Zmiešaný

29 obrazov, ktoré môžete navštíviť iba v Louvri


  • Portrét ženy (3. storočie)

    Tento sarkofágový portrét je z oblasti Fayum a bol namaľovaný v grécko-rímskom období. Slovo Fayum označuje veľmi úrodnú oblasť na juhozápad od Káhiry. Bolo sústredené okolo umelého jazera Qaroun, ambiciózneho inžinierskeho projektu z 12. dynastie, postaveného v prírodnom údolí. Obyvatelia údolia Fayum pochádzali z Egypta, Grécka, Sýrie, Líbye a ďalších oblastí Rímskej ríše. Pestovali plodiny vrátane pšenice a jačmeňa; ryby z jazera boli v celom Egypte považované za veľkú pochúťku; a za vlády Amenemheta III(12. dynastia) sa táto oblasť preslávila bujnými záhradami a bohatými ovocnými stromami. Dnes je tento región známy množstvom dokumentov o papyruse objavených v priebehu 19. a 20. storočia, ako aj množstvom „Fayumových portrétov“, ktoré odkryli archeológovia. Tieto portréty v nadživotnej veľkosti sa zjavne používali na zdobenie domov a tiež sa používali na pohrebné účely. Technika enkaustiky spočívala v topení vosku a jeho zmiešaní s pigmentáciou a možno s ľanovým olejom alebo vajíčkom, potom sa nanášal ako farba na drevo alebo ľan. Tento maľovaný portrétvyzerá prekvapivo moderne. Čisté oči a výrazný nos ženy a umelcove dôkladné vyobrazenie šperkov naznačujú, že tento obraz bol namaľovaný ako rozpoznateľný portrét. Historici umenia pripisujú oblasti Fayum často zrod realistického portrétu a mnoho portrétov odkrytých v tomto regióne predstavuje čas priekopníckych umeleckých experimentov. (Lucinda Hawksley)

  • Leto (1573)

    Giuseppe Arcimboldo bol počas svojho života veľmi úspešný, ale po jeho smrti jeho práca rýchlo vyšla z módy a záujem o ňu sa obnovil až na konci 19. storočia. Štylisticky jeho fantastické a nápadité obrazy zapadajú do populárneho sveta manýristického umenia. Súdy v celej Európe v priebehu 16. storočia obzvlášť uprednostňovali tento druh vtipného a dôvtipného iluzórneho maliarstva. Dôkazom toho bolo Arcimboldovo zdĺhavé pôsobenie ako maliara na habsburskom dvore v rokoch 1562 až 1587. Leto je súčasťou cyklu Štyri ročné obdobia, ktorý umelec vytvoril maľoval pre cisára Maximiliána IIv roku 1573. Toto bol námet, ktorý Arcimboldo počas svojej kariéry niekoľkokrát namaľoval, a stal sa mimoriadne populárnym. Prvýkrát namaľoval sériu Štyroch ročných období v roku 1562 a jeho nápaditý koncept vytvorenia hlavy zo zbierky ovocia a zeleniny bol prijatý s veľkým nadšením. Dvorské povinnosti Arcimbolda pre Maximiliána sa neobmedzovali iba na maľbu - umelca nazývali tiež ako scénografa, architekta a inžiniera. Neskôr, keď pracoval pre cisára Rudolfa II. , Bol tiež poverený hľadaním starožitností a vzácnych umeleckých predmetov pre cisárovu zbierku. Arcimboldove obrazy vytvárajú neskutočne neskutočný efekt a určite patria k najnápaditejším a dômyselne vykonštruovaným jeho časom. (Tamsin Pickeral)

  • Rybolov (okolo 1588)

    Annibale Carracci sa narodil v Bologni a spolu so svojim bratom a bratrancom bol uznávaný ako jeden z popredných maliarov bolonskej školy. Bol obzvlášť zručným kresliarom a kládol veľký dôraz na správnu kresbu, často zobrazoval scény zo života a umiestňoval ich do imaginárnej alebo idealizovanej krajiny. Témy poľovníctva a rybárstva boli v súčasnosti obľúbené pre výzdobu vily v Bologni. Rybolov bol namaľovaný ako doplnok k ďalšiemu dielu Carracciho, Hunting. Na základe svojich rozmerov boli obe pravdepodobne navrhnuté tak, aby viseli nad dverami v domácej vile. Tieto dve diela boli namaľované na začiatku Carracciho kariéry a pred jeho presťahovaním do Ríma v roku 1584, ale už ukazujú vysoko umelecký štýl umelca. V tejto práci skombinoval množstvo rôznych scén v rámci jednej maľby a dômyselne vymyslel svoju kompozíciu tak, aby oko bolo vedené z popredia ku každej skupine ľudí a do pozadia bez toho, aby mu chýbali nejaké detaily. Údaje pravdepodobne vychádzali zo štúdií priamo z prírody a potom sa kombinovali s krajinou. Táto maľba je zaujímavá, pretože ukazuje Carracciho, ako rozvíja svoje gesto, ktoré je vidieť na ukazovacej figúre vpravo. Použitie presvedčivého a artikulovaného gesta bolo jednou z Carracciho osobitných schopností, ktoré ovplyvnili neskorších maliarov barokového obdobia. Zrejmé je aj presvedčivé Carracciho využitie krajiny, ktorá je nádherne komponovaná v jasnom priesvitnom svetle. (Tamsin Pickeral)

  • Chov Lazára (asi 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, prezývaný Il Guercino, sa narodila v chudobe v malom meste Cento medzi Ferrarou a Bolognou v Taliansku. Ako umelec bol zväčša samouk. Stal sa jedným z popredných maliarov bolonskej školy a po jeho smrti prevzal rušné štúdio Guida Reniho (irónia, pretože z účtov vyplýva, že Reni bol na Guercina nejednoznačne). Guercinov štýl sa počas jeho života dosť dramaticky zmenil, diela ako tento od začiatku svojej kariéry ukazovali vysoko barokový prístup s dramatickým využitím kontrastných svetiel a tiem. Kompozícia typická pre barokové maľby, komplikovaná a plná dramatických gest, energie a citu. Postavy sú natlačené do popredia, takmer ako súčasť vlysu, zatiaľ čo stred a pozadie sú prakticky neviditeľné. Táto technika dáva diváka takmer do rovnakej priestorovej roviny ako postavy v maľbe, čím vyvoláva silnú emocionálnu reakciu. Udalosťou je, že mŕtvy muž Lazár bol vzkriesený Ježišom. Guercino presahuje scénu intenzitou zúrivosti a duchovnou vrúcnosťou, ktorá by bola počas jeho obdobia veľmi obdivovaná. Niekoľko rokov pred uskutočnením tohto obrazu sa Guercino s umelcom stretolLudovico Carracci a bol inšpirovaný Carracciho zaobchádzaním s farbami a emóciami. Carracciho vplyv je badateľný na Guercinovom diele Raising of Lazarus , aj keď je toto dielo celkovo energickejšie. Guercino, plodný a vyhľadávaný umelec, zomrel ako boháč. (Tamsin Pickeral)

