Diverse

7 picturi notabile în Elveția


  • Interiorul Sf. Bavo din Haarlem (1636)

    Războiul de treizeci de ani (1618–48) a semnalat declinul Sfântului Imperiu Roman și a văzut bisericile catolice din Europa dezbrăcate de ornamentele lor pentru a dezvălui interioare palide și austere. Pieter Saenredam a călătorit mult prin Olanda realizând desene precise și precise care documentează interioarele a numeroase biserici. Biserica Sf. Bavo, unde Saenredam va fi îngropat în cele din urmă, a fost una pe care a pictat-o ​​frecvent. Saenredam îl cunoștea pe arhitectul Jacob van Campen, și se crede că artistul a învățat de la el tehnicile desenului arhitectural. Saenredam va realiza desene pe șantier, care vor fi apoi transformate în desene de construcție de dimensiuni complete și precise din punct de vedere matematic în studio. Adesea picturile propriu-zise au început la câțiva ani după realizarea desenelor inițiale. Deși opera sa era fundamental adevărată, el își va extinde, uneori, și mai ales în ultima parte a carierei sale perspectivele pentru a exagera înălțimea și magnitudinea interioarelor pentru efect pictural. În interiorul Sf. Bavo din Haarlem, unghiul larg al corului se ridică și înălțimea falnică a cupolei este mai mare decât poate percepe ochiul dintr-un singur punct de vedere. Interiorul văruit, inundat de lumină palidă, este conceput pentru reflecție și contemplare, cu figuri umane care să sublinieze amploarea clădirii. Stilul lui Saenredam a fost adesea copiat, dar niciodată imitat cu adevărat - manipularea sa a spațiului poate fi sesizată în mișcarea modernă. Interiorul Sf. Bavo din Haarlem face parte din colecția Emil Bührle din Zürich. (Tamsin Pickeral)

  • Băiatul în vestă roșie (1888/90)

    Băiatul în vestă roșie nu putea fi decât de Paul Cézanne . A amestecat impresionismul cu clasicismul și un intelectualism intens. Băiatul din vestă roșieeste un portret direct care, la un studiu mai atent, se dizolvă în ceva foarte diferit. Cézanne a realizat mai multe picturi ale acestui model vestit roșu. Acesta este un eseu uimitor de modern în culoare și formă, cu blocuri distincte de roșu, maro, albastru sau albastru-verde și alb cu forme clare, simple. Paleta limitată creează armonie, împrumutând culori dintr-o zonă pentru a fi utilizate pe alta. Umbre albastru-verzui pe piele și cămașă unifică imaginea și așează băiatul și împrejurimile sale în același plan. O serie de diagonale se intersectează și se ecouează reciproc: perdeaua din stânga, spatele băiatului îndoit, brațul stâng și brațul drept sprijinit pe o suprafață care se îndepărtează de planul de imagine. Cézanne a demontat o scenă obișnuită și a reconstruit-o de la zero. Băiatul din vestă roșie(în colecția Emil Bührle) prezintă două dintre principalele preocupări ale artistului: prima, explorarea structurii subiacente a lumii din jurul său și, în al doilea rând, rezolvarea puzzle-ului reprezentării unei lumi tridimensionale pe o suprafață plană, pictată, care încă spune ceva despre formele fiind descrise. Cézanne a reușit aici. Pictura sa funcționează ca un întreg în timp ce deschide un drum către opera cubistă a lui Georges Braque și a lui Pablo Picasso , care l-au numit pe Cézanne tatăl picturii moderne. (Ann Kay)

  • Titania se trezește, înconjurat de zânele însoțitoare (1793–94)

