Diverse

29 de picturi pe care le puteți vizita numai la Luvru


  • Portretul unei femei (secolul al III-lea)

    Acest portret de sarcofag provine din regiunea Fayum și a fost pictat în perioada greco-romană. Cuvântul Fayum se referă la o regiune foarte fertilă la sud-vest de Cairo. A fost centrat în jurul unui lac artificial, Lacul Qaroun, un ambițios proiect de inginerie datând din a 12-a dinastie, construit într-o vale naturală. Oamenii din Valea Fayum proveneau din Egipt, Grecia, Siria, Libia și alte zone ale Imperiului Roman. Au cultivat culturi, inclusiv grâu și orz; peștele din lac era considerat o mare delicatesă în tot Egiptul; și, sub conducerea lui Amenemhet III(A 12-a dinastie), zona a devenit renumită pentru grădini luxuriante și pomi fructiferi abundenți. Astăzi, regiunea este cunoscută pentru numărul documentelor de papirus dezgropate în secolele XIX și XX, precum și pentru numeroasele „portrete Fayum” descoperite de arheologi. Aceste portrete în mărime naturală au fost aparent folosite pentru decorarea caselor, precum și pentru a fi folosite în scop funerar. Tehnica encaustică presupunea topirea cerii și amestecarea ei cu pigmentare și poate cu ulei de semințe de in sau ou, apoi aplicarea ei ca vopsea pe lemn sau in. Acest portret pictatarată surprinzător de modern. Ochii limpezi ai femeii și nasul proeminent și descrierea atentă a bijuteriilor de către artist sugerează că aceasta a fost pictată pentru a fi un portret recunoscut. Istoricii de artă recunosc adesea regiunea Fayum cu nașterea portretelor realiste, iar numeroasele portrete descoperite în această regiune reprezintă un moment de experimentare artistică inovatoare. (Lucinda Hawksley)

  • Vara (1573)

    Giuseppe Arcimboldo a avut un mare succes în timpul vieții sale, dar după moartea sa, opera sa a ieșit repede din modă, iar interesul pentru ea nu a fost reînviat până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Stilistic, picturile sale fantastice și imaginative se încadrează în lumea populară a artei manieriste. Instanțele din întreaga Europă în secolul al XVI-lea au favorizat în mod deosebit acest tip de pictură iluzorie înțeleaptă și inteligentă, iar dovada acestui lucru a fost îndelunga repartizare a lui Arcimboldo ca pictor la curtea habsburgică între 1562 și 1587. Vara face parte din seria Patru anotimpuri pe care artistul pictat pentru împăratul Maximilian al II-leaîn 1573. Acesta a fost un subiect pe care Arcimboldo l-a pictat de mai multe ori în timpul carierei sale și a devenit unul extrem de popular. A pictat pentru prima dată o serie de Patru anotimpuri în 1562, iar conceptul său imaginar de a crea un cap dintr-o colecție de fructe și legume a fost primit cu mare entuziasm. Îndatoririle lui Arcimboldo pentru Maximilian nu erau limitate la pictură - artistul a fost chemat și ca scenograf, arhitect și inginer. Mai târziu, în timp ce lucra pentru împăratul Rudolf al II-lea , a fost acuzat și de găsirea de antichități și obiecte de artă rare pentru colecția împăratului. Picturile lui Arcimboldo creează un efect complet suprarealist și sunt cu siguranță printre cele mai imaginative și mai inteligente din timpul său. (Tamsin Pickeral)

  • Pescuit (c. 1588)

    Annibale Carracci s-a născut în zona Bologna și, alături de fratele și vărul său, a ajuns să fie recunoscut ca unul dintre principalii pictori ai Școlii Bologneze. A fost un desenator deosebit de iscusit și a pus un mare accent pe desenul corect, reprezentând deseori scene din viață și plasându-le într-un peisaj imaginar sau idealizat. Temele de vânătoare și pescuit au fost populare pentru decorarea vilelor din Bologna în acest moment. Pescuitul a fost pictat ca o piesă însoțitoare a unei alte lucrări a lui Carracci, Hunting. Pe baza dimensiunilor lor, ambele au fost probabil concepute pentru a sta peste ușile unei vile domestice. Cele două lucrări au fost pictate la începutul carierei lui Carracci și înainte de mutarea sa la Roma în 1584, dar arată deja stilul extrem de realizat al artistului. În această lucrare, el a combinat o serie de scene diferite într-o singură pictură și și-a conceput inteligent compoziția astfel încât ochiul să fie condus din prim-plan către fiecare grup de oameni și în fundal, fără a pierde niciun detaliu. Cifrele s-au bazat probabil pe studii directe din natură și apoi combinate cu peisajul. Această pictură este interesantă, deoarece îl arată pe Carracci dezvoltându-și utilizarea gestului, văzut în figura indicată din dreapta. Utilizarea unui gest convingător și articulat a fost una dintre abilitățile particulare ale lui Carracci, care a influențat pictorii de mai târziu din perioada barocă. De asemenea, este evidentă utilizarea convingătoare a peisajului de către Carracci, care este frumos compusă într-o lumină translucidă clară. (Tamsin Pickeral)

  • Ridicarea lui Lazăr (c. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, supranumit Il Guercino, s-a născut în sărăcie în micul oraș Cento, între Ferrara și Bologna, în Italia. A fost în mare parte autodidact ca artist. A devenit unul dintre cei mai de seamă pictori ai școlii bologneze, preluând atelierul ocupat al lui Guido Reni la moartea sa (ironic, deoarece relatările indică faptul că Guercino a fost privit cu ambivalență de Reni). Stilul lui Guercino s-a schimbat destul de dramatic în timpul vieții sale, lucrări precum aceasta de la începutul carierei sale arătând o abordare extrem de barocă, cu o utilizare dramatică a luminilor și întunericelor contrastante. Tipic pentru picturile baroce, compoziția este complicată și plină de gesturi dramatice, energie și sentiment. Cifrele sunt aglomerate în prim-plan, aproape ca și cum ar face parte dintr-o friză, în timp ce mijlocul și fundalul sunt practic indiscernibile. Această tehnică pune privitorul aproape în același plan spațial ca și figurile din pictură, evocând astfel un răspuns emoțional puternic. Evenimentul este cel al mortului Lazăr înviat de Isus. Guercino îmbibă scena cu o intensitate rapidă și o fervoare spirituală care ar fi fost foarte admirată în perioada sa. Cu câțiva ani înainte de executarea acestui tablou, Guercino îl întâlnise pe artistLudovico Carracci și a fost inspirat de manevrarea de culoare și emoție a lui Carracci. Influența lui Carracci este vizibilă în Ridicarea lui Lazăr de Guercino , deși această lucrare este cu totul mai energică în stil. Un artist prolific și căutat, Guercino a murit un om bogat. (Tamsin Pickeral)