  • Svätý Jozef Tesár (1635–40)

    Príbeh života a diel Georgesa de La Toura je nesúrodý. Aj keď mal vo svojom živote úspech, na La Tour sa na niekoľko storočí zabudlo - jeho tvorba bola znovuobjavená na začiatku 20. storočia. Francúzsky maliar sa často tvrdí, že bol ovplyvnený obrazmi Caravaggia . Môže sa však stať, že La Tour nepoznal Caravaggiove diela a že nezávisle skúmal účinky tieňa a svetla vrhaného jedinou sviečkou. Zbožná rímska katolíčka La Tour často maľovala náboženské scény. Viackrát sa vrátil k téme pokánia Márie Magdalény i k maľbe tejto dojímavej scényJozefa, ktorý učil Ježiša v stolárskej dielni. Štýl je realistický, podrobný a starostlivo naplánovaný - Ježiš drží sviečku, pretože v kresťanskej viere je svetlom sveta osvetľujúcim temnotu sveta. (Lucinda Hawksley)

  • The Clubfoot (1642)

    Málokto by mohol byť nezaujatý týmto žánrovým obrazom zjavne postihnutého žobráka z Neapola, ktorý sa na nich tvárou pozerá so zubatým úsmevom. José de Ribera, rodák zo ŠpanielskaVäčšinu svojej kariéry strávil v Neapole, ktorý potom ovládlo Španielsko, a stal sa popredným umelcom mesta. Pravdepodobne mal v úmysle jednoducho stvárniť neapolského žobráka, pretože mal veľký záujem o obyčajných ľudí. Spôsob, akým spojil realizmus s tradíciou, však predznamenal nový smer v umení. Život sa na tohto žobráka neusmial, ale je veselo vzdorný. Svoju berlu nesie radostne cez plece a ležérne, skôr ako zúfalo, drží papier, ktorý mu dáva povolenie žobrať, ktorý bol v tom čase v Neapole povinný. V latinčine sa znie: „Dajte mi milodary pre lásku k Bohu.“ Namiesto toho, aby sa krčil v špinavej bočnej ulici, stojí vysoko proti pokojnej krajine, ktorá pripomína historické, mytologické a náboženské diela namaľované v klasickom štýle. Ribera mu dáva pôsobivú postavu, zväčšené nízkym hľadiskom a ľudskou dôstojnosťou. Jeho žobrák mohol byť takmer malým princom. Voľná ​​kresba sa stáva jemnejšou na krajine, čím chlapec ešte viac vynikne. Schopnosť Ribery sprostredkovať zmysel pre individualitu ľudí realisticky a ľudsky mala veľký vplyv na západné umenie a zvlášť na španielsku školu. (Ann Kay)

  • Pohľad na interiér ( Papuče ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten bol zručný maliar portrétov a interiérov, ktorý sa zaoberal správnym používaním perspektívy. Pohľad na interiér , tradične nazývaný Papuče, je príkladom umelcovho charakteristického použitia holandských dláždených podláh na zdôraznenie hĺbky obrazu. Toto zdôrazňujú výrazné ustupujúce obrazové roviny vyznačené rámom obrazu, obložením dverí a nakoniec dvoma obrázkami v zadnej časti maľby. Tým, že umelec zobrazuje časť otvorených dverí v popredí, umiestňuje diváka do dverí, čo zvyšuje iluzórny efekt maľby. Na Hoogstratenovu tému poukazujú jemné detaily. Vyradená metla, domáce papuče a uzavretá kniha (čítanie bolo prerušené) naznačujú, že k milostnému spojeniu dochádza tesne pred očami. Jemne moralizujúci tón maľby bol ten, ku ktorému sa Hoogstraten viackrát vrátil. (Tamsin Pickeral)

  • Púť na Cytheru (1717)

    V roku 1717 Jean-Antoine Watteau predstavil tento obrázok Francúzskej akadémii ako svoj diplom. Bolo uznávané ako jeho najlepšie dielo a stalo sa kľúčovým vplyvom na vznikajúci rokokový štýl. Námet začínal ako ilustrácia vedľajšej hry. Vo Florencii Dancourt’s Les Trois Cousines, dievča oblečené ako pútnik vystúpi z chóru a pozve divákov, aby sa k nej pripojili na cestu na ostrov Cythera - ostrov lásky, kde sa každý stretne so svojím ideálnym partnerom. Watteauova prvá verzia témy, ktorá sa datuje rokom 1709, bola veľmi doslovným vyobrazením, tu však upustil od divadelného rámca a z incidentu urobil snovú romantickú fantáziu. Je príznačné, že sa rozhodol vykresliť skôr koniec ako začiatok cesty. Zaľúbenci spárovali a sochou Venuše napravo ozdobili kvetmi a chystajú sa vrátiť domov. Zameraním na tento okamih dokázal umelec vytvoriť jemnú melanchóliu, ktorá je pre jeho tvorbu taká charakteristická. Zatiaľ čo sa väčšina párov chystá na odchod, dvaja milenci zostali vo svätyni bohyne, očarovaný láskou a slepý voči všetkému ostatnému. Jedna z odchádzajúcich žien sa otočí a smutne sa na ne pozrie, vedomá si, že táto časť lásky je najprchavejšia. Po Watteauovej smrti jeho umenie dramaticky vypadlo z módy. Mnohým sa jeho zobrazenia milostných eskapád zdali príliš úzko späté so starými časmi monarchie. Počas revolučného obdobia študenti umenia používali jehoCythera pre cieľový tréning a vrhá na to granule chleba. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (predtým Gilles ) (c. 1718–19)

