Różne

29 obrazów, które można zobaczyć tylko w Luwrze


  • Portret kobiety (III wiek)

    Ten portret sarkofagu pochodzi z regionu Fajum i został namalowany w okresie grecko-rzymskim. Słowo Fayum odnosi się do bardzo żyznego regionu na południowy zachód od Kairu. Skupił się wokół sztucznego jeziora Qaroun, ambitnego projektu inżynieryjnego pochodzącego z XII dynastii, zbudowanego w naturalnej dolinie. Mieszkańcy Doliny Fajum przybyli z Egiptu, Grecji, Syrii, Libii i innych rejonów Cesarstwa Rzymskiego. Uprawiali rośliny, w tym pszenicę i jęczmień; ryby z jeziora były uważane za wielki przysmak w całym Egipcie; i pod rządami Amenemheta III(XII dynastia) obszar ten zasłynął z bujnych ogrodów i bujnych drzew owocowych. Dziś region znany jest z wielu dokumentów papirusowych odkrytych w XIX i XX wieku, a także z wielu „portretów Fajum” odkrytych przez archeologów. Te portrety naturalnej wielkości były najwyraźniej używane do ozdabiania domów, a także do celów pogrzebowych. Technika enkaustyczna polegała na stopieniu wosku i zmieszaniu go z pigmentem i być może olejem lnianym lub jajkiem, a następnie nałożeniu go jak farby na drewno lub płótno. Ten malowany portretwygląda zaskakująco nowocześnie. Jasne oczy kobiety i wydatny nos oraz staranne przedstawienie biżuterii przez artystę sugerują, że został namalowany jako rozpoznawalny portret. Historycy sztuki często przypisują regionowi Fajum narodziny realistycznych portretów, a wiele portretów odkrytych w tym regionie reprezentuje czas przełomowych eksperymentów artystycznych. (Lucinda Hawksley)

  • Lato (1573)

    Giuseppe Arcimboldo odniósł wielki sukces za życia, ale po jego śmierci jego twórczość szybko wyszła z mody, a zainteresowanie nią powróciło dopiero pod koniec XIX wieku. Stylistycznie jego fantastyczne i pełne wyobraźni obrazy wpisują się w popularny świat sztuki manierystycznej. Sądy w całej Europie w XVI wieku szczególnie sprzyjały tego typu dowcipnemu i sprytnemu malarstwu iluzorycznemu, a świadectwem tego było długie zlecenie Arcimboldo jako malarza na dworze habsburskim w latach 1562-1587. Lato jest częścią serii Cztery pory roku, którą artysta namalowany dla cesarza Maksymiliana IIw 1573 roku. Był to temat, który Arcimboldo malował kilka razy w swojej karierze i stał się niezwykle popularny. Po raz pierwszy namalował serię Czterech pór roku w 1562 roku, a jego pomysłową koncepcję stworzenia głowy z kolekcji owoców i warzyw przyjęto z wielkim entuzjazmem. Dworskie obowiązki Arcimboldo wobec Maksymiliana nie ograniczały się do malowania - artysta był również powoływany jako scenograf, architekt i inżynier. Później, pracując dla cesarza Rudolfa II , został również oskarżony o znalezienie antyków i rzadkich dzieł sztuki do kolekcji cesarza. Obrazy Arcimboldo tworzą całkowicie surrealistyczny efekt iz pewnością należą do najbardziej pomysłowych i sprytnie wymyślonych w jego czasach. (Tamsin Pickeral)

  • Wędkarstwo (ok. 1588)

    Annibale Carracci urodził się w okolicach Bolonii i wraz ze swoim bratem i kuzynem został uznany za jednego z czołowych malarzy szkoły bolońskiej. Był szczególnie utalentowanym rysownikiem i kładł duży nacisk na poprawny rysunek, często przedstawiając sceny z życia i umieszczając je w wyimaginowanym lub wyidealizowanym krajobrazie. W tym czasie motywy łowiectwa i rybołówstwa były popularne w dekoracji willi w Bolonii. Wędkarstwo zostało namalowane jako element towarzyszący innej pracy Carracciego, Hunting. Biorąc pod uwagę ich wymiary, oba zostały prawdopodobnie zaprojektowane do zawieszenia nad drzwiami w domowej willi. Te dwie prace zostały namalowane na początku kariery Carracciego, przed jego przeprowadzką do Rzymu w 1584 r., Ale już teraz ukazują znakomity styl artysty. W tej pracy połączył wiele różnych scen w jednym obrazie i sprytnie wymyślił swoją kompozycję tak, aby oko było kierowane z pierwszego planu do każdej grupy ludzi i w tło, nie tracąc przy tym żadnego szczegółu. Liczby zostały prawdopodobnie oparte na badaniach bezpośrednio z natury, a następnie zestawione z krajobrazem. Ten obraz jest intrygujący, ponieważ przedstawia Carracciego rozwijającego gestykulację, co widać na wskazującej figurze po prawej stronie. Użycie przekonującego i elokwentnego gestu było jedną ze szczególnych umiejętności Carracciego, która wpłynęła na późniejszych malarzy okresu baroku. Widoczne jest również przekonujące wykorzystanie krajobrazu przez Carracciego, który jest pięknie skomponowany w przejrzystym, półprzezroczystym świetle. (Tamsin Pickeral)

  • Wskrzeszenie Łazarza (ok. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, nazywany Il Guercino, urodził się w biedzie w małym miasteczku Cento, między Ferrarą a Bolonią we Włoszech. Jako artysta był w dużej mierze samoukiem. Stał się jednym z czołowych malarzy szkoły bolońskiej, przejmując po jego śmierci pracowitą pracownię Guido Reniego (ironia losu, gdyż relacje wskazują, że Reni traktował Guercina z ambiwalentnością). Styl Guercino zmienił się dość dramatycznie za jego życia, a prace takie jak ta z wczesnych lat jego kariery pokazują bardzo barokowe podejście z dramatycznym użyciem kontrastujących świateł i ciemności. Typowa dla malarstwa barokowego kompozycja jest skomplikowana i pełna dramatycznych gestów, energii i uczuć. Postacie są stłoczone na pierwszym planie, prawie jak część fryzu, podczas gdy środek i tło są praktycznie niewidoczne. Technika ta stawia widza niemal na tej samej płaszczyźnie przestrzennej, co postacie na obrazie, wywołując w ten sposób potężną reakcję emocjonalną. Jest to wydarzenie, w którym zmarły Łazarz został wskrzeszony przez Jezusa. Guercino nadaje scenie niezwykłą intensywność i duchowy zapał, który byłby bardzo podziwiany w jego okresie. Kilka lat przed wykonaniem tego obrazu Guercino spotkał artystęLudovico Carracci i został zainspirowany podejściem Carracciego do koloru i emocji. Wpływ Carracciego można dostrzec w Wskrzeszeniu Łazarza Guercino , chociaż jest to praca o zdecydowanie bardziej energicznym stylu. Guercino, płodny i poszukiwany artysta, zmarł jako bogacz. (Tamsin Pickeral)

