Разнообразный

29 картин, которые можно посетить только в Лувре


  • Женский портрет (3 век)

    Этот портрет в саркофаге из области Фаюм был написан в греко-римский период. Слово Файюм относится к очень плодородному региону к юго-западу от Каира. Он был построен вокруг искусственного озера Карун - амбициозного инженерного проекта 12-й династии, построенного в естественной долине. Жители долины Фаюм прибыли из Египта, Греции, Сирии, Ливии и других областей Римской империи. Они выращивали зерновые, в том числе пшеницу и ячмень; рыба из озера считалась большим деликатесом во всем Египте; и под властью Аменемхета III(12-я династия), эта местность прославилась пышными садами и обильными фруктовыми деревьями. Сегодня регион известен множеством папирусных документов, обнаруженных в 19 и 20 веках, а также множеством «фаюмских портретов», обнаруженных археологами. Эти портреты в натуральную величину, по-видимому, использовались для украшения домов, а также для погребальных целей. Техника энкаустики включала плавление воска и смешивание его с пигментами и, возможно, льняным маслом или яйцом, а затем нанесение его, как краски, на дерево или полотно. Этот нарисованный портретвыглядит на удивление современно. Чистые глаза и выдающийся нос женщины, а также тщательное изображение украшений художником наводят на мысль, что это был нарисованный портрет, чтобы быть узнаваемым. Историки искусства часто приписывают регион Фаюм рождение реалистичной портретной живописи, и многие портреты, обнаруженные в этом регионе, представляют собой время новаторских художественных экспериментов. (Люсинда Хоксли)

  • Лето (1573)

    Джузеппе Арчимбольдо был очень успешен при жизни, но после его смерти его работы быстро вышли из моды, и интерес к ним не возродился до конца XIX века. Стилистически его фантастические и творческие картины вписываются в популярный мир маньеристского искусства. Суды по всей Европе в течение 16 - го века , в частности , выступают за этот тип остроумного и умной иллюзорной живопись, и доказательством этого было длинное заданием Арчимбольдо в качестве художника в суд Габсбургов между 1562 и 1587. Летом является частью серии Four Seasons , что художник написано для императора Максимилиана IIв 1573 году. Это был предмет, который Арчимбольдо писал несколько раз за свою карьеру, и он стал чрезвычайно популярным. Впервые он нарисовал серию « Времен года» в 1562 году, и его творческая идея создания головы из коллекции фруктов и овощей была встречена с большим энтузиазмом. Придворные обязанности Арчимбольдо для Максимилиана не ограничивались живописью - художника также привлекали как сценограф, архитектор и инженер. Позже, работая на императора Рудольфа II , ему также было поручено находить антиквариат и редкие предметы искусства для коллекции императора. Картины Арчимбольдо создают совершенно сюрреалистический эффект, и они, безусловно, являются одними из самых творческих и искусно созданных для своего времени. (Тэмсин Пикерал)

  • Рыбалка (ок. 1588)

    Аннибале Карраччи родился в районе Болоньи и вместе со своим братом и двоюродным братом был признан одним из ведущих художников Болонской школы. Он был особенно искусным рисовальщиком и уделял большое внимание правильному рисунку, часто изображая сцены из жизни и помещая их в воображаемый или идеализированный пейзаж. В то время в оформлении вилл в Болонье были популярны темы охоты и рыбалки. Рыбалка была написана как дополнение к другой работе Карраччи « Охота».. Судя по размерам, оба, вероятно, были предназначены для навешивания над дверными проемами домашней виллы. Эти две работы были написаны в начале карьеры Карраччи, до его переезда в Рим в 1584 году, но они уже демонстрируют высокоразвитый стиль художника. В этой работе он объединил несколько различных сцен в одной картине и хитро разработал свою композицию так, чтобы взгляд переводился с переднего плана на каждую группу людей и на задний план, не упуская ни одной детали. Фигуры, вероятно, были основаны на исследованиях непосредственно с натуры, а затем объединены с ландшафтом. Эта картина интригует, потому что показывает, как Карраччи развивает свое использование жестов, что видно на изображении справа. Использование убедительных и четких жестов было одним из особых навыков Карраччи, которые повлияли на более поздних художников периода барокко. Также очевидно, что Карраччи убедительно использует пейзаж, который прекрасно сочетается с ясным полупрозрачным светом. (Тэмсин Пикерал)

  • Воскрешение Лазаря (ок. 1619 г.)

    Джованни Франческо Барбьери по прозвищу Il Guercino, родился в бедности в маленьком городке Ченто, между Феррарой и Болоньей в Италии. В основном он был художником-самоучкой. Он стал одним из ведущих художников болонской школы, заняв после его смерти занятую студию Гвидо Рени (иронично, поскольку отчеты показывают, что Рени относился к Гверчино неоднозначно). Стиль Гверчино кардинально изменился за время его жизни, и такие работы, как эта, сделанная в начале его карьеры, демонстрируют очень барочный подход с драматическим использованием контрастных световых и темных оттенков. Типичная для барокко композиция сложна и полна драматических жестов, энергии и чувств. Фигуры вытеснены на переднем плане, как на фризе, а середина и задний план практически неразличимы. Эта техника помещает зрителя почти в ту же пространственную плоскость, что и фигуры на картине, вызывая мощный эмоциональный отклик. Это событие - мертвого Лазаря, воскресшего Иисусом. Гверчино наполняет сцену восторженной интенсивностью и духовным рвением, которые вызывали бы большое восхищение в его период. За несколько лет до того, как эта картина была написана, Гверчино познакомился с художником.Людовико Карраччи и был вдохновлен его обращением с цветом и эмоциями. Влияние Карраччи заметно в « Воскресении Лазаря» Гверчино , хотя эта работа в целом более энергична по стилю. Гверчино, плодовитый и востребованный художник, умер богатым человеком. (Тэмсин Пикерал)

  • Святой Иосиф Плотник (1635–1640 гг.)