  • Sfântul Iosif Tâmplarul (1635–40)

    Povestea vieții și a operelor lui Georges de La Tour este neuniformă. Deși s-a bucurat de succes în propria viață, La Tour a fost uitat timp de câteva secole - opera sa a fost redescoperită la începutul secolului al XX-lea. Un pictor francez, se susține adesea că a fost influențat de picturile lui Caravaggio . Cu toate acestea, s-ar putea ca La Tour să nu fi cunoscut opera lui Caravaggio și să fi explorat independent efectele umbrei și luminii aruncate de o singură lumânare. Un devotat romano-catolic, La Tour a pictat deseori scene religioase. El s-a întors de mai multe ori la tema pocăinței Mariei Magdalena, precum și a pictat această scenă emoționantăa lui Iosif învățându-l pe Iisus în tâmplăria. Stilul este realist, detaliat și atent planificat - Isus ține lumânarea pentru că, în credința creștină, el este lumina lumii care luminează întunericul lumii. (Lucinda Hawksley)

  • The Footfoot (1642)

    Puțini oameni nu ar putea să nu fie intrigați de această imagine de gen a unui cerșetor cu dizabilități, evident, din Napoli, care îi privea obraznic cu un rânjet dințos. José de Ribera, născut în Spaniași-a petrecut cea mai mare parte a carierei sale în Napoli, care era apoi controlată de Spania, și a devenit artistul principal al orașului. Probabil că intenționa pur și simplu să înfățișeze un băiat cerșetor napolitan, deoarece avea un mare interes pentru oamenii obișnuiți. Cu toate acestea, felul în care a amestecat realismul cu tradiția a anunțat o nouă direcție în artă. Viața nu i-a zâmbit acestui cerșetor, dar este vesel sfidător. Își poartă cârja drăguț peste umăr și, mai degrabă decât cu disperare, întinde hârtia care îi dă permisiunea de a cerși, care era obligatorie în Napoli la acea vreme. Se citește în latină: „Dă-mi pomană pentru dragostea lui Dumnezeu”. Mai degrabă decât să fie arătat ghemuit pe o stradă laterală murdară, el se ridică în fața unui peisaj senin care amintește de lucrări istorice, mitologice și religioase pictate în stil clasic. Ribera îi oferă o statură impresionantă, sporită de punctul de vedere scăzut și de o demnitate umană. Cerșetorul său ar putea fi aproape un mic prinț. Peria liberă devine mai moale pe peisaj, făcându-l pe băiat să iasă în evidență și mai mult. Abilitatea lui Ribera de a transmite un sentiment al individualității oamenilor cu realism și umanitate a avut un impact mare asupra artei occidentale și, în special, asupra școlii spaniole. (Ann Kay)

  • Vedere interior ( papuci ) (1654-1662)

    Samuel van Hoogstraten a fost un pictor iscusit de portrete și interioare, preocupat de utilizarea corectă a perspectivei. Vedere a unui interior , denumit în mod tradițional Papucii, exemplifică utilizarea caracteristică a artistului a pardoselilor cu gresie olandeză pentru a accentua profunzimea imaginii. Acest lucru este subliniat de planurile distincte ale imaginii în retragere, marcate de cadrul imaginii, de carcasele ușii și, în cele din urmă, de cele două imagini din spatele tabloului. Arătând o parte a ușii deschise în prim-plan, artistul așează privitorul în prag, ceea ce sporește efectul iluzoriu al picturii. Subiectul lui Hoogstraten este aludat de detaliile subtile. Mătura aruncată, papucii casei și cartea închisă (citirea a fost întreruptă) indică o legătură amoroasă care are loc chiar dincolo de vedere. Tonul ușor moralizator al picturii a fost unul la care Hoogstraten a revenit de mai multe ori. (Tamsin Pickeral)

  • Pelerinajul la Citera (1717)

    În 1717 Jean-Antoine Watteau a prezentat această imagine Academiei Franceze ca piesă de diplomă. A fost aclamată ca cea mai bună lucrare a sa și a devenit o influență cheie asupra stilului rococo emergent. Subiectul a început ca o ilustrare a unei piese minore. În Les Trois Cousines din Florence Dancourt, o fată îmbrăcată în pelerin iese din linia corului și invită publicul să i se alăture într-o călătorie către Cythera - insula iubirii, unde toată lumea își va întâlni partenerul ideal. Prima versiune a temei lui Watteau, datând în jurul anului 1709, a fost o descriere foarte literală, dar aici a renunțat la cadrul teatral și a transformat incidentul într-o fantezie de vis, romantică. În mod semnificativ, el a ales să descrie sfârșitul, mai degrabă decât începutul, călătoriei. Iubitorii s-au împerecheat și au ghirlandat statuia lui Venus din dreapta cu flori și sunt pe cale să se întoarcă acasă. Concentrându-se asupra acestui moment, artistul a reușit să creeze aerul unei melancolii blânde, care este atât de caracteristic operei sale. În timp ce majoritatea cuplurilor se pregătesc să plece, doi iubiți au rămas lângă altarul zeiței, vrăjit de iubire și orb de orice altceva. Una dintre femeile care pleacă se întoarce și le privește cu tristețe, conștientă că această parte a iubirii este cea mai trecătoare. După moartea lui Watteau, arta sa a căzut dramatic din modă. Pentru mulți, descrierile sale despre escapadele amoroase păreau prea strâns legate de vechile timpuri ale monarhiei. În perioada revoluționară, studenții de artă l-au folosit pe ai luiCythera pentru practica țintei, aruncând pelete de pâine asupra ei. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (cunoscut anterior ca Gilles ) (c. 1718-19)