  • St. Joseph the Carpenter (1635–40)

    Historia życia i twórczości Georgesa de La Tour jest niejednolita. Chociaż odniósł sukces w swoim życiu, La Tour został zapomniany przez kilka stuleci - jego twórczość została odkryta na nowo na początku XX wieku. Często twierdzi się, że francuski malarz był pod wpływem obrazów Caravaggia . Może się jednak zdarzyć, że La Tour nie znał pracy Caravaggia i niezależnie badał efekty cienia i światła rzucanego przez pojedynczą świecę. Pobożny katolik La Tour często malował sceny religijne. Kilkakrotnie powracał do tematu pokuty Marii Magdaleny i malowania tej wzruszającej scenyJózefa uczącego Jezusa w stolarni. Styl jest realistyczny, szczegółowy i starannie zaplanowany - Jezus trzyma świecę, ponieważ w wierze chrześcijańskiej jest światłem świata rozświetlającym ciemność świata. (Lucinda Hawksley)

  • Stopa końsko szpotawa (1642)

    Niewiele osób mogło nie być zaintrygowanych tym gatunkowym obrazem najwyraźniej niepełnosprawnego żebraka z Neapolu, patrzącego na nich bezczelnie z zębatym uśmiechem. Urodzony w Hiszpanii José de Riberawiększość swojej kariery spędził w Neapolu, który był wówczas kontrolowany przez Hiszpanię i stał się czołowym artystą miasta. Prawdopodobnie zamierzał po prostu przedstawić neapolitańskiego żebraka, ponieważ bardzo interesował się zwykłymi ludźmi. Jednak sposób, w jaki łączył realizm z tradycją, zapowiadał nowy kierunek w sztuce. Życie nie uśmiechało się do tego żebraka, ale jest on radośnie buntowniczy. Żwawo nosi kulę na ramieniu i od niechcenia, zamiast desperacko, wyciąga kartkę, która daje mu pozwolenie na żebractwo, co było wówczas obowiązkowe w Neapolu. Po łacinie czytamy: „Dajcie mi jałmużnę z miłości do Boga”. Zamiast być pokazanym skulonym na brudnej bocznej uliczce, stoi wysoko na tle spokojnego krajobrazu, który przypomina dzieła historyczne, mitologiczne i religijne namalowane w stylu klasycznym. Ribera nadaje mu imponującą sylwetkę, wzmocniony przez niski punkt widzenia i ludzką godność. Jego żebrak mógł być prawie małym księciem. Luźne pędzle stają się bardziej miękkie na krajobrazie, dzięki czemu chłopiec wyróżnia się jeszcze bardziej. Zdolność Ribera do przekazania poczucia indywidualności ludzi z realizmem i człowieczeństwem miała ogromny wpływ na sztukę zachodnią, aw szczególności na szkołę hiszpańską. (Ann Kay)

  • Widok wnętrza ( kapcie ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten był zręcznym malarzem portretów i wnętrz, dbającym o prawidłowe użycie perspektywy. Widok wnętrza , tradycyjnie nazywany kapciami, ilustruje charakterystyczne dla artysty zastosowanie holenderskich podłóg wyłożonych kafelkami, aby podkreślić głębię obrazu. Podkreślają to wyraźnie cofnięte płaszczyzny obrazu, zaznaczone ramą obrazu, ościeżnicami drzwi i wreszcie dwoma obrazami z tyłu obrazu. Artysta, pokazując na pierwszym planie część otwartych drzwi, umieszcza widza w drzwiach, co potęguje iluzoryczny efekt obrazu. Subtelne szczegóły nawiązują do tematu Hoogstratena. Wyrzucona miotła, kapcie domowe i zamknięta książka (czytanie zostało przerwane) wskazują, że tuż poza zasięgiem wzroku dochodzi do miłosnego związku. Delikatnie moralizatorski ton obrazu był tym, do którego Hoogstraten wracał kilkakrotnie. (Tamsin Pickeral)

  • Pielgrzymka do Cythery (1717)

    W 1717 roku Jean-Antoine Watteau przedstawił ten obraz Akademii Francuskiej jako pracę dyplomową. Został uznany za jego najlepsze dzieło i stał się kluczowym wpływem na rodzący się styl rokoko. Temat rozpoczął się jako ilustracja drobnej sztuki. We Florencji Dancourt's Les Trois Cousines, dziewczyna przebrana za pielgrzyma wychodzi z szeregu chóru i zaprasza publiczność, by dołączyła do niej w podróż do Cythery - wyspy miłości, gdzie każdy spotka swojego idealnego partnera. Pierwsza wersja tematu, pochodząca z 1709 roku, była bardzo dosłownym przedstawieniem Watteau, ale tutaj zrezygnował z teatralnych ram i zamienił ten incydent w senną, romantyczną fantazję. Co znamienne, zdecydował się przedstawić koniec, a nie początek podróży. Kochankowie połączyli się w pary i ozdobili kwiatami posąg Wenus po prawej stronie i zaraz wracają do domu. Skupiając się na tym momencie, artysta był w stanie stworzyć atmosferę łagodnej melancholii, tak charakterystycznej dla jego twórczości. Podczas gdy większość par przygotowuje się do odejścia, przy świątyni bogini pozostało dwoje kochanków, oczarowany miłością i ślepy na wszystko inne. Jedna z odchodzących kobiet odwraca się i patrzy na nie ze smutkiem, świadoma, że ​​ta część miłości jest najbardziej ulotna. Po śmierci Watteau jego sztuka dramatycznie wyszła z mody. Dla wielu jego przedstawienia miłosnych eskapad wydawały się zbyt ściśle związane z dawnymi czasami monarchii. W okresie rewolucji studenci sztuki używali jegoCythera do strzelania do celu, rzucając w niego granulkami chleba. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (wcześniej znany jako Gilles ) (ok. 1718–19)

