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Filme - Direção de filme

Filme direção

O diretor de cinema moderno é a pessoa mais responsável pelo estilo, estrutura e qualidade definitivos de um filme. O cinema é uma arte de colaboração e, em alguns casos, alguém que não seja o diretor pode vir a dominar (por exemplo, um produtor com autoridade sobre o corte final ou um ator cuja popularidade de bilheteria lhe dá o poder de dirigir o diretor), mas, em geral, presume-se que a pessoa designada para dirigir a imagem deve receber o crédito ou a culpa por sua forma e conteúdo.

Embora a função que o diretor desempenha sempre tenha sido desempenhada por alguém, a prioridade dessa função nem sempre foi reconhecida. Georges Méliès , por exemplo, se considerava um “produtor” de filmes e, de fato, de 1896 a 1912 cuidou de todos os aspectos da realização dos filmes que levam seu nome, incluindo cenografia, atuação e trabalho de câmera .Charles Pathé , na França da virada do século, foi um dos primeiros produtores a designar um assistente (Ferdinand Zecca) especificamente para dirigir as fotos de seu império cinematográfico em rápida expansão. Na Gaumont Pictures da França, Louis Feuillade eAlice Guy , a primeira mulher a assumir uma posição de destaque no cinema, compartilhou a tarefa de dirigir, cada um se especializando em gêneros distintos . Nos Estados Unidos como na Europa, muitos dos primeiros diretores de cinema foram cinegrafistas ( Edwin S. Porter) ou atores (DW Griffith) até que as circunstâncias os obrigassem a assumir várias funções de direção. A indústria do cinema estava crescendo rapidamente, entretanto, e em 1910 o número de filmes necessários para preencher as muitas salas de cinema recém-construídas era tal que a produção teve que ser delegada. O papel do diretor era trabalhar com os atores, designers, técnicos e outros envolvidos no processo de produção do filme, coordenando e supervisionando seus esforços a fim de tornar rapidamente filmes interessantes e compreensíveis dentro de determinadas restrições financeiras e materiais.

Já na década de 1920, aqueles que escreviam seriamente sobre o cinema não hesitavam em atribuir sucessos e fracassos ao diretor. Alguns diretores, notadamente FW Murnau e Fritz Lang na Alemanha e Victor Sjöström na Suécia, eram virtualmente tão famosos quanto as estrelas que atuaram em seus filmes. Em 1926, William Fox pagou a Murnau US $ 1 milhão para se mudar para Hollywood na esperança de fazer os maiores filmes que o mundo já viu. A questão principal desse casamento de arte e dinheiro, Sunrise (1927), continua sendo uma anomaliana história da indústria cinematográfica, para Murnau foi dado controle incomum e recursos virtualmente ilimitados. O filme ainda surpreende os críticos, mas não foi um sucesso comercial e atrapalhou por um tempo a crescente estatura do diretor. Os encontros mais dramáticos de Erich von Stroheim com produtores como Irving Thalberg encorajaram ainda mais essa atitude profissional, o que levou à prática de digitar rapidamente os diretores como profissionais ou difíceis.

Na grande era do sistema de estúdio (1927-1948), diretores fortes competiam com as condições de fábrica em que os filmes eram feitos. Os diretores com personalidades poderosas (como Frank Capra , Howard Hawks , John Ford e Ernst Lubitsch) tiveram grande liberdade, mas ainda tiveram que trabalhar com atores e atrizes contratados para o estúdio, com sindicatos seguindo rotinas consagradas pelo tempo, com roteiros e roteiristas selecionados pelo estúdio e com prazos que desestimulavam a experimentação.

O "a teoria do autor ”, que foi propagada por teóricos do cinema franceses na década de 1950, ofereceu um método poderoso para estudar e avaliar os filmes da era do estúdio. A palavra autor (literalmente “autor” em francês) foi empregada na França na década de 1930 em batalhas legais pelos direitos de propriedade artística. Essa luta legal para determinar se um filme "pertencia" a seu roteirista, diretor ou produtor fortaleceu a crença de muitos críticos e teóricos de que só o diretor merecia crédito por um filme, assim como um arquiteto pode ser creditado por um edifício, embora tenha sido construído e usado por outras pessoas. Embora essa visão fizesse muito sentido quando se tratava de diretores fortes, ela tendia a ignorar os cineastas comuns.