    Acesta este unul dintre ultimele tablouri produse de Jean-Antoine Watteau în scurta sa carieră. Arată un clovn care se uită la publicul său, cu o expresie melancolică care poate răsuna starea de spirit melancolică a artistului. Gilles a fost un nume generic pentru un clovn din Franța, provenind probabil din Gilles le Niais, un acrobat și comediant din secolul al XVII-lea. Pe vremea lui Watteau, s-a suprapus considerabil între acest personaj și Pierrot, principalul clovn din comedia dell'arte, o tradiție teatrală italiană care a fost extrem de populară în Franța. Ambele figuri l-au jucat pe nebunul nevinovat care a devenit favoritul publicului - un prototip pentru Charlie Chaplin și Buster Keaton. Această picturăa fost probabil produs ca un panou teatral conceput pentru a-i ispiti pe trecători într-un spectacol. Poate că a fost creat pentru premiera lui Danaë , o comedie în care unul dintre personaje a fost transformat în cur. Alternativ, este posibil să fi promovat paradele - schițele scurte și farsice înainte de spectacolul principal. În acestea, un măgar a fost adesea condus de-a lungul scenei pentru a simboliza pura prostie a lui Gilles. Watteau a folosit o versiune mai mică a acestui clovn ca figură principală în The Italian Comedians , o imagine pe care a produs-o pentru medicul său în jurul anului 1720. În ambele cazuri, figura sumbru a lui Gilles amintea de un Ecce Homo(„Iată omul”) pictură. Această temă religioasă populară a descris un episod din Patimile lui Hristos, când Pontius Pilat l-a prezentat pe Iisus în fața oamenilor, în speranța că vor cere eliberarea sa. În schimb, mulțimea a cerut răstignirea sa. (Iain Zaczek)

  • Natura moartă cu sticla de măsline (1760)

    Jean-Baptiste Siméon Chardin, născut la Paris, a rezistat dorințelor tatălui său, un dulgher, de a-i urma urmele și a devenit în schimb ucenic în studioul lui Pierre-Jacques Cazes și Noel- Noël Coypelîn 1719. De-a lungul vieții, Chardin a rămas un membru loial al Academiei Franceze, dar, în ciuda succesului său, a fost împiedicat să devină profesor deoarece a fost nominalizat ca pictor „în domeniul animalelor și al fructelor”. Primele naturi moarte pentru care este cel mai bine cunoscut au fost finalizate într-un spațiu scurt de timp, demonstrând viteza cu care și-a dobândit măiestria tehnică. S-a estimat că un sfert din producția sa totală a fost produsă înainte de 1732. Stilul său este caracterizat de o pensulă cu textură bogată, care avea o datorie considerabilă față de pictura olandeză, în special influența Rembrandt în manipularea vopselei. Aceasta separă opera sa de stilul mai familiar al picturii franceze din secolul al XVIII-lea. Chardin a pictat scene domestice simple și obiecte familiare de uz casnic. In orice caz,Natura moartă cu sticla de măsline este tipică stării sale de spirit reținute, iluminării blânde și realismului neobișnuit, oferind obiectelor și scenelor de zi cu zi o aură magică. Nu este de mirare că admiratorii săi l-au numit „marele magician”. Talentul său consta în producerea de tablouri de perfectă completitudine cu abilități tehnice neafectate, dar supreme. (Roger Wilson)

  • Boltul (c. 1777)

    Jean-Honoré Fragonard a fost unul dintre principalii pictori în stil rococo. Tablourile sale erau frivole, dar senzuale, caracterizând eleganța vieții curții franceze, în anii care au dus la revoluția din 1789. Pentru contemporanii săi, Fragonard era cunoscut mai presus de toate ca un maestru al sujets légers (subiecte ușoare). Aceste teme au fost deschis erotice, dar au fost tratate cu un grad de gust și delicatețe care le-au făcut acceptabile, chiar și în cercurile regale. Într-adevăr, vorbește foarte mult despre moda zilei în care această imagine pare a fi comandată ca piesă de companie pentru o pictură religioasă. Potrivit unei surse timpurii, marchizul de Véri s-a apropiat de artist în căutarea unei poze pentru a atârna alături de una dintre imaginile devoționale rare ale lui Fragonard - Adorația păstorilor. Pentru ochii moderni, aceasta poate părea o juxtapunere ciudată, dar Véri probabil a intenționat combinația să reprezinte Iubirea Sacră și Profană - o temă artistică care fusese populară încă din Renaștere. De obicei, artiștii au transmis această idee într-o singură imagine, dar uneori au asociat o pictură a Evei cu un subiect legat de Fecioara Maria (care era adesea privită ca noua Eva). Aici, mărul, care este afișat în mod vizibil pe masă, este o referință convențională la tentația Evei în Grădina Edenului. Boltul a fost pictat când stilul rococo începea să se demodeze, totuși iluminarea dramatică și gradul ridicat de finisare arată că Fragonard se adaptează stilului neoclasic, care intra în vogă. (Iain Zaczek)

  • Jurământul Horatiilor (1784)

