Pelbagai

29 Lukisan yang Boleh Anda Lawati Hanya di Louvre


  • Potret Wanita (abad ke-3)

    Potret sarkofagus ini berasal dari wilayah Fayum dan dilukis pada zaman Yunani-Rom. Perkataan Fayum merujuk kepada wilayah yang sangat subur di barat daya Kaherah. Ia berpusat di sekitar tasik buatan, Danau Qaroun, sebuah projek kejuruteraan yang bercita-cita tinggi sejak dinasti ke-12, yang dibina di lembah semula jadi. Orang-orang di Lembah Fayum berasal dari Mesir, Yunani, Syria, Libya, dan kawasan lain dari Empayar Rom. Mereka menanam tanaman, termasuk gandum dan barli; ikan dari tasik dianggap makanan istimewa di seluruh Mesir; dan, di bawah peraturan Amenemhet III(Dinasti ke-12), kawasan ini terkenal dengan kebun yang rimbun dan pohon buah-buahan yang banyak. Hari ini, wilayah ini terkenal dengan jumlah dokumen papirus yang digali pada abad ke-19 dan ke-20, serta banyak "potret Fayum" yang ditemui oleh ahli arkeologi. Potret seukuran ini nampaknya digunakan untuk menghias rumah, dan juga digunakan untuk tujuan pengkebumian. Teknik encaustic melibatkan mencairkan lilin dan mencampurkannya dengan pigmentasi dan mungkin minyak biji rami atau telur, kemudian menerapkannya seperti cat ke kayu atau linen. Potret yang dilukis inikelihatan sangat moden. Mata wanita yang jelas dan hidungnya yang menonjol dan penggambaran perhiasan dari artis dengan teliti menunjukkan bahawa ini dilukis untuk menjadi potret yang dikenali. Sejarawan seni sering memberi penghargaan kepada wilayah Fayum dengan kelahiran potret yang realistik, dan banyak potret yang ditemui di wilayah ini mewakili masa eksperimen artistik yang mengagumkan. (Lucinda Hawksley)

  • Musim panas (1573)

    Giuseppe Arcimboldo sangat berjaya sepanjang hayatnya, tetapi setelah kematiannya, karyanya dengan cepat menjadi tidak sesuai, dan minat untuk itu tidak dihidupkan kembali hingga akhir abad ke-19. Secara gaya, lukisan fantastik dan khayalannya sesuai dengan dunia seni Mannerist yang popular. Mahkamah di seluruh Eropah pada abad ke-16 sangat menyukai lukisan ilusi jenis cerdik dan cerdas ini, dan bukti ini adalah penugasan panjang Arcimboldo sebagai pelukis ke mahkamah Habsburg antara tahun 1562 dan 1587. Musim panas menjadi sebahagian daripada siri Four Seasons yang dilukis oleh artis dicat untuk Maharaja Maximilian IIpada tahun 1573. Ini adalah subjek yang dilukis oleh Arcimboldo beberapa kali sepanjang kariernya, dan topik yang menjadi sangat popular. Dia pertama kali melukis siri Four Seasons pada tahun 1562, dan konsep khayalannya untuk membuat kepala dari koleksi buah-buahan dan sayur-sayuran diterima dengan penuh semangat. Tugas pengadilan Arcimboldo untuk Maximilian tidak terbatas pada lukisan - artis juga dipanggil sebagai pereka panggung, arkitek, dan jurutera. Kemudian, ketika bekerja untuk Maharaja Rudolph II , dia juga dituduh mencari barang antik dan barang-barang antik untuk koleksi maharaja. Lukisan-lukisan Arcimboldo mencipta kesan yang benar-benar surealis, dan ia pasti antara yang paling imajinatif dan cerdik dibuat pada zamannya. (Tamsin Pickeral)

  • Memancing (sekitar 1588)

    Annibale Carracci dilahirkan di daerah Bologna, dan bersama dengan abang dan sepupunya, dikenali sebagai salah seorang pelukis terkemuka di Sekolah Bolognese. Dia adalah seorang pelukis yang sangat mahir dan memberikan penekanan yang besar pada gambar yang betul, sering menggambarkan pemandangan dari kehidupan dan menempatkannya dalam lanskap khayalan atau ideal. Tema memburu dan memancing sangat popular untuk hiasan vila di Bologna pada masa ini. Memancing dilukis sebagai karya pendamping karya lain oleh Carracci, Hunting. Berdasarkan dimensi mereka, kedua-duanya mungkin dirancang untuk menggantung pintu masuk di sebuah vila domestik. Kedua-dua karya itu dilukis pada awal karier Carracci, dan sebelum pindah ke Roma pada tahun 1584, tetapi mereka sudah menunjukkan gaya artis yang sangat berjaya. Dalam karya ini, dia telah menggabungkan sejumlah adegan yang berbeda dalam satu lukisan dan dengan bijak merancang komposisinya sehingga mata dipimpin dari latar depan ke setiap kelompok orang dan ke latar belakang, tanpa kehilangan detail. Angka tersebut mungkin berdasarkan kajian langsung dari alam dan kemudian digabungkan dengan pemandangan. Lukisan ini menarik kerana menunjukkan Carracci mengembangkan penggunaan gerak isyaratnya, yang terlihat pada gambar yang menunjuk di sebelah kanan. Penggunaan isyarat yang meyakinkan dan mengartikulasikan adalah salah satu kemahiran Carracci, yang mempengaruhi pelukis kemudian dari zaman Baroque. Juga jelas adalah penggunaan landskap Carracci yang menarik, yang indah disusun dalam cahaya lut sinar yang jelas. (Tamsin Pickeral)