    Una dintre figurile de frunte ale mișcării romantice, Henry Fuseli a creat imagini care au explorat partea întunecată a psihicului uman. Această imagine este într-o linie similară cu Coșmarul(1781), care îmbină groaza și erotismul, deși se concentrează și pe o altă temă preferată a romanticilor: zânele. Fuseli s-a inspirat din surse literare, în special Shakespeare, Milton și Dante. Din fericire pentru el, a existat o renaștere majoră a interesului pentru primul la acea vreme. În 1789, John Boydell, un viitor primar al Londrei, a decis să promoveze cauza artei britanice prin deschiderea unei galerii Shakespeare, dedicată exclusiv picturilor de scene din piese. Apoi, patru ani mai târziu, James Woodmason a înființat o galerie similară la Dublin. Fuseli a contribuit cu picturi la ambele proiecte - nouă la Boydell și cinci la Woodmason. Visul unei nopți de varăa furnizat materiale pentru două dintre principalele interese ale lui Fuseli: zâne și vise. Această imagine provine din seria Woodmason, iar zânele sunt considerabil mai puțin sinistre decât cele din picturile Boydell. În timp ce Titania arde pe fund, Peaseblossom își masează capul de măgar. În dreapta, Cobweb a îmbrăcat o armură și ucide o albină, pentru a-i fura sacul de miere pentru iubitul reginei. În prim-plan, alte zane dansează și cântă, printre care una cu cap de insectă, care a fost împrumutată de la o figură din commedia dell'arte. În colțul din dreapta sus, Puck analizează scena, înainte de a elibera Titania din descântecul ei. Titania se trezește, înconjurat de zânele însoțitoare se află în Kunsthaus Zürich. (Iain Zaczek)

  • War (1964–66)

    Marc Chagall s-a născut în Belarus, cel mai mare dintre nouă copii dintr-o familie evreiască unită. Aceasta a fost o perioadă fericită, deși săracă în viața sa. S-a mutat la Paris când avea 23 de ani; acolo a fost entuziasmat de ceea ce a văzut la Luvru. Amestecând aceste idei cu inspirația din viața sa timpurie, a început să picteze teme biblice folosind vopsea groasă și colorată. S-a implicat în curentele avangardiste din Paris, inclusiv cubismul și fauvismul, dar nu și-a predat niciodată stilul. În timpul primului război mondial, a fost chemat la serviciul militar, dar, pentru a evita slujirea pe front, a lucrat într-un birou din Sankt Petersburg. În 1922 s-a întors la Paris și, până în al doilea război mondial, devenise cetățean francez, deși a petrecut cea mai mare parte a războiului în America. Teme ale zborului și exilului apar în acest tablou, pe care Chagall a început-o la aproape 20 de ani după al doilea război mondial. I-a trebuit doi ani să termine. O căruță șubredă și supraîncărcată părăsește încet orașul în flăcări. Un bărbat călătorește în spatele căruței, un sac peste umăr, salvându-și bunurile lumești de flăcări. Majoritatea oamenilor se agață unul de celălalt disperat, în timp ce oamenii și animalele care au rămas în oraș sunt neputincioși la mila focului intens. Iisus se află pe Crucea din dreapta picturii și un imens miel alb iese din pământ, reprezentând jertfa atât a lui Iisus, cât și a oamenilor nevinovați. Chagall, care a folosit adesea animalele ca simboluri în opera sa, descrie situația îngrozitoare a oamenilor fără vină în timpul războiului, acordându-le statutul de martiri. Războiul este în Kunsthaus Zürich. (Susie Hodge)

  • Restaurant cu grădină (1912)

    Deși a scris un eseu intitulat „Măști” pentru Almanahul călărețului albastru , August Macke nu era teoretic, în timp ce Wassily Kandinsky și Franz Marc, fondatorii Der Blaue Reiter (Călărețul albastru) s-au format în München, Germania, au prosperat în dezbateri teoretice . Macke a expus împreună cu grupul și a împărtășit multe dintre preocupările lor, în special importanța „primitivului” în pictură. Picturile sale sunt pline de oameni care fac cumpărături, stau în cafenele și se plimbă prin parcuri. Deși era expresionist - angoasa Die Brücke (Podul) din Berlin și eforturile spirituale ale lui Der Blaue Reiter nu făceau parte din vocabularul său vizual - el era în esență un colorist. Căldura revine din imagine, în timp ce oamenii din restaurantul Gardenrelaxați-vă cu ceai și ziare sub umbra copacilor. Mai degrabă decât ființele vii, cifrele sunt simple forme. Modelul albilor din compoziție, pământul roșu și portocaliu care se învârte și ritmul pălăriilor arată că Macke este foarte aproape de abstractizarea pură, dar nu s-a angajat niciodată pe deplin, preferând orfismul lui Robert Delaunay. Macke și-a absorbit în mod clar ideile despre relațiile culorilor, descompunerea și interpenetrarea formei. În aprilie 1914 a vizitat Tunisia cu Paul Klee. Culoarea și lumina au revoluționat opera lui Klee și au confirmat-o pe Macke. La întoarcere, el a fost recrutat și a murit în septembrie 1914 pe prima linie, la vârsta de 27 de ani. Restaurantul Garden se află în colecția Kunstmuseum Berna. (Wendy Osgerby)