    Jacques-Louis David este, fără îndoială, cel mai extraordinar pictor de propagandă politică din istorie. Pictor de curte pentru Napoleon, o mare parte din ceea ce știm despre personajul mitic al împăratului și iconografia Revoluției franceze provine din picturile teatrale, alegorice ale lui David. David a fost tatăl mișcării de artă neoclasică, care a descris miturile clasice și istoria ca fiind analogi politicii contemporane. Jurământul Horatiilorspune povestea, înregistrată în jurul anului 59 î.Hr. de către istoricul roman Livy, a fiilor din două familii, a celor trei frați Horatii și a celor trei frați Curiatii, care au luptat în războaiele dintre Roma și Alba în jurul anului 669 î.Hr. Bărbaților li se cere să lupte, dar una dintre femeile din familia Curiați este căsătorită cu unul dintre frații Horatii, iar o soră Horatii este logodită cu un frate din familia Curiați. În ciuda acestor legături, seniorul Horatii își îndeamnă fiii să lupte împotriva curiaților și aceștia se supun, în ciuda lamentărilor surorilor lor dureroase. În descrierea momentului în care bărbații au ales idealurile politice în locul motivelor personale, David le cere spectatorilor să-i privească pe acești bărbați drept modele în timpul propriului lor timp tumultuos politic. La fel de preocupat de realism în pictură, precum și de idealism în politică, David a călătorit la Roma pentru a copia arhitectura din viață. Rezultatul a fost un succes enorm când pictura a fost expusă în salonul din 1785 din Paris. Picturile lui David încă rezonează puternic cu privitorii, deoarece puterea abilităților sale era suficient de eminentă pentru a-și articula credințele puternice. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Acesta este recunoscut pe scară largă drept cel mai bun portret al lui Jacques-Louis David. Prin grația, simplitatea și economia sa, este, de asemenea, considerat unul dintre cele mai reușite exemple de artă neoclasică. Modelul lui David, Juliette Récamier, a fost dragul societății pariziene. Era soția unui bogat bancher din Lyon, deși a primit atenția unei serii de alți bărbați, toți care au fost modest respinși. David s-a inspirat din reputația virtuoasă a lui Récamier. Cu picioarele goale, rochia albă și accesoriile antice, seamănă cu o fecioară vestală din zilele din urmă. Acest lucru este întărit de poziție. Privirea femeii este sinceră și directă, dar corpul ei este întors, inabordabil. Ședințele de portret nu s-au desfășurat fără probleme: pictorul a fost supărat de unpunctualitatea persistentă a lui Juliette, în timp ce ea s-a opus unor libertăți artistice luate. În special, îi plăcea faptul că David îi lumina nuanța părului, deoarece nu se potrivea schemei sale de culori. Drept urmare, ea a comandat un alt portret de la unul dintre elevii artistului. Când a aflat de acest lucru, David a refuzat să continue: „Doamnă”, se spune că ar fi declarat, „doamnele au capriciile lor; la fel și pictorii. Permite-mi să le satisfac pe ale mele. Vă voi păstra portretul în starea actuală. ” Este posibil ca această decizie să fi fost benefică, deoarece severitatea imaginii îi conferă o mare parte din impact. Se spune că lampa și unele dintre celelalte detalii au fost pictate de elevul lui David Vă voi păstra portretul în starea actuală. ” Este posibil ca această decizie să fi fost benefică, deoarece severitatea imaginii îi conferă o mare parte din impact. Se spune că lampa și unele dintre celelalte detalii au fost pictate de elevul lui David Vă voi păstra portretul în starea actuală. ” Este posibil ca această decizie să fi fost benefică, deoarece severitatea imaginii îi conferă o mare parte din impact. Se spune că lampa și unele dintre celelalte detalii au fost pictate de elevul lui DavidJean-Auguste-Dominique Ingres . Acesta din urmă a fost cu siguranță impresionat de imagine, pentru că a împrumutat poza lui Récamier pentru una dintre cele mai celebre lucrări ale sale, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • Îmbæiere ( Valpinçon îmbæiere ) (1808)

    În 1801, după ce a studiat cu Jacques-Louis David , artistul francez Jean-Auguste-Dominique Ingres a câștigat prestigiosul Prix de Rome. Acesta a fost un premiu acordat de Academia Royale din Franța, care a plătit pentru cei mai buni artiști ai lor să viziteze Roma timp de patru ani și să studieze maeștrii italieni din trecut. Din păcate, statul nu și-a putut permite să trimită artiști în Italia în acest moment din cauza economiei Franței care eșuează. În cele din urmă, Ingres a plecat la Roma în 1808. Bathera fost una dintre primele picturi ale lui Ingres executate în Italia și, deși artistul a fost înconjurat de secole de artă renascentistă importantă, acesta rupe tradiția. În loc să dezvăluie identitatea subiectului său, Ingres și-a prezentat subiectul aproape monumental îndreptat spre spectator cu trunchiul ușor răsucit pentru a-i deschide spatele. Acest lucru permite privitorului să admire (și să obiectiveze) pe scăldător fără ca ea să ne provoace - rămâne anonimă, nedeterminată, caracterul ei nedescifrabil. Lucrările ulterioare ale lui Ingres de nuduri feminine au adoptat adesea ipostaze mai frontale. Este interesant de observat că paleta limitată de verzi, creme și maro a lui Ingres se schimbă de la tonurile întunecate ale perdelei din stânga la tonurile deschise ale fundalului și ale husei de pat din dreapta. Această gradare a tonului poate fi văzută ca un ecou al naturii simbolice a scăldatului, un act care curăță și purifică sufletul cuiva: pe măsură ce sitterul se îndepărtează de baie, ea devine mai albă și, prin urmare, mai pură. (William Davies)

  • Pluta Medusei (1819)