  • Kebangkitan Lazarus (sekitar 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, dijuluki Il Guercino, dilahirkan dalam kemiskinan di bandar kecil Cento, antara Ferrara dan Bologna di Itali. Dia sebahagian besarnya mengajar diri sebagai seniman. Dia menjadi salah seorang pelukis terkemuka di sekolah Bolognese, mengambil alih studio Guido Reni yang sibuk setelah kematiannya (ironis, kerana catatan menunjukkan bahawa Guercino dianggap tidak jelas oleh Reni). Gaya Guercino berubah cukup dramatik sepanjang hayatnya, dengan karya seperti ini sejak awal kariernya menunjukkan pendekatan yang sangat Baroque dengan penggunaan cahaya dan gelap yang berbeza. Lazimnya lukisan Baroque, komposisinya rumit dan penuh dengan gerak isyarat, tenaga, dan perasaan yang dramatik. Angka-angka itu dikerumuni ke latar depan, hampir seolah-olah menjadi sebahagian daripada duka, sementara tengah dan latar belakangnya hampir tidak dapat dilihat. Teknik ini meletakkan pemirsa hampir dalam bidang spasial yang sama dengan gambar dalam lukisan, sehingga menimbulkan tindak balas emosi yang kuat. Kejadiannya adalah bahawa orang mati Lazarus dibangkitkan oleh Yesus. Guercino melancarkan pemandangan dengan intensitas yang kuat dan semangat spiritual yang akan sangat dikagumi selama zamannya. Beberapa tahun sebelum lukisan ini dilaksanakan, Guercino telah menemui artis tersebutLudovico Carracci dan terinspirasi oleh pengendalian warna dan emosi Carracci. Pengaruh Carracci dapat dilihat dalam Guercino's Raising of Lazarus , walaupun karya ini sama sekali lebih bertenaga dengan gaya. Seorang seniman yang produktif dan dicari, Guercino meninggal sebagai orang kaya. (Tamsin Pickeral)

  • St Joseph the Carpenter (1635–40)

    Kisah kehidupan dan karya Georges de La Tour tidak sesuai. Walaupun dia menikmati kejayaan dalam hidupnya sendiri, La Tour dilupakan selama beberapa abad — karyanya ditemui semula pada awal abad ke-20. Seorang pelukis Perancis, sering didakwa dia dipengaruhi oleh lukisan Caravaggio . Namun, mungkin La Tour tidak mengetahui karya Caravaggio dan bahawa dia secara bebas meneroka kesan bayangan dan cahaya yang dilancarkan oleh sebatang lilin. Seorang Katolik Rom yang taat, La Tour sering melukis pemandangan agama. Dia beberapa kali kembali ke tema pertobatan Mary Magdalene serta melukis pemandangan yang menyentuh hati iniYusuf mengajar Yesus di kedai tukang kayu. Gayanya realistik, terperinci, dan dirancang dengan teliti — Yesus memegang lilin itu kerana, dalam kepercayaan Kristian, dia adalah cahaya dunia yang menerangi kegelapan dunia. (Lucinda Hawksley)

  • Kaki Kaki (1642)