    История жизни и творчества Жоржа де Ла Тура неоднородна. Хотя при жизни он пользовался успехом, Ла Тур был забыт на несколько столетий - его работы были заново открыты в начале 20 века. Французский художник, как часто утверждают, находился под влиянием картин Караваджо . Однако возможно, что Ла Тур не знал работ Караваджо и что он независимо исследовал эффекты тени и света, отбрасываемые единственной свечой. Набожный католик, Ла Тур часто рисовал религиозные сцены. Он несколько раз возвращался к теме покаяния Марии Магдалины, а также писал эту трогательную сцену.Иосифа, обучающего Иисуса в плотницкой мастерской. Стиль реалистичен, детализирован и тщательно спланирован - Иисус держит свечу, потому что, по христианской вере, он - свет мира, освещающий тьму мира. (Люсинда Хоксли)

  • Косолапость (1642)

    Мало кого могла не заинтриговать эта жанровая фотография явно инвалида из Неаполя, нахально смотрящего на них с зубастой ухмылкой. Уроженец Испании Хосе де Риберабольшую часть своей карьеры провел в Неаполе, который тогда находился под контролем Испании, и стал ведущим художником города. Вероятно, он намеревался просто изобразить неаполитанского нищего мальчика, так как он очень интересовался простыми людьми. Однако то, как он соединил реализм с традициями, открыло новое направление в искусстве. Жизнь не улыбнулась этому нищему, но он бодро сопротивляется. Он беспечно несет костыль через плечо и небрежно, а не отчаянно протягивает ему бумагу, разрешающую ему просить милостыню, что в то время было обязательным в Неаполе. На латыни написано: «Дай мне милостыню во имя любви к Богу». Вместо того, чтобы быть изображенным сидящим на корточках в грязном переулке, он стоит прямо на фоне безмятежного пейзажа, напоминающего исторические, мифологические и религиозные произведения, написанные в классическом стиле. Рибера придает ему внушительный рост, сделана более низкой точкой зрения и гуманным достоинством. Его нищий мог быть почти маленьким принцем. Свободная манера письма на пейзаже становится мягче, и мальчик выделяется еще больше. Способность Риберы передавать чувство индивидуальности людей с реализмом и человечностью оказала большое влияние на западное искусство и, в частности, на испанскую школу. (Энн Кей)

  • Вид на интерьер ( тапочки ) (1654–62)

    Самуэль ван Хогстратен был искусным художником портретов и интерьеров, который заботился о правильном использовании перспективы. Вид на интерьер , традиционно называемый тапочками, иллюстрирует характерное использование художником голландских кафельных полов, чтобы подчеркнуть глубину картины. Это подчеркивается отчетливыми удаляющимися плоскостями картины, отмеченными рамкой картины, дверными коробками и, наконец, двумя картинками на обратной стороне картины. Показывая часть открытой двери на переднем плане, художник помещает зрителя в дверной проем, что усиливает иллюзорный эффект картины. Тема Хогстратена упоминается в тонких деталях. Выброшенная метла, домашние тапочки и закрытая книга (чтение было прервано) указывают на то, что любовная связь происходит вне поля зрения. К мягко нравоучительному тону картины Хогстратен возвращался несколько раз. (Тэмсин Пикерал)

  • Паломничество на Китеру (1717 г.)

    В 1717 году Жан-Антуан Ватто подарил эту картину Французской академии в качестве дипломной работы. Эта работа была признана его лучшей работой и оказала ключевое влияние на зарождающийся стиль рококо. Сюжет начался как иллюстрация к незначительной пьесе. В Les Trois Cousines Флоренции Данкур, девушка в костюме паломника выходит из хора и приглашает публику присоединиться к ней в путешествии на Киферу - остров любви, где каждый встретит своего идеального партнера. Первая версия этой темы Ватто, датируемая примерно 1709 годом, была очень буквальным изображением, но здесь он отказался от театральных рамок и превратил происшествие в мечтательную романтическую фантазию. Примечательно, что он предпочел изобразить конец, а не начало путешествия. Влюбленные соединились и украсили статую Венеры справа цветами, и они собираются вернуться домой. Сосредоточившись на этом моменте, художник смог создать атмосферу нежной меланхолии, столь характерную для его творчества. В то время как большинство пар готовятся к отъезду, двое влюбленных остались у святыни богини, очарованный любовью и слепой ко всему остальному. Одна из уходящих женщин оборачивается и печально оглядывается на них, осознавая, что эта часть любви самая мимолетная. После смерти Ватто его искусство резко вышло из моды. Многим его изображения любовных похождений казались слишком тесно связанными со старыми временами монархии. В революционный период студенты-художники использовали егоCythera для стрельбы , бросая в нее хлебные шарики. (Иэн Зачек)