    Puțini oameni ar putea privi acest tablou și nu ar putea fi copleșiți de pasiunea și puterea sa. Pictată de principalul motor al romantismului francez, Théodore Géricault , este acum văzută ca afirmația definitorie a acelei mișcări. Romanticii s-au desprins de arta clasică din secolul al XVIII-lea pentru a sublinia realismul și emoția. Această pictură este deosebit de interesantă, deoarece leagă atât de clar clasicismul și romantismul. Când Pluta Medusei a apărut la expoziția Salonului din 1819, a provocat un scandal major, îngrozind unitatea. Scena spune povestea adevărată a fregatei guvernului francez naufragiat La Méduse, ai căror incompetenți căpitan și ofițeri au luat singurele bărci de salvare pentru ei și au lăsat pe toți, cu excepția a 15 din 150 de echipaje și pasageri, să piară pe o plută improvizată, scufundându-se în disperare, sălbăticie și canibalism. Géricault a îndrăznit să arate un episod sordid, tulburător din istoria contemporană (epava s-a produs în 1816), care s-a reflectat prost asupra tuturor celor implicați, într-un mod care seamănă cu imensele picturi eroice de istorie mult iubite de tradiționaliști. Pe de o parte, există un nivel macabru de realism aici (Géricault a studiat cadavrele pentru a obține detaliile corecte), cu o perie extraordinar de energică, sporind mișcarea și emoția care se învârte. Pe de altă parte, corpurile și compoziția în formă de piramidă au un stil clasic. În ciuda scandalului, imaginea a câștigat aprobarea artistică pentru Géricault și a avut o influență enormă asupra altor artiști,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Moartea lui Sardanapalus (1827)

    Desi se spune ca este cel mai mare dintre romanticii francezi, Eugène Delacroix a fost cu adevărat un pictor al vremurilor sale. La fel ca prietenul său Théodore Géricault , Delacroix a păstrat anumite elemente clasice de la pregătirea sa timpurie, dar a arătat o energie îndrăzneață, o utilizare bogată, individualistă a culorii și o dragoste pentru exotic, care l-a făcut un pionier. Pânza masivă Moartea lui Sardanapalusexplodează asupra simțurilor cu mișcare sălbatică și culoare somptuoasă, o orgie de exotism îngăduitor. Sardanapalus a fost un conducător asirian al legendei antice, cu gust pentru decadență extremă. Ca răspuns la rușinea unei înfrângeri militare majore, Sardanapalus a realizat un uriaș rug pe care s-a ars până la moarte împreună cu toate comorile, amantele și oamenii sclavi ai palatului său. Delacroix s-a delectat cu o astfel de dramă Byronic. Se pare că a abandonat orice încercare de perspectivă realistă sau coerență compozițională. Corpurile și obiectele distorsionate se învârt în jurul unei lumi de coșmar înecate cu o culoare intensă și o umbră fierbinte, invadatoare. Pictura detaliată a bijuteriilor sclipitoare și a țesăturilor bogate transmite în mod clar lumea extravagantă fiind înfățișată, în timp ce detașarea rece cu care Sardanapalus cercetează haosul din jurul său lovește o dispoziție sinistră. Delacroix experimentează cu tonuri de gri și albastru pe pielea umană pentru a da formă modelării sale neconvenționale a corpurilor. Este ușor de văzut cum explorarea neinhibată a violenței, împreună cu energia frenetică și tehnicile îndrăznețe de colorare, au vorbit volume artiștilor de mai târziu. (Ann Kay)

  • Homer zeificat ( Apoteoza lui Homer ) (1827)

    În momentul în care Homer Deified a fost pictat, Jean-Auguste-Dominique Ingres era un lider autoproclamat al picturii tradiționale, clasice, care se confrunta cu arta dureroasă a romantismelor franceze, cum ar fi Eugène Delacroix . Această pictură specială ar putea fi cu greu un exemplu mai bun al abordării academice a lui Ingres și, de fapt, el a intenționat-o ca un imn de laudă clasicismului. Deși a avut o latură mai senzuală (de exemplu, The Bather ), a fost complet suprimată aici. Cunoscută și sub numele de Apoteoza lui Homer , această lucrare arată faimosul poet al Greciei antice ca un zeu fiind încoronat cu lauri de figura mitologică Victoria. Două femei la picioarele sale reprezintă marile opere epice ale lui Homer,Iliada și Odiseea. În jurul său se adună o mulțime adoratoare de giganți artistici din timpurile antice și moderne, inclusiv colegi greci: dramaturgul Eschylus oferă un pergament la stânga lui Homer, în timp ce sculptorul atenian Phidias întinde un ciocan în dreapta. Figurile mai moderne sunt dominate de artiști din perioada clasică a Franței din secolul al XVII-lea, precum dramaturgul Molière și pictorul Nicolas Poussin. Compoziția triunghiulară, simetrică emană idealism clasic, Homer fiind așezat central pe un templu antic care îi poartă numele. Această pictură a fost slab primită în momentul creării sale. Ingres s-a retras la Roma pentru câțiva ani, dar s-a întors în anii 1840 pentru a fi re-aclamat ca un clasicist de frunte. A devenit la modă să afurisească tradiționalismul lui Ingres, dar acum este văzut ca un artist extrem de influent, cu o abilitate tehnică considerabilă. (Ann Kay)

  • Libertatea conducând oamenii (1830)

    Această lucrare aparține perioadei cuprinse între 1827 și 1832 în care Eugène Delacroixa produs o capodoperă după alta. Aceasta nu face excepție. Pictată pentru a comemora revoluția din iulie 1830 care l-a adus pe Louis-Philippe la putere, imaginea a ajuns să simbolizeze spiritul revoluției. A provocat senzație la Salonul de la Paris din 1831 și, deși Louis-Philippe a cumpărat lucrarea pentru a marca aderarea sa, a ținut-o departe de vizibilitatea publicului, deoarece a fost considerată potențial inflamatorie. Imaginea combină inteligent reportajul contemporan cu alegoria într-un mod monumental. Locul și timpul sunt clare: Notre Dame este vizibilă în depărtare, iar oamenii sunt îmbrăcați în funcție de clasa lor, cu băiatul ticălos în dreapta simbolizând puterea oamenilor obișnuiți. Figura alegorică a Libertății care învinge scena, tricolor ridicată deasupra ei, a provocat indignare pentru că, mai degrabă decât personificarea frumuseții idealizate, periajul vibrant arată o femeie foarte reală - pe jumătate goală, murdară și trecând peste cadavre într-un mod care ar putea sugera cum libertatea ar putea aduce o anumită opresiune. Această pictură arată, de asemenea, că Delacroix se îndreaptă spre abordarea mai redusă a operei sale ulterioare, în care a făcut incursiuni din ce în ce mai subtile în modurile în care culorile au funcționat una lângă alta pentru a transmite un sentiment de realitate sau a exprima adevăruri. O astfel de utilizare a culorii ar avea o influență enormă în rândul impresioniștilor și moderniștilor în care a făcut incursiuni din ce în ce mai subtile în modurile în care culorile au funcționat una lângă alta pentru a transmite un sentiment al realității sau a exprima adevăruri. O astfel de utilizare a culorii ar avea o influență enormă în rândul impresioniștilor și moderniștilor în care a făcut incursiuni din ce în ce mai subtile în modurile în care culorile au funcționat una lângă alta pentru a transmite un sentiment al realității sau a exprima adevăruri. O astfel de utilizare a culorii ar avea o influență enormă în rândul impresioniștilor și moderniștilorPierre-Auguste Renoir și Georges Seurat lui Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Vedere asupra Marii Galerii a Luvrului (1841)

