Diversen

29 schilderijen die je alleen in het Louvre kunt bezoeken


  • Portret van een vrouw (3e eeuw)

    Dit sarcofaagportret komt uit de regio Fayum en werd geschilderd in de Grieks-Romeinse periode. Het woord Fayum verwijst naar een zeer vruchtbare regio ten zuidwesten van Caïro. Het was gecentreerd rond een kunstmatig meer, Lake Qaroun, een ambitieus technisch project dat dateert uit de 12e dynastie, gebouwd in een natuurlijke vallei. De mensen van de Fayum-vallei kwamen uit Egypte, Griekenland, Syrië, Libië en andere delen van het Romeinse rijk. Ze verbouwden gewassen, waaronder tarwe en gerst; de vis uit het meer werd in heel Egypte als een grote delicatesse beschouwd; en, onder de heerschappij van Amenemhet III(12e dynastie), werd het gebied beroemd om weelderige tuinen en overvloedige fruitbomen. Tegenwoordig staat de regio bekend om het aantal papyrusdocumenten dat in de 19e en 20e eeuw is opgegraven, evenals om de vele "Fayum-portretten" die door archeologen zijn blootgelegd. Deze levensgrote portretten werden blijkbaar gebruikt om huizen te versieren, maar ook voor begrafenisdoeleinden. De encaustische techniek bestond uit het smelten van was en het mengen met pigmentatie en misschien lijnzaadolie of ei, en het vervolgens als verf op hout of linnen aan te brengen. Dit geschilderde portretziet er verrassend modern uit. De heldere ogen en prominente neus van de vrouw en de zorgvuldige weergave van de sieraden door de kunstenaar suggereren dat dit als een herkenbaar portret is geschilderd. Kunsthistorici geven de Fayum-regio vaak de eer aan de geboorte van realistische portretten, en de vele portretten die in deze regio zijn ontdekt, vertegenwoordigen een tijd van baanbrekende artistieke experimenten. (Lucinda Hawksley)

  • Zomer (1573)

    Giuseppe Arcimboldo was zeer succesvol tijdens zijn leven, maar na zijn dood raakte zijn werk snel uit de mode en werd de belangstelling ervoor pas aan het einde van de 19e eeuw nieuw leven ingeblazen. Stilistisch passen zijn fantastische en fantasierijke schilderijen in de populaire wereld van maniëristische kunst. Vooral de hoven in heel Europa gaven in de 16e eeuw de voorkeur aan dit soort geestige en slimme illusionaire schilderkunst, en het bewijs hiervan was de langdurige opdracht van Arcimboldo als schilder aan het Habsburgse hof tussen 1562 en 1587. De zomer maakt deel uit van de serie Vier seizoenen die de kunstenaar geschilderd voor keizer Maximiliaan IIin 1573. Dit was een onderwerp dat Arcimboldo tijdens zijn carrière verschillende keren schilderde, en het werd er een dat buitengewoon populair werd. Hij schilderde voor het eerst een serie Four Seasons in 1562, en zijn fantasierijke concept om een ​​hoofd te maken uit een verzameling groenten en fruit werd met groot enthousiasme ontvangen. Arcimboldo's hoofse taken voor Maximiliaan bleven niet beperkt tot de schilderkunst - de kunstenaar werd ook geroepen als decorontwerper, architect en ingenieur. Later, toen hij voor keizer Rudolph II werkte, werd hij ook belast met het zoeken naar antiek en zeldzame kunstvoorwerpen voor de verzameling van de keizer. Arcimboldo's schilderijen creëren een door en door surrealistisch effect, en ze behoren zeker tot de meest fantasierijke en slim bedachte van zijn tijd. (Tamsin Pickeral)

  • Vissen (c.1588)

    Annibale Carracci werd geboren in de regio Bologna en werd samen met zijn broer en neef erkend als een van de belangrijkste schilders van de Bolognese School. Hij was een bijzonder bekwaam tekenaar en legde grote nadruk op correct tekenen, waarbij hij vaak scènes uit het leven afbeeldde en deze in een denkbeeldig of geïdealiseerd landschap plaatste. De thema's jagen en vissen waren in die tijd populair bij de decoratie van villa's in Bologna. Vissen werd geschilderd als een metgezel voor een ander werk van Carracci, Hunting. Op basis van hun afmetingen zijn beide waarschijnlijk ontworpen om over deuropeningen in een woonvilla te hangen. De twee werken werden geschilderd in het begin van Carracci's carrière, en voorafgaand aan zijn verhuizing naar Rome in 1584, maar ze tonen al de zeer bekwame stijl van de kunstenaar. In dit werk heeft hij een aantal verschillende scènes in één schilderij gecombineerd en zijn compositie slim bedacht, zodat het oog van de voorgrond naar elke groep mensen en naar de achtergrond wordt geleid, zonder enig detail te missen. De cijfers zijn waarschijnlijk gebaseerd op studies direct uit de natuur en vervolgens gecombineerd met het landschap. Dit schilderij is intrigerend omdat het laat zien dat Carracci zijn gebruik van gebaren ontwikkelt, te zien in de aanwijzende figuur aan de rechterkant. Het gebruik van overtuigende en gearticuleerde gebaren was een van de bijzondere vaardigheden van Carracci, die latere schilders uit de barokperiode beïnvloedden. Ook duidelijk is Carracci's meeslepende gebruik van landschap, dat prachtig is samengesteld in een helder doorschijnend licht. (Tamsin Pickeral)

  • Opwekking van Lazarus (ca.1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, bijgenaamd Il Guercino, werd in armoede geboren in het stadje Cento, tussen Ferrara en Bologna in Italië. Als kunstenaar was hij grotendeels autodidact. Hij werd een van de belangrijkste schilders van de Bolognese school en nam bij zijn dood het drukke atelier van Guido Reni over (ironisch, aangezien uit verslagen blijkt dat Guercino door Reni met ambivalentie werd beschouwd). Guercino's stijl veranderde behoorlijk dramatisch tijdens zijn leven, met werken zoals deze uit het begin van zijn carrière die een zeer barokke benadering lieten zien met dramatisch gebruik van contrasterende lichten en donker. Typisch voor barokke schilderijen, de compositie is gecompliceerd en vol dramatische gebaren, energie en gevoel. De figuren zijn op de voorgrond gepropt, bijna alsof ze deel uitmaken van een fries, terwijl het midden en de achtergrond vrijwel onzichtbaar zijn. Deze techniek plaatst de kijker bijna in hetzelfde ruimtelijke vlak als de figuren op het schilderij en roept zo een krachtige emotionele reactie op. Het is die van de dode Lazarus die door Jezus werd opgewekt. Guercino doordrenkt de scène met een vervoerde intensiteit en een spirituele vurigheid die tijdens zijn periode enorm zou zijn bewonderd. Een paar jaar voordat dit schilderij werd uitgevoerd, had Guercino de kunstenaar ontmoetLudovico Carracci en werd geïnspireerd door Carracci's omgang met kleur en emotie. Carracci's invloed is waarneembaar in Guercino's Raising of Lazarus , hoewel dit werk al met al energieker van stijl is. Guercino, een productief en gewild kunstenaar, stierf als een rijke man. (Tamsin Pickeral)