  • Пьеро (ранее известный как Жиль ) (ок. 1718–1719)

    Это одна из последних картин, написанных Жаном-Антуаном Ватто за его короткую карьеру. На нем изображен клоун, смотрящий на публику, с задумчивым выражением лица, которое может перекликаться с меланхолическим настроением художника. Жиль было общим именем клоуна во Франции, вероятно, происходящим от Жиля ле Ниэ, акробата и комика 17-го века. Ко временам Ватто между этим персонажем и Пьеро, ведущим клоуном комедии дель арте, итальянской театральной традиции, пользующейся огромной популярностью во Франции, было значительное совпадение. Обе фигуры сыграли невинного дурака, полюбившегося публике, - прототипа Чарли Чаплина и Бастера Китона. Эта картинаВероятно, это была театральная вывеска, призванная соблазнить прохожих на представление. Возможно, он был создан для премьеры комедии « Даная» , в которой один из персонажей был превращен в осла. В качестве альтернативы он мог рекламировать парады - короткие фарсовые зарисовки перед основным представлением. В них через сцену часто водили осла, что символизировало абсолютную глупость Жиля. Ватто использовал уменьшенную версию этого клоуна в качестве главной фигуры в «Итальянских комедиантах» , картине, которую он нарисовал для своего врача около 1720 года. В обоих случаях мрачная фигура Жиля напоминала Ecce Homo.(«Смотри на человека») картина. Эта популярная религиозная тема изображала эпизод из «Страстей Христовых», когда Понтий Пилат представил Иисуса людям в надежде, что они потребуют его освобождения. Вместо этого толпа призвала его распять. (Иэн Зачек)

  • Натюрморт с бутылкой оливок (1760)

    Уроженец Парижа Жан-Батист Симеон Шарден воспротивился желанию своего отца, краснодеревщика, пойти по его стопам и вместо этого стал учеником в мастерской Пьера-Жака Каза и Ноэля- Ноэля Койпеля.в 1719 году. На протяжении всей своей жизни Шарден оставался верным членом Французской академии, но, несмотря на его успех, ему помешали стать профессором, потому что он был назначен художником «в области животных и фруктов». Ранние натюрморты, которыми он наиболее известен, были выполнены в короткие сроки, демонстрируя скорость, с которой он овладел своей мастерской техникой. Было подсчитано, что четверть всей его продукции была произведена до 1732 года. Его стиль характеризуется богато текстурированной кистью, которая в значительной степени обязана голландской живописи, в частности, влиянию Рембрандта в обращении с краской. Это отделяет его работы от более знакомого стиля французской живописи 18-го века. Шарден рисовал простые бытовые сюжеты и знакомые предметы быта. Тем не мение,«Натюрморт с бутылкой оливок» типичен своим сдержанным настроением, мягким освещением и сверхъестественным реализмом, придающим повседневным предметам и сценам волшебную ауру. Неудивительно, что поклонники прозвали его «великим волшебником». Его талант заключался в создании картин безупречной завершенности с неизменным, но высочайшим техническим мастерством. (Роджер Уилсон)

  • Болт (ок. 1777 г.)

    Жан-Оноре Фрагонар был одним из ведущих художников стиля рококо. Его картины были легкомысленными, но чувственными, олицетворяющими элегантность французской придворной жизни в годы, предшествовавшие революции 1789 года. Современникам Фрагонар был известен прежде всего как мастер sujets légers (легкие сюжеты). Эти темы были откровенно эротическими, но были обработаны со вкусом и деликатно, что сделало их приемлемыми даже в королевских кругах. Действительно, это красноречиво говорит о моде того времени, когда эта картина, похоже, была заказана в качестве дополнения к религиозной картине. Согласно раннему источнику, маркиз де Вери подошел к художнику, ища картину, чтобы повесить рядом с одним из редких религиозных изображений Фрагонара - Поклонение пастухов.. Современному глазу это может показаться странным сопоставлением, но Вери, вероятно, задумал комбинацию, чтобы представить Священную и Светскую Любовь - художественную тему, которая была популярна со времен Возрождения. Обычно художники воплощали эту идею в одной картине, но иногда они сочетали картину с изображением Евы с сюжетом, связанным с Девой Марией (которую часто рассматривали как новую Еву). Здесь яблоко, которое заметно изображено на столе, является традиционной ссылкой на искушение Евы в Эдемском саду. Bolt был написан, когда стиль рококо начал выходить из моды, однако драматическое освещение и высокая степень отделки показывают, что Фрагонар адаптировался к неоклассическому стилю, который входил в моду. (Иэн Зачек)

  • Клятва Горациев (1784)