    Fiul unui negustor de țesători de succes, Patrick Allan-Fraser a respins oportunitatea de a-și urma tatăl într-o carieră comercială în favoarea continuării înclinațiilor sale artistice. Studiile l-au dus pe Allan-Fraser la Edinburgh, Roma, Londra și, în cele din urmă, la Paris, unde a întâlnit magnifica Grande Galerie din Luvru. Când pictați Vedere de la Grande Galerie a Luvrului, artistul s-a inspirat de la un grup de artiști victorieni cunoscuți sub numele de The Clique, pe care îl întâlnise la Londra. Clique a respins arta academică în favoarea picturii de gen. Aparent infinita Grande Galerie, care se întindea pe un sfert de milă, era un loc în care adesea se adunau artiști și meșteri, totuși aici întâlnim o atmosferă senină de apreciere și reflecție. În anii următori, Allan-Fraser s-ar fi cufundat în restaurarea și construcția de clădiri frumoase, iar admirația sa pentru Grande Galerie a fost primordială atunci când a întreprins acest lucru. Razele de lumină sporadice nu numai că permit privitorului să privească activitatea din interior, dar dezvăluie și magnitudinea și eleganța sălii. Allan-Fraser a fost ales la Academia Regală Scoțiană în 1874 și a comandat portretele membrilor The Clique, în respect față de cei care îl inspiraseră. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot și-a început cariera ca draper înainte de a decide să urmeze pregătirea artistică. Cu sprijinul tatălui său, a studiat mai întâi cu Achille Etna Michallon și apoi cu Jean-Victor Bertin, deși mai târziu Corot a negat că pregătirea sa i-ar fi afectat arta. A călătorit pe tot parcursul vieții sale, petrecând câțiva ani în Italia, explorând Elveția și acoperind o mare parte din mediul rural francez. În călătoriile sale a realizat numeroase schițe în ulei și picturi în aer liber care au captat imediatitatea luminii și a atmosferei; a lucrat și la picturi în stil expozițional în cadrul studioului. Souvenir de Mortefontaineeste unul dintre cele mai bune tablouri din cariera sa târzie. Este scăldat într-o lumină moale, difuză, și este o operă de liniște absolută, reprezentarea unei asimilări lirice și poetice a lumii artistului. Scena nu este luată din natură, dar combină elemente cheie ale cadrului natural pentru a crea imaginea perfectă, armonioasă. Arborele grațios din prim-plan, întinderea apei liniștite din spate și figurile liniștite culese în culori moi au fost motive folosite adesea de către artist pentru a reda o lucrare de reflecție frumoasă și liniștită. Lucrând la început pe linia realiștilor, stilul lui Corot s-a dezvoltat pentru a cuprinde o percepție de vis, romantică. Ca atare, opera sa poate fi considerată o legătură între realiști și impresioniști și, într-adevăr, este adesea menționat ca tatăl impresionismului.Părerile lui Claude Monet asupra Senei în dimineața devreme luminate pictate în anii 1890. (Tamsin Pickeral)

  • Flagelația lui Hristos (1455–60)

    Țările Cataluniei, centrate pe orașul Barcelona, ​​au cunoscut o mare epocă de aur a artei în anii 1400, iar în fruntea acestei reînvieri a fost Jaume Huguet . Huguet este renumit pentru altarele uimitoare care caracterizează arta religioasă frumos decorativă produsă de școala catalană în acest moment. În centrul acestui altar, Hristos este bătut înainte de a primi o sentință de moarte prin răstignire. Omul care a pronunțat sentința - guvernatorul roman al Iudeii, Pontius Pilat - este așezat pe un mare tron ​​în dreapta. Imaginea lui Huguet este plină de culori de bijuterii și pline de detalii fine, de la gresie până la tronul și îmbrăcămintea lui Pilat. Există o simetrie bine construită în compoziție: poziția centrală a lui Hristos, flancată de doi bărbați care dau bătăile și doi îngeri mici la picioarele sale, plăcile de podea care se retrag, rândul de arcuri din spatele lui Hristos și vederea îndepărtată a unui peisaj cu vârfuri de dimensiuni uniforme. Întregul efect este extrem de decorativ, aproape ca o bucată de tapiserie. Această piesă a fost comandată de breasla cizmarilor pentru capela Saint-Marc din Catedrala din Barcelona, ​​motiv pentru care pantofii apar în chenarul decorativ. Granițele prezintă, de asemenea, imagini cu un vultur, un leu, un înger și un bou - simboluri ale evangheliștilor Sf. Ioan, Sf. Marcu, Sf. Matei și, respectiv, Sf. Luca. Opera lui Huguet se află, în linii mari, în matrița maeștrilor catalani din secolul al XV-lea, cum ar fi Bernardo Martorell, iar stilul său personal a ajutat la definirea stilului catalan. (Ann Kay)

  • Bătrân cu un băiat tânăr (c. 1490)