    Toto je jeden z posledných obrazov, ktoré Jean-Antoine Watteau vytvoril počas svojej krátkej kariéry. Ukazuje klauna, ktorý hľadí na svoje publikum, s túžobným výrazom, ktorý môže odrážať melancholickú náladu umelca. Gilles bol druhový názov pre klauna vo Francúzsku, pravdepodobne pochádzajúci z Gilles le Niais, akrobata a komika zo 17. storočia. V dobe Watteaua došlo k značnému prekrývaniu medzi touto postavou a Pierrotom, popredným klaunom v komédii dell'arte, talianskej divadelnej tradícii, ktorá bola vo Francúzsku veľmi populárna. Obe postavy hrali nevinného blázna, ktorý sa stal obľúbeným publikom - prototypom Charlieho Chaplina a Bustera Keatona. Tento obrazbol pravdepodobne vyrobený ako divadelná vývesná tabuľa určená na to, aby nalákal okoloidúcich na predstavenie. Môže vzniknúť pre premiéru Danaë , komédie, v ktorej sa z jednej z postáv stal zadok. Prípadne to mohlo inzerovať prehliadky - krátke, fraškové náčrty pred hlavným predstavením. V týchto prípadoch bol osol často vedený cez javisko, aby symbolizoval Gillesovu hlúposť. Watteau použil menšiu verziu tohto klauna ako hlavnú postavu talianskych komikov . Obrázok, ktorý vytvoril pre svojho lekára okolo roku 1720. V obidvoch prípadoch ponurá postava Gilla pripomínala Ecce Homo.(„Hľa, človek“). Táto populárna náboženská téma zobrazovala epizódu Umučenia Krista, keď Pontský Pilát predstavil Ježiša pred ľuďmi v nádeji, že budú volať po jeho prepustení. Namiesto toho dav volal po jeho ukrižovaní. (Iain Zaczek)

  • Zátišie s fľašou olív (1760)

    Parížsky rodák Jean-Baptiste Siméon Chardin odolal želaniam svojho otca, stolára, ísť v jeho šľapajach a namiesto toho sa stal učňom v štúdiu Pierre-Jacques Cazes a Noel- Noël Coypelv roku 1719. Po celý svoj život zostával Chardin verným členom Francúzskej akadémie, ale napriek úspechu mu bolo zabránené stať sa profesorom, pretože bol nominovaný za maliara „v oblasti zvierat a ovocia“. Ranné zátišia, pre ktoré je najznámejší, boli dokončené v krátkom čase a demonštrovali rýchlosť, akou získal svoju majstrovskú techniku. Odhaduje sa, že štvrtina jeho celkovej produkcie bola vyrobená pred rokom 1732. Jeho štýl sa vyznačuje bohatou textúrou rukopisu, ktorý dlžil značný dlh holandskej maľbe, najmä vplyvu Rembrandta pri manipulácii s farbami. Toto oddeľuje jeho tvorbu od známejšieho štýlu francúzskeho maliarstva z 18. storočia. Chardin maľoval jednoduché domáce scény a známe predmety z domácnosti. AvšakZátišie s fľašou olív je typické pre jeho zdržanlivú náladu, jemné osvetlenie a neskutočný realizmus, ktorý dodáva každodenným objektom a scénam magickú auru. Nie je prekvapením, že ho jeho obdivovatelia nazvali „veľkým kúzelníkom“. Jeho talent spočíval v produkcii obrazov dokonalého úplnosti s nedotknutými, ale najvyššími technickými zručnosťami. (Roger Wilson)

  • Bolt (asi 1777)

    Jean-Honoré Fragonard bol jedným z popredných maliarov v rokokovom štýle. Jeho obrazy boli ľahkomyseľné, ale zmyselné, znázorňovali eleganciu života francúzskeho dvora v rokoch pred revolúciou v roku 1789. Fragonard bol pre svojich súčasníkov známy predovšetkým ako majster ľahkých predmetov sujets légers . Tieto témy boli otvorene erotické, ale bolo s nimi nakladané s určitou mierou vkusu a jemnosti, vďaka ktorým boli prijateľné, a to aj v kráľovských kruhoch. Skutočne to hovorí o móde dňa, keď sa zdá, že tento obrázok bol objednaný ako sprievodný kus pre náboženskú maľbu. Podľa prvotného zdroja markíza de Véri oslovila umelca, ktorý hľadal obraz, ktorý by visel vedľa jedného zo vzácnych Fragonardových oddaných obrazov - Klaňanie pastierov. Pre moderné oči sa to môže javiť ako čudné porovnanie, ale Véri pravdepodobne zamýšľala, aby kombinácia predstavovala Svätú a profánnu lásku - umeleckú tému, ktorá bola populárna už od renesancie. Umelci túto myšlienku obvykle sprostredkovali do jedného obrázka, niekedy však spárovali obraz Evy s predmetom súvisiacim s Pannou Máriou (ktorá sa často považovala za novú Evu). Tu je jablko, ktoré je zreteľne zobrazené na stole, konvenčným odkazom na Evine pokušenie v rajskej záhrade. Bolt bol namaľovaný, keď rokokový štýl začínal vychádzať z módy, napriek tomu dramatické osvetlenie a vysoký stupeň povrchovej úpravy ukazujú, že Fragonard sa prispôsoboval neoklasickému štýlu, ktorý prichádzal do módy. (Iain Zaczek)

  • Horatova prísaha (1784)