    To jeden z ostatnich obrazów, jakie Jean-Antoine Watteau wyprodukował w swojej krótkiej karierze. Przedstawia klauna wpatrującego się w swoją publiczność z tęsknym wyrazem, który może odzwierciedlać melancholijny nastrój artysty. Gilles to rodzajowa nazwa klauna we Francji, prawdopodobnie pochodząca od Gilles le Niais, XVII-wiecznego akrobaty i komika. W czasach Watteau ta postać w znacznym stopniu zazębiała się z Pierrotem, czołowym klaunem w commedia dell'arte, włoskiej tradycji teatralnej, która była niezwykle popularna we Francji. Obie postacie grały niewinnego głupca, który stał się ulubieńcem publiczności - prototypem Charliego Chaplina i Bustera Keatona. Ten obrazzostał prawdopodobnie wyprodukowany jako szyld teatralny, który ma kusić przechodniów na przedstawienie. Być może powstał z okazji premiery komedii Danaë , w której jeden z bohaterów został zamieniony w osła. Ewentualnie mógł reklamować parady - krótkie, farsowe szkice przed głównym przedstawieniem. W nich często prowadzono przez scenę osła, aby symbolizować czystą głupotę Gillesa. Watteau użył mniejszej wersji tego klauna jako głównej postaci w The Italian Comedians , obrazie, który stworzył dla swojego lekarza około 1720 roku. W obu przypadkach ponura postać Gillesa przypominała Ecce Homo(„Oto człowiek”). Ten popularny temat religijny przedstawia epizod z Męki Pańskiej, kiedy Poncjusz Piłat przedstawił Jezusa ludowi w nadziei, że wezwą go do uwolnienia. Zamiast tego tłum wezwał do jego ukrzyżowania. (Iain Zaczek)

  • Martwa natura z butelką oliwek (1760)

    Urodzony w Paryżu Jean-Baptiste Siméon Chardin oparł się życzeniom swojego ojca, stolarza, by pójść w jego ślady i zamiast tego został praktykantem w pracowni Pierre-Jacquesa Cazesa i Noela- Noëla Coypelaw 1719 roku. Przez całe życie Chardin pozostawał lojalnym członkiem Akademii Francuskiej, ale pomimo sukcesu nie został profesorem, ponieważ został mianowany malarzem „w dziedzinie zwierząt i owoców”. Wczesne martwe natury, z których jest najbardziej znany, zostały ukończone w krótkim czasie, pokazując szybkość, z jaką nabył mistrzowską technikę. Szacuje się, że jedna czwarta jego całkowitej produkcji została wyprodukowana przed 1732 rokiem. Jego styl charakteryzuje się bogatą teksturą pędzla, który w znacznym stopniu zawdzięczał malarstwu holenderskiemu, w szczególności wpływ Rembrandta na posługiwanie się farbą. To oddziela jego twórczość od bardziej znanego stylu malarstwa francuskiego z XVIII wieku. Chardin malował proste sceny domowe i znane przedmioty gospodarstwa domowego. Jednak,Martwa natura z butelką oliwek jest typowa dla jego powściągliwego nastroju, łagodnego oświetlenia i niesamowitego realizmu, który nadaje codziennym przedmiotom i scenom magiczną aurę. Nic dziwnego, że jego wielbiciele nazywali go „wielkim magiem”. Jego talent polegał na tworzeniu obrazów o doskonałej kompletności z niezmiennymi, ale najwyższymi umiejętnościami technicznymi. (Roger Wilson)

  • Piorun (ok. 1777)

    Jean-Honoré Fragonard był jednym z czołowych malarzy w stylu rokoko. Jego obrazy były frywolne, ale zmysłowe, uosabiające elegancję francuskiego życia dworskiego w latach poprzedzających rewolucję 1789 roku. Fragonard znany był mu przede wszystkim jako mistrz sujets légers (lekkich przedmiotów). Te motywy były otwarcie erotyczne, ale traktowano je ze smakiem i delikatnością, które sprawiały, że były akceptowalne nawet w kręgach królewskich. Rzeczywiście, wiele mówi o modzie panującej w tamtych czasach, kiedy ten obraz został zamówiony jako dodatek do obrazu religijnego. Według wczesnego źródła markiz de Véri podszedł do artysty, szukając obrazu, który mógłby powiesić obok jednego z rzadkich pobożnych obrazów Fragonarda - Pokłon pasterzy. Współczesnym oczom może się to wydawać dziwnym zestawieniem, ale Véri prawdopodobnie zamierzała to połączenie reprezentować świętą i profanalną miłość - artystyczny motyw popularny od renesansu. Zwykle artyści przekazywali ten pomysł na jednym obrazie, ale czasami łączyli obraz Ewy z tematem związanym z Maryją Panną (często postrzeganą jako nową Ewę). Tutaj jabłko, które jest w widocznym miejscu na stole, jest konwencjonalnym odniesieniem do pokusy Ewy w Ogrodzie Eden. Bolt został namalowany, gdy styl rokoko zaczynał wychodzić z mody, jednak dramatyczne oświetlenie i wysoki stopień wykończenia pokazują, że Fragonard dostosowywał się do stylu neoklasycystycznego, który nabierał mód. (Iain Zaczek)

  • Przysięga Horatii (1784)