    Hanya sedikit orang yang tidak tertarik dengan gambaran genre ini tentang seorang pengemis yang kelihatan cacat dari Naples yang memandang mereka dengan pipi dengan senyuman bergigi. José de Ribera kelahiran Sepanyolmenghabiskan sebahagian besar kariernya di Naples, yang kemudian dikendalikan oleh Sepanyol, dan menjadi artis terkenal di bandar ini. Dia mungkin hanya bertujuan untuk menggambarkan seorang peminta pengemudi Neapolitan, kerana dia sangat berminat pada orang biasa. Namun, cara dia menggabungkan realisme dengan tradisi menandakan arah baru dalam seni. Hidup tidak tersenyum pada pengemis ini, tetapi dia dengan senang hati menantang. Dia membawa tongkatnya dengan riang di atas bahunya dan dengan santai, daripada putus asa, menghulurkan kertas yang memberinya izin untuk mengemis, yang wajib di Naples pada masa itu. Ia berbunyi dalam bahasa Latin: "Beri aku sedekah untuk cinta Tuhan." Daripada ditunjukkan berjongkok di pinggir jalan yang kotor, dia berdiri tegak dengan pemandangan tenang yang mengingatkan karya-karya sejarah, mitologi, dan keagamaan yang dicat dengan gaya klasik. Ribera memberinya kedudukan yang mengagumkan, dibuat lebih besar dari sudut pandang rendah, dan martabat manusiawi. Pengemisnya hampir boleh menjadi putera kecil. Berus yang longgar menjadi lebih lembut di lanskap, menjadikan lelaki itu lebih menonjol. Keupayaan Ribera untuk menyampaikan rasa keperibadian orang dengan realisme dan kemanusiaan memberi kesan yang besar terhadap seni Barat dan khususnya sekolah Sepanyol. (Ann Kay)

  • Pandangan Dalaman ( Selipar ) (1654-62)

    Samuel van Hoogstraten adalah pelukis potret dan hiasan dalaman yang mahir yang mementingkan penggunaan perspektif yang betul. Pemandangan Bahagian Dalaman , yang secara tradisional disebut The Sandal, memperlihatkan ciri khas artis menggunakan lantai berjubin Belanda untuk menonjolkan kedalaman gambar. Ini ditekankan oleh bidang gambar yang surut, ditandai dengan bingkai gambar, selongsong pintu, dan akhirnya kedua-dua gambar di bahagian belakang lukisan. Dengan menunjukkan sebahagian pintu terbuka di latar depan, artis meletakkan penonton di ambang pintu, yang meningkatkan kesan ilusi lukisan. Subjek Hoogstraten disinggung dengan perincian yang halus. Penyapu yang dibuang, selipar rumah, dan buku tertutup (pembacaan telah terganggu) menunjukkan penghubung yang sedang berlaku sebenarnya tidak dapat dilihat. Nada lembut lukisan itu adalah nada yang dikembalikan Hoogstraten beberapa kali. (Tamsin Pickeral)

  • Ziarah ke Cythera (1717)

    Pada tahun 1717 Jean-Antoine Watteau menyampaikan gambar ini kepada Akademi Perancis sebagai karya diploma. Ia diakui sebagai karya terbaiknya, dan menjadi pengaruh utama pada gaya Rococo yang baru muncul. Subjek dimulakan sebagai gambaran permainan kecil. Di Les Trois Cousines di Florence Dancourt, seorang gadis yang berpakaian sebagai jamaah keluar dari barisan paduan suara dan mengajak penonton untuk menyertainya dalam perjalanan ke Cythera — pulau cinta, di mana semua orang akan bertemu pasangan ideal mereka. Tema versi pertama Watteau, sekitar tahun 1709, adalah penggambaran yang sangat harfiah, tetapi di sini dia telah melepaskan kerangka teater, dan mengubah kejadian itu menjadi fantasi romantis yang penuh mimpi. Secara ketara, dia telah memilih untuk menggambarkan akhir, bukannya permulaan perjalanan. Kekasih telah berpasangan dan menghiasi patung Venus di sebelah kanan dengan bunga, dan mereka akan pulang ke rumah. Dengan memfokuskan pada saat ini, artis dapat mencipta suasana melankolis lembut yang begitu ciri khas karyanya. Sementara kebanyakan pasangan bersiap untuk pergi, dua kekasih telah tinggal di kuil dewi, terpesona oleh cinta dan buta terhadap segala yang lain. Salah seorang wanita yang pergi berpaling dan menoleh ke belakang dengan sedih, menyedari bahawa bahagian cinta ini adalah yang paling cepat. Selepas kematian Watteau, seninya jatuh secara dramatik. Bagi banyak orang, penggambarannya tentang pelarian asmara kelihatan sangat terikat dengan zaman pemerintahan monarki yang lama. Semasa zaman Revolusi, pelajar seni menggunakan karyanyaCythera untuk latihan sasaran, melemparkan pelet roti ke arahnya. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (dulu dikenali sebagai Gilles ) (sekitar 1718–19)