Os auteurs são definidos como diretores com técnica sólida, visão de mundo bem definida e certo grau de controle sobre suas produções. Algumas situações de direção são fáceis de avaliar. Griffith e Chaplin tinham total controle financeiro sobre seus principais esforços. Diretores de arte europeus, como Ingmar Bergman , gozavam de liberdade semelhante. Na verdade, seus filmes eram frequentemente comercializados como expressões de importantes personalidades artísticas. No entanto, a teoria do autor foi desenvolvida para encorajar a reavaliação de inúmeros filmes de diretores operando em meio a situações sufocantes de estúdio. Diretores como Leo McCarey , Gregory La Cava e Anthony Mann impregnaram estilística e tematicamente seus filmes, sejam quais forem osgênero , com uma estética pessoal consistente . Sua produção, mesmo quando malsucedida, é considerada incomensuravelmente mais valiosa do que os filmes indistintos de diretores mais fracos que meramente traduziram as palavras e ações indicadas em um roteiro em imagens de tela de rotina. Os roteiristas nos anos de estúdio trabalharam principalmente em equipes; um único roteiro costumava passar pelas mãos de vários escritores diferentes, de modo que a maioria dos filmes é mais reconhecível como produto de um determinado estúdio do que de um escritor individual. A tensão entre o diretor e o gênero ou estúdio é pensada para produzir filmes que atraem o público ao mesmo tempo em que expressam a visão de um indivíduo. Assim, através do autor, a arte popular do cinema é capaz de atingir os objetivos tradicionais da poesia e das artes plásticas, objetivos de expressão autêntica e de gênio.

A teoria do autor foi especialmente influente na década de 1960 e indiscutivelmente foi instrumental na criação não apenas da New Wave francesa, mas também de movimentos semelhantes na Grã-Bretanha e nos Estados Unidos. Diretores comoLindsay Anderson , Joseph Losey , Stanley Kubrick , John Cassavetes , Francis Ford Coppola e Arthur Penn consideravam-se autores em formação e ganharam aclamação crítica e popular por seus estilos e temas distintos. Com a queda do sistema de estúdio na década de 1950, havia de fato espaço para uma única personalidade assumir o controle de um filme e comercializá-lo com base na visão pessoal.

Depois de 1960, diretores de cinema americanos de primeira linha começaram a fazer filmes sob as condições que existiam na Europa ao longo do século. O insignificante sistema de estúdios da França, por exemplo, permitiu e encorajou empresários individuais a montar projetos de filmes em uma base única. Esses projetos geralmente giravam em torno de uma equipe, ou equipe de pessoal criativo, com o diretor à frente. O diretor poderia então moldar verdadeiramente o trabalho do designer, compositor e (mais importante) do cenarista para que o filme tivesse um estilo consistente e relativamente pessoal do início ao fim. Nesse formato artesanal, o produtor depende do diretor para desenvolver uma forma diferenciada de lidar com as cenas. O diretor pode até ser obrigado a reescrever o cenário para obter um efeito específico. Como resultado desse compromisso pessoal, as discussões amplamente divulgadas que ocorrem durante a produção de muitos filmes importantes quase sempre envolvem o diretor.

Alfred Hitchcock foi um diretor que desdenhou argumentos. Ele manteve a planta de seus filmes em sua cabeça e forneceu instruções detalhadas para cada tomada, sem qualquer discussão. Seus produtores não tiveram a oportunidade de oferecer sugestões alternativas ou de refazer o filme. As cenas se encaixam de uma única maneira, a maneira de Hitchcock. Enquanto alguns críticos reclamam que a atuação em um filme de Hitchcock é freqüentemente afetada, que os cenários são artificiais e que as projeções traseiras são óbvias, o estilo de Hitchcock é imediatamente reconhecível. A maioria das pessoas admira a eficácia da direção de Hitchcock, algumas até alegando que em seus filmes podem ser encontrados profundos insights morais e metafísicos .