  • St. Joseph de Timmerman (1635-1640)

    Het verhaal van het leven en werk van Georges de La Tour is fragmentarisch. Hoewel hij tijdens zijn eigen leven succes genoot, raakte La Tour eeuwenlang in de vergetelheid - zijn werk werd aan het begin van de 20e eeuw herontdekt. Als Franse schilder wordt vaak beweerd dat hij werd beïnvloed door de schilderijen van Caravaggio . Het kan echter zijn dat La Tour het werk van Caravaggio niet kende en dat hij onafhankelijk de effecten van schaduw en licht van een enkele kaars onderzocht. La Tour, een vrome rooms-katholiek, schilderde vaak religieuze taferelen. Hij keerde verschillende keren terug naar het thema van het berouw van Maria Magdalena en schilderde ook deze ontroerende scènevan Jozef die Jezus onderwees in de timmermanswinkel. De stijl is realistisch, gedetailleerd en zorgvuldig gepland - Jezus houdt de kaars vast omdat hij, in het christelijk geloof, het licht van de wereld is dat de duisternis van de wereld verlicht. (Lucinda Hawksley)

  • De klompvoet (1642)

    Weinigen zouden gefascineerd zijn door deze genrefoto van een duidelijk gehandicapte bedelaar uit Napels die hen brutaal met een brede grijns aankeek. De in Spanje geboren José de Riberabracht het grootste deel van zijn carrière door in Napels, dat toen onder controle stond van Spanje, en werd de belangrijkste kunstenaar van de stad. Hij was waarschijnlijk gewoon van plan een Napolitaanse bedelaarjongen te portretteren, aangezien hij een grote belangstelling had voor gewone mensen. De manier waarop hij realisme met traditie heeft vermengd, luidde echter een nieuwe richting in de kunst in. Het leven lachte deze bedelaar niet toe, maar hij is opgewekt uitdagend. Hij draagt ​​zijn kruk parmantig over zijn schouder en houdt nonchalant, in plaats van wanhopig, het papier voor dat hem toestemming geeft om te bedelen, wat destijds in Napels verplicht was. Er staat in het Latijn: "Geef me een aalmoes voor de liefde van God." In plaats van gehurkt in een vuile zijstraat te worden getoond, staat hij rechtop tegen een sereen landschap dat herinnert aan historische, mythologische en religieuze werken die in klassieke stijl zijn geschilderd. Ribera geeft hem een ​​indrukwekkend postuur, groter gemaakt door het lage standpunt, en een menselijke waardigheid. Zijn bedelaar zou bijna een kleine prins kunnen zijn. De losse penseelvoering wordt zachter op het landschap, waardoor de jongen nog meer opvalt. Het vermogen van Ribera om met realisme en menselijkheid een gevoel van de individualiteit van mensen over te brengen, had een grote impact op de westerse kunst en in het bijzonder op de Spaanse school. (Ann Kay)

  • Gezicht op een interieur ( The Slippers ) (1654-1662)

    Samuel van Hoogstraten was een bekwaam schilder van portretten en interieurs die zich bezighielden met het juiste gebruik van perspectief. Uitzicht op een interieur , traditioneel The Slippers genoemd, illustreert het karakteristieke gebruik van Nederlandse tegelvloeren door de kunstenaar om de diepte van het beeld te accentueren. Dit wordt benadrukt door de duidelijk teruglopende afbeeldingsvlakken, gemarkeerd door de omlijsting van de afbeelding, de deurkozijnen en tenslotte de twee afbeeldingen aan de achterkant van het schilderij. Door een deel van de openstaande deur op de voorgrond te laten zien, plaatst de kunstenaar de toeschouwer in de deuropening, wat het illusoire effect van het schilderij versterkt. Het onderwerp van Hoogstraten wordt gezinspeeld door de subtiele details. De weggegooide bezem, huisslippers en het gesloten boek (het lezen is onderbroken) geven aan dat er net buiten het zicht een amoureuze relatie plaatsvindt. De zacht moraliserende toon van het schilderij was er een waar Hoogstraten meerdere keren op terugkwam. (Tamsin Pickeral)

  • De bedevaart naar Cythera (1717)

    In 1717 presenteerde Jean-Antoine Watteau deze foto aan de Franse Academie als zijn diploma-stuk. Het werd geprezen als zijn beste werk en het werd een belangrijke invloed op de opkomende rococostijl. Het onderwerp begon als een illustratie van een klein toneelstuk. In Les Trois Cousines van Florence Dancourt, een meisje verkleed als pelgrim stapt uit de koorlijn en nodigt het publiek uit om met haar op reis te gaan naar Cythera - het eiland van de liefde, waar iedereen zijn ideale partner zal ontmoeten. Watteau's eerste versie van het thema, daterend omstreeks 1709, was een zeer letterlijke weergave, maar hier heeft hij het theatrale kader achterwege gelaten en heeft hij het incident in een dromerige, romantische fantasie veranderd. Het is veelbetekenend dat hij ervoor heeft gekozen om het einde, in plaats van het begin, van de reis te portretteren. De geliefden hebben het beeld van Venus aan de rechterkant met bloemen in paren gerangschikt en staan ​​op het punt naar huis terug te keren. Door op dit moment te focussen, wist de kunstenaar de sfeer van zachte melancholie te creëren die zo kenmerkend is voor zijn werk. Terwijl de meeste stellen zich klaarmaken om te vertrekken, zijn er twee geliefden gebleven bij het heiligdom van de godin, betoverd door liefde en blind voor al het andere. Een van de vertrekkende vrouwen draait zich om en kijkt hen bedroefd aan, zich ervan bewust dat dit deel van de liefde het meest vluchtige is. Na de dood van Watteau raakte zijn kunst dramatisch uit de mode. Voor velen leken zijn afbeeldingen van amoureuze escapades te nauw verbonden met de oude dagen van de monarchie. Tijdens de Revolutionaire periode gebruikten kunststudenten de zijneCythera voor schietoefeningen , met broodpellets erop. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (voorheen bekend als Gilles ) (c. 1718-1719)