    Jacques-Louis David je pravdepodobne najneobvyklejším politickým propagandistickým maliarom histórie. Dvorný maliar Napoleonovi, veľa toho, čo vieme o cisárovej mýtickej osobnosti a ikonografii francúzskej revolúcie, pochádza z Davidových divadelných, alegorických obrazov. David bol otcom neoklasického umeleckého hnutia, ktoré zobrazovalo klasické mýty a históriu ako obdobu súčasnej politiky. Horatská prísaharozpráva príbeh, zaznamenaný okolo roku 59 pred n. l. rímskym historikom Livim, o synoch z dvoch rodín, troch bratov Horatiovcov a troch bratov Curiatiovcov, ktorí bojovali vo vojnách medzi Rímom a Albou okolo roku 669 pred n. l. Muži sú povinní bojovať, ale jedna zo žien z rodiny Curiatiovcov je vydatá za jedného z bratov Horatiovcov a jedna sestra Horatiovcov je zasnúbená s bratom z rodiny Curiatiovcov. Napriek týmto väzbám Horatii starší nabáda svojich synov, aby bojovali proti Curiatiovcom, a tí napriek lamentovaniu svojich sestier postihnutých žiaľom poslúchajú. Pri zobrazovaní okamihu, keď si muži vybrali politické ideály nad osobnými motívmi, David žiada divákov, aby týchto mužov považovali za vzory počas svojej politicky búrlivej doby. Pokiaľ ide o realizmus v maľbe, ako o idealizmus v politike, David odcestoval do Ríma, aby kopíroval architektúru zo života. Výsledkom bol obrovský úspech, keď bol obraz vystavený v parížskom salóne 1785. Davidove obrazy stále silno rezonujú medzi divákmi, pretože sila jeho zručností bola natoľko eminentná, aby vyjadrila jeho silné presvedčenie. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    To je široko uznávaný ako Jacques-Louis David , s najlepšou portrét. Svojou ladnosťou, jednoduchosťou a hospodárnosťou sa tiež považuje za jeden z najúspešnejších príkladov neoklasicistického umenia. Davidova modelka Juliette Récamier bola miláčikom parížskej spoločnosti. Bola manželkou bohatého bankára z Lyonu, i keď si získala pozornosť množstva ďalších mužov, ktorí boli všetci skromne odmietnutí. David čerpal inšpiráciu z cnostnej reputácie Récamiera. Bosými nohami, bielymi šatami a starožitnými doplnkami pripomína vestalskú pannu z posledných dní. To je posilnené pózou. Pohľad ženy je úprimný a priamy, ale jej telo je odvrátené, neprístupné. Portrétové stretnutia neprebiehali hladko: maliarku rozčúlila pretrvávajúca nedôverčivosť Juliette, pričom namietala proti niektorým uplatneným umeleckým slobodám. Najmä sa jej nepáčilo, že jej David zosvetlil odtieň vlasov, pretože to nevyhovovalo jeho farebnej schéme. Vďaka tomu si objednala ďalší portrét od jednej z umelcových žiačok. Keď sa to dozvedel, David odmietol pokračovať. „Madame,“ vyhlásil, „dámy majú svoje rozmary; tak aj maliari. Dovoľte mi uspokojiť svoje. Ponechám váš portrét v súčasnom stave. “ Toto rozhodnutie mohlo byť prospešné, pretože veľká ostrosť obrazu má na ne veľký vplyv. Lampu a niektoré ďalšie detaily údajne maľoval Davidov študent Ponechám váš portrét v súčasnom stave. “ Toto rozhodnutie mohlo byť prospešné, pretože jeho výrazná závažnosť má veľkú časť jeho dopadu. Lampu a niektoré ďalšie detaily údajne maľoval Davidov študent Nechám váš portrét v súčasnom stave. “ Toto rozhodnutie mohlo byť prospešné, pretože jeho výrazná závažnosť má veľkú časť jeho dopadu. Lampu a niektoré ďalšie detaily údajne maľoval Davidov študentJean-Auguste-Dominique Ingres . Posledného menovaného obraz určite zaujal, pretože si Récamierovu pózu požičal pre jedno z jeho najslávnejších diel La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    V roku 1801, po štúdiu u Jacquesa-Louisa Davida , získal francúzsky umelec Jean-Auguste-Dominique Ingres prestížnu cenu Prix de Rome. To bola cena, ktorú udeľuje francúzska Academie Royale, ktorá zaplatila za to, aby ich najlepší umelci navštívili Rím na štyri roky a študovali talianskych majstrov minulosti. Štát si, bohužiaľ, v tejto chvíli nemohol dovoliť vysielať umelcov do Talianska z dôvodu zlyhávajúcej francúzskej ekonomiky. Ingres nakoniec odišiel do Ríma v roku 1808. The Batherbol jedným z prvých Ingresových obrazov, ktoré boli v Taliansku realizované, a hoci bol umelec obklopený storočiami významného renesančného umenia, porušuje tradíciu. Namiesto toho, aby odhalila identitu svojho subjektu, predstavila Ingres svoju takmer monumentálnu tému odvrátenú od diváka s mierne skrúteným trupom, aby jej otvorila chrbát. To umožňuje divákovi obdivovať (a objektivizovať) kúpajúceho sa bez toho, aby nás vyzvala - zostáva anonymná, neurčená a jej postava nerozlúštiteľná. Ingresove neskoršie diela ženských aktov často zaujali čelnejšie pózy. Je zaujímavé, že Ingresova obmedzená paleta zelených, krémových a hnedých farieb sa mení od tmavých tónov závesu vľavo po svetlé tóny pozadia a posteľnej prikrývky vpravo. Je zrejmé, že táto gradácia tónu odráža symbolickú povahu kúpania, čin, ktorý očisťuje a očisťuje dušu človeka: keď sa opatrovateľka vzďaľuje od kúpeľa, stáva sa belšou, a teda čistejšou. (William Davies)

  • Raft Medúzy (1819)

    Len málo ľudí sa mohlo pozrieť na tento obraz a nenechať sa ohromiť jeho vášňou a silou. Maľovaný hýbateľom francúzskeho romantizmu Théodorom Géricaultom , je teraz považovaný za určujúci výrok tohto hnutia. Romantici sa odklonili od klasického umenia 18. storočia, aby zdôraznili realizmus a emócie. Táto maľba je obzvlášť zaujímavá, pretože tak jasne spája klasicizmus a romantizmus. Keď sa The Raft of the Medusa objavil na výstave Salónu v roku 1819, spôsobilo to veľký škandál, ktorý podnik otrasil. Scéna rozpráva skutočný príbeh stroskotanej francúzskej vládnej fregaty La Méduse, ktorých nekompetentní kapitán a dôstojníci si pre seba zobrali jediné záchranné člny a všetkých okrem 150 zo 150 členov posádky a cestujúcich nechali zahynúť na provizórnom splave, ktorý sa ponoril do zúfalstva, divokosti a kanibalizmu. Géricault sa odvážil predviesť špinavú znepokojujúcu epizódu zo súčasnej histórie (vrak sa stal v roku 1816), ktorá sa zle odrážala na všetkých zúčastnených, a to spôsobom, ktorý pripomínal obrovské obrazy hrdinskej histórie, ktoré si veľmi obľúbili tradicionalisti. Na jednej strane tu vládne hrôzostrašná úroveň realizmu (Géricault študoval mŕtvoly, aby získal správne podrobnosti), s mimoriadne energickým rukopisom zvyšujúcim vírivý pohyb a emócie. Na druhej strane sú telá a kompozícia v tvare pyramídy klasického štýlu. Napriek rozhorčeniu získal obraz pre Géricaulta umelecké schválenie a mal obrovský vplyv na ďalších umelcov,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Smrť Sardanapala (1827)

