านหลังพระคริสต์และมุมมองที่ห่างไกลของภูมิทัศน์ที่มี ยอดขนาดเท่า ๆ กัน เอฟเฟกต์ทั้งหมดได้รับการตกแต่งอย่างมากเกือบจะเหมือนพรม ชิ้นนี้ได้รับมอบหมายจากสมาคมช่างทำรองเท้าสำหรับโบสถ์ Saint-Marc ของ Barcelona Cathedral ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้รองเท้าปรากฏในเส้นขอบตกแต่ง เส้นขอบยังมีรูปนกอินทรีสิงโตทูตสวรรค์และวัวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของผู้เผยแพร่ศาสนาเซนต์จอห์นเซนต์มาร์คเซนต์แมทธิวและเซนต์ลุคตามลำดับ ผลงานของ Huguet เป็นผลงานของปรมาจารย์ชาวคาตาลันในศตวรรษที่ 15 เช่น Bernardo Martorell และสไตล์ส่วนตัวของเขาช่วยกำหนดสไตล์คาตาลัน (แอนเคย์)

  • ชายชรากับเด็กหนุ่ม (ประมาณ ค.ศ. 1490)

    Domenico Ghirlandaioเป็นศิลปินชาวฟลอเรนซ์ที่มีชื่อเสียงในด้านจิตรกรรมฝาผนังและภาพบุคคล Old Man with a Young Boyเป็นภาพลักษณ์ที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของเขา ภาพวาดในพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติในสตอกโฮล์มแสดงหลักฐานว่า Ghirlandaio ทำการศึกษาชายชรารวมถึงข้อบกพร่องของผิวหนังที่จมูกของเขา เชื่อกันว่าชายคนนี้ได้รับความทุกข์ทรมานจากโรคแรดไฟม่าที่ทำให้เสียโฉมอันเป็นผลมาจากสิวโรซาเซีย แต่ความสมจริงของภาพบุคคลนั้นผิดปกติไปตามกาลเวลา การรวมข้อบกพร่องนี้ของ Ghirlandaio มีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นหลังเช่นLeonardo da Vinciในการวาดภาพวัตถุของพวกเขาเหมือนเดิม ผู้ชมจะต้องประทับใจกับฉากนี้อย่างแน่นอน ใบหน้าที่แก่ก่อนวัยของชายชราตัดกับผิวที่อ่อนนุ่มของเด็ก เมื่อมือของเด็กเอื้อมไปหาชายชราดวงตาของพวกเขาก็สบกันด้วยการแสดงความรักอย่างเปิดเผย สีแดงที่อบอุ่นเน้นสายใยรักนี้ (แมรี่คูช)

  • หมอดู (ราว ค.ศ. 1508–10)