    Dit is een van de laatste schilderijen die Jean-Antoine Watteau in zijn korte carrière maakte. Het toont een clown die naar zijn publiek staart, met een weemoedige uitdrukking die de melancholische stemming van de kunstenaar kan weerspiegelen. Gilles was een generieke naam voor een clown in Frankrijk, waarschijnlijk afkomstig van Gilles le Niais, een 17e-eeuwse acrobaat en komiek. Tegen Watteau's tijd was er een aanzienlijke overlap tussen dit personage en Pierrot, de leidende clown in de commedia dell'arte, een Italiaanse theatertraditie die enorm populair was in Frankrijk. Beide figuren speelden de onschuldige dwaas die de favoriet van het publiek werd - een prototype voor Charlie Chaplin en Buster Keaton. Dit schilderijis waarschijnlijk gemaakt als een theatraal uithangbord dat is ontworpen om voorbijgangers tot een show te verleiden. Het is mogelijk gemaakt voor de première van Danaë , een komedie waarin een van de personages in een ezel werd veranderd. Als alternatief heeft het misschien reclame gemaakt voor de optochten - de korte, kluchtige schetsen voorafgaand aan de hoofdopvoering. Hierin werd vaak een ezel over het podium geleid om de pure domheid van Gilles te symboliseren. Watteau gebruikte een kleinere versie van deze clown als hoofdfiguur in The Italian Comedians , een foto die hij rond 1720 voor zijn arts maakte. In beide gevallen deed de sombere figuur van Gilles denken aan een Ecce Homo("Behold the Man") schilderij. Dit populaire religieuze thema beeldde een episode uit in het lijdensverhaal van Christus, toen Pontius Pilatus Jezus aan de mensen voorstelde, in de hoop dat ze zouden oproepen tot zijn vrijlating. In plaats daarvan riep het gepeupel om zijn kruisiging. (Iain Zaczek)

  • Stilleven met fles olijven (1760)

    De in Parijs geboren Jean-Baptiste Siméon Chardin verzette zich tegen de wensen van zijn vader, een meubelmaker, om in zijn voetsporen te treden en werd in plaats daarvan een leerling in het atelier van Pierre-Jacques Cazes en Noel- Noël Coypelin 1719. Zijn hele leven bleef Chardin een loyaal lid van de Franse Academie, maar ondanks zijn succes werd hem verhinderd professor te worden omdat hij werd genomineerd als schilder "op het gebied van dieren en fruit". De vroege stillevens waar hij het meest bekend om staat, werden in korte tijd voltooid en demonstreerden de snelheid waarmee hij zijn meesterlijke techniek verwierf. Geschat wordt dat een kwart van zijn totale productie vóór 1732 werd geproduceerd. Zijn stijl wordt gekenmerkt door een rijk gestructureerd penseelwerk dat veel te danken heeft aan de Nederlandse schilderkunst, met name aan de invloed van Rembrandt bij de omgang met verf. Dit onderscheidt zijn werk van de meer bekende stijl van de 18e-eeuwse Franse schilderkunst. Chardin schilderde eenvoudige huiselijke taferelen en vertrouwde huishoudelijke artikelen. Echter,Stilleven met fles olijven is typerend voor zijn ingetogen humeur, zachte verlichting en griezelig realisme waardoor alledaagse voorwerpen en scènes een magische uitstraling krijgen. Het is geen verrassing dat zijn bewonderaars hem 'de grote tovenaar' noemden. Zijn talent lag in het produceren van schilderijen van perfecte volledigheid met onaangetaste maar allerhoogste technische vaardigheid. (Roger Wilson)

  • The Bolt (c.1777)

    Jean-Honoré Fragonard was een van de toonaangevende schilders in de rococostijl. Zijn foto's waren lichtzinnig maar sensueel en typeerden de elegantie van het Franse hofleven in de jaren voorafgaand aan de revolutie van 1789. Bij zijn tijdgenoten stond Fragonard vooral bekend als een meester in de sujets légers (lichte onderwerpen). Deze thema's waren openlijk erotisch, maar werden behandeld met een zekere smaak en delicatesse waardoor ze acceptabel waren, zelfs in koninklijke kringen. Het spreekt inderdaad boekdelen over de mode van de dag dat deze foto in opdracht lijkt te zijn gemaakt als een begeleidend stuk voor een religieus schilderij. Volgens een vroege bron benaderde de markies de Véri de kunstenaar op zoek naar een foto om naast een van Fragonard's zeldzame devotionele afbeeldingen te hangen - The Adoration of the Shepherds. Voor moderne ogen lijkt dit misschien een vreemde nevenschikking, maar Véri heeft de combinatie waarschijnlijk bedoeld om heilige en profane liefde te vertegenwoordigen - een artistiek thema dat populair was sinds de Renaissance. Meestal brachten kunstenaars dit idee over in een enkele foto, maar soms combineerden ze een schilderij van Eva met een onderwerp dat betrekking had op de Maagd Maria (die vaak werd gezien als de nieuwe Eva). Hier is de appel, die prominent op tafel staat, een conventionele verwijzing naar Eva's verleiding in de Hof van Eden. De Bolt werd geverfd toen de Rococo-stijl uit de mode begon te raken, maar de dramatische verlichting en de hoge mate van afwerking laten zien dat Fragonard zich aanpaste aan de neoklassieke stijl, die in zwang kwam. (Iain Zaczek)

  • Eed van de Horatii (1784)