    Eugène Delacroix, o ktorom sa často hovorí, že je najväčší z francúzskych romantikov, bol skutočne maliarom svojej doby. Rovnako ako jeho priateľ Théodore Géricault , aj Delacroix si uchoval určité klasické prvky zo svojho raného tréningu, ale prejavil odvážnu energiu, bohaté, individualistické použitie farieb a lásku k exotike, ktorá z neho urobila priekopníka. Mohutné plátno Smrť Sardanapalaexploduje do zmyslov divokým pohybom a honosnou farbou, orgiou pôžitkárskej exotiky. Sardanapalus bol asýrsky vládca starodávnej legendy s príchuťou extrémnej dekadencie. V reakcii na hanbu veľkej vojenskej porážky vytvoril Sardanapalus obrovskú hranicu, na ktorej sa upálil spolu so všetkými svojimi palácovými pokladmi, milenkami a zotročenými ľuďmi. Delacroix sa vyžíval v takejto byronickej dráme. Zdá sa, že opustil akýkoľvek pokus o realistickú perspektívu alebo kompozičnú súdržnosť. Skreslené telá a predmety krúžia okolo sveta nočnej mory uduseného intenzívnou farbou a horúcim zasahujúcim tieňom. Detailná maľba trblietavých klenotov a bohatých textílií jasne vyjadruje extravagantný zobrazovaný svet, zatiaľ čo chladný odstup, ktorým Sardanapalus skúma chaos okolo, má zlovestnú náladu. Delacroix experimentuje so sivými a modrými tónmi na ľudskej pokožke, aby dal tvar svojmu netradičnému modelovaniu tiel. Je ľahké vidieť, ako neohrozené skúmanie násilia spolu s frenetickou energiou a odvážnymi technikami vyfarbovania prehovorili k neskorším umelcom. (Ann Kay)

  • Homér Deified ( Apoteóza Homéra ) (1827)

    V čase, keď bol Homer Deified namaľovaný, bol Jean-Auguste-Dominique Ingres samozvaným vodcom tradičného klasického maliarstva a postavil sa proti svojhlavému umeniu francúzskych romantikov, ako je Eugène Delacroix . Táto konkrétna maľba by ťažko mohla byť lepším príkladom Ingresovho akademického prístupu a v skutočnosti to myslel ako chválospev na klasicizmus. Aj keď mal zmyselnejšiu stránku (napríklad svoju The Bather ), tu to bolo úplne potlačené. Táto práca známa tiež ako Apoteóza Homéra , ukazuje slávneho starogréckeho básnika ako boha, ktorého mytologická postava Víťazstvo korunuje vavrínmi. Dve ženy pri jeho nohách predstavujú Homerove veľké epické diela,Ilias a Odyssey. Zhlukuje okolo neho zbožňujúci dav umeleckých gigantov zo starej i modernej doby vrátane gréckych kolegov: dramatik Aischylos ponúka pergamen vľavo od Homéra, zatiaľ čo aténsky sochár Phidias napína kladivo vpravo. V modernejších postavách dominujú umelci z francúzskeho klasického obdobia 17. storočia, ako napríklad dramatik Molière a maliar Nicolas Poussin. Trojuholníková, symetrická kompozícia vyžaruje klasický idealizmus a Homér je umiestnený centrálne proti starožitnému chrámu, ktorý nesie jeho meno. Tento obraz bol v čase svojho vzniku slabo prijatý. Ingres sa na niekoľko rokov utiahol do Ríma, ale v 40-tych rokoch 18. storočia sa vrátil, aby bol znovu vyhlásený za popredného klasicistu. Stalo sa módou zatracovať Ingresov tradicionalizmus, ale dnes je považovaný za veľmi vplyvného umelca so značnými technickými zručnosťami. (Ann Kay)

  • Sloboda vedúca ľud (1830)

    Táto práca patrí do obdobia medzi rokmi 1827 a 1832, počas ktorých Eugène Delacroixvyrábali jedno majstrovské dielo za druhým. To nie je výnimkou. Obraz, ktorý bol namaľovaný na pamiatku revolúcie v júli 1830, ktorá priniesla Ľudovíta Filipa k moci, tento obraz symbolizuje ducha revolúcie. Vyvolalo to senzáciu na parížskom salóne v roku 1831, a hoci Louis-Philippe kúpil dielo na pamiatku svojho vstupu, uchránil ho pred zrakmi verejnosti, pretože sa považovalo za potenciálne zápalové. Obrázok dômyselne kombinuje súčasnú reportáž s alegóriou. Miesto a čas sú jasné: Notre Dame je viditeľný v diaľke a ľudia sú oblečení podľa svojej triedy, pričom zanedbaný chlapec napravo symbolizuje moc obyčajných ľudí. Alegorická postava Slobody, ktorá vedie scénu, trikolóra vyvýšená nad ňou, vyvolala pobúrenie, pretože namiesto zosobnenia idealizovanej krásy žiarivý rukopis ukazuje veľmi skutočnú ženu - polonahú, špinavú a šliapajúcu cez mŕtvoly spôsobom, ktorý by mohol naznačovať, ako by sloboda mohla priniesť nejaký vlastný útlak. Táto maľba tiež zobrazuje Delacroixa, ktorý sa obracia k utlmenejšiemu prístupu svojej neskoršej práce, v ktorej čoraz jemnejšie prepadáva spôsobom, akým farby fungujú vedľa seba, aby sprostredkovali zmysel pre realitu alebo vyjadrili pravdy. Takéto použitie farieb by malo obrovský vplyv medzi budúcimi impresionistami a modernistami v ktorom čoraz jemnejšie prepadával spôsobom, akým farby fungovali vedľa seba, aby sprostredkoval zmysel pre realitu alebo vyjadril pravdy. Takéto použitie farieb by malo obrovský vplyv medzi budúcimi impresionistami a modernistami v ktorom čoraz jemnejšie prepadával spôsobom, akým farby fungovali vedľa seba, aby sprostredkoval zmysel pre realitu alebo vyjadril pravdy. Takéto použitie farieb by malo obrovský vplyv medzi budúcimi impresionistami a modernistamiPierre-Auguste Renoir a Georges Seurat pre Pabla Picassa . (Ann Kay)