    Ini adalah salah satu lukisan terakhir yang dihasilkan oleh Jean-Antoine Watteau dalam kariernya yang singkat. Ini menunjukkan badut menatap penontonnya, dengan ekspresi kelakar yang mungkin menggemari perasaan melankolis artis. Gilles adalah nama generik untuk badut di Perancis, mungkin berasal dari Gilles le Niais, seorang akrobat dan pelawak abad ke-17. Menjelang Watteau, terdapat pertindihan yang cukup besar antara watak ini dan Pierrot, badut terkemuka di commedia dell'arte, tradisi teater Itali yang sangat terkenal di Perancis. Kedua-dua tokoh itu memperagakan orang bodoh yang menjadi kegemaran penonton — sebuah prototaip untuk Charlie Chaplin dan Buster Keaton. Lukisan inimungkin dihasilkan sebagai papan tanda teater yang dirancang untuk menggoda orang yang lewat ke sebuah pertunjukan. Ia mungkin dibuat untuk tayangan perdana Danaë , sebuah komedi di mana salah satu wataknya berubah menjadi keldai. Sebagai alternatif, ia mungkin telah mengiklankan perarakan itu - lakaran ringkas dan lucu sebelum persembahan utama. Di sini, seekor keldai sering dipimpin melintasi panggung untuk melambangkan kebodohan Gilles. Watteau menggunakan versi badut ini yang lebih kecil sebagai tokoh utama dalam The Italian Comedians , gambar yang dihasilkannya untuk doktornya sekitar tahun 1720. Dalam kedua kes tersebut, sosok Gilles yang muram mengingatkan pada Ecce Homo("Lihatlah Manusia") lukisan. Tema keagamaan yang popular ini menggambarkan sebuah episod dalam Passion of Christ, ketika Pontius Pilate menghadirkan Yesus di hadapan orang-orang, dengan harapan mereka akan meminta pembebasannya. Sebaliknya, massa meminta penyalibannya. (Iain Zaczek)

  • Masih Hidup dengan Sebotol Zaitun (1760)

    Jean-Baptiste yang dilahirkan di Paris Siméon Chardin menolak keinginan ayahnya, seorang pembuat kabinet, untuk mengikuti jejaknya dan sebaliknya menjadi magang di studio Pierre-Jacques Cazes dan Noel- Noël Coypelpada tahun 1719. Sepanjang hidupnya, Chardin tetap menjadi anggota setia Akademi Perancis, tetapi, walaupun berjaya, dia dicegah menjadi profesor kerana dia dicalonkan sebagai pelukis "dalam bidang binatang dan buah." Kehidupan awal yang paling terkenal dia diselesaikan dalam jangka masa yang singkat, menunjukkan kepantasan dia memperoleh teknik mahirnya. Telah dianggarkan seperempat dari total keluarannya dihasilkan sebelum tahun 1732. Gayanya dicirikan oleh karya sikat bertekstur kaya yang berhutang dengan lukisan Belanda, khususnya pengaruh Rembrandt dalam pengendalian cat. Ini memisahkan karyanya dari gaya lukisan Perancis abad ke-18 yang lebih biasa. Chardin melukis pemandangan rumah tangga sederhana dan barang-barang rumah tangga yang biasa. Walau bagaimanapun,Masih Kehidupan dengan Sebotol Zaitun khas dari suasana hati yang terkendali, pencahayaan lembut, dan realisme luar biasa yang memberikan objek dan pemandangan sehari-hari aura ajaib. Tidak mengherankan apabila para peminatnya menggelarnya sebagai "penyihir yang hebat." Bakatnya terletak dalam menghasilkan lukisan dengan kelengkapan yang sempurna dengan kemahiran teknikal yang tidak terjejas namun tertinggi. (Roger Wilson)

  • Bolt (sekitar 1777)

    Jean-Honoré Fragonard adalah salah seorang pelukis terkemuka dalam gaya Rococo. Gambar-gambarnya adalah samar - samar tetapi sensual, melambangkan keanggunan kehidupan pengadilan Perancis, pada tahun-tahun menjelang revolusi tahun 1789. Untuk sezamannya, Fragonard terkenal di atas segalanya sebagai penguasa sujet (subjek ringan). Tema-tema ini secara terbuka erotis tetapi ditangani dengan rasa dan kelazatan yang membuatnya dapat diterima, bahkan di kalangan kerajaan. Memang, ia berbicara banyak tentang fesyen pada masa ketika gambar ini nampaknya ditugaskan sebagai karya pendamping untuk lukisan agama. Menurut sumber awal, marquis de Véri mendekati artis mencari gambar untuk digantung di samping salah satu gambar kebaktian Fragonard yang jarang berlaku - Pemujaan Gembala. Bagi mata moden, ini mungkin kelihatan sebagai pelengkap yang aneh, tetapi Véri mungkin bermaksud kombinasi untuk mewakili Cinta Suci dan Profane - tema seni yang telah popular sejak zaman Renaissance. Biasanya, para seniman menyampaikan idea ini dalam satu gambar, tetapi kadang-kadang mereka memasangkan lukisan Hawa dengan subjek yang berkaitan dengan Perawan Maria (yang sering dipandang sebagai Hawa baru). Di sini, epal, yang jelas terpampang di atas meja, adalah rujukan konvensional terhadap godaan Hawa di Taman Eden. Bolt dicat ketika gaya Rococo mulai ketinggalan zaman, namun pencahayaan yang dramatik dan tahap kemasan yang tinggi menunjukkan bahawa Fragonard menyesuaikan diri dengan gaya Neoklasik, yang mulai menjadi mode. (Iain Zaczek)