    Jacques-Louis David jest prawdopodobnie najbardziej niezwykłym malarzem politycznej propagandy w historii. Nadworny malarz Napoleona, wiele z tego, co wiemy o mitycznej osobowości cesarza i ikonografii rewolucji francuskiej, pochodzi z teatralnych, alegorycznych obrazów Davida. David był ojcem neoklasycznego ruchu artystycznego, który przedstawiał klasyczne mity i historię jako analogię do współczesnej polityki. Przysięga Horatiiopowiada historię, zarejestrowaną około 59 roku pne przez rzymskiego historyka Liwiusza, o synach z dwóch rodzin, trzech braci Horatii i trzech braci Curiatii, którzy walczyli w wojnach między Rzymem a Albą około 669 roku pne. Mężczyźni są zobowiązani do walki, ale jedna z kobiet z rodziny Curiatii jest żoną jednego z braci Horatii, a jedna siostra Horatii jest zaręczona z bratem z rodziny Curiatii. Pomimo tych więzi, Horatii senior zachęca swoich synów do walki z Kuriatami, a oni są posłuszni, pomimo lamentów pogrążonych w smutku sióstr. Przedstawiając moment, w którym mężczyźni wybrali ideały polityczne zamiast osobistych motywów, David prosi widzów, aby traktowali tych mężczyzn jako wzory do naśladowania w ich własnym burzliwym politycznie czasie. Jeśli chodzi o realizm w malarstwie, podobnie jak o idealizm w polityce, David udał się do Rzymu, aby skopiować architekturę z życia. Rezultatem był ogromny sukces, gdy obraz został wystawiony na Salonie w Paryżu w 1785 roku. Obrazy Davida nadal silnie rezonują z widzami, ponieważ siła jego umiejętności była wystarczająco wybitna, aby wyrazić jego silne przekonania. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    To jest powszechnie uznawana za Jacques-Louis David „s najlepszych portret. Ze swoją gracją, prostotą i oszczędnością jest również uważany za jeden z najbardziej udanych przykładów sztuki neoklasycznej. Modelka Davida, Juliette Récamier, była ulubieńcem paryskiego społeczeństwa. Była żoną bogatego bankiera z Lyonu, choć spotkała się z uwagą wielu innych mężczyzn, z których wszyscy zostali skromnie odrzuceni. David czerpał inspirację z cnotliwej reputacji Récamier. Z bosymi stopami, białą sukienką i antycznymi dodatkami przypomina współczesną westalkę. Jest to wzmocnione przez pozę. Spojrzenie kobiety jest szczere i bezpośrednie, ale jej ciało jest odwrócone, niedostępne. Sesje portretowe nie przebiegały gładko: malarkę drażniła uparta niepunktualność Juliette, a ona sprzeciwiała się niektórym z przyjętych swobód artystycznych. W szczególności nie podobało jej się to, że David rozjaśnił odcień jej włosów, ponieważ nie pasował do jego kolorystyki. W rezultacie zamówiła kolejny portret jednemu z uczniów artysty. Kiedy dowiedział się o tym, David odmówił kontynuowania: „Madame” - podobno oświadczył - „panie mają swoje kaprysy; tak samo robią malarze. Pozwól mi zaspokoić moje. Zachowam twój portret w obecnym stanie. " Ta decyzja mogła być korzystna, ponieważ surowa ostrość obrazu wywiera duży wpływ na nią. Mówi się, że lampa i niektóre inne szczegóły zostały namalowane przez ucznia Davida Zachowam twój portret w obecnym stanie. " Ta decyzja mogła być korzystna, ponieważ surowa ostrość obrazu wywiera duży wpływ na nią. Mówi się, że lampa i niektóre inne szczegóły zostały namalowane przez ucznia Davida Zachowam twój portret w obecnym stanie. " Ta decyzja mogła być korzystna, ponieważ surowa ostrość obrazu wywiera duży wpływ na nią. Mówi się, że lampa i niektóre inne szczegóły zostały namalowane przez ucznia DavidaJean-Auguste-Dominique Ingres . Ten ostatni był z pewnością pod wrażeniem obrazu, ponieważ pożyczył pozę Récamiera do jednego ze swoich najbardziej znanych dzieł, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • Kąpiący się ( Kąpiący się w Valpinçon ) (1808)

    W 1801 roku, po studiach pod kierunkiem Jacquesa-Louisa Davida , francuski artysta Jean-Auguste-Dominique Ingres zdobył prestiżową nagrodę Prix de Rome. Była to nagroda przyznana przez francuską Academie Royale, która zapłaciła swoim najlepszym artystom za pobyt w Rzymie przez cztery lata i studiowanie włoskich mistrzów z przeszłości. Niestety, państwo nie było w tym czasie stać na wysyłanie artystów do Włoch z powodu upadającej gospodarki Francji. Ingres ostatecznie udał się do Rzymu w 1808 roku . Kąpiący siębył jednym z pierwszych obrazów Ingresa wykonanych we Włoszech i chociaż artysta był otoczony wiekami ważnej sztuki renesansowej, zrywa z tradycją. Zamiast ujawniać tożsamość fotografowanej osoby, Ingres przedstawił swoją niemal monumentalną postać odwróconą od widza, z lekko wykrzywionym tułowiem, by otworzyć jej plecy. Dzięki temu widz może podziwiać (i obiektywizować) kąpiącą się bez rzucania nam wyzwania - pozostaje anonimowa, nieokreślona, ​​jej postać jest nieczytelna. Późniejsze prace Ingresa przedstawiające kobiece akty często przyjmowały bardziej frontalne pozy. Warto zauważyć, że ograniczona paleta zieleni, kremów i brązów Ingres zmienia się z ciemnych tonów zasłony po lewej stronie do jasnych tonów tła i narzuty po prawej stronie. Ta gradacja tonów może odzwierciedlać symboliczny charakter kąpieli, akt, który oczyszcza i oczyszcza duszę: gdy opiekunka oddala się od kąpieli, staje się bielsza, a przez to czystsza. (William Davies)

  • Tratwa Meduzy (1819)