    Domenico Ghirlandaio a fost un artist florentin renumit pentru frescele și portretele sale. Bătrânul cu un băiat tânăr este cea mai recunoscută imagine a sa. Un desen din Muzeul Național din Stockholm oferă dovezi că Ghirlandaio a făcut studii despre bătrân, inclusiv defectul pielii de pe nas. Se crede că bărbatul a suferit din cauza afecțiunii rinofime ca urmare a acneei rozacee. Dar realismul portretului este neobișnuit pentru timpul său. Includerea acestui defect de către Ghirlandaio se crede că a influențat artiștii de mai târziu, precum Leonardo da Vinci, să-și picteze subiectele așa cum erau. Privitorul este cu siguranță atins de această scenă. Fața îmbătrânită a bătrânului contrastează cu pielea moale și tânără a copilului. Pe măsură ce mâna copilului ajunge la bătrân, ochii lor se întâlnesc într-o manifestare deschisă de afecțiune. Roșii calzi subliniază această legătură iubitoare. (Mary Cooch)

  • Fortune Teller (c. 1508-1510)

    Faima principală a lui Lucas van Leyden se bazează pe abilitățile sale extraordinare de gravor, dar a fost, de asemenea, un pictor desăvârșit, considerat unul dintre primii care au introdus pictura de gen olandeză. Născut la Leiden, unde și-a petrecut cea mai mare parte a vieții, se crede că s-a antrenat cu tatăl său și mai târziu cu Cornelis Engebrechtsz. A călătorit la Anvers în 1521, unde l-a cunoscut pe Albrecht Dürer , care a înregistrat acest eveniment în jurnalul său. Opera lui Dürer pare să fi avut cea mai mare influență asupra lui, deși van Leyden și-a abordat subiectele cu o animație mai mare, concentrându-se mai mult pe caracterul figurilor individuale. The Fortune Teller,care este o aluzie la vanitatea iubirii și a jocurilor, a fost pictată la începutul carierei lui van Leyden, dar își arată deja desenul și priceperea ca colorist. Este un studiu al caracterului, fiecare individ fiind portretizat cu o sensibilitate vie. Bărbatul cu barbă închisă în fundal este deosebit de captivant, cu privirea pătrunzătoare și înfățișarea sinistră care contrastează cu figura palidă a prezicătorului. Suprafața imaginii este bogat modelată, iar diferitele texturi, de la blană și mătase la sticlă și carne, sunt redate superb. Împingerea compoziției în fața planului de imagine are ca efect plasarea privitorului printre celelalte figuri. Van Leyden a fost faimos în timpul vieții sale și, deși nu a avut elevi direcți, influența sa a fost profundă asupra dezvoltării artei olandeze, deschizând calea tradiției olandeze a picturii de gen. Se crede că lucrarea sa a avut un efect asupraRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Triumful lui Tit și Vespasia (c. 1537)

    Născut Giulio Pippi, artistul acestui tablou a devenit ulterior cunoscut sub numele de Giulio Romano după orașul nașterii sale. La o vârstă fragedă, a plecat să studieze cu Raphael, devenind ulterior asistentul său șef, iar la moartea lui Rafael a finalizat o serie de lucrări ale artistului. Paleta vibrantă a lui Romano și stilul figurativ îndrăzneț au fost în contrast cu subtilitatea profesorului său, dar, în ceea ce privește imaginația pură și efectul iluzionar dramatic realizat prin manipularea perspectivei, Romano a fost un lider în domeniul său. În afară de realizările sale picturale, artistul a fost și arhitect și inginer. În jurul anului 1524 Romano a fost angajat de Frederico Gonzaga, conducătorul Mantovei, și s-a angajat într-un proiect masiv de proiectare și reconstruire a unor clădiri ale orașului, precum și a unui număr de scheme decorative. Triumful lui Tit și Vespasiaa fost comandat de Gonzaga pentru Camera Cezarilor din Palazzo Ducale. Înfățișează pe împăratul Tit care defilează prin Roma după o victorie asupra evreilor. Compoziția se bazează pe o scenă din interiorul vechiului Arcul lui Tit din Roma și păstrează o mare parte din calitatea sculpturală a originalului, în special la caii de car de stradă ai lui Romano. Culorile strălucitoare și tema clasică redate în mâna manieristă a lui Romano au făcut ca această lucrare să fie foarte populară la vremea sa. Tratamentul său asupra peisajului - care este frumos detaliat și scăldat într-o lumină translucidă sclipitoare - este de o notă deosebită. (Tamsin Pickeral)

  • Fecioara și Pruncul cu Sfânta Ana (c. 1510)

    Leonardo da Vinci a fost ucenic sub maestrul sculptor Andrea del Verrocchio , după care a lucrat pentru unii dintre cei mai bogați patroni din Franța și Italia, inclusiv familia Sforza din Milano, regele Franței și Vaticanul din Roma. Dacă Verrocchio nu ar fi trecut la pictură pentru a concura cu rivalii săi la vremea când Leonardo se afla în atelierul său, unii cercetători cred că este de conceput că Leonardo nu ar fi ridicat neapărat vreodată o pensulă. Deși viața și opera sa sunt extrem de importante pentru istoria artei, astăzi există aproximativ 20 de picturi atribuite în siguranță în opera sa. Fecioara, mama ei Anne și pruncul Iisus, subiectul acestei picturi, sunt împreună una dintre cele mai populare teme ale lui Leonardo, dovadă fiind mai multe desene și picturi. Acestea includ un desen animat pierdut din 1501 și Fecioara cu copilul cu Sf. Ana și Sf. Ioan Botezătorul (c. 1508, cunoscut sub numele de Cartoon Burlington House); se poate presupune că ultimul desen animat a fost destinat dezvoltării într-o lucrare mare, complet pictată, dar nu există dovezi că o astfel de pictură a fost încercată vreodată. Aici, însă, Fecioara Maria se odihnește pe poala Sfintei Ana, în timp ce copilul Hristos mângâie jucăuș un miel de jertfă tânăr, o întruchipare prefigurată a soartei pruncului. Un desen la scară mică, cu stilou și cerneală, pentru Fecioara și Pruncul cu Sfânta Anaexistă în colecția Academiei, Veneția. Pozițiile informale și angajamentul psihologic tandru dintre șezători constituie un punct culminant al picturii religioase. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    În ceea ce a devenit unul dintre Antonello da Messina „s cele mai renumite picturi, artistul înfățișează un lider militar al Italiei, cunoscut sub numele de condotier. (Cu toate acestea, adevărata identitate a omului este necunoscută.) Până în secolul al XIX-lea, Italia era compusă dintr-un set de orașe-state independente, iar condotieri erau foarte solicitați să lupte în bătăliile dintre statele aflate în conflict. Antonello este interesat de afișarea rangului de șezător: este așezat în fața unui fundal negru în îmbrăcăminte de bază și haine de cap, cu o postură bună, ridicându-și astfel statutul deasupra celui de simplu războinic. Într-adevăr, subiectul lui Antonello avea cel mai probabil bogăția de a-și permite un titlu mai apropiat de cel al unui domn și ar fi comandat acest portret pentru a-și sublinia poziția socială. Totuși, Antonello îi amintește privitorului că acest bărbat este un luptător nemilos. O inspecție mai atentă a lui Condottierodezvăluie detalii precum răna de război de pe buza superioară a sitterului. (William Davies)