  • Sumpah Horatii (1784)

    Jacques-Louis David boleh dikatakan pelukis propaganda politik paling luar biasa dalam sejarah. Pelukis pengadilan kepada Napoleon, banyak yang kita ketahui mengenai persona mitos maharaja dan ikonografi Revolusi Perancis berasal dari lukisan teater, kiasan David. David adalah bapa gerakan seni Neoklasik, yang menggambarkan mitos dan sejarah klasik sebagai analog dengan politik kontemporari. Sumpah Horatiimenceritakan kisah itu, yang dicatatkan sekitar 59 SM oleh sejarawan Rom, Livy, dari anak lelaki dari dua keluarga, tiga saudara lelaki Horatii dan tiga saudara lelaki Curiatii, yang berperang dalam perang antara Rom dan Alba sekitar tahun 669 SM. Orang-orang lelaki itu diminta untuk berperang, tetapi salah seorang wanita dari keluarga Curiatii berkahwin dengan salah seorang saudara lelaki Horatii, dan seorang saudari Horatii ditunangkan dengan seorang saudara lelaki dalam keluarga Curiatii. Di sebalik ikatan ini, senior Horatii menasihati anak-anaknya untuk memerangi Curiatii dan mereka patuh, walaupun ratapan saudara perempuan mereka yang sedih. Dalam menggambarkan saat lelaki itu memilih cita-cita politik daripada motif peribadi, David meminta penonton untuk menganggap lelaki-lelaki ini sebagai panutan pada masa mereka bergolak secara politik. Seperti prihatin dengan realisme dalam seni lukis seperti dia dengan idealisme dalam politik, Daud pergi ke Rom untuk menyalin seni bina dari kehidupan. Hasilnya adalah kejayaan besar ketika lukisan itu dipamerkan di Salon 1785 di Paris. Lukisan David masih bergema hebat dengan penonton kerana kekuatan keahliannya cukup terkenal untuk menyatakan kepercayaannya yang kuat. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Ini secara meluas diakui sebagai Jacques-Louis David 's potret terbaik. Dengan rahmat, kesederhanaan, dan ekonomi, ia juga dianggap sebagai salah satu contoh seni Neoklasik yang paling berjaya. Model David, Juliette Récamier, adalah sayang masyarakat Paris. Dia adalah isteri seorang bankir kaya dari Lyons, walaupun dia mendapat perhatian dari sejumlah lelaki lain, yang semuanya ditolak dengan sederhana. David mendapat inspirasi dari reputasi baik Récamier. Dengan kaki telanjang, gaun putih, dan aksesori antik, dia menyerupai perawan rompi hari terakhir. Ini diperkuat dengan pose. Pandangan wanita itu jujur ​​dan langsung, tetapi tubuhnya dipalingkan, tidak dapat didekati. Persembahan potret tidak berjalan dengan lancar: pelukis itu kesal dengan ketidakstabilan Juliette yang tidak menentu, sementara dia membantah beberapa kebebasan seni yang diambil. Terutama, dia membenci kenyataan bahawa David meringankan warna rambutnya, kerana ia tidak sesuai dengan skema warnanya. Hasilnya, dia menugaskan potret lain dari salah seorang murid artis. Ketika dia mengetahui hal ini, David menolak untuk melanjutkan. "Nyonya," dia dikatakan telah menyatakan, "wanita memiliki penutup kepala mereka; begitu juga pelukis. Izinkan saya memuaskan hati saya. Saya akan menjaga potret anda dalam keadaan sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, kerana keparahan gambar yang jelas memberikan banyak kesannya. Lampu dan beberapa perincian lain dikatakan telah dilukis oleh pelajar David Saya akan menyimpan potret anda dalam keadaan sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, kerana keparahan gambar yang jelas memberikan banyak kesannya. Lampu dan beberapa perincian lain dikatakan telah dilukis oleh pelajar David Saya akan menyimpan potret anda dalam keadaan sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, kerana keparahan gambar yang jelas memberikan banyak kesannya. Lampu dan beberapa perincian lain dikatakan telah dilukis oleh pelajar DavidJean-Auguste-Dominique Ingres . Yang terakhir ini pasti terkesan dengan gambar itu, kerana dia meminjam pose Récamier untuk salah satu karyanya yang paling terkenal, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    Pada tahun 1801, setelah belajar di bawah Jacques-Louis David , artis Perancis Jean-Auguste-Dominique Ingres memenangi Prix de Rome yang berprestij. Ini adalah hadiah yang diberikan oleh Academie Royale dari Perancis, yang membayar seniman terbaik mereka untuk melawat Rom selama empat tahun dan mempelajari tuan Itali pada masa lalu. Malangnya, negeri ini tidak mampu menghantar artis ke Itali pada masa ini kerana ekonomi Perancis yang merosot. Ingres akhirnya pergi ke Rom pada tahun 1808. The Batheradalah salah satu lukisan pertama Ingres yang akan dilaksanakan di Itali, dan, walaupun seniman itu dikelilingi oleh seni Renaissance yang berabad-abad yang penting, karya seni ini pecah dengan tradisi. Daripada mengungkapkan identiti subjeknya, Ingres menunjukkan subjeknya yang hampir monumental menghadap ke arah penonton dengan batang tubuhnya sedikit memutar untuk membuka punggungnya. Ini membolehkan penonton mengagumi (dan memperbetulkan) bather tanpa dia mencabar kita - dia tetap tanpa nama, tidak ditentukan, wataknya tidak dapat difahami. Karya telanjang wanita kemudian Ingres sering menggunakan pose frontal. Sangat menarik untuk diperhatikan bahawa palet hijau, krim, dan coklat terhad Ingres berubah dari nada gelap tirai di sebelah kiri ke nada cahaya latar dan penutup katil di sebelah kanan. Penurunan nada ini dapat dilihat sebagai ciri simbolik mandi, tindakan yang membersihkan dan menyucikan jiwa seseorang: ketika pengasuh menjauh dari tempat mandi, dia menjadi lebih putih dan oleh itu lebih suci. (William Davies)