  • Pohľad na Veľkú galériu v Louvri (1841)

    Syn úspešného tkáčskeho obchodníka Patrick Allan-Fraser odmietol možnosť nasledovať svojho otca v komerčnej kariére v prospech pokračovania v jeho umeleckých smeroch. Štúdium viedlo Allana-Frasera do Edinburghu, Ríma, Londýna a nakoniec do Paríža, kde sa v Louvri stretol s nádhernou galériou Grande. Pri maľovaní Pohľad na Veľkú galériu v Louvri, umelec sa inšpiroval skupinou viktoriánskych umelcov známou ako The Clique, s ktorou sa stretol v Londýne. Clique odmietol akademické vysoké umenie v prospech žánrovej maľby. Zdanlivo nekonečná galéria Grande, ktorá sa tiahla štvrť míle, bola miestom, kde sa často schádzali umelci a remeselníci, avšak tu sa stretávame s pokojnou atmosférou uznania a zamyslenia. V neskorších rokoch sa Allan-Fraser ponoril do obnovy a výstavby jemných budov a jeho obdiv k Galérii Grande bol pri uskutočňovaní tohto procesu prvoradý. Sporadické lúče svetla umožňujú nielen divákovi pozerať sa na činnosť vo vnútri, ale tiež odhaľujú veľkosť a eleganciu sály. Allan-Fraser bol zvolený do Kráľovskej škótskej akadémie v roku 1874 a objednal si portréty členov The Clique, v úcte k tým, ktorí ho inšpirovali. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot začal svoju kariéru ako súkenník predtým, ako sa rozhodol pokračovať v umeleckom výcviku. S podporou svojho otca študoval najskôr u Achilla Etny Michallona a potom u Jean-Victor Bertina, aj keď Corot neskôr poprel, že by jeho výcvik ovplyvnil jeho umenie. Po celý svoj život veľa cestoval, niekoľko rokov strávil v Taliansku, spoznával Švajčiarsko a pokrýval veľkú časť francúzskeho vidieka. Na svojich cestách vytvoril početné olejové skice a plenérové maľby, ktoré zachytávali bezprostrednosť svetla a atmosféry; v ateliéri pracoval aj na maľbách vo výstavnom štýle. Souvenir de Mortefontaineje jedným z najlepších obrazov z jeho neskorej kariéry. Je zaliaty v mäkkom, rozptýlenom svetle a je dielom úplného pokoja, stelesnením lyrickej a poetickej asimilácie umelcovho sveta. Scéna nie je prevzatá z prírody, ale kombinuje kľúčové prvky prírodného prostredia a vytvára dokonalý a harmonický obraz. Ladný strom v popredí, rozloha stojatej vody za sebou a tiché postavy vybrané v jemnej farbe boli motívmi, ktoré umelec často používal na vykreslenie diela krásneho a tichého odrazu. Corotov štýl, ktorý najskôr pracoval v duchu realistov, sa vyvinul tak, aby zahŕňal snové romantické vnímanie. Jeho prácu ako takú možno považovať za most medzi realistami a impresionistami a často sa o ňom hovorí ako o otcovi impresionizmu.Názory Clauda Moneta na Seinu v rannom svetle namaľované v 90. rokoch 19. storočia. (Tamsin Pickeral)

  • Bičovanie Krista (1455 - 1460)

    Katalánske krajiny sústredené na mesto Barcelona zaznamenali v 14. rokoch 14. storočia veľký zlatý vek umenia a na čele tohto oživenia stál Jaume Huguet . Huguet je preslávený ohromujúcimi oltárnymi obrazmi, ktoré stvárňujú nádherne dekoratívne náboženské umenie vyrobené v súčasnosti katalánskou školou. V strede tohto oltárneho obrazu„Kristus je zbitý pred vynesením rozsudku smrti ukrižovaním. Muž, ktorý vyniesol rozsudok - rímsky miestodržiteľ v Judsku Pontský Pilát - sedí na veľkom tróne napravo. Obrázok Hugueta je naplnený šperkami šperkov a srší jemnými detailmi, od podlahových dlaždíc až po Pilátov trón a oblečenie. V kompozícii je dobre zostavená symetria: Kristova centrálna poloha, lemovaná dvoma mužmi, ktorí mu dodávali bitie a dvoma malými anjelmi pri jeho nohách, ustupujúce podlahové dlaždice, rad oblúkov za Kristom a vzdialený pohľad na krajinu s rovnomerne veľké vrcholy. Celý efekt je vysoko dekoratívny, takmer ako kúsok gobelínu. Tento kúsok bol objednaný cechom obuvníkov pre kaplnku Saint-Marc v barcelonskej katedrále, a preto sa v ozdobnom okraji objavujú topánky. Na hraniciach sú tiež vyobrazenia orla, leva, anjela a vola - symboly evanjelistov svätého Jána, svätého Marka, svätého Matúša a svätého Lukáša. Huguetova tvorba je v zásade vo forme katalánskych majstrov z 15. storočia, ako je Bernardo Martorell, a jeho osobný štýl pomohol definovať katalánsky štýl. (Ann Kay)

  • Starý muž s mladým chlapcom (asi 1490)