  • Trei femei și o fetiță care se joacă în apă (1907)

    Născut la Lausanne, Félix Edouard Vallotton a părăsit Elveția când avea 17 ani pentru a deveni pictor la Paris. A studiat la Académie Julian și s-a asociat cu grupul de artiști postimpresionist Les Nabis („profeți” în ebraică), printre care Pierre Bonnard și Édouard Vuillard . Au fost influențați de opera lui Paul Gauguin , Vincent van Gogh, și simbolisti. În plus față de artele plastice, Les Nabis a lucrat într-o varietate de medii, inclusiv tipărituri, ilustrații, textile, mobilier și design de teatru. Opera lui Vallotton este, de asemenea, diversă, cuprinzând desenul, pictura, sculptura și scrierea. A expus în mod regulat, iar modernismul operei sale, în special gravurile sale, i-au adus multă atenție. Spre sfârșitul secolului, a ales să se concentreze pe pictură, în special pe nuduri și peisaje. Liniile stilizate și simple ale Trei femei și o fetiță care se joacă în apă (în Kunstmuseum Basel) dezvăluie interesul lui Vallotton pentru simbolism și Art Nouveau, precum și influența gravurilor japoneze. Cifrele sale descriu mai multe vârste ale feminității, de la copilărie până la femeie și vârsta mijlocie. (Oscar Rickett și Carol King)

  • Ta Matete (Piața) (1892)

    Când Paul Gauguin și-a ajuns „paradisul” în 1891, colonialistii francezi și misionarii creștini au distrus o mare parte din cultură. Tahiti-ul descris în lectura sa pregătitoare nu mai exista. În unele lucrări, el a încercat să reconstruiască Tahiti prin zei și mituri inventate, folosind adesea alte surse pentru a face acest lucru. Era neobișnuit pentru el să descrie realitatea socială contemporană, așa cum face în Ta Matete (Piața), care arată un grup de lucrătoare sexuale. Titlul face aluzie la o piață a cărnii, iar femeile sunt prezentate cu certificatele lor de sănătate. Ca pentru a sublinia infiltrarea decadenței occidentale, el arată o femeie cu o țigară în mână. Femeile sunt așezate la rând și nu se pun la dispoziție; solicitarea pare a fi ultimul lucru pe care îl au în minte. În ciuda micului cortegiu de pescari din fundal, pictura este la fel de plată ca o friză egipteană, probabil inspirată de fotografia unui mormânt egiptean pe care Gauguin l-a dus la Tahiti. Cea mai izbitoare trăsătură a acestui tablou colorat este gesturile de mână ale femeilor, precum dansul, și este probabil ca Gauguin să se bazeze pe mișcările de dans ale dansatorilor javanezi pe care le văzuse la Exposition Universelle, Paris, în 1889, ceea ce l-a impresionat foarte mult la momentul. Dansul a fost o activitate puternic descurajată de colonialisti. Gauguin a descris frecvent cântecul și dansul ca fiind ultimele rămășițe ale culturii autentice, totuși sprijinul său pentru populația indigenă și cultura lor nu a împiedicat o atitudine eclectică față de pictura sa.Ta Matete (Piața) face parte din colecția Kunstmuseum Basel. (Wendy Osgerby)