    Жак-Луи Давид , возможно, является самым выдающимся художником политической пропаганды в истории. Придворный художник Наполеона, многое из того, что мы знаем о мифическом образе императора и иконографии Французской революции, исходит из театральных аллегорических картин Давида. Дэвид был отцом движения неоклассического искусства, которое изображало классические мифы и историю как аналог современной политики. Клятва Горациеврассказывает историю, записанную около 59 г. до н. э. римским историком Ливием, о сыновьях из двух семей, трех братьев Горациев и трех братьев Куриатий, которые участвовали в войнах между Римом и Альбой около 669 г. до н. э. Мужчины обязаны драться, но одна из женщин из семьи Куриатий замужем за одним из братьев Горациев, а одна сестра Горациев обручена с братом из семьи Куриатий. Несмотря на эти связи, Горатий-старший призывает своих сыновей сражаться с куриатами, и они подчиняются, несмотря на причитания своих убитых горем сестер. Изображая момент, когда мужчины предпочли политические идеалы личным мотивам, Дэвид просит зрителей рассматривать этих людей как образцы для подражания в их собственное политически неспокойное время. Так же озабочен реализмом в живописи, как и идеализмом в политике, Давид отправился в Рим, чтобы скопировать архитектуру с натуры. Результат имел огромный успех, когда картина была выставлена ​​в Салоне 1785 года в Париже. Картины Дэвида до сих пор находят большой отклик у зрителей, потому что сила его мастерства была достаточно выдающейся, чтобы сформулировать его твердые убеждения. (Ана Финель Хонигман)

  • Мадам Рекамье (1800)

    Это широкое признание как Жак-Луи Давида «S лучший портрет. Благодаря своему изяществу, простоте и экономичности он также считается одним из самых успешных образцов неоклассического искусства. Модель Давида, Жюльетт Рекамье, была любимцем парижского общества. Она была женой богатого банкира из Лиона, хотя привлекала внимание множества других мужчин, и все они получали скромный отпор. Дэвид черпал вдохновение в безупречной репутации Рекамье. Босыми ногами, белым платьем и антикварными аксессуарами она напоминает новоявленную девственницу-весталку. Это усиливается позой. Взгляд женщины искренний и прямой, но ее тело отвернуто, неприступно. Сеансы портрета шли не очень гладко: художницу раздражала стойкая непунктуальность Джульетты, а она возражала против некоторых взятых на себя художественных вольностей. В частности, ее возмущало то, что Дэвид осветил оттенок ее волос, потому что это не соответствовало его цветовой гамме. В результате она заказала еще один портрет одному из учеников художника. Узнав об этом, Дэвид отказался продолжать: «Мадам, - как он сказал, - у женщин есть свои капризы; художники тоже. Позвольте мне удовлетворить мое. Я сохраню твой портрет в его нынешнем виде ». Это решение могло быть полезным, поскольку суровость картины во многом влияет на нее. Говорят, что лампа и некоторые другие детали были расписаны учеником Дэвида. Я сохраню твой портрет в его нынешнем виде ». Это решение могло быть полезным, поскольку суровость картины во многом влияет на нее. Говорят, что лампа и некоторые другие детали были расписаны учеником Дэвида. Я сохраню твой портрет в его нынешнем виде ». Это решение могло быть полезным, поскольку суровость картины во многом влияет на нее. Говорят, что лампа и некоторые другие детали были расписаны учеником Дэвида.Жан-Огюст-Доминик Энгр . Последний, безусловно, был впечатлен картиной, так как он позаимствовал позу Рекамье для одной из своих самых знаменитых работ, «Гранд Одалиска» . (Иэн Зачек)

  • Купальщица ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    В 1801 году французский художник Жан-Огюст-Доминик Энгр , обучаясь у Жака-Луи Давида , получил престижную Римскую премию. Это была награда, присужденная Королевской академией Франции, которая оплатила своим лучшим художникам посещение Рима на четыре года и изучение итальянских мастеров прошлого. К сожалению, в то время государство не могло позволить себе отправлять художников в Италию из-за развалившейся экономики Франции. В конце концов, в 1808 году Энгр уехал в Рим. Купальщицабыла одной из первых картин Энгра, написанных в Италии, и, хотя художник был окружен столетиями важного искусства эпохи Возрождения, он нарушает традиции. Вместо того, чтобы раскрыть личность своего объекта, Энгр показал своего почти монументального объекта, повернутого от зрителя, ее туловище слегка повернуто, чтобы открыть ее спину. Это позволяет зрителю восхищаться (и объективировать) купальщицу без того, чтобы она бросала нам вызов - она ​​остается анонимной, неопределенной, ее персонаж не поддается расшифровке. В более поздних работах Энгра с обнаженными женщинами часто использовались более фронтальные позы. Интересно отметить, что ограниченная палитра зеленых, кремовых и коричневых оттенков Ingres меняется от темных тонов занавески слева до светлых тонов фона и покрова справа. Эта градация тона перекликается с символической природой купания. действие, очищающее и очищающее душу: когда сиделка удаляется от ванны, она становится белее и, следовательно, более чистой. (Уильям Дэвис)

  • Плот Медузы (1819)