  • Rakit Medusa (1819)

    Hanya sedikit orang yang dapat melihat lukisan ini dan tidak merasa terharu dengan semangat dan kekuatannya. Dilukis oleh penggerak utama Romantikisme Perancis, Théodore Géricault , kini dilihat sebagai pernyataan yang menentukan dari gerakan itu. Orang Romantik melepaskan diri dari seni abad ke-18 klasik untuk menekankan realisme dan emosi. Lukisan ini sangat menarik kerana jelas menjembatani Classicisme dan Romanticism. Ketika The Raft of the Medusa muncul di pameran Salon 1819, ini menimbulkan skandal besar, yang menakutkan pendirian. Adegan tersebut menceritakan kisah sebenar kapal frigat pemerintah Perancis yang karam La Méduse, yang kapten dan perwiranya yang tidak cekap mengambil satu-satunya kapal penyelamat untuk diri mereka sendiri dan meninggalkan semua kecuali 15 dari 150 anak kapal dan penumpang yang musnah di rakit sementara, tenggelam dalam keputusasaan, keganasan, dan kanibalisme. Géricault berani menunjukkan episod mengerikan dari sejarah kontemporari (bangkai kapal yang terjadi pada tahun 1816) yang mencerminkan buruk semua pihak yang terlibat, dengan cara yang menyerupai lukisan sejarah kepahlawanan yang sangat digemari oleh para tradisionalis. Di satu pihak, ada tahap realisme yang mengerikan di sini (Géricault mempelajari mayat untuk mendapatkan perinciannya dengan betul), dengan sikat bertenaga yang luar biasa meningkatkan pergerakan dan emosi yang berpusing. Sebaliknya, badan dan komposisi berbentuk piramid bergaya klasik. Walaupun terdapat kemarahan, gambar itu mendapat persetujuan artistik untuk Géricault, dan ia mempunyai pengaruh yang sangat besar pada artis lain,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Kematian Sardanapalus (1827)

    Sering dikatakan sebagai Romantik terbesar di Perancis, Eugène Delacroix benar-benar pelukis pada zamannya. Seperti rakannya Théodore Géricault , Delacroix mengekalkan unsur-unsur klasik tertentu dari latihan awalnya tetapi menunjukkan tenaga yang berani, penggunaan warna yang kaya, individualistik, dan cinta eksotik yang membuatnya menjadi perintis. Kanvas besar Kematian Sardanapalusmeletup ke deria dengan pergerakan liar dan warna mewah, pesta seks eksotisme yang memanjakan. Sardanapalus adalah penguasa legenda kuno Asiria dengan rasa kemerosotan yang melampau. Sebagai tindak balas atas rasa malu atas kekalahan besar militer, Sardanapalus membuat pir yang besar di mana dia membakar dirinya sendiri bersama dengan semua harta istana, perempuan simpanan, dan orang-orang yang diperbudak. Delacroix mendapat sambutan dalam drama Byronik seperti itu. Dia nampaknya telah meninggalkan percubaan pada perspektif realistik atau kesesuaian komposisi. Tubuh dan objek yang berpusing berpusing-pusing di dunia mimpi ngeri yang tercekik dengan warna yang kuat dan bayang-bayang yang panas dan menceroboh. Lukisan terperinci permata berkilauan dan kain kaya dengan jelas menyampaikan dunia mewah yang digambarkan, sementara detasmen sejuk yang dengannya Sardanapalus meninjau kekacauan di sekelilingnya menimbulkan suasana menyeramkan. Delacroix bereksperimen dengan warna abu-abu dan biru pada kulit manusia untuk memberikan bentuk model badannya yang tidak konvensional. Sangat mudah untuk melihat bagaimana penjelajahan keganasan yang tidak dapat dihalang, bersama dengan tenaga panik dan teknik pewarnaan yang berani, banyak berbicara kepada para seniman kemudian. (Ann Kay)