    ชื่อเสียงหลักของLucas van Leydenนั้นขึ้นอยู่กับทักษะพิเศษของเขาในฐานะช่างแกะสลัก แต่เขายังเป็นจิตรกรที่ประสบความสำเร็จที่ได้รับการยกย่องว่าเป็นคนแรก ๆ ที่แนะนำการวาดภาพประเภท Netherlandish เกิดที่เมือง Leiden ซึ่งเขาใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตเขาคิดว่าจะได้รับการฝึกฝนกับพ่อของเขาและต่อมากับ Cornelis Engebrechtsz เขาเดินทางไปที่เมือง Antwerp ในปี 1521 ซึ่งเขาได้พบกับAlbrecht Dürerซึ่งได้บันทึกเหตุการณ์นี้ไว้ในสมุดบันทึกของเขา ดูเหมือนว่าผลงานของDürerจะมีอิทธิพลต่อเขามากที่สุดแม้ว่า Van Leyden จะเข้าหาตัวแบบของเขาด้วยแอนิเมชั่นที่ยิ่งใหญ่กว่าโดยให้ความสำคัญกับลักษณะของบุคคลแต่ละคนมากขึ้น หมอดูซึ่งเป็นการพาดพิงถึงความไร้สาระของความรักและเกมถูกวาดขึ้นในช่วงต้นอาชีพของ Van Leyden แต่แสดงให้เห็นถึงความเป็นนักวาดภาพร่างและทักษะของเขาในฐานะนักวาดสีแล้ว เป็นการศึกษาตัวละครโดยแต่ละคนแสดงให้เห็นถึงความรู้สึกที่มีชีวิตชีวา ชายที่มีเคราสีเข้มอยู่ด้านหลังนั้นดูน่าหลงใหลเป็นพิเศษด้วยการจ้องมองและสีหน้าที่น่ากลัวของเขาซึ่งขัดแย้งกับร่างซีดเซียวของหมอดู พื้นผิวของภาพมีลวดลายที่สวยงามและพื้นผิวที่แตกต่างกันตั้งแต่ขนสัตว์และผ้าไหมไปจนถึงกระจกและเนื้อหนังนั้นแสดงผลได้อย่างยอดเยี่ยม การผลักองค์ประกอบไปทางด้านหน้าของระนาบภาพมีผลต่อการวางผู้ชมในรูปอื่น ๆ Van Leyden มีชื่อเสียงในช่วงชีวิตของเขาและแม้ว่าเขาจะไม่มีลูกศิษย์โดยตรง แต่อิทธิพลของเขาก็ลึกซึ้งต่อการพัฒนาศิลปะของเนเธอร์แลนด์ ปูทางไปสู่ประเพณีการวาดภาพประเภทของชาวดัตช์ งานของเขายังคิดว่าจะมีผลต่อแรมแบรนด์ . (แทมซินพิคเคอรัล)

  • ชัยชนะของทิตัสและเวสปาเซีย (ราว ค.ศ. 1537)

    เกิด Giulio Pippi ศิลปินภาพวาดนี้ต่อมาเป็นที่รู้จักในชื่อGiulio Romanoตามเมืองที่เขาเกิด ในวัยเด็กเขาไปเรียนกับราฟาเอลต่อมากลายเป็นผู้ช่วยหัวหน้าของเขาและเมื่อราฟาเอลเสียชีวิตเขาก็ทำผลงานของศิลปินได้สำเร็จ จานสีที่มีชีวิตชีวาของ Romano และรูปแบบการเปรียบเปรยที่ชัดเจนนั้นตรงกันข้ามกับความละเอียดอ่อนของอาจารย์ของเขา แต่ในแง่ของจินตนาการที่แท้จริงและเอฟเฟกต์ภาพลวงตาอันน่าทึ่งที่เกิดขึ้นได้จากการปรับเปลี่ยนมุมมอง Romano เป็นผู้นำในสาขาของเขา นอกเหนือจากความสำเร็จด้านจิตรกรแล้วศิลปินยังเป็นสถาปนิกและวิศวกรอีกด้วย ประมาณ 1524 Romano ได้รับการว่าจ้างจาก Frederico Gonzaga ผู้ปกครอง Mantua และได้เริ่มดำเนินโครงการขนาดใหญ่ในการออกแบบและสร้างอาคารบางส่วนของเมืองใหม่รวมถึงรูปแบบการตกแต่งจำนวนมาก ชัยชนะของ Titus และ Vespasiaได้รับมอบหมายจาก Gonzaga สำหรับ Room of the Caesars ใน Palazzo Ducale ภาพนี้แสดงให้เห็นถึงจักรพรรดิไททัสที่เดินพาเหรดไปทั่วกรุงโรมหลังจากได้รับชัยชนะเหนือชาวยิว องค์ประกอบนี้มีพื้นฐานมาจากฉากที่อยู่ด้านในของ Arch of Titus อันเก่าแก่ในกรุงโรมและยังคงรักษาคุณภาพงานประติมากรรมของต้นฉบับไว้ได้มากโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรถม้าศึกที่โดดเด่นของ Romano สีสันสดใสและธีมคลาสสิกที่แสดงด้วยมือ Mannerist ของ Romano ทำให้งานนี้ได้รับความนิยมอย่างมากในยุคนั้น การรักษาภูมิทัศน์ของเขาซึ่งมีรายละเอียดสวยงามและอาบด้วยแสงโปร่งแสงที่ส่องประกายเป็นสิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษ (แทมซินพิคเคอรัล)