    Niewiele osób mogło spojrzeć na ten obraz i nie dać się przytłoczyć jego pasją i siłą. Namalowany przez głównego twórcę francuskiego romantyzmu, Théodore'a Géricaulta , jest teraz postrzegany jako definiująca deklaracja tego ruchu. Romantycy oderwali się od klasycznej sztuki XVIII wieku, aby podkreślić realizm i emocje. Ten obraz jest szczególnie interesujący, ponieważ tak wyraźnie łączy klasycyzm i romantyzm. Kiedy Tratwa Meduzy pojawiła się na wystawie Salonu w 1819 roku, wywołało to wielki skandal, przerażający establishment. Scena opowiada prawdziwą historię rozbitej francuskiej fregaty rządowej La Méduse, którego niekompetentny kapitan i oficerowie wzięli dla siebie jedyne łodzie ratunkowe i zostawili wszystkich z wyjątkiem 15 ze 150 członków załogi i pasażerów, aby zginęli na prowizorycznej tratwie, pogrążając się w rozpaczy, dzikości i kanibalizmie. Géricault odważył się pokazać obskurny, niepokojący epizod z historii współczesnej (wrak miał miejsce w 1816 r.), Który źle odbijał się na wszystkich zaangażowanych, w sposób przypominający ogromne, uwielbiane przez tradycjonalistów wielkie obrazy heroiczne. Z jednej strony mamy do czynienia z makabrycznym poziomem realizmu (Géricault badał zwłoki, aby uzyskać właściwe szczegóły), z niezwykle energiczną pracą pędzla, która potęguje wirujący ruch i emocje. Z drugiej strony bryły i piramidalna kompozycja utrzymane są w stylu klasycznym. Mimo oburzenia obraz zyskał uznanie artystyczne Géricaulta i wywarł ogromny wpływ na innych artystów,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Śmierć Sardanapala (1827)

    Często uważany za największego z francuskich romantyków, Eugène Delacroix był prawdziwym malarzem swoich czasów. Podobnie jak jego przyjaciel Théodore Géricault , Delacroix zachował pewne elementy klasyczne ze swojego wczesnego treningu, ale wykazał się odważną energią, bogatym, indywidualistycznym użyciem koloru i zamiłowaniem do egzotyki, które uczyniły go pionierem. Ogromne płótno Śmierć Sardanapalaeksploduje na zmysły dzikim ruchem i wspaniałymi kolorami, orgią pobłażliwej egzotyki. Sardanapalus był asyryjskim władcą ze starożytnej legendy, z zamiłowaniem do ekstremalnej dekadencji. W odpowiedzi na hańbę wielkiej klęski militarnej Sardanapalus wykonał ogromny stos, na którym spalił się na śmierć wraz ze wszystkimi skarbami pałacowymi, kochankami i zniewolonymi ludźmi. Delacroix upajał się takim byronicznym dramatem. Wydaje się, że porzucił wszelkie próby realistycznej perspektywy lub spójności kompozycyjnej. Zniekształcone ciała i przedmioty wirują w koszmarnym świecie, przepełnionym intensywnymi kolorami i gorącym, przenikającym cieniem. Szczegółowe malowanie błyszczących klejnotów i bogatych tkanin wyraźnie oddaje ukazany ekstrawagancki świat, podczas gdy chłodna swoboda, z jaką Sardanapalus obserwuje chaos wokół siebie, wprowadza złowieszczy nastrój. Delacroix eksperymentuje z szarymi i niebieskimi odcieniami na ludzkiej skórze, aby nadać kształt swojemu niekonwencjonalnemu modelowaniu ciał. Łatwo zobaczyć, jak nieskrępowana eksploracja przemocy, wraz z szaloną energią i odważnymi technikami kolorowania, przemówiły do ​​późniejszych artystów. (Ann Kay)

  • Homer Deified ( Apoteoza Homera ) (1827)

    Do czasu namalowania Homera Deifieda Jean-Auguste-Dominique Ingres był samozwańczym liderem tradycyjnego, klasycznego malarstwa, walcząc z zawziętą sztuką francuskich romantyków, takich jak Eugène Delacroix . Ten konkretny obraz nie mógł być lepszym przykładem akademickiego podejścia Ingresa, a właściwie zamierzał go jako hymn pochwalny dla klasycyzmu. Chociaż miał bardziej zmysłową stronę (na przykład jego Kąpiący się ), została tutaj całkowicie stłumiona. Dzieło to, znane również jako Apoteoza Homera , przedstawia słynnego greckiego poetę jako boga koronowanego laurami przez mitologiczną postać Zwycięstwo. Dwie kobiety u jego stóp reprezentują wielkie epickie dzieła Homera,Iliada i Odyseja. Wokół niego gromadzi się uwielbiający tłum artystycznych gigantów z czasów starożytnych i współczesnych, w tym Greków: dramaturg Ajschylos oferuje pergamin po lewej stronie Homera, a ateński rzeźbiarz Fidiasz wyciąga młotek po prawej stronie. Bardziej nowoczesne postacie są zdominowane przez artystów XVII-wiecznej klasyki we Francji, takich jak dramaturg Molière i malarz Nicolas Poussin. Trójkątna, symetryczna kompozycja emanuje klasycznym idealizmem, z Homerem umieszczonym centralnie na tle antycznej świątyni noszącej jego imię. Obraz ten został źle przyjęty w momencie jego powstania. Ingres wycofał się na kilka lat do Rzymu, ale powrócił w latach czterdziestych XIX wieku, by ponownie zostać uznanym za czołowego klasycystę. Modne stało się potępienie tradycjonalizmu Ingresa, ale teraz jest on postrzegany jako wysoce wpływowy artysta o znacznych umiejętnościach technicznych. (Ann Kay)

  • Liberty Leading the People (1830)

    Dzieło to pochodzi z okresu między 1827 a 1832 rokiem, w którym Eugène Delacroixwyprodukował jedno arcydzieło po drugim. To nie jest wyjątek. Obraz namalowany dla upamiętnienia rewolucji lipca 1830 roku, który wyniósł do władzy Ludwika Filipa, stał się symbolem ducha rewolucji. Wywołało sensację na Salonie Paryskim w 1831 roku i chociaż Louis-Philippe kupił dzieło, aby zaznaczyć swoje przystąpienie, trzymał je z dala od widoku publicznego, ponieważ uznano je za potencjalnie zapalne. Obraz sprytnie łączy w monumentalny sposób współczesny reportaż z alegorią. Miejsce i czas są jasne: w oddali widać Notre Dame, a ludzie są ubrani zgodnie ze swoją klasą, a niechlujny chłopiec po prawej stronie symbolizuje potęgę zwykłych ludzi. Alegoryczna figura Wolności, która otacza scenę, trójkolorowa uniesiona nad nią, wywołała oburzenie, ponieważ zamiast uosabiać wyidealizowane piękno, wibrujący pędzel przedstawia bardzo realną kobietę - półnagą, brudną i kroczącą po zwłokach w sposób, który może sugerować, jak wolność może przynieść własny ucisk. Obraz ten pokazuje również, że Delacroix zwraca się w stronę bardziej stonowanego podejścia w późniejszych pracach, w których coraz subtelniej analizuje sposoby, w jakie kolory współpracują ze sobą, aby przekazać poczucie rzeczywistości lub wyrazić prawdę. Takie użycie koloru miałoby ogromny wpływ na przyszłych impresjonistów i modernistów w którym coraz subtelniej odkrywał sposoby, w jakie kolory współdziałają ze sobą, aby przekazać poczucie rzeczywistości lub wyrazić prawdę. Takie użycie koloru miałoby ogromny wpływ na przyszłych impresjonistów i modernistów w którym coraz subtelniej odkrywał sposoby, w jakie kolory współdziałają ze sobą, aby przekazać poczucie rzeczywistości lub wyrazić prawdę. Takie użycie koloru miałoby ogromny wpływ na przyszłych impresjonistów i modernistówPierre-Auguste Renoir i Georges Seurat do Pabla Picassa . (Ann Kay)