    Мало кто мог смотреть на эту картину и не быть поражен ее страстью и силой. Написанный главным двигателем французского романтизма Теодором Жерико , он теперь рассматривается как определяющее заявление этого движения. Романтики отошли от классического искусства 18 века, чтобы подчеркнуть реализм и эмоции. Эта картина особенно интересна тем, что она явно соединяет мосты между классицизмом и романтизмом. Когда «Плот Медузы» появился на выставке Салона 1819 года, это вызвало большой скандал, ужаснувший истеблишмент. Сцена рассказывает правду о потерпевшем кораблекрушение французском правительственном фрегате La Méduse., чей некомпетентный капитан и офицеры забрали себе единственные спасательные шлюпки и оставили всех, кроме 15 из 150 членов экипажа и пассажиров, погибнуть на импровизированном плоту, погрузившись в отчаяние, дикость и каннибализм. Жерико осмелился показать отвратительный, тревожный эпизод из современной истории (крушение произошло в 1816 году), который плохо отразился на всех вовлеченных сторонах, и напоминал огромные героические исторические картины, столь любимые традиционалистами. С одной стороны, здесь присутствует жуткий уровень реализма (Жерико изучал трупы, чтобы уточнить детали) с необычайно энергичной манерой рисования, усиливающей кружащиеся движения и эмоции. С другой стороны, корпуса и пирамидальная композиция выполнены в классическом стиле. Несмотря на возмущение, картина завоевала художественное одобрение Жерико и оказала огромное влияние на других художников.Эжен Делакруа . (Энн Кей)

  • Смерть Сарданапала (1827)

    Эжен Делакруа, которого часто называют величайшим французским романтиком, действительно был художником своего времени. Как и его друг Теодор Жерико , Делакруа сохранил некоторые классические элементы из своих ранних тренировок, но проявил смелую энергию, богатое, индивидуальное использование цвета и любовь к экзотике, которая сделала его первопроходцем. Массивное полотно Смерть Сарданапалавзрывается чувствами диким движением и роскошным цветом, оргия снисходительной экзотики. Сарданапал был ассирийским правителем из древних легенд, склонным к крайнему упадку. В ответ на позор крупного военного поражения Сарданапал устроил огромный костер, на котором он сжег себя вместе со всеми своими дворцовыми сокровищами, любовницами и порабощенными людьми. Делакруа упивался такой байронической драмой. Похоже, он отказался от любых попыток реалистичной перспективы или композиционной последовательности. Искаженные тела и предметы кружатся в кошмарном мире, задыхающемся яркими цветами и горячими, наступающими тенями. Детальная роспись сверкающих драгоценностей и богатых тканей ясно передает изображаемый экстравагантный мир, в то время как хладнокровная отстраненность, с которой Сарданапал смотрит на хаос вокруг себя, вызывает зловещее настроение. Делакруа экспериментирует с серыми и синими тонами на коже человека, чтобы придать форму своему нетрадиционному моделированию тел. Легко увидеть, как необузданное исследование насилия, наряду с неистовой энергией и смелыми приемами окраски, о многом говорили художникам поздних времен. (Энн Кей)

  • Обожествление Гомера ( Апофеоз Гомера ) (1827)

    К тому времени, когда был написан « Обожествленный Гомер» , Жан-Огюст-Доминик Энгр был самопровозглашенным лидером традиционной, классической живописи, противопоставляя себя упрямому искусству французских романтиков, таких как Эжен Делакруа . Эта конкретная картина вряд ли может быть лучшим примером академического подхода Энгра, и на самом деле он задумал ее как гимн хвалы классицизму. Хотя у него была более чувственная сторона (например, его «Купальщица» ), здесь она полностью подавлена. Это произведение, также известное как «Апофеоз Гомера» , изображает известного поэта Древней Греции в виде бога, увенчанного лаврами мифологического персонажа Победы. Две женщины у его ног представляют великие эпические произведения Гомера,Илиада и Одиссея. Вокруг него собралась обожающая толпа гигантов искусства древности и современности, в том числе и другие греки: драматург Эсхил предлагает пергамент слева от Гомера, а афинский скульптор Фидий протягивает справа молот. В более современных фигурах преобладают художники классического периода Франции 17-го века, такие как драматург Мольер и художник Николя Пуссен. Треугольная симметричная композиция излучает классический идеализм: Гомер помещен в центре античного храма, носящего его имя. Эта картина была плохо воспринята при создании. Энгр уехал в Рим на несколько лет, но вернулся в 1840-х годах, чтобы снова получить признание как ведущий классик. Стало модным осуждать традиционализм Энгра, но теперь он считается очень влиятельным художником, обладающим значительными техническими навыками. (Энн Кей)

  • Свобода, ведущая народ (1830)

    Эта работа относится к периоду между 1827 и 1832 годами, когда Эжен Делакруапроизводил один шедевр за другим. Это не исключение. Это изображение, написанное в память о революции июля 1830 года, приведшей к власти Луи-Филиппа, стало символом духа революции. Это вызвало сенсацию в Парижском салоне 1831 года, и, хотя Луи-Филипп купил эту работу в ознаменование своего вступления на престол, он держал ее подальше от общественности, потому что она считалась потенциально провокационной. В картине искусно и монументально сочетаются современный репортаж с аллегорией. Место и время ясны: Нотр-Дам виден вдалеке, люди одеты в соответствии с их классом, а неряшливый мальчик справа символизирует силу обычных людей. Аллегорическая фигура Свободы, возвышающаяся над сценой, триколор, возвышающийся над ней, вызвала возмущение, потому что вместо того, чтобы олицетворять идеализированную красоту, Яркие мазки изображают очень настоящую женщину - полуобнаженную, грязную и перешагивающую через трупы, что может показывать, как свобода может принести какое-то собственное угнетение. На этой картине также показано, как Делакруа обращается к более сдержанному подходу в своих более поздних работах, в которых он все более тонко исследует способы сочетания цветов рядом друг с другом, чтобы передать ощущение реальности или выразить истину. Такое использование цвета будет иметь огромное влияние на будущих импрессионистов и модернистов из разных стран. в котором он делал все более тонкие набеги на то, как цвета работали рядом друг с другом, чтобы передать ощущение реальности или выразить истину. Такое использование цвета будет иметь огромное влияние на будущих импрессионистов и модернистов из разных стран. в котором он делал все более тонкие набеги на то, как цвета работали рядом друг с другом, чтобы передать ощущение реальности или выразить истину. Такое использование цвета будет иметь огромное влияние на будущих импрессионистов и модернистов из разных стран.Пьер Огюст Ренуар и Жорж Сёра - Пабло Пикассо . (Энн Кей)

  • Вид на Большую галерею Лувра (1841 г.)