    Jacques-Louis David is misschien wel de meest buitengewone politieke propagandaschilder uit de geschiedenis. Als hofschilder van Napoleon is veel van wat we weten over de mythische persoonlijkheid van de keizer en de iconografie van de Franse Revolutie afkomstig van Davids theatrale, allegorische schilderijen. David was de vader van de neoklassieke kunstbeweging, die klassieke mythen en geschiedenis afbeeldde als analoog aan de hedendaagse politiek. Eed van de Horatiivertelt het verhaal, opgetekend rond 59 vGT door de Romeinse historicus Livius, van zonen uit twee families, de drie gebroeders Horatii en de drie gebroeders Curiatii, die vochten in de oorlogen tussen Rome en Alba rond 669 vGT. De mannen moeten vechten, maar een van de vrouwen uit de Curiatii-familie is getrouwd met een van de Horatii-broers en een Horatii-zus is verloofd met een broer in de Curiatii-familie. Ondanks deze banden spoort Horatii senior zijn zonen aan om tegen de Curiatii te vechten en ze gehoorzamen, ondanks de klaagzangen van hun verdrietige zusters. Bij het verbeelden van het moment waarop de mannen politieke idealen verkozen boven persoonlijke motieven, vraagt ​​David de kijkers om deze mannen te beschouwen als rolmodellen tijdens hun eigen politiek tumultueuze tijd. Zowel bezorgd over realisme in de schilderkunst als over idealisme in de politiek, David reisde naar Rome om de architectuur naar het leven te kopiëren. Het resultaat was een enorm succes toen het schilderij werd tentoongesteld in de Salon van 1785 in Parijs. Davids schilderijen resoneren nog steeds krachtig bij kijkers omdat de kracht van zijn vaardigheid bij uitstek genoeg was om zijn sterke overtuigingen tot uitdrukking te brengen. (Ana Finel Honigman)

  • Mevrouw Récamier (1800)

    Dit wordt algemeen erkend als Jacques-Louis David ‘s mooiste portret. Met zijn gratie, eenvoud en economie wordt het ook beschouwd als een van de meest succesvolle voorbeelden van neoklassieke kunst. Davids model, Juliette Récamier, was de lieveling van de Parijse samenleving. Ze was de vrouw van een rijke bankier uit Lyon, hoewel ze de aandacht kreeg van een hele reeks andere mannen, die allemaal bescheiden werden afgewezen. David liet zich inspireren door de deugdzame reputatie van Récamier. Met haar blote voeten, witte jurk en antieke accessoires lijkt ze op een hedendaagse vestaalse maagd. Dit wordt versterkt door de pose. De blik van de vrouw is openhartig en direct, maar haar lichaam is afgewend, ongenaakbaar. De portretbijeenkomsten verliepen niet soepel: de schilder was geïrriteerd door Juliette's aanhoudende onstiptheid, terwijl ze bezwaar had tegen enkele van de artistieke vrijheden die ze had genomen. Ze vond het vooral kwalijk dat David de tint van haar haar lichter maakte, omdat het niet bij zijn kleurenschema paste. Als gevolg hiervan heeft ze een ander portret laten maken bij een van de leerlingen van de kunstenaar. Toen hij dit hoorde, weigerde David verder te gaan. 'Mevrouw,' zou hij hebben verklaard, 'dames hebben hun grillen; schilders ook. Sta mij toe de mijne tevreden te stellen. Ik zal je portret in zijn huidige staat houden. " Deze beslissing kan gunstig zijn geweest, want de grimmige ernst van de foto geeft het veel van zijn impact. De lamp en enkele van de andere details zouden zijn geschilderd door Davids student Ik zal je portret in zijn huidige staat houden. " Deze beslissing kan gunstig zijn geweest, want de grimmige ernst van de foto geeft het veel van zijn impact. De lamp en enkele van de andere details zouden zijn geschilderd door Davids student Ik zal je portret in zijn huidige staat houden. " Deze beslissing kan gunstig zijn geweest, want de grimmige ernst van de foto geeft het veel van zijn impact. De lamp en enkele van de andere details zouden zijn geschilderd door Davids studentJean-Auguste-Dominique Ingres . De laatste was zeker onder de indruk van de foto, want hij leende de pose van Récamier voor een van zijn meest gevierde werken, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    In 1801, na zijn studie bij Jacques-Louis David , won de Franse kunstenaar Jean-Auguste-Dominique Ingres de prestigieuze Prix de Rome. Dit was een prijs die werd uitgereikt door de Franse Academie Royale, die hun beste artiesten betaalde om vier jaar Rome te bezoeken en de Italiaanse meesters uit het verleden te bestuderen. Helaas kon de staat het zich op dit moment niet veroorloven om kunstenaars naar Italië te sturen vanwege de falende economie van Frankrijk. Ingres ging uiteindelijk in 1808 naar Rome. The Batherwas een van Ingres 'eerste schilderijen die in Italië werd uitgevoerd, en hoewel de kunstenaar omringd was door eeuwen aan belangrijke renaissancekunst, breekt het met de traditie. In plaats van de identiteit van zijn onderwerp prijs te geven, heeft Ingres zijn bijna monumentale onderwerp van de toeschouwer af gericht met haar torso licht gedraaid om haar rug te openen. Hierdoor kan de kijker de bader bewonderen (en objectiveren) zonder dat ze ons uitdaagt - ze blijft anoniem, onbepaald, haar karakter onontcijferbaar. Ingres 'latere werken van vrouwelijke naakten namen vaak meer frontale poses aan. Het is interessant om op te merken dat Ingres 'beperkte palet van groen, crèmes en bruin verandert van de donkere tinten van het gordijn aan de linkerkant naar de lichte tinten van de achtergrond en het bedovertrek aan de rechterkant. Deze gradatie van toon kan worden gezien als een echo van de symbolische aard van baden, een handeling die iemands ziel reinigt en zuivert: naarmate de oppas zich van het bad verwijdert, wordt ze witter en daardoor zuiverder. (William Davies)

  • Het vlot van de Medusa (1819)