  • Widok Grande Galerie w Luwrze (1841)

    Syn odnoszącego sukcesy kupca tkaczy, Patrick Allan-Fraser, odrzucił możliwość pójścia za swoim ojcem do kariery handlowej na rzecz kontynuowania swoich artystycznych skłonności. Studia zaprowadziły Allana-Frasera do Edynburga, Rzymu, Londynu, a na koniec do Paryża, gdzie spotkał wspaniałą Grande Galerie w Luwrze. Podczas malowania View of the Grande Galerie of the Louvreartysta czerpał inspirację z grupy wiktoriańskich artystów znanej jako The Clique, z którą spotkał się w Londynie. Klika odrzuciła akademicką sztukę wysoką na rzecz malarstwa rodzajowego. Pozornie nieskończona Grande Galerie, rozciągająca się na ćwierć mili, była miejscem, w którym często gromadzili się artyści i rzemieślnicy, ale tutaj napotykamy pogodną atmosferę uznania i refleksji. W późniejszych latach Allan-Fraser zaangażował się w renowację i budowę wspaniałych budynków, a jego podziw dla Grande Galerie był nadrzędny podczas podejmowania tego zadania. Sporadyczne promienie światła nie tylko pozwalają obserwatorowi przyjrzeć się wykonywanej w nim aktywności, ale także ujawniają wielkość i elegancję sali. Allan-Fraser został wybrany do Królewskiej Akademii Szkockiej w 1874 roku i zamówił portrety członków kliki, z szacunkiem dla tych, którzy go zainspirowali. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot rozpoczął swoją karierę jako sukiennik, zanim zdecydował się na praktykę artystyczną. Przy wsparciu ojca studiował najpierw u Achille Etna Michallon, a następnie u Jean-Victora Bertina, choć Corot później zaprzeczył, że jego szkolenie wpłynęło na jego sztukę. Wiele podróżował przez całe życie, spędzając kilka lat we Włoszech, zwiedzając Szwajcarię i obejmując dużą część francuskiej wsi. Podczas swoich podróży wykonał liczne szkice olejne i obrazy plenerowe, które oddawały bezpośredniość światła i atmosfery; w pracowni pracował również nad obrazami w stylu wystawienniczym. Souvenir de Mortefontaineto jeden z najlepszych obrazów z jego późnej kariery. Skąpany w miękkim, rozproszonym świetle, jest dziełem całkowitego spokoju, uosobieniem lirycznej i poetyckiej asymilacji świata artysty. Scena nie jest zaczerpnięta z natury, ale łączy kluczowe elementy naturalnego otoczenia, aby stworzyć doskonały, harmonijny obraz. Pełne wdzięku drzewo na pierwszym planie, przestrzeń stojącej wody za nim i spokojne postacie zaznaczone w stonowanej kolorystyce były motywami, które artysta często wykorzystywał do oddania dzieła o pięknym, spokojnym odbiciu. Początkowo wzorując się na realistach, styl Corota rozwinął się, obejmując marzycielską, romantyczną percepcję. W związku z tym jego dzieło można uznać za coś w rodzaju pomostu między realistami a impresjonistami i rzeczywiście często określa się go jako ojca impresjonizmu.Widoki Claude'a Moneta na Sekwanę w świetle wczesnego poranka namalowane w latach dziewięćdziesiątych XIX wieku. (Tamsin Pickeral)

  • Biczowanie Chrystusa (1455–60)

    Ziemie Katalonii, skupione w Barcelonie, przeżywały wielki złoty wiek sztuki w XV wieku, a na czele tego odrodzenia stał Jaume Huguet . Huguet słynie z oszałamiających ołtarzy, które reprezentują pięknie zdobniczą sztukę religijną wytwarzaną przez katalońską szkołę w tym czasie. W centrum tego ołtarza, Chrystus jest bity przed otrzymaniem wyroku śmierci przez ukrzyżowanie. Człowiek, który wydał wyrok - rzymski namiestnik Judei Poncjusz Piłat - siedzi na wielkim tronie po prawej stronie. Wizerunek Hugueta jest wypełniony klejnotowymi kolorami i pełen drobnych szczegółów, od płytek podłogowych po tron ​​Piłata i ubranie. W kompozycji jest dobrze skonstruowana symetria: centralna pozycja Chrystusa, otoczona przez dwóch mężczyzn walczących i dwóch małych aniołów u jego stóp, cofające się płytki podłogowe, rząd łuków za Chrystusem i daleki widok na krajobraz z równe szczyty. Cały efekt jest bardzo dekoracyjny, prawie jak kawałek gobelinu. Utwór został zamówiony przez cech szewców do kaplicy Saint-Marc w katedrze w Barcelonie, dlatego w ozdobnej lamówce pojawiają się buty. Na granicach znajdują się także wizerunki orła, lwa, anioła i wołu - symbole ewangelistów, odpowiednio: św. Jana, św. Marka, św. Mateusza i św. Łukasza. Twórczość Hugueta jest w dużej mierze wzorowana na XV-wiecznych mistrzach katalońskich, takich jak Bernardo Martorell, a jego osobisty styl pomógł zdefiniować styl kataloński. (Ann Kay)

  • Starzec z małym chłopcem (ok. 1490)