    Сын успешного торговца-ткача, Патрик Аллан-Фрейзер отказался от возможности последовать за своим отцом в коммерческую карьеру в пользу продолжения своих художественных наклонностей. Исследования привели Аллана-Фрейзера в Эдинбург, Рим, Лондон и, наконец, в Париж, где он столкнулся с великолепной Большой галереей в Лувре. При написании картины " Вид на Большую галерею Лувра"Художник черпал вдохновение из группы викторианских художников, известной как The Clique, с которой он познакомился в Лондоне. Клика отказалась от академического высокого искусства в пользу жанровой живописи. Казалось бы, бесконечная Grande Galerie, протянувшаяся на четверть мили, была местом, где часто собирались художники и ремесленники, но здесь мы встречаем безмятежную атмосферу признательности и размышлений. В последующие годы Аллан-Фрейзер погрузился в реставрацию и строительство прекрасных зданий, и его восхищение Grande Galerie было первостепенным, когда он брался за это. Спорадические лучи света не только позволяют зрителю наблюдать за происходящим внутри, но также раскрывают величие и элегантность зала. Аллан-Фрейзер был избран членом Королевской шотландской академии в 1874 году, и он заказал портреты членов Клики, из уважения к тем, кто его вдохновил. (Саймон Грей)

  • Сувенир из Мортефонтена (1864)

    Камиль Коро начал свою карьеру в качестве торговца тканями, прежде чем решил продолжить художественное обучение. При поддержке отца он учился сначала у Ахилле Этна Михаллон, а затем у Жана-Виктора Бертена, хотя позже Коро отрицал, что его обучение повлияло на его искусство. Он много путешествовал на протяжении всей своей жизни, проведя несколько лет в Италии, исследуя Швейцарию и покрывая большую часть французской сельской местности. В своих поездках он сделал множество масляных набросков и пленэрных картин, передающих непосредственность света и атмосферы; он также работал над картинами выставочного стиля в студии. Souvenir de Mortefontaine- одна из лучших картин его поздней карьеры. Оно залито мягким рассеянным светом и представляет собой произведение абсолютного спокойствия, воплощение лирического и поэтического ассимиляции мира художника. Сцена не взята с натуры, но сочетает в себе ключевые элементы естественной обстановки, чтобы создать идеальный, гармоничный образ. Изящное дерево на переднем плане, простор стоячей воды позади и тихие фигуры, выделенные в мягких тонах, - мотивы, часто используемые художником для создания красивых, тихих отражений. Работая сначала в русле реалистов, стиль Коро развился, чтобы охватить мечтательное, романтическое восприятие. Таким образом, его работы можно считать чем-то вроде моста между реалистами и импрессионистами, и действительно, его часто называют отцом импрессионизма.Виды Сены в раннем утреннем свете Клода Моне, написанные в 1890-х годах. (Тэмсин Пикерал)

  • Бичевание Христа (1455–1460)

    Земли Каталонии с центром в городе Барселона пережили великий золотой век искусства в 1400-х годах, и в авангарде этого возрождения был Жауме Юге . Уге славится потрясающими запрестольными образцами, олицетворяющими прекрасное декоративное религиозное искусство, созданное каталонской школой того времени. В центре этого запрестольного образа, Христа бьют до того, как ему вынесут смертный приговор через распятие. Человек, вынесший приговор, - римский правитель Иудеи Понтий Пилат - сидит на большом престоле справа. Образ Гюге наполнен драгоценными цветами и полон мелких деталей, от плитки на полу до трона Пилата и одежды. В композиции присутствует хорошо выстроенная симметрия: центральное положение Христа в окружении двух мужчин, наносящих удары, и двух маленьких ангелов у его ног, отступающая плитка на полу, ряд арок позади Христа и вид вдалеке на пейзаж с пики одинакового размера. Весь эффект очень декоративен, почти как кусок гобелена. Это изделие было заказано гильдией сапожников для часовни Святого Марка в Кафедральном соборе Барселоны, поэтому обувь появляется в декоративной рамке. На границах также изображены орел, лев, ангел и бык - символы евангелистов Св. Иоанна, Св. Марка, Св. Матфея и Св. Луки соответственно. Работы Угуэ в целом следуют традициям каталонских мастеров 15-го века, таких как Бернардо Марторель, и его личный стиль помог определить каталонский стиль. (Энн Кей)

  • Старик с мальчиком (ок. 1490)