Os principais diretores em todo o mundo sempre gozam desse respeito. Entre outros, Mizoguchi Kenji e Kurosawa Akira do Japão , Satyajit Ray da Índia, Federico Fellini da Itália, Luis Buñuel da Espanha e Carl Dreyer da Dinamarca tiveram raras oportunidades de fazer declarações artísticas individuais. Alguns foram tratados como tesouros nacionais virtuais, cujos filmes trazem glória cultural aos países em que trabalham.

Apesar dessas exceções, a maioria dos diretores trabalha sob grandes restrições, especialmente na idade dos indústria da televisão . Uma série de televisão convencional alterna os diretores episódio após episódio para que os produtores, atores e equipe de produção, que trabalham continuamente no programa, tenham um controle muito maior sobre o produto. Cada cena de um programa de televisão é normalmente filmada a partir de três configurações de câmera diferentes. O diretor se esforça para obter os melhores desempenhos possíveis dos atores, confiante de que a equipe está entregando as imagens adequadas e, posteriormente, um editor escolhe as melhores fotos para contar a história. Em comparação, diretores de cinema poderosos muitas vezes se envolveram profundamente na edição e na pós-produção. A indústria da televisão acentuou as características da linha de montagem do sistema de estúdio, enquanto a produção de filmes independentes hoje geralmente se distingue por atribuir ao diretor o poder ditatorial.

Seja com controle total ou restrito, todo diretor deve aprovar o roteiro e então se concentrar na cena que está sendo filmada em sua relação com o design geral do filme. A unidade de gestão (um assistente de direção e assistente de continuidade ) se preocupa com os detalhes da organização para que o diretor possa interagir com o pessoal de criação no set (cinegrafistas, equipes de iluminação e som , decoradores de cenários e, claro, atores). Quanto à pós-produção, todos os diretores olham com o editor para as corridas diárias do laboratório, mas apenas alguns seguem e se envolvem com as fases de edição, música e mixagem. Em todos os casos, o diretor é a única pessoa que mantém uma visão completa do projeto,extraindo o melhor de todo o pessoal, do escritor ao mixer de som, e moldando seus esforços para que o filme tenha uma aparência e um significado consistentes.

A direção de sucesso tem muito a ver com relações sociais intangíveis, como manter a harmonia (ou competição produtiva) viva no set, extrair as melhores performances possíveis dos atores, moldar um roteiro de uma forma que aproveite os talentos do diretor de fotografia ou do ator principal, ou implorando ao produtor o dinheiro necessário para uma cena especial. Além dessas expectativas rotineiras, o grande diretor é identificado por uma abordagem única ou engenhosa do meio. Os diretores ganharam elogios por seu tratamento audacioso de histórias. Recusando-se a ser restringido pelos requisitos padrão de um drama de duas horas lidando com alguns personagens centrais,Francis Ford Coppola , por exemplo, reuniu um afresco verdadeiramente épico em sua obra-prima de duas partes O Poderoso Chefão , assim comoRobert Altman em narrativas de colagem comoNashville (1975) eShort Cuts (1993) e Paul Thomas Anderson emMagnolia (1999). Diretores italianos têm experimentado com a forma épica, como em Ermanno Olmi ‘s L'albero degli Zoccoli (1979; A Árvore dos Tamancos ) eBernardo Bertolucci é Novecento (1976;1900 ) e O Último Imperador (1987), e com estrutura narrativa, como emRoberto Rossellini é Paisà (1946;Paisan ) e Le Bal (1983; The Ball ), de Ettore Scola , que abandonam a construção tradicional do enredo e um único enredo em favor de episódios curtos separados, tematicamente ou historicamente ligados.