  • พระแม่มารีและบุตรกับเซนต์แอนน์ (ราว ค.ศ. 1510)

    Leonardo da Vinciฝึกงานภายใต้ประติมากรปรมาจารย์Andrea del Verrocchioหลังจากนั้นเขาทำงานให้กับผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยที่สุดในฝรั่งเศสและอิตาลีรวมถึงครอบครัว Sforza แห่งมิลานกษัตริย์แห่งฝรั่งเศสและวาติกันในโรม หาก Verrocchio ไม่ได้เปลี่ยนไปใช้การวาดภาพเพื่อแข่งขันกับคู่แข่งของเขาในช่วงเวลาที่ Leonardo อยู่ในเวิร์คช็อปของเขานักวิชาการบางคนเชื่อว่าเป็นไปได้ที่ Leonardo ไม่จำเป็นต้องยกพู่กัน แม้ว่าชีวิตและผลงานของเขาจะมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่ปัจจุบันมีภาพวาดที่ประกอบอย่างปลอดภัยประมาณ 20 ภาพในผลงานของเขา พระแม่มารีแม่ของเธอแอนน์และพระกุมารเยซูซึ่งเป็นหัวข้อของภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในธีมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Leonardo โดยเห็นได้จากภาพวาดและภาพวาดหลายชิ้น ซึ่งรวมถึงการ์ตูนที่หายไปในปี 1501 และThe Virgin and Child with St. Anne และ St. John the Baptist (ค. 1508 หรือที่รู้จักกันในชื่อ Burlington House Cartoon); อาจสันนิษฐานได้ว่าการ์ตูนเรื่องหลังมีจุดประสงค์เพื่อพัฒนาเป็นงานขนาดใหญ่ที่มีการวาดภาพเต็มรูปแบบ แต่ไม่มีหลักฐานว่าเคยมีการพยายามวาดภาพดังกล่าว อย่างไรก็ตามที่นี่พระแม่มารีประทับอยู่บนตักของเซนต์แอนน์ในขณะที่พระกุมารคริสต์ลูบไล้ลูกแกะบูชายัญอายุน้อยอย่างสนุกสนานซึ่งเป็นภาพรวมของชะตากรรมของทารก ภาพวาดปากกาและหมึกขนาดเล็กสำหรับThe Virgin and Child with St. Anneมีอยู่ในคอลเลกชันของ Accademia, Venice ท่าทางที่ไม่เป็นทางการและการมีส่วนร่วมทางจิตใจที่อ่อนโยนระหว่างผู้ดูแลถือเป็นภาพวาดทางศาสนาที่สูงตลอดกาล (สตีเวนพูลิมูด)

  • Condottiero (1475)

    ในสิ่งที่ได้กลายเป็นหนึ่งในอันโตเนลโลดาเมสสิ นา ‘s ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดศิลปินแสดงให้เห็นถึงผู้นำทางทหารของอิตาลีหรือที่เรียกว่า condottiere (อย่างไรก็ตามไม่ทราบตัวตนที่แท้จริงของชายคนนี้) จนถึงศตวรรษที่ 19 อิตาลีประกอบด้วยนครรัฐอิสระและ Condottieri มีความต้องการสูงที่จะต่อสู้ในการต่อสู้ระหว่างรัฐที่ขัดแย้งกัน Antonello ให้ความสนใจในการแสดงตำแหน่งผู้ดูแลของเขาเขานั่งอยู่ก่อนพื้นหลังสีดำในเสื้อผ้าและหมวกกันน็อกที่มีท่าทางที่ดีจึงทำให้สถานะของเขาสูงกว่านักรบที่เรียบง่าย อันที่จริงหัวเรื่องของ Antonello ส่วนใหญ่อาจมีความมั่งคั่งพอที่จะมีตำแหน่งใกล้เคียงกับสุภาพบุรุษมากขึ้นและเขาจะรับหน้าที่ถ่ายภาพบุคคลนี้เพื่อเน้นสถานะทางสังคมของเขา อย่างไรก็ตาม Antonello เตือนผู้ชมว่าชายคนนี้เป็นนักสู้ที่โหดเหี้ยม การตรวจสอบCondottieroอย่างใกล้ชิดเผยให้เห็นรายละเอียดต่างๆเช่นบาดแผลสงครามที่ริมฝีปากบนของผู้ดูแล (วิลเลียมเดวีส์)