    Domenico Ghirlandaio bol florentský umelec preslávený svojimi freskami a portrétmi. Starý muž s mladým chlapcom je jeho najuznávanejšou podobou. Kresba v Národnom múzeu v Štokholme poskytuje dôkazy o tom, že Ghirlandaio uskutočnil štúdie o starcovi vrátane kožných defektov na nose. Predpokladá sa, že muž trpel znetvorujúcim stavom rhinophyma v dôsledku akné rosacea. Realizmus portrétu je ale na svoju dobu neobvyklý. Ghirlandaio zahrnutie tejto chyby sa predpokladá, že ovplyvnilo neskorších umelcov, napríklad Leonarda da Vinciho, aby maľovali svoje predmety tak, ako boli. Diváka táto scéna určite dojala. Starnúca starcova tvár kontrastuje s jemnou mladou pokožkou dieťaťa. Keď detská ruka siaha až k starcovi, ich oči sa stretnú v otvorenom prejave náklonnosti. Teplé červené zdôrazňujú toto láskyplné puto. (Mary Cooch)

  • Veštica (c. 1508-1510)

    Hlavná sláva Lucasa van Leydena spočíva na jeho mimoriadnych ryteckých schopnostiach, bol však tiež vynikajúcim maliarom, ktorý je považovaný za jedného z prvých, kto uviedol holandskú žánrovú maľbu. Narodil sa v Leidene, kde strávil väčšinu svojho života, predpokladá sa, že trénoval so svojím otcom a neskôr s Cornelisom Engebrechtszom. V roku 1521 odcestoval do Antverp, kde sa stretol s Albrechtom Dürerom , ktorý si túto udalosť zaznamenal do svojho denníka. Zdá sa, že Dürerova práca na neho mala najväčší vplyv, aj keď van Leyden pristupoval k svojim subjektom s väčšou animáciou a viac sa sústredil na charakter jednotlivých postáv. Veštkyňa,ktorá je narážkou na márnosť lásky a hier, bola namaľovaná na začiatku van Leydenovej kariéry, ale už teraz ukazuje svoju zručnosť a zručnosť ako kolorista. Je to štúdia charakteru, kde je každý jednotlivec vykreslený so živým cítením. Obzvlášť podmanivý je tmavovousý muž v pozadí, ktorého prenikavý pohľad a zlovestná tvár kontrastujú s bledou postavou kartárky. Povrch obrazu je bohato vzorovaný a rôzne textúry, od kožušiny a hodvábu po sklo a mäso, sú vynikajúco vykreslené. Posunutie kompozície do prednej časti obrazovej roviny má za následok umiestnenie diváka medzi ostatné obrázky. Van Leyden bol počas svojho života slávny, a hoci nemal priamych žiakov, jeho vplyv bol výrazný pre vývoj holandského umenia, pripravuje pôdu pre holandskú tradíciu žánrového maliarstva. Predpokladá sa, že jeho práca mala vplyv aj naRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Triumf Tita a Vespasie (asi 1537)

    Rodený Giulio Pippi, umelec tohto obrazu, sa neskôr stal známym ako Giulio Romano po meste, v ktorom sa narodil. V mladom veku išiel študovať k Raphaelovi, následne sa stal jeho hlavným asistentom a po Raffaelovej smrti dokončil množstvo umelcových diel. Romanova žiarivá paleta a odvážny figuratívny štýl boli v kontraste s jemnosťou jeho učiteľa, ale z hľadiska čistej predstavivosti a dramatického iluzórneho efektu dosiahnutého manipuláciou perspektívy bol Romano lídrom vo svojom odbore. Okrem jeho maliarskych úspechov bol umelcom aj architekt a inžinier. Asi 1524 Romano bol zamestnancom Frederica Gonzaga, vládcu Mantovy, a pustil sa do rozsiahleho projektu, ktorý navrhol a prestaval niektoré z budov mesta, ako aj množstvo dekoratívnych schém. Triumf Tita a Vespasiebol objednaný Gonzagom pre Cézarovu komnatu v Palazzo Ducale. Zobrazuje cisára Tita, ktorý sa po víťazstve nad Židmi pochoduje v Ríme. Kompozícia je založená na scéne vo vnútri starovekého Titovho oblúka v Ríme a zachováva si veľkú sochársku kvalitu originálu, najmä u Romanových bystrých vozov. Vďaka brilantným farbám a klasickej téme vykreslenej v Romanovej manýristickej ruke bolo toto dielo vo svojej dobe veľmi populárne. Osobitnú pozornosť si zaslúži jeho spracovanie krajiny - ktorá je nádherne podrobná a zaliata trblietavým priesvitným svetlom. (Tamsin Pickeral)

  • Panna a dieťa so svätou Annou (asi 1510)

    Leonardo da Vinci sa učil u sochára Andrea del Verrocchia , potom pracoval pre niektorých z najbohatších patrónov Francúzska a Talianska, vrátane milánskej rodiny Sforza, francúzskeho kráľa a Vatikánu v Ríme. Keby Verrocchio v čase, keď bol Leonardo v jeho dielni, neprešiel na maľbu, aby konkuroval svojim súperom, niektorí vedci sa domnievajú, že je mysliteľné, že by Leonardo nevyhnutne nikdy nezdvihol štetec. Aj keď jeho život a dielo sú pre dejiny umenia nesmierne dôležité, v súčasnosti sa v jeho diele nachádza zhruba 20 bezpečne pridelených obrazov. Panna, jej matka Anne a malé dieťa Ježiš, téma tohto obrazu, sú spolu jednou z najobľúbenejších Leonardových tém, o čom svedčí niekoľko kresieb a obrazov. Medzi ne patrí stratená karikatúra z roku 1501 a Panna a dieťa so svätou Annou a svätým Janom Krstiteľom (asi 1508, známe ako Burlington House Cartoon); možno predpokladať, že táto druhá karikatúra bola určená na vývoj do veľkého, plne namaľovaného diela, ale neexistujú dôkazy o tom, že by sa o taký obraz niekedy pokúsilo. Tu však Panna Mária spočíva na lone svätej Anny, zatiaľ čo Kristovo dieťa hravo láka mladého obetného baránka, čo je predobrazom stelesnenia osudu dieťaťa. Malá kresba perom a atramentom pre Pannu a dieťa so svätou Annouexistuje v zbierke Accademia v Benátkach. Neformálne polohy a nežné psychologické vzťahy medzi sediacimi tvoria v náboženskej maľbe vždy najvyššiu úroveň. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    V čom sa stala jedným z Antonello da Messina , s najslávnejších obrazov, umelec zobrazuje vojenského vodcu Talianska, známeho ako kondotér. (Skutočná identita muža však nie je známa.) Až do 19. storočia bolo Taliansko zložené zo súboru nezávislých mestských štátov a po bojoch medzi konfliktnými štátmi bol vysoký dopyt po kondotierikoch. Antonello sa zaujíma o zobrazenie hodnosti svojho sediaceho: sedí na čiernom pozadí so základným oblečením a pokrývkami hlavy s dobrým držaním tela, čím zvyšuje svoje postavenie nad úroveň jednoduchého bojovníka. Antonellov subjekt mal v skutočnosti najpravdepodobnejšie bohatstvo na to, aby si mohol dovoliť titul bližší gentlemanovi, a tento portrét by si nechal vypracovať, aby zdôraznil svoje spoločenské postavenie. Antonello však divákovi pripomína, že tento muž je bezohľadný bojovník. Bližšia inšpekcia spoločnosti Condottieroodhaľuje podrobnosti, ako napríklad vojnová rana na hornom pysku sediacej osoby. (William Davies)