  • Homer Deified ( The Apotheosis of Homer ) (1827)

    Pada masa Homer Deified dicat, Jean-Auguste-Dominique Ingres adalah pemimpin lukisan tradisional dan klasik yang diisytiharkan sendiri, menyalahkan dirinya sendiri terhadap seni Romantik Perancis yang hebat seperti Eugène Delacroix . Lukisan khusus ini hampir tidak dapat menjadi contoh yang lebih baik dari pendekatan akademik Ingres, dan sebenarnya ia bermaksud sebagai pujian pujian terhadap klasikisme. Walaupun dia memiliki sisi yang lebih sensual (misalnya, The Bather ), ia telah ditindas sepenuhnya di sini. Juga dikenali sebagai The Apotheosis of Homer , karya ini menunjukkan penyair terkenal Yunani kuno sebagai dewa yang dimahkotai dengan kemenangan oleh tokoh mitologi Kemenangan. Dua wanita di kakinya mewakili karya epik Homer yang hebat,The Iliad dan The Odyssey. Di sekelilingnya terdapat sekumpulan raksasa seni yang memuja dari zaman kuno dan moden, termasuk sesama orang Yunani: dramatis Aeschylus menawarkan sebuah perkamen kiri Homer, sementara pemahat Athena Phidias memegang tukul di sebelah kanan. Tokoh yang lebih moden didominasi oleh seniman dari zaman klasik abad ke-17 Perancis, seperti penulis drama Molière dan pelukis Nicolas Poussin. Komposisi segitiga dan simetri memancarkan idealisme klasik, dengan Homer ditempatkan di tengah-tengah sebuah kuil antik yang bertuliskan namanya. Lukisan ini tidak diterima dengan baik pada saat penciptaannya. Ingres menarik diri ke Rom selama beberapa tahun, tetapi dia kembali pada tahun 1840-an untuk diakui semula sebagai klasik klasik. Ini menjadi modis untuk mengutamakan tradisionalisme Ingres, tetapi dia sekarang dilihat sebagai seniman yang sangat berpengaruh dengan kemahiran teknikal. (Ann Kay)

  • Liberty Memimpin Rakyat (1830)

    Karya ini tergolong dalam tempoh antara 1827 dan 1832 di mana Eugène Delacroixmenghasilkan satu karya demi satu. Ini tidak terkecuali. Dicatatkan untuk memperingati revolusi Julai 1830 yang membawa Louis-Philippe berkuasa, gambar itu telah melambangkan semangat revolusi. Ini menimbulkan sensasi di Salon Paris tahun 1831, dan, walaupun Louis-Philippe membeli karya itu untuk menandakan penyertaannya, dia menjauhkannya dari pandangan umum kerana dianggap berpotensi menimbulkan keradangan. Gambar dengan bijak menggabungkan laporan kontemporari dengan kiasan dengan cara yang monumental. Tempat dan waktu jelas: Notre Dame terlihat di kejauhan, dan orang berpakaian sesuai dengan kelasnya, dengan anak lelaki yang berantakan di sebelah kanan melambangkan kekuatan orang biasa. Tokoh kiasan Liberty yang mengetengahkan pemandangan, tricolor yang terangkat di atasnya, menimbulkan kemarahan kerana daripada mempersonifikasikan kecantikan yang ideal, sikat yang terang menunjukkan seorang wanita yang sangat nyata - separuh telanjang, kotor, dan melangkah ke atas mayat dengan cara yang mungkin menunjukkan bagaimana kebebasan boleh membawa penindasannya sendiri. Lukisan ini juga memperlihatkan Delacroix berpaling ke arah pendekatan yang lebih lembut dari karyanya yang kemudian, di mana ia membuat serangan yang semakin halus mengenai cara-cara di mana warna bekerja di sebelah satu sama lain untuk menyampaikan rasa kenyataan atau menyatakan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan para Impresionis dan Modernis di mana dia membuat serangan yang semakin halus mengenai cara-cara di mana warna bekerja di sebelah satu sama lain untuk menyampaikan rasa realiti atau menyatakan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan para Impresionis dan Modernis di mana dia membuat serangan yang semakin halus mengenai cara-cara di mana warna bekerja di sebelah satu sama lain untuk menyampaikan rasa realiti atau menyatakan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan para Impresionis dan ModernisPierre-Auguste Renoir dan Georges Seurat ke Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Pemandangan Grande Galerie di Louvre (1841)