    Domenico Ghirlandaio był florenckim artystą znanym ze swoich fresków i portretów. Old Man with a Young Boy to jego najbardziej rozpoznawalny wizerunek. Rysunek w Muzeum Narodowym w Sztokholmie dowodzi, że Ghirlandaio przeprowadził badania starego człowieka, w tym wady skóry na nosie. Uważa się, że mężczyzna cierpiał na oszpecający stan rhinophyma w wyniku trądziku różowatego. Ale realizm portretu jest niezwykły jak na swoje czasy. Uważa się, że uwzględnienie tej wady przez Ghirlandaio wpłynęło na późniejszych artystów, takich jak Leonardo da Vinci, aby malować ich przedmioty takimi, jakimi byli. Widza z pewnością wzrusza ta scena. Starzejąca się twarz starca kontrastuje z miękką, młodą skórą dziecka. Gdy ręka dziecka sięga do starca, ich oczy spotykają się w otwartej manifestacji uczucia. Ciepłe czerwienie podkreślają tę kochającą więź. (Mary Cooch)

  • Fortune Tellera (ok. 1508/10)

    Główna sława Lucasa van Leydena opiera się na jego niezwykłych umiejętnościach grawerskich, ale był on również utalentowanym malarzem, któremu przypisuje się bycie jednym z pierwszych, którzy wprowadzili niderlandzkie malarstwo gatunkowe. Urodzony w Lejdzie, gdzie spędził większość swojego życia, uważa się, że trenował u swojego ojca, a później u Cornelisa Engebrechtsza. W 1521 roku udał się do Antwerpii, gdzie spotkał Albrechta Dürera , który zapisał to wydarzenie w swoim dzienniku. Wydaje się, że największy wpływ na niego miała praca Dürera, chociaż van Leyden podchodził do swoich tematów z większą animacją, koncentrując się bardziej na charakterze poszczególnych postaci. Wróżka,co jest aluzją do próżności miłości i gier, zostało namalowane na początku kariery van Leydena, ale już pokazuje jego warsztat i umiejętności jako kolorysty. To studium charakteru, w którym każdy portretowany jest z żywą wrażliwością. Szczególnie urzekający jest ciemnobrody mężczyzna w tle, z jego przeszywającym spojrzeniem i złowrogą miną, która kontrastuje z bladą postacią wróżki. Powierzchnia obrazu jest bogato wzorzysta, a różne tekstury, od futra i jedwabiu po szkło i mięso, są doskonale odwzorowane. Przesunięcie kompozycji na przód płaszczyzny obrazu powoduje umieszczenie widza pośród innych postaci. Van Leyden był sławny za swojego życia i chociaż nie miał bezpośrednich uczniów, jego wpływ był głęboki na rozwój sztuki niderlandzkiej, torując drogę holenderskiej tradycji malarstwa rodzajowego. Uważa się również, że jego praca miała wpływ naRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Triumf Tytusa i Wespazji (ok. 1537)

    Urodzony Giulio Pippi, artysta tego obrazu stał się później znany jako Giulio Romano po mieście, w którym się urodził. W młodym wieku poszedł na studia do Raphaela, później został jego głównym asystentem, a po śmierci Raphaela ukończył szereg prac artysty. Wibrująca paleta i odważny styl graficzny Romano kontrastowały z subtelnością jego nauczyciela, ale Romano był liderem w swojej dziedzinie pod względem czystej wyobraźni i dramatycznego efektu iluzji osiągniętego dzięki manipulacji perspektywą. Artysta poza dokonaniami malarskimi był także architektem i inżynierem. Około 1524 roku Romano został zatrudniony przez Frederico Gonzagę, władcę Mantui, i podjął się ogromnego projektu zaprojektowania i przebudowy niektórych budynków miasta, a także szeregu projektów dekoracyjnych. Triumf Tytusa i Wespazjizostał zamówiony przez Gonzagę do Sali Cezarów w Palazzo Ducale. Przedstawia cesarza Tytusa paradującego po Rzymie po zwycięstwie nad Żydami. Kompozycja oparta jest na scenie we wnętrzu starożytnego Łuku Tytusa w Rzymie i zachowuje wiele rzeźbiarskich cech oryginału, szczególnie w postaci rydwanów Romano. Wspaniałe kolory i klasyczny motyw oddany w manierystycznym ręku Romano sprawiły, że dzieło to stało się bardzo popularne w tamtych czasach. Szczególną uwagę zwraca jego potraktowanie krajobrazu - który jest pięknie szczegółowy i skąpany w połyskującym półprzezroczystym świetle. (Tamsin Pickeral)

  • Dziewica z Dzieciątkiem i św.Anna (ok. 1510)

    Leonardo da Vinci był uczniem mistrza rzeźbiarza Andrei del Verrocchio , po czym pracował dla jednych z najbogatszych mecenasów we Francji i Włoszech, w tym dla rodziny Sforza z Mediolanu, króla Francji oraz dla Watykanu w Rzymie. Gdyby Verrocchio nie przeszedł na malowanie, aby konkurować z rywalami w czasie, gdy Leonardo był w swoim warsztacie, niektórzy uczeni uważają, że można sobie wyobrazić, że Leonardo niekoniecznie podniósłby pędzel. Chociaż jego życie i twórczość są niezmiernie ważne dla historii sztuki, obecnie w jego twórczości znajduje się około 20 obrazów, które są bezpiecznie przypisywane. Dziewica, jej matka Anna i Dzieciątko Jezus, bohaterowie tego obrazu, są razem jednym z najpopularniejszych tematów Leonarda, o czym świadczy kilka rysunków i obrazów. Należą do nich zaginiona kreskówka z 1501 r. I Matka Boska z Dzieciątkiem ze św. Anną i św. Janem Chrzcicielem (ok. 1508 r., Znana jako komiks Burlington House); można przypuszczać, że ta ostatnia kreskówka miała zostać rozwinięta w duże, w pełni namalowane dzieło, nie ma jednak dowodów na to, że próbowano tego malować kiedykolwiek. Tutaj jednak Dziewica Maryja spoczywa na kolanach św. Anny, podczas gdy Chrystusowe dziecko w żartobliwy sposób pieści młodego ofiarnego baranka, zapowiedzianego wcielenia losu niemowlęcia. Mały rysunek piórem i tuszem przedstawiający Dziewicę z Dzieciątkiem ze św. Annąznajduje się w zbiorach Akademii w Wenecji. Nieformalne postawy i delikatne psychologiczne zaangażowanie między opiekunami to najwyższy szczyt malarstwa religijnego. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    W jakim stał się jednym z Antonello da Messina „s najbardziej znanych obrazówartysta przedstawia wodza wojskowego Włoch, zwanego kondotierem. (Prawdziwa tożsamość człowieka jest jednak nieznana). Do XIX wieku Włochy składały się z szeregu niezależnych państw-miast, a kondotierów cieszyło się dużym popytem w bitwach między konfliktami. Antonello interesuje pokazanie rangi swojego opiekuna: siedzi na czarnym tle w podstawowej odzieży i nakryciu głowy, z dobrą postawą, podnosząc w ten sposób swój status ponad zwykłego wojownika. Rzeczywiście, podmiot Antonello miał zapewne bogactwo, by pozwolić sobie na tytuł bliższy tytułowi dżentelmena, a on zamówiłby ten portret, aby podkreślić swoją pozycję społeczną. Jednak Antonello przypomina widzowi, że ten człowiek jest bezwzględnym wojownikiem. Bliższe spojrzenie na Condottieroujawnia szczegóły, takie jak rana wojenna na górnej wardze opiekuna. (William Davies)