  • Mona Lisa (okolo 1503 - 2009)

    Leonardo da Vinci začal život ako nemanželský syn toskánskeho notára a stal sa pravdepodobne najdiskutovanejším maliarom na svete. Nekonečná fascinácia zo strany vedcov i verejnosti nastala prakticky odo dňa, keď začal písať a maľovať. Bol to tiež človek s nedostatkami a obmedzeniami. Narodil sa v toskánskom mestečku Anchiano na úbočí kopca neďaleko Vinci a v ranom veku sa presťahoval do Florencie, aby sa vyučil za učňa Andrea del Verrocchio, slávny sochár dňa. Od tých prvých hodín získal Leonardo hlboké ocenenie trojrozmerného priestoru, konceptu, ktorý mu dobre poslúžil počas celej jeho kariéry, či už maľoval alebo kreslil zložitosti rastlín alebo častí ľudského tela, vojnové stroje alebo verejné vodné diela, matematická geometria alebo lokálna geológia. Názov tohto obrazu , ktorý sa používal až v 19. storočí, odvodil od prvotnej správy Giorgia Vasariho , ktorý tiež poskytuje jedinú identifikáciu sediaceho. Mona Lisa, tiež známa ako Lisa Gherardini, bola namaľovaná v polovici 20. rokov po tom, čo sa vydala za obchodníka s hodvábom Francesca del Gioconda, muža, ktorý si mohol portrét objednať. Taliani ju dodnes poznajú ako La Gioconda a francúzštinu akoLa Joconde , čo sa doslovne prekladá ako „veselý (alebo hravý).“ V novšej histórii možno slávu obrazu odvodiť aj čiastočne zo skutočnosti, že ho v parížskom Louvri v senzačnej krádeži v roku 1911 ukradol taliansky nacionalista, ale o dva roky neskôr bol našťastie vrátený. (Steven Pulimood)

    [Chcete sa dozvedieť viac o tom, prečo je Mona Lisa taká slávna? Prečítajte si toto Demystifikovaná Britannicou.]

  • Charita (1518–19)

    V roku 1518 František I. z Francúzska predvolal florentského maliara Andrea del Sarto na svoj francúzsky súd, kde taliansky umelec rok žil. Charita je jediný dochovaný obraz z jeho francúzskeho pobytu; bol namaľovaný pre Château d'Amboise. Dielo je typické pre obrazy, ktoré v súčasnosti uprednostňuje francúzsky kráľovský honorár. Zobrazuje postavu charity obklopenú deťmi, ktoré vychováva a chráni. Išlo o alegorické predstavenie francúzskej kráľovskej rodiny a oslavovalo narodenie Dauphina, ktorého symbolizuje dojčenie dieťaťa, zatiaľ čo postava Charity sa podobá kráľovnej. Pyramídová štruktúra kompozície je typická pre tradičnú formu tohto typu maľby a je tiež odrazom vplyvuLeonardo da Vinci o Andrea del Sarto. Umelec predovšetkým obdivoval Leonardovu Pannu a dieťa so svätou Annou . (Tamsin Pickeral)

  • Dekapitácia svätého Juraja (okolo 1432 - 34)

    Bernardo Martorell pracoval v Barcelone a učil ho pravdepodobne Luis Borrassá, najplodnejší katalánsky maliar tej doby. Martorellovi sa určite prisudzuje iba jedno dochované dielo - oltárny obraz svätého Petra z Pubolu (1437), ktorý sa nachádza v múzeu v Gerone v Taliansku. Avšak, altarpiece St. George je tak výrazne v Martorellu štýle, že väčšina odborníci sa domnievajú, že je umelec. Oltárny obraz bol vytvorený pre kaplnku svätého Juraja v barcelonskom paláci. Skladá sa z centrálneho panelu, ktorý zobrazuje svätého Juraja zabíjajúceho draka , ktorý je dnes umiestnený v umeleckom inštitúte v Chicagu, a štyroch bočných panelov, ktoré sú vo francúzskom Louvri. Tento bočný paneltvorí záverečnú časť rozprávania a zobrazuje martýrstvo svätého Juraja. Zdá sa, že legenda o sv. Jurajovi pochádza z spisov Eusebia z Cézarey datovaných do štvrtého storočia n. L. Bol považovaný za rímskeho vojaka ušľachtilého pôvodu, ktorý bol v roku 303 n. L. Zabitý za protesty proti prenasledovaniu kresťanov. Za svätého bol vyhlásený v 10. storočí a stal sa patrónom vojakov. Legenda o svätom Jurajovi bola v stredoveku rozšírená po celej Európe, a hoci sa príbeh o svätcovi zabití draka zdá byť viac mytologický ako zázračný, je prerozprávaný do mnohých stredovekých obrazov. V tejto poslednej scéne z legendy, keď je Svätý Juraj sťatý, padajú blesky z ohnivo červenej a zlatej oblohy. Štýl môže byť medzinárodný gotický, ale zdesené tváre, chov koní, padajúce telá, a odborné zaobchádzanie so svetlom patrí Martorellovi. (Mary Cooch)