    Weinig mensen konden naar dit schilderij kijken en niet overweldigd worden door zijn passie en kracht. Geschilderd door de drijvende kracht achter de Franse romantiek, Théodore Géricault , wordt het nu gezien als het bepalende statement van die beweging. De romantici maakten zich los van de klassieke 18e-eeuwse kunst om realisme en emotie te benadrukken. Dit schilderij is vooral interessant omdat het een duidelijke brug slaat tussen classicisme en romantiek. Toen The Raft of the Medusa op de Salon-tentoonstelling van 1819 verscheen, veroorzaakte dit een groot schandaal, dat het establishment met afschuw vervulde. De scène vertelt het waargebeurde verhaal van het schipbreukelingen fregat La Méduse van de Franse regering, waarvan de incompetente kapitein en officieren de enige reddingsboten voor zichzelf namen en op vijftien na alle van de 150 bemanningsleden en passagiers lieten omkomen op een geïmproviseerd vlot, verzonken in wanhoop, wreedheid en kannibalisme. Géricault durfde een smerige, verontrustende episode uit de hedendaagse geschiedenis te laten zien (het wrak vond plaats in 1816) die een slechte weerslag had op alle betrokkenen, op een manier die leek op de enorme heroïsche geschiedenisschilderijen waar traditionalisten zo van hielden. Enerzijds is er hier een macaber niveau van realisme (Géricault bestudeerde lijken om de details goed te krijgen), met buitengewoon energieke penseelvoering die de wervelende beweging en emotie versterkt. Aan de andere kant zijn de lichamen en piramidevormige compositie klassiek van stijl. Ondanks de verontwaardiging kreeg de foto artistieke goedkeuring voor Géricault en had het een enorme invloed op andere kunstenaars,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • De dood van Sardanapalus (1827)

    Eugène Delacroix , vaak gezegd de grootste van de Franse romantici te zijn, was echt een schilder van zijn tijd. Net als zijn vriend Théodore Géricault behield Delacroix bepaalde klassieke elementen uit zijn vroege opleiding, maar toonde hij een gedurfde energie, een rijk, individualistisch kleurgebruik en een voorliefde voor het exotische die hem tot een pionier maakten. Het enorme doek The Death of Sardanapalusexplodeert op de zintuigen met wilde beweging en weelderige kleuren, een orgie van toegeeflijk exotisme. Sardanapalus was een Assyrische heerser van een oude legende met een voorliefde voor extreme decadentie. Als reactie op de schande van een grote militaire nederlaag, maakte Sardanapalus een enorme brandstapel waarop hij zichzelf verbrandde, samen met al zijn paleisschatten, minnaressen en tot slaaf gemaakte mensen. Delacroix genoot van zo'n Byronic-drama. Hij lijkt elke poging tot realistisch perspectief of compositorische samenhang te hebben laten varen. Vervormde lichamen en objecten dwarrelen rond in een wereld van nachtmerries, verstikt door intense kleuren en hete, naderende schaduw. De gedetailleerde schildering van glinsterende juwelen en rijke stoffen geeft duidelijk de extravagante wereld weer die wordt afgebeeld, terwijl de koele afstandelijkheid waarmee Sardanapalus de chaos om hem heen overziet een sinistere sfeer opwekt. Delacroix experimenteert met grijze en blauwe tinten op de menselijke huid om vorm te geven aan zijn onconventionele modellering van lichamen. Het is gemakkelijk in te zien hoe de ongeremde verkenning van geweld, samen met de hectische energie en gedurfde kleurtechnieken, boekdelen sprak voor latere kunstenaars. (Ann Kay)

  • Homer vergoddelijkt ( The Apotheosis of Homer ) (1827)

    Tegen de tijd dat Homerus vergoddelijkt werd geschilderd, was Jean-Auguste-Dominique Ingres een zelfbenoemde leider van de traditionele, klassieke schilderkunst, en nam hij het op tegen de eigenzinnige kunst van Franse romantici zoals Eugène Delacroix . Dit specifieke schilderij zou nauwelijks een beter voorbeeld kunnen zijn van Ingres 'academische benadering, en eigenlijk bedoelde hij het als een lofzang op het classicisme. Hoewel hij een meer sensuele kant had (bijvoorbeeld zijn The Bather ), is die hier volledig onderdrukt. Dit werk, ook bekend als De apotheose van Homerus , toont de beroemde dichter van het oude Griekenland als een god die met lauweren wordt gekroond door de mythologische figuur Victory. Twee vrouwen aan zijn voeten vertegenwoordigen de grote epische werken van Homerus,De Iliad en The Odyssey. Om hem heen bundelt een bewonderende menigte artistieke reuzen uit de oudheid en de moderne tijd, waaronder mede-Grieken: de toneelschrijver Aeschylus biedt links van Homerus een perkament aan, terwijl de Atheense beeldhouwer Phidias rechts een hamer uitstrekt. De modernere figuren worden gedomineerd door kunstenaars uit de 17e-eeuwse klassieke periode van Frankrijk, zoals toneelschrijver Molière en schilder Nicolas Poussin. De driehoekige, symmetrische compositie straalt klassiek idealisme uit, waarbij Homerus centraal staat tegen een antieke tempel die zijn naam draagt. Dit schilderij werd slecht ontvangen toen het werd gemaakt. Ingres trok zich een paar jaar terug in Rome, maar keerde in de jaren 1840 terug om opnieuw te worden geprezen als een vooraanstaand classicus. Het werd modieus om Ingres 'traditionalisme te verdoemen, maar hij wordt nu gezien als een zeer invloedrijke kunstenaar met een aanzienlijke technische vaardigheid. (Ann Kay)

  • Liberty Leading the People (1830)

    Dit werk behoort tot de periode tussen 1827 en 1832 waarin Eugène Delacroixproduceerde het ene meesterwerk na het andere. Dit is geen uitzondering. Geschilderd ter herdenking van de revolutie van juli 1830 die Louis-Philippe aan de macht bracht, is het beeld de geest van de revolutie gaan symboliseren. Het veroorzaakte een sensatie op de Parijse Salon van 1831, en hoewel Louis-Philippe het werk kocht om zijn toetreding te markeren, hield hij het uit de buurt van de publieke opinie omdat het als potentieel opruiend werd beschouwd. De foto combineert op een slimme manier hedendaagse reportage met allegorie op een monumentale manier. Plaats en tijd zijn duidelijk: de Notre Dame is zichtbaar in de verte en mensen zijn gekleed volgens hun klasse, met de sjofele jongen aan de rechterkant die de macht van gewone mensen symboliseert. De allegorische vrijheidsfiguur die het tafereel bestuurt, driekleur boven haar verheven, veroorzaakte verontwaardiging omdat in plaats van geïdealiseerde schoonheid te personifiëren, de levendige penseelvoering toont een heel echte vrouw - halfnaakt, vies en over lijken stapt op een manier die zou kunnen suggereren hoe vrijheid op zichzelf enige onderdrukking zou kunnen brengen. Dit schilderij laat ook zien dat Delacroix zich wendt tot de meer ingetogen benadering van zijn latere werk, waarin hij steeds subtielere uitstapjes maakte naar de manieren waarop kleuren naast elkaar werkten om een ​​gevoel van realiteit over te brengen of waarheden uit te drukken. Een dergelijk kleurgebruik zou enorm invloedrijk zijn onder de impressionisten en modernisten die zouden komen waarin hij steeds subtielere uitstapjes maakte naar de manieren waarop kleuren naast elkaar werkten om een ​​gevoel van realiteit over te brengen of waarheden uit te drukken. Een dergelijk kleurgebruik zou enorm invloedrijk zijn onder de impressionisten en modernisten die zouden komen waarin hij steeds subtielere uitstapjes maakte naar de manieren waarop kleuren naast elkaar werkten om een ​​gevoel van realiteit over te brengen of waarheden uit te drukken. Een dergelijk kleurgebruik zou enorm invloedrijk zijn onder de impressionisten en modernisten die zouden komenPierre-Auguste Renoir en Georges Seurat aan Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Uitzicht op de Grande Galerie van het Louvre (1841)