    Доменико Гирландайо был флорентийским художником, известным своими фресками и портретами. Старик с мальчиком - его наиболее широко известный образ. Рисунок в Национальном музее в Стокгольме свидетельствует о том, что Гирландайо изучал старика, в том числе дефект кожи на его носу. Считается, что этот мужчина страдал от уродливой ринофимы в результате розовых угрей. Но реалистичность портрета необычна для своего времени. Считается, что включение Гирландайо этого дефекта повлияло на более поздних художников, таких как Леонардо да Винчи., чтобы нарисовать своих предметов такими, какие они есть. Зрителя, безусловно, тронула эта сцена. Старое лицо старика контрастирует с мягкой молодой кожей ребенка. Когда рука ребенка тянется к старику, их глаза встречаются в открытом проявлении любви. Теплые красные оттенки подчеркивают эту любящую связь. (Мэри Куч)

  • Гадалка (ок. 1508–15010)

    Основная слава Лукаса ван Лейдена основана на его исключительных навыках гравера, но он также был опытным художником, которому приписывают то, что он одним из первых представил нидерландский жанр живописи. Он родился в Лейдене, где провел большую часть своей жизни. Считается, что он тренировался у своего отца, а затем у Корнелиса Энгебрехтса. Он отправился в Антверпен в 1521 году, где встретил Альбрехта Дюрера , который записал это событие в своем дневнике. Похоже, что работы Дюрера оказали на него наибольшее влияние, хотя ван Лейден подходил к своим предметам с большим воодушевлением, уделяя больше внимания характеру отдельных фигур. Гадалка,который является намеком на тщеславие любви и игр, был написан в начале карьеры ван Лейдена, но уже показывает его мастерство рисования и мастерство колориста. Это исследование характера, где каждый человек изображен с живой чувственностью. Особенно очаровывает темнобородый мужчина на заднем плане с его пронзительным взглядом и зловещим лицом, контрастирующим с бледной фигурой гадалки. Поверхность изображения имеет богатый узор, а различные текстуры, от меха и шелка до стекла и плоти, превосходно переданы. Перемещение композиции к передней части картинной плоскости приводит к помещению зрителя среди других фигур. Ван Лейден был известен при жизни, и, хотя у него не было прямых учеников, его влияние оказало огромное влияние на развитие нидерландского искусства. прокладывает путь голландской традиции жанровой живописи. Считается, что его работа также повлияла наРембрандт . (Тэмсин Пикерал)

  • Триумф Тита и Веспасии (ок. 1537)

    Уроженец Джулио Пеппи, художник этой картины позже стал известен как Джулио Романо по названию города, в котором он родился. В юном возрасте он пошел учиться у Рафаэля., впоследствии став его главным помощником, а после смерти Рафаэля завершил ряд работ художника. Яркая палитра и смелый образный стиль Романо контрастировали с тонкостью его учителя, но с точки зрения чистого воображения и драматического иллюзорного эффекта, достигнутого за счет манипулирования перспективой, Романо был лидером в своей области. Помимо живописных достижений, художник был также архитектором и инженером. Приблизительно в 1524 году Романо был нанят Фредерико Гонзага, правителем Мантуи, и приступил к реализации масштабного проекта по проектированию и перестройке некоторых городских зданий, а также нескольких декоративных схем. Триумф Тита и Веспасиибыл заказан Гонзага для Зала Цезарей в Палаццо Дукале. На нем изображен император Тит, марширующий по Риму после победы над евреями. Композиция основана на сцене внутри древней арки Тита в Риме и сохраняет большую часть скульптурных качеств оригинала, особенно в резких колесницах Романо. Яркие цвета и классическая тема, выполненная рукой Романо-маньериста, сделали это произведение очень популярным в свое время. Особо следует отметить его трактовку пейзажа, прекрасно детализированного и залитого мерцающим полупрозрачным светом. (Тэмсин Пикерал)

  • Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1510 г.)

    Леонардо да Винчи был учеником у главного скульптора Андреа дель Верроккьо , после чего работал на некоторых из самых богатых меценатов во Франции и Италии, включая семью Сфорца из Милана, короля Франции и Ватикана в Риме. Если бы Верроккьо не переключился на рисование, чтобы соревноваться со своими соперниками в то время, когда Леонардо был в своей мастерской, некоторые ученые считают, что вполне возможно, что Леонардо не обязательно когда-либо поднимал бы кисть. Хотя его жизнь и творчество имеют огромное значение для истории искусства, сегодня в его творчестве имеется около 20 картин с надежной атрибуцией. Богородица, ее мать Анна и младенец Иисус, изображенные на этой картине., вместе являются одной из самых популярных тем Леонардо, о чем свидетельствуют несколько рисунков и картин. К ним относятся утерянная карикатура 1501 года и «Мадонна с младенцем, святые Анны и Иоанн Креститель» (около 1508 года, известная как «Карикатура Берлингтон Хаус»); Можно предположить, что последняя карикатура предназначалась для превращения в большое, полностью написанное произведение, но нет никаких свидетельств того, что такая картина когда-либо пыталась создать. Однако здесь Дева Мария покоится на коленях Святой Анны, в то время как младенец Христос игриво ласкает молодого жертвенного агнца, являющегося предзнаменованием судьбы младенца. Мелкомасштабный рисунок пером и тушью «Богоматерь с младенцем и святой Анной».существует в коллекции Академии Венеции. Неформальные позы и нежное психологическое взаимодействие между сидящими на сцене составляют небывалый рекорд в религиозной живописи. (Стивен Пулимуд)