  • Mona Lisa (c. 1503–09)

    Leonardo da Vinci a început viața ca fiul nelegitim al unui notar toscan și, probabil, a devenit cel mai discutat pictor din lume. Fascinația nesfârșită din partea savanților și a publicului a apărut practic din ziua în care a început să scrie și să picteze. El era, de asemenea, un om cu defecte și limitări. S-a născut în orașul toscan Anchiano, lângă Vinci, și s-a mutat la Florența la o vârstă fragedă pentru a se pregăti ca ucenic la Andrea del Verrocchio., un celebru sculptor al zilei. Din acele lecții timpurii, Leonardo a câștigat o profundă apreciere a spațiului tridimensional, un concept care l-a servit de-a lungul carierei sale, indiferent dacă pictează sau desenează complexitățile plantelor sau părților corpului uman, mașinilor de război sau lucrărilor publice de apă, geometrie matematică sau geologie locală. Numele acestei picturi , care nu a fost folosit până în secolul al XIX-lea, a fost derivat dintr-o relatare timpurie a lui Giorgio Vasari , care oferă, de asemenea, singura identificare a sitterului. Mona Lisa, cunoscută și sub numele de Lisa Gherardini, a fost pictată la mijlocul anilor 20 după ce s-a căsătorit cu un negustor de mătase pe nume Francesco del Giocondo, omul care ar fi putut comanda portretul. Până în prezent, italienii o cunosc ca La Gioconda și franceziiLa Joconde , care se traduce literalmente ca „cel jocund (sau jucăuș)”. În istoria mai recentă, faima picturii poate proveni, de asemenea, în parte din faptul că a fost furată de la Luvru din Paris într-un hoț senzațional în 1911 de către un naționalist italian, dar a fost returnată din fericire doi ani mai târziu. (Steven Pulimood)

    [Vrei să afli mai multe despre motivul pentru care Mona Lisa este atât de faimoasă? Citiți acest lucru Demystified de Britannica.]

  • Caritate (1518-19)

    În 1518 Francisc I al Franței l-a chemat pe pictorul florentin Andrea del Sarto la curtea sa franceză, unde a trăit artistul italian timp de un an. Caritatea este singurul tablou care a supraviețuit din șederea sa franceză; a fost pictat pentru Château d'Amboise. Lucrarea este tipică picturilor favorizate de regalitatea franceză în acest moment. Înfățișează figura Carității înconjurată de copii pe care îi îngrijește și îi protejează. A fost o reprezentare alegorică a familiei regale franceze și a sărbătorit nașterea Dauphinului, care este simbolizată de alăptarea bebelușului, în timp ce figura Carității prezintă o oarecare similitudine cu regina. Structura piramidală a compoziției este tipică formei tradiționale pentru acest tip de pictură și este, de asemenea, o reflectare a influențeiLeonardo da Vinci pe Andrea del Sarto. În special, artistul a admirat Fecioara și copilul lui Leonardo cu Sfânta Ana . (Tamsin Pickeral)

  • Decapitarea Sfântului Gheorghe (c. 1432–34)

    Bernardo Martorell a lucrat la Barcelona și a fost probabil predat de Luis Borrassá, cel mai prolific pictor catalan al vremii. O singură lucrare care a supraviețuit este cu siguranță atribuită lui Martorell - Retaul Sfântului Petru de Pubol (1437), care se află în Muzeul Geronei, Italia. Cu toate acestea, Altarpiece of St. George este atât de distinctiv în stilul lui Martorell, încât majoritatea experților cred că el a fost artistul. Retaul a fost creat pentru capela Sf. Gheorghe din Palatul Barcelonei. Este alcătuit dintr- un panou central care prezintă Sfântul Gheorghe ucigând balaurul , care este acum găzduit în Institutul de Artă din Chicago, și patru panouri laterale, care se află în Luvrul din Franța. Acest panou lateralformează partea finală a narațiunii și descrie martiriul Sf. Gheorghe. Legenda Sfântului Gheorghe pare să provină din scrierile lui Eusebiu din Cezareea, datate în secolul al IV-lea d.Hr. Avea reputația că era un soldat roman de naștere nobilă, care a fost ucis în 303 e.n. pentru că a protestat împotriva persecuției creștinilor. A fost canonizat în secolul al X-lea și a devenit hramul soldaților. Legenda Sfântului Gheorghe a fost răspândită în toată Europa în Evul Mediu și, deși povestea sfântului care a ucis un dragon pare mai mult mitologică decât miraculoasă, ea este redată în multe picturi medievale. În această ultimă scenă din legendă, pe măsură ce Sfântul Gheorghe este decapitat, fulgerul cade dintr-un cer roșu aprins și auriu. Stilul poate fi gotic internațional, dar fețele îngrozite, creșterea cailor, cadavrele iar manipularea expertă a luminii aparține lui Martorell. (Mary Cooch)