    De zoon van een succesvolle wevershandelaar, Patrick Allan-Fraser, sloeg de kans om zijn vader te volgen in een commerciële carrière af, ten gunste van zijn artistieke neigingen. Studies brachten Allan-Fraser naar Edinburgh, Rome, Londen en ten slotte Parijs, waar hij de magnifieke Grande Galerie in het Louvre tegenkwam. Bij het schilderen van Gezicht op de Grande Galerie van het Louvre, haalde de kunstenaar zijn inspiratie uit een groep Victoriaanse kunstenaars die bekend staat als The Clique, die hij in Londen was tegengekomen. De kliek verwierp de academische hoge kunst ten gunste van genreschilderkunst. De schijnbaar oneindige Grande Galerie, die zich uitstrekte over een kwart mijl, was een plaats waar kunstenaars en ambachtslieden vaak samenkwamen, maar hier ontmoeten we een serene sfeer van waardering en reflectie. In latere jaren zou Allan-Fraser zich verdiepen in de restauratie en constructie van mooie gebouwen, en zijn bewondering voor de Grande Galerie stond daarbij voorop. De sporadische lichtstralen stellen de toeschouwer niet alleen in staat om naar de activiteit binnen te staren, maar laten ook de omvang en elegantie van de hal zien. Allan-Fraser werd in 1874 verkozen tot lid van de Royal Scottish Academy en hij gaf opdracht tot portretten van leden van The Clique, uit eerbied voor degenen die hem hadden geïnspireerd. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot begon zijn carrière als tekenaar voordat hij besloot een artistieke opleiding te volgen. Met de steun van zijn vader studeerde hij eerst bij Achille Etna Michallon en daarna bij Jean-Victor Bertin, hoewel Corot later ontkende dat zijn opleiding zijn kunst had beïnvloed. Hij heeft zijn hele leven veel gereisd, een aantal jaren in Italië doorgebracht, Zwitserland verkend en een groot deel van het Franse platteland bestreken. Tijdens zijn reizen maakte hij talloze olieverfschetsen en plein air- schilderijen die de directheid van licht en sfeer vastlegden; hij werkte ook aan schilderijen in tentoonstellingsstijl in het atelier. Souvenir de Mortefontaineis een van de beste schilderijen uit zijn late carrière. Het baadt in een zacht, diffuus licht en het is een werk van uiterste rust, de belichaming van een lyrische en poëtische assimilatie van de wereld van de kunstenaar. De scène is niet afkomstig uit de natuur, maar combineert de belangrijkste elementen van de natuurlijke omgeving om het perfecte, harmonieuze beeld te creëren. De sierlijke boom op de voorgrond, de uitgestrektheid van stilstaand water erachter en stille figuren die in zachte kleuren waren uitgekozen, waren motieven die de kunstenaar vaak gebruikte om een ​​werk van mooie, stille reflectie weer te geven. Aanvankelijk werkte hij in de trant van de realisten, maar Corots stijl ontwikkelde zich om een ​​dromerige, romantische perceptie te omvatten. Als zodanig kan zijn werk worden beschouwd als een soort brug tussen de realisten en de impressionisten, en inderdaad wordt hij vaak de vader van het impressionisme genoemd.Het uitzicht van Claude Monet op de Seine in het vroege ochtendlicht, geschilderd in de jaren 1890. (Tamsin Pickeral)

  • De geseling van Christus (1455-1460)

    Het land van Catalonië, gecentreerd rond de stad Barcelona, ​​kende een grote gouden eeuw van kunst in de 14e eeuw, en in de voorhoede van deze heropleving was Jaume Huguet . Huguet is beroemd om zijn prachtige altaarstukken die de prachtige decoratieve religieuze kunst typeren die op dit moment door de Catalaanse school wordt geproduceerd. In het midden van dit altaarstukWordt Christus geslagen voordat hij een doodvonnis door kruisiging ontvangt. De man die het vonnis uitsprak - de Romeinse stadhouder van Judea, Pontius Pilatus - zit rechts op een grote troon. Huguets beeld is gevuld met juweelachtige kleuren en barst van de fijne details, van de vloertegels tot Pilatus 'troon en kleding. Er is een goed geconstrueerde symmetrie in de compositie: Christus 'centrale positie, geflankeerd door twee mannen die het pak slaag brengen en twee kleine engeltjes aan zijn voeten, de terugwijkende vloertegels, de rij bogen achter Christus en het verre uitzicht op een landschap met gelijkmatige pieken. Het hele effect is zeer decoratief, bijna als een stuk tapijt. Dit stuk is gemaakt in opdracht van het schoenmakersgilde voor de Saint-Marc-kapel van de kathedraal van Barcelona, ​​daarom verschijnen schoenen in de decoratieve rand. Op de randen staan ​​ook afbeeldingen van een adelaar, een leeuw, een engel en een os - symbolen van respectievelijk de evangelisten St. John, St. Mark, St. Matthew en St. Luke. Huguet's werk is grotendeels in de vorm van 15e-eeuwse Catalaanse meesters zoals Bernardo Martorell, en zijn persoonlijke stijl hielp om de Catalaanse stijl te definiëren. (Ann Kay)

  • Oude man met een jonge jongen (ca.1490)