  • Кондотьеро (1475)

    В то , что стало одним из Антонелло да Мессина «s самых известных картинХудожник изображает военачальника Италии, известного как кондотьер. (Истинная личность этого человека, однако, неизвестна.) До 19 века Италия состояла из ряда независимых городов-государств, и кондотьеры пользовались большим спросом для сражений между конфликтующими государствами. Антонелло заинтересован в демонстрации звания своего натурщика: он сидит на черном фоне в простой одежде и головном убранстве с хорошей осанкой, тем самым поднимая свой статус над статусом простого воина. Действительно, объект Антонелло, скорее всего, имел богатство, чтобы позволить себе титул, более близкий к титулу джентльмена, и он заказал бы этот портрет, чтобы подчеркнуть свое социальное положение. Однако Антонелло напоминает зрителю, что этот человек - беспощадный боец. Пристальный осмотр Кондоттьерораскрывает такие детали, как боевая рана на верхней губе натурщика. (Уильям Дэвис)

  • Мона Лиза (ок. 1503–09)

    Леонардо да Винчи начал жизнь незаконнорожденным сыном тосканского нотариуса и, возможно, стал самым обсуждаемым художником в мире. Бесконечное восхищение со стороны ученых и публики последовало практически с того дня, как он начал писать и рисовать. Он также был человеком с недостатками и ограничениями. Он родился в тосканском городке Анчиано, недалеко от Винчи, и переехал во Флоренцию в раннем возрасте, чтобы обучаться в качестве ученика Андреа дель Верроккьо., известный скульптор того времени. Из этих первых уроков Леонардо получил глубокое понимание трехмерного пространства, концепции, которая хорошо служила ему на протяжении всей его карьеры, рисовал ли он или рисовал замысловатые растения или части человеческого тела, боевые машины или общественные водопроводные сооружения. математическая геометрия или местная геология. Название этой картины , которое не использовалось до 19 века, было получено из раннего отчета Джорджо Вазари , который также обеспечивает единственную идентификацию натурщика. Мона Лиза, также известная как Лиза Герардини, была написана в возрасте 20 лет после того, как вышла замуж за торговца шелком по имени Франческо дель Джокондо, человека, который, возможно, заказал портрет. По сей день итальянцы знают ее как Джоконду, а французы - какLa Joconde , что дословно переводится как «веселый (или игривый)». В более поздней истории известность картины может также частично объясняться тем фактом, что она была украдена из Лувра в Париже во время сенсационного ограбления в 1911 году итальянским националистом, но, к счастью, была возвращена через два года. (Стивен Пулимуд)

    [Хотите узнать больше о том, почему Мона Лиза так известна? Прочтите это «Разоблаченное мистикой Британикой»]

  • Благотворительность (1518–1519 гг.)

    В 1518 году Франциск I Франции вызвал флорентийского художника Андреа дель Сарто к своему французскому двору, где итальянский художник прожил год. Благотворительность - единственная сохранившаяся картина, оставшаяся после его пребывания во Франции; он был написан для замка Амбуаз. Работа типична для картин, излюбленных французской королевской семьей в то время. На нем изображена фигура Милосердия в окружении детей, которых она лелеет и защищает. Это было аллегорическое изображение французской королевской семьи, и оно знаменовало рождение дофина, которого символизирует грудной ребенок, а фигура Милосердия имеет некоторое сходство с королевой. Пирамидальная структура композиции характерна для традиционной формы для этого вида живописи, а также является отражением влиянияЛеонардо да Винчи об Андреа дель Сарто. В частности, художник восхищался «Богородицей с младенцем и святой Анной» Леонардо . (Тэмсин Пикерал)

  • Обезглавливание Святого Георгия (ок. 1432–1434)

    Бернардо Марторелл работал в Барселоне и, вероятно, его обучал Луис Боррасса, самый плодовитый каталонский художник того времени. Только одна сохранившаяся работа определенно приписывается Мартореллу - алтарь Святого Петра Пубольского (1437 г.), который находится в Музее Жероны, Италия. Однако алтарь Святого Георгия настолько самобытен в стиле Марторелла, что большинство экспертов считают, что его художник был именно он. Алтарь был создан для часовни Святого Георгия во дворце Барселоны. Он состоит из центральной панели, изображающей Святого Георгия, убивающего дракона , которая сейчас находится в Институте искусств Чикаго, и четырех боковых панелей, которые находятся в Лувре во Франции. Эта боковая панельсоставляет заключительную часть повествования и изображает мученичество Святого Георгия. Легенда о Святом Георгии восходит к произведениям Евсевия Кесарийского, датируемым четвертым веком нашей эры. Он имел репутацию римского солдата благородного происхождения, казненного в 303 году н.э. за протест против преследования христиан. Он был канонизирован в 10 веке и стал покровителем солдат. Легенда о Святом Георгии была широко распространена по всей Европе в средние века, и, хотя история святого, убившего дракона, кажется скорее мифологической, чем чудесной, она пересказывается на многих средневековых картинах. В этой последней сцене из легенды, когда Святой Георгий обезглавлен, молния падает с огненно-красно-золотого неба. Стиль может быть интернациональным готическим, но испуганные лица, вздыбленные лошади, падающие тела, а умелое обращение со светом принадлежит Martorell. (Мэри Куч)