Alguns diretores ganham mais fama por seu estilo visual do que por sua acuidade narrativa . Os filmes de Bertolucci, por exemplo, nem sempre são bem recebidos, mas suas imagens fluidas e saturadas e seu efeito “psicanalítico” marcaram filmes como Il conformista (1970;The Conformist ) e Luna (1979). O mesmo pode ser dito sobre Fellini, Andrey Tarkovsky e Werner Herzog . Alguns críticos acham que One from the Heart (1982) de Coppola projeta uma visão intensa e pessoal, que é muito mais interessante do ponto de vista da direção do que seus esforços de maior sucesso comercial, incluindo O Poderoso Chefão . Embora muitos diretores atribuam a seus cinematógrafos a realização de visões tão notáveis, a maioria dos cineastas afirma apenas resolver problemas técnicos a mando do diretor.

O mesmo pode ser dito dos efeitos alcançados na pós-produção. O ambiente sonoro incrivelmente denso que cercaCoppola ‘s Apocalypse Now (1979), por exemplo, resultou da concatenação de dezenas de trilhas sonoras individuais misturados por uma equipe de especialistas talentosos, mas o próprio Coppola já tinha evidenciado um poderoso entendimento das possibilidades de som em seu filme muito menor A Conversation (1974). Da mesma forma, uma boa parte deA fama de Altman deve ir para os engenheiros que coordenaram a microfonação de rádio de até uma dúzia de personagens em uma única cena em Nashville . Foi, entretanto, Altman quem reconheceu o efeito total que duas horas de conversas sobrepostas teriam sobre o espectador.A edição robusta de Martin Scorsese em Taxi Driver e Raging Bull foi uma função não apenas da engenhosidade de um editor, mas também de uma concepção total do roteiro, estilo de atuação, trabalho de câmera (incluindo tons duros de preto e branco para o último filme), e música.

Um diretor pode ser visto como um solucionador de problemas. Raramente preocupado com a tecnologia , o diretor pega os recursos disponíveis (as capacidades tecnológicas e as convenções do cinema em funcionamento) e busca soluções eficazes para problemas dramáticos ou visuais. Um estilo surge quando essas soluções, ou “técnicas”, são aplicadas de forma consistente em uma série de filmes. Por exemplo,A tendência de Bresson para empregar som fora da câmera para sinalizar eventos importantes (um acidente de carro em Au Hasard Balthasar [1966]; um assalto a banco em L'Argent ) desafia as convenções padrão de cinema e atinge uma forma peculiarmente valiosa de compreender um interior ou drama espiritual. As técnicas sonoras de Bresson tornaram-se parte de seu estilo austero e evocativo .

Os diretores podem ser caracterizados pelas soluções a que chegam regularmente quando uma história ou cena lhes é apresentada. Murnau e Mizoguchi preferiram a cena lânguida a editar uma situação dramática para que o drama pudesse ser visto surgindo no meio da cena. Antonioni deixou a câmera continuar a filmar bem depois de os personagens estarem fora de alcance para que o espectador pudesse observar como uma cena dramática desaparecia ou sentir sua pequenez na paisagem que restava. Depois de 1970, a maioria dos diretores americanos empregou técnicas rápidas e contundentes para dar força às histórias corajosas que dominaram o cinema mundial. Essas técnicas - som de close-up, música pulsante e edição abrupta - foram usadas para manter o espectador interessado e animado. Dentro deste estilo americano geral, no entanto,

É geralmente reconhecido que os melhores diretores são aqueles que consistentemente contribuem não apenas com técnicas engenhosas, mas também com um estilo ou tema pessoal eficaz e coerente para seus filmes.O uso de estratégias de ponto de vista por Brian De Palma , por exemplo, dá um horror particular a filmes como Carrie (1976) e Body Double (1984), e sua técnica foi comparada à de Hitchcock. A maioria dos críticos concorda, entretanto, que Hitchcock é o diretor mais significativo, porque a estratégia de ponto de vista rigorosa que Hitchcock empregou em filmes como Janela Indiscreta (1954) foi muito mais do que um tour de force da técnica de cinema; foi uma expressão do pensamento do diretor sobre visão e conhecimento.