    Domenico Ghirlandaio was een Florentijnse kunstenaar die bekend stond om zijn fresco's en portretten. Old Man with a Young Boy is zijn meest algemeen erkende beeld. Een tekening in het Nationaal Museum in Stockholm bewijst dat Ghirlandaio studies heeft gemaakt van de oude man, inclusief het huiddefect op zijn neus. Aangenomen wordt dat de man leed aan de ontsierende aandoening rhinophyma als gevolg van acne rosacea. Maar het realisme van het portret is ongebruikelijk voor zijn tijd. Ghirlandaio's opname van dit defect zou latere kunstenaars, zoals Leonardo da Vinci , hebben beïnvloed, om hun onderwerpen te schilderen zoals ze waren. De kijker is zeker geraakt door deze scène. Het ouder wordende gezicht van de oude man staat in contrast met de zachte, jonge huid van het kind. Terwijl de hand van het kind naar de oude man reikt, ontmoeten hun ogen elkaar in een open vertoon van genegenheid. De warme rode tinten benadrukken deze liefdevolle band. (Mary Cooch)

  • De waarzegster (ca. 1508-150)

    De voornaamste bekendheid van Lucas van Leyden berust op zijn buitengewone vaardigheden als graveur, maar hij was ook een ervaren schilder waarvan wordt aangenomen dat hij een van de eersten was die de Nederlandse genreschilderkunst introduceerde. Geboren in Leiden, waar hij het grootste deel van zijn leven heeft doorgebracht, zou hij hebben getraind bij zijn vader en later bij Cornelis Engebrechtsz. Hij reisde in 1521 naar Antwerpen, waar hij Albrecht Dürer ontmoette , die deze gebeurtenis in zijn dagboek opnam. Het werk van Dürer lijkt de meeste invloed op hem te hebben gehad, hoewel Van Leyden zijn onderwerpen met een grotere bezieling benaderde en zich meer concentreerde op het karakter van individuele figuren. De waarzegger,wat een toespeling is op de ijdelheid van liefde en spel, werd al vroeg in van Leydens carrière geschilderd, maar toont al zijn tekenvaardigheid en vaardigheid als colorist. Het is een karakterstudie, waarbij elk individu met een levendige gevoeligheid wordt geportretteerd. De man met de donkere baard op de achtergrond is vooral boeiend, met zijn doordringende blik en sinistere gezicht dat contrasteert met de bleke figuur van de waarzegster. Het beeldoppervlak heeft een rijk patroon en de verschillende texturen, van bont en zijde tot glas en vlees, worden prachtig weergegeven. Door de compositie naar de voorkant van het beeldvlak te schuiven, wordt de kijker tussen de andere figuren geplaatst. Van Leyden was beroemd tijdens zijn leven, en hoewel hij geen directe leerlingen had, was zijn invloed groot op de ontwikkeling van de Nederlandse kunst, de weg vrijmaken voor de Nederlandse traditie van genreschilderkunst. Zijn werk zou ook een effect hebben gehad opRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Triumph van Titus en Vespasia (c.1537)

    Geboren als Giulio Pippi, werd de kunstenaar van dit schilderij later bekend als Giulio Romano na zijn geboortestad. Op jonge leeftijd ging hij studeren bij Raphael, waarna hij zijn hoofdassistent werd, en na de dood van Raphael voltooide hij een aantal werken van de kunstenaar. Romano's levendige palet en gedurfde figuratieve stijl stonden in contrast met de subtiliteit van zijn leraar, maar in termen van pure verbeeldingskracht en dramatisch illusionair effect bereikt door de manipulatie van perspectief, was Romano een leider in zijn vakgebied. Behalve zijn schilderkunstige prestaties was de kunstenaar ook architect en ingenieur. Ongeveer 1524 Romano was in dienst van Frederico Gonzaga, heerser van Mantua, en begon aan een groot project voor het ontwerpen en herbouwen van enkele gebouwen van de stad, evenals een aantal decoratieve schema's. Triomf van Titus en Vespasiawerd in opdracht van Gonzaga gemaakt voor de Room of the Caesars in het Palazzo Ducale. Het stelt de keizer Titus voor die door Rome paradeert na een overwinning op de Joden. De compositie is gebaseerd op een scène aan de binnenkant van de oude boog van Titus in Rome, en het heeft veel van de sculpturale kwaliteit van het origineel behouden, vooral in de schelle wagenpaarden van Romano. De briljante kleuren en het klassieke thema weergegeven in Romano's maniëristische hand maakten dit werk in die tijd erg populair. Zijn behandeling van het landschap - dat prachtig gedetailleerd is en baadt in een glinsterend doorschijnend licht - is bijzonder opmerkelijk. (Tamsin Pickeral)

  • Maria en kind met Sint-Anna (ca.1510)

    Leonardo da Vinci ging in de leer bij de meester-beeldhouwer Andrea del Verrocchio , waarna hij werkte voor enkele van de rijkste opdrachtgevers in Frankrijk en Italië, waaronder de familie Sforza van Milaan, de koning van Frankrijk, en het Vaticaan in Rome. Als Verrocchio niet was overgestapt op schilderen om met zijn rivalen te concurreren op het moment dat Leonardo in zijn werkplaats was, zijn sommige geleerden van mening dat het denkbaar is dat Leonardo niet per se ooit een penseel zou hebben opgetild. Hoewel zijn leven en werk enorm belangrijk zijn voor de kunstgeschiedenis, zijn er vandaag de dag ongeveer 20 veilig toegeschreven schilderijen in zijn oeuvre. De Maagd, haar moeder Anne en het kindje Jezus, het onderwerp van dit schilderij, vormen samen een van Leonardo's meest populaire thema's, zoals blijkt uit verschillende tekeningen en schilderijen. Deze omvatten een verloren gegane cartoon uit 1501 en The Virgin and Child with St. Anne en St. John the Baptist (ca. 1508, bekend als de Burlington House Cartoon); Aangenomen mag worden dat laatstgenoemde cartoon bedoeld was voor ontwikkeling tot een groot, volledig geschilderd werk, maar er is geen bewijs dat er ooit een poging is gedaan om een ​​dergelijk schilderij te maken. Hier rust de Maagd Maria echter op de schoot van Sint-Anna, terwijl het Christuskind speels een jong offerlam streelt, een voorafschaduwende belichaming van het lot van het kind. Een kleinschalige pen-en-inkttekening voor De Maagd en het Kind met Sint-Annabestaat in de collectie van de Accademia, Venetië. De informele houdingen en het tedere psychologische engagement tussen de sitters vormen een historisch hoogtepunt in de religieuze schilderkunst. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    In wat is uitgegroeid tot een van Antonello da Messina ‘s beroemdste schilderijenbeeldt de kunstenaar een militaire leider van Italië af, bekend als een condottiere. (De ware identiteit van de man is echter onbekend.) Tot de 19e eeuw bestond Italië uit een reeks onafhankelijke stadstaten, en condottieri waren erg gewild om te vechten in veldslagen tussen conflicterende staten. Antonello is geïnteresseerd in het weergeven van de rang van zijn oppas: hij zit voor een zwarte achtergrond in eenvoudige kleding en hoofddeksels met een goede houding, waardoor hij zijn status verheft boven die van een eenvoudige krijger. Inderdaad, Antonello's onderwerp had hoogstwaarschijnlijk de rijkdom om zich een titel te veroorloven die dichter bij die van een heer lag, en hij zou dit portret hebben besteld om zijn sociale status te benadrukken. Antonello herinnert de kijker er echter aan dat deze man een meedogenloze vechter is. Een nadere inspectie van Condottieroonthult details zoals de oorlogswond op de bovenlip van de oppas. (William Davies)