  • โมนาลิซา (ราว ค.ศ. 1503–09)

    เลโอนาร์โดดาวินชีเริ่มต้นชีวิตในฐานะบุตรนอกกฎหมายของทนายความชาวทัสคานีและเขากลายเป็นจิตรกรที่ได้รับการกล่าวถึงมากที่สุดในโลก ความหลงใหลไม่รู้จบในส่วนของนักวิชาการและสาธารณชนก็เกิดขึ้นตั้งแต่วันที่เขาเริ่มเขียนและวาด เขายังเป็นคนที่มีข้อบกพร่องและข้อ จำกัด เขาเกิดในเมือง Anchiano บนเนินเขาของทัสคันใกล้เมือง Vinci และย้ายไปอยู่ที่ฟลอเรนซ์ตั้งแต่อายุยังน้อยเพื่อฝึกเป็นเด็กฝึกงานให้กับAndrea del Verrocchioประติมากรที่มีชื่อเสียงในปัจจุบัน จากบทเรียนในช่วงแรก ๆ นั้น Leonardo ได้รับความชื่นชมอย่างมากเกี่ยวกับพื้นที่สามมิติซึ่งเป็นแนวคิดที่ให้บริการเขาได้ดีตลอดอาชีพการงานของเขาไม่ว่าเขาจะวาดภาพหรือวาดความซับซ้อนของพืชหรือส่วนต่างๆของร่างกายมนุษย์เครื่องจักรสงครามหรืองานน้ำสาธารณะ เรขาคณิตทางคณิตศาสตร์หรือธรณีวิทยาในท้องถิ่น ชื่อของภาพวาดนี้ซึ่งไม่ได้ใช้จนถึงศตวรรษที่ 19 ได้มาจากบันทึกในช่วงต้นของGiorgio Vasariซึ่งระบุตัวตนของผู้ดูแลเพียงคนเดียว Mona Lisa หรือที่รู้จักกันในชื่อ Lisa Gherardini ถูกวาดในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 หลังจากที่เธอแต่งงานกับพ่อค้าผ้าไหมชื่อ Francesco del Giocondo ชายที่อาจรับหน้าที่ถ่ายภาพ จนถึงทุกวันนี้ชาวอิตาลีรู้จักเธอในชื่อLa Giocondaและเป็นภาษาฝรั่งเศสLa Jocondeซึ่งแปลตามตัวอักษรว่า "jocund (หรือขี้เล่น)" ในประวัติศาสตร์ที่ผ่านมาชื่อเสียงของภาพวาดอาจมาจากข้อเท็จจริงที่ว่าภาพนี้ถูกขโมยไปจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปารีสในการปล้นที่น่าตื่นเต้นในปี 2454 โดยนักชาตินิยมชาวอิตาลี แต่กลับมาขอบคุณในอีกสองปีต่อมา (สตีเวนพูลิมูด)

    [อยากทราบข้อมูลเพิ่มเติมว่าทำไมโมนาลิซ่าถึงโด่งดังมาก? อ่าน Demystified โดย Britannica]

  • การกุศล (1518–19)