  • Mona Lisa (ok. 1503–09)

    Leonardo da Vinci rozpoczął życie jako nieślubny syn toskańskiego notariusza i prawdopodobnie stał się najczęściej dyskutowanym malarzem na świecie. Niekończąca się fascynacja uczonych i publiczności nastąpiła praktycznie od dnia, w którym zaczął pisać i malować. Był też człowiekiem z wadami i ograniczeniami. Urodził się w toskańskim miasteczku Anchiano niedaleko Vinci i przeniósł się do Florencji w młodym wieku, aby uczyć się jako praktykant u Andrei del Verrocchio, słynnego rzeźbiarza dnia. Od tych wczesnych lekcji Leonardo dogłębnie docenił trójwymiarową przestrzeń, koncepcję, która dobrze mu służyła przez całą jego karierę, niezależnie od tego, czy malował, czy rysował zawiłości roślin lub części ludzkiego ciała, maszyn wojennych czy publicznych wodociągów. geometria matematyczna lub lokalna geologia. Nazwa tego obrazu , która nie była używana aż do XIX wieku, pochodzi od wczesnej relacji Giorgio Vasariego , która jest jednocześnie jedyną identyfikacją opiekuna. Mona Lisa, znana również jako Lisa Gherardini, została namalowana w wieku około dwudziestu lat, po ślubie z kupcem jedwabiu Francesco del Giocondo, mężczyzną, który mógł zlecić wykonanie portretu. Do dziś Włosi znają ją jako La Gioconda, a Francuzi jakoLa Joconde , co dosłownie tłumaczy się jako „żartobliwy (lub zabawny)”. W nowszych dziejach sława obrazu może również częściowo wynikać z faktu, że został skradziony z Luwru w Paryżu w sensacyjnym napadzie w 1911 r. Przez włoskiego nacjonalistę, ale na szczęście został zwrócony dwa lata później. (Steven Pulimood)

    [Chcesz dowiedzieć się więcej o tym, dlaczego Mona Lisa jest tak sławna? Przeczytaj ten Demystified by Britannica.]

  • Miłość (1518–1919)

    W 1518 roku Franciszek I francuski wezwał malarza florenckiego Andreę del Sarto na swój francuski dwór, gdzie włoski artysta mieszkał przez rok. Miłość jest jedynym zachowanym obrazem z jego francuskiego pobytu; został namalowany dla Château d'Amboise. Dzieło jest typowe dla obrazów preferowanych w tym czasie przez francuską rodzinę królewską. Przedstawia postać Miłosierdzia w otoczeniu dzieci, które pielęgnuje i chroni. Było to alegoryczne przedstawienie francuskiej rodziny królewskiej i obchodziło narodziny Delfina, którego symbolizuje ssanie dziecka, a postać Miłosierdzia przypomina królową. Piramidalna budowa kompozycji jest typowa dla tradycyjnej formy dla tego typu malarstwa, a także odzwierciedla wpływLeonardo da Vinci na Andrea del Sarto. W szczególności artysta podziwiał Dziewicę i Dzieciątko Leonarda ze św . Anną . (Tamsin Pickeral)

  • Ścięcie św. Jerzego (ok. 1432–34)

    Bernardo Martorell pracował w Barcelonie i prawdopodobnie uczył go Luis Borrassá, najpłodniejszy kataloński malarz tamtych czasów. Martorellowi przypisuje się zdecydowanie tylko jedną zachowaną pracę - Ołtarz św. Piotra z Pubol (1437), który znajduje się w Muzeum Gerony we Włoszech. Jednak Ołtarz św. Jerzego jest tak charakterystyczny w stylu Martorella, że ​​większość znawców uważa, że ​​to on był artystą. Ołtarz powstał dla kaplicy św. Jerzego w Pałacu w Barcelonie. Składa się z panelu centralnego przedstawiającego św. Jerzego zabijającego smoka , który obecnie mieści się w Instytucie Sztuki w Chicago, oraz czterech paneli bocznych, które znajdują się w Luwrze we Francji. Ten panel bocznystanowi ostatnią część narracji i przedstawia wojowniczość św. Jerzego. Wydaje się, że legenda o św. Jerzym pochodzi z pism Euzebiusza z Cezarei, datowanych na IV wiek n.e. Podobno był rzymskim żołnierzem szlachetnie urodzonym, skazanym na śmierć w 303 roku n.e. za protestowanie przeciwko prześladowaniom chrześcijan. Został kanonizowany w X wieku i został patronem żołnierzy. Legenda o św. Jerzym była szeroko rozpowszechniona w Europie w średniowieczu i chociaż historia świętego zabijającego smoka wydaje się bardziej mitologiczna niż cudowna, jest powtarzana na wielu średniowiecznych obrazach. W tej ostatniej scenie z legendy, gdy św. Jerzy zostaje ścięty, z ognistoczerwono-złotego nieba pada błyskawica. Stylem może być międzynarodowy gotyk, ale przerażone twarze, hodowla koni, przewracające się ciała, a mistrzowskie posługiwanie się światłem należy do Martorell. (Mary Cooch)