  • Mona Lisa (c. 1503–09)

    Leonardo da Vinci begon zijn leven als de onwettige zoon van een Toscaanse notaris, en hij werd misschien wel de meest besproken schilder ter wereld. Vanaf de dag dat hij begon met schrijven en schilderen ontstond er een eindeloze fascinatie bij zowel wetenschappers als het publiek. Hij was ook een man met gebreken en beperkingen. Hij werd geboren in het Toscaanse heuveldorp Anchiano in de buurt van Vinci, en verhuisde op jonge leeftijd naar Florence om te trainen als leerling bij Andrea del Verrocchio., een beroemde beeldhouwer van de dag. Uit die vroege lessen kreeg Leonardo een diepe waardering voor driedimensionale ruimte, een concept dat hem gedurende zijn hele carrière goed van pas kwam, of hij nu schilderde of de fijne kneepjes van planten of delen van het menselijk lichaam, oorlogsmachines of openbare waterwerken schilderde of tekende, wiskundige meetkunde of lokale geologie. De naam van dit schilderij , dat pas in de 19e eeuw werd gebruikt, is afgeleid van een vroeg verslag van Giorgio Vasari , dat ook de enige identificatie van de oppas vormt. Mona Lisa, ook bekend als Lisa Gherardini, werd halverwege de twintig geschilderd nadat ze trouwde met een zijdehandelaar genaamd Francesco del Giocondo, de man die mogelijk opdracht had gegeven voor het portret. Tot op de dag van vandaag kennen Italianen haar als La Gioconda en Fransen alsLa Joconde , wat zich letterlijk vertaalt als "de vrolijke (of speelse)." In de meer recente geschiedenis kan de bekendheid van het schilderij deels ook voortkomen uit het feit dat het in 1911 tijdens een sensationele overval uit het Louvre in Parijs werd gestolen door een Italiaanse nationalist, maar gelukkig twee jaar later werd teruggegeven. (Steven Pulimood)

    [Wil je meer weten over waarom de Mona Lisa zo beroemd is? Lees dit ontraadseld door Britannica.]

  • Liefdadigheid (1518–1919)

    In 1518 riep Frans I van Frankrijk de Florentijnse schilder Andrea del Sarto naar zijn Franse hof, waar de Italiaanse kunstenaar een jaar woonde. Liefdadigheid is het enige overgebleven schilderij uit zijn Franse verblijf; het werd geschilderd voor het Château d'Amboise. Het werk is typerend voor de schilderijen die op dit moment door de Franse royalty's in de smaak vallen. Het toont de figuur van naastenliefde omringd door kinderen die ze koestert en beschermt. Het was een allegorische voorstelling van de Franse koninklijke familie, en het vierde de geboorte van de dauphin, die wordt gesymboliseerd door de zuigeling, terwijl de figuur van Charity enige gelijkenis vertoont met de koningin. De piramidale structuur van de compositie is typerend voor de traditionele vorm voor dit type schilderij, en het is ook een weerspiegeling van de invloed vanLeonardo da Vinci over Andrea del Sarto. In het bijzonder bewonderde de kunstenaar Leonardo's The Virgin and Child with St. Anne . (Tamsin Pickeral)

  • De onthoofding van St. George (ca. 1432-1434)

    Bernardo Martorell werkte in Barcelona en kreeg waarschijnlijk les van Luis Borrassá, de meest productieve Catalaanse schilder van die tijd. Slechts één bewaard gebleven werk wordt zeker aan Martorell toegeschreven: het altaarstuk van St. Peter van Pubol (1437), dat zich in het Museum van Gerona, Italië bevindt. Het altaarstuk van St. George is echter zo kenmerkend in de stijl van Martorell dat de meeste experts geloven dat hij de kunstenaar was. Het altaarstuk is gemaakt voor de St. George kapel in het Paleis van Barcelona. Het bestaat uit een middenpaneel met de heilige Joris die de draak doodt , die nu is ondergebracht in het Art Institute of Chicago, en vier zijpanelen, die zich in het Louvre in Frankrijk bevinden. Dit zijpaneelvormt het laatste deel van het verhaal, en het toont de marteldood van St. George. De legende van St. George lijkt te zijn ontstaan ​​in geschriften van Eusebius van Caesarea, gedateerd in de vierde eeuw na Christus. Hij stond bekend als een Romeinse soldaat van adellijke afkomst die in 303 n.Chr. Ter dood werd gebracht omdat hij protesteerde tegen de vervolging van christenen. Hij werd heilig verklaard in de 10e eeuw en werd de patroonheilige van soldaten. De legende van Sint-Joris was in de middeleeuwen wijdverspreid in heel Europa, en hoewel het verhaal van de heilige die een draak doodt meer mythologisch dan wonderbaarlijk lijkt, wordt het in veel middeleeuwse schilderijen opnieuw verteld. In deze laatste scène uit de legende, terwijl St. George wordt onthoofd, valt de bliksem uit een vurige rode en gouden lucht. De stijl mag dan internationaal gotisch zijn, maar de met afschuw vervulde gezichten, het opfokken van paarden, tuimelende lichamen, en vakkundig omgaan met licht is van Martorell. (Mary Cooch)