    ในปี 1518 ฟรานซิสที่ 1 แห่งฝรั่งเศสได้เรียกตัวจิตรกรชาวฟลอเรนซ์อันเดลซาร์โตมาที่ศาลฝรั่งเศสซึ่งศิลปินชาวอิตาลีอาศัยอยู่เป็นเวลาหนึ่งปี การกุศลเป็นเพียงภาพวาดที่เหลือรอดจากการพำนักในฝรั่งเศส มันถูกวาดสำหรับChâteau d'Amboise ผลงานเป็นเรื่องปกติของภาพวาดที่ราชวงศ์ฝรั่งเศสชื่นชอบในเวลานี้ เป็นภาพขององค์กรการกุศลที่รายล้อมไปด้วยเด็ก ๆ ที่เธอเลี้ยงดูและปกป้อง เป็นการแสดงเชิงเปรียบเทียบของราชวงศ์ฝรั่งเศสและเป็นการเฉลิมฉลองการเกิดของ Dauphin ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของทารกที่ดูดนมในขณะที่ร่างของ Charity มีความคล้ายคลึงกับราชินี โครงสร้างเสี้ยมขององค์ประกอบเป็นเรื่องปกติของรูปแบบดั้งเดิมสำหรับภาพวาดประเภทนี้และยังเป็นการสะท้อนถึงอิทธิพลของLeonardo da Vinciกับ Andrea del Sarto โดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปินชื่นชมเลโอนาร์โดเวอร์จินและเด็กเซนต์แอนน์ (แทมซินพิคเคอรัล)

  • การแยกตัวของเซนต์จอร์จ (ราว ค.ศ. 1432–34)

    Bernardo Martorell ทำงานในบาร์เซโลนาและอาจได้รับการสอนโดย Luis Borrassáจิตรกรชาวคาตาลันที่อุดมสมบูรณ์ที่สุดในยุคนั้น ผลงานที่ยังมีชีวิตอยู่เพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่เป็นของ Martorell นั่นคือแท่นบูชาของ St. Peter of Pubol (1437) ซึ่งอยู่ใน Museum of Gerona ประเทศอิตาลี อย่างไรก็ตามแท่นบูชาแห่งเซนต์จอร์จมีความโดดเด่นในรูปแบบของ Martorell จนผู้เชี่ยวชาญส่วนใหญ่เชื่อว่าเขาเป็นศิลปิน แท่นบูชาถูกสร้างขึ้นสำหรับโบสถ์เซนต์จอร์จในพระราชวังบาร์เซโลนา ประกอบด้วยแผงกลางที่แสดงให้เห็นนักบุญจอร์จฆ่ามังกรซึ่งปัจจุบันตั้งอยู่ในสถาบันศิลปะชิคาโกและแผงด้านข้างสี่ด้านซึ่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในฝรั่งเศส แผงด้านข้างนี้เป็นส่วนสุดท้ายของการเล่าเรื่องและแสดงให้เห็นถึงความเสียสละของเซนต์จอร์จ ตำนานของเซนต์จอร์จดูเหมือนจะมีต้นกำเนิดจากงานเขียนของ Eusebius of Caesarea ซึ่งมีอายุถึงศตวรรษที่สี่ CE เขาขึ้นชื่อว่าเป็นทหารโรมันที่มีเชื้อสายมาจากตระกูลสูงซึ่งถูกประหารชีวิตในปีคริสตศักราช 303 เพื่อประท้วงการกดขี่ข่มเหงชาวคริสต์ เขาได้รับการยกย่องในศตวรรษที่ 10 และกลายเป็นนักบุญอุปถัมภ์ของทหาร ตำนานของเซนต์จอร์จแพร่หลายไปทั่วยุโรปในยุคกลางและแม้ว่าเรื่องราวของนักบุญที่ฆ่ามังกรจะดูเป็นตำนานมากกว่าปาฏิหาริย์ แต่ก็มีการเล่าขานกันในภาพวาดในยุคกลางหลายภาพ ในฉากสุดท้ายจากตำนานนี้ขณะที่เซนต์จอร์จถูกตัดหัวสายฟ้าแลบตกลงมาจากท้องฟ้าสีแดงเพลิงและสีทอง รูปแบบอาจจะเป็นโกธิคสากล แต่ใบหน้าที่น่ากลัวการเลี้ยงม้าร่างกายที่ล้มเหลว และผู้เชี่ยวชาญด้านการจัดการแสงเป็นของ Martorell (แมรี่คูช)