    Anak saudagar penenun yang berjaya, Patrick Allan-Fraser menolak peluang untuk mengikuti bapanya ke karier komersial demi meneruskan kecenderungan seninya. Kajian membawa Allan-Fraser ke Edinburgh, Rome, London, dan akhirnya Paris, di mana dia menemui Grande Galerie yang luar biasa di Louvre. Semasa melukis Pemandangan Grande Galerie dari Louvre, artis itu mendapat inspirasi dari sekumpulan artis Victoria yang dikenali sebagai The Clique, yang pernah dia temui di London. Clique menolak seni tinggi akademik yang memihak kepada lukisan genre. Grande Galerie yang nampaknya tidak terbatas, membentang sejauh seperempat mil, adalah tempat di mana para seniman dan pengrajin sering berkumpul, namun di sini kita menemui suasana penghargaan dan renungan yang tenang. Pada tahun-tahun kemudian Allan-Fraser akan melibatkan diri dalam pemulihan dan pembinaan bangunan-bangunan yang baik, dan kekagumannya kepada Grande Galerie adalah yang terpenting ketika melakukan ini. Sinaran cahaya sporadis tidak hanya membolehkan penonton melihat aktiviti di dalam tetapi juga memperlihatkan besarnya dan keanggunan dewan. Allan-Fraser terpilih ke Royal Scottish Academy pada tahun 1874, dan dia menugaskan potret anggota The Clique, menghormati mereka yang telah memberi inspirasi kepadanya. (Simon Gray)

  • Cenderamata de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot memulakan kariernya sebagai penggantung sebelum membuat keputusan untuk mengikuti latihan seni. Dengan sokongan ayahnya, dia belajar dulu dengan Achille Etna Michallon dan kemudian dengan Jean-Victor Bertin, walaupun Corot kemudian menafikan bahawa latihannya telah mempengaruhi seninya. Dia melakukan banyak perjalanan sepanjang hidupnya, menghabiskan beberapa tahun di Itali, menjelajah Switzerland dan meliputi sebahagian besar kawasan luar bandar Perancis. Dalam perjalanannya, dia membuat banyak sketsa minyak dan lukisan udara plein yang menangkap cahaya dan atmosfera; dia juga mengusahakan lukisan gaya pameran di dalam studio. Cenderamata de Mortefontaineadalah salah satu lukisan terbaik dari akhir kariernya. Ia dimandikan dalam cahaya lembut dan meresap, dan ini adalah karya ketenangan, lambang asimilasi lirik dan puitis dunia artis. Pemandangan itu tidak diambil dari alam semula jadi, tetapi menggabungkan unsur-unsur utama dari persekitaran semula jadi untuk menghasilkan gambar yang sempurna dan harmoni. Pohon yang anggun di latar depan, hamparan air pegun dan gambar-gambar yang tenang yang dipilih dengan warna lembut adalah motif yang sering digunakan oleh artis untuk membuat karya yang indah dan tenang. Pada mulanya, sesuai dengan gaya Realis, gaya Corot dikembangkan untuk merangkumi persepsi Romantik yang penuh mimpi. Oleh yang demikian, karyanya dapat dianggap sebagai penghubung antara Realis dan Impresionis, dan memang dia sering disebut sebagai bapa Impresionisme.Pandangan Claude Monet terhadap Seine pada cahaya pagi yang dicat pada tahun 1890-an. (Tamsin Pickeral)

  • Panji Kristus (1455-60)

    Tanah-tanah Catalonia, yang berpusat di kota Barcelona, ​​menyaksikan zaman keemasan seni yang hebat pada tahun 1400-an, dan di garis depan kebangkitan ini adalah Jaume Huguet . Huguet terkenal dengan altarpieces yang menakjubkan yang melambangkan seni keagamaan hiasan indah yang dihasilkan oleh sekolah Catalan pada masa ini. Di pusat altarpiece ini, Kristus dipukul sebelum menerima hukuman mati dengan penyaliban. Orang yang menjatuhkan hukuman itu - gabenor Rom Judaea, Pontius Pilate - duduk di atas takhta besar di sebelah kanan. Gambar Huguet dipenuhi dengan warna-warna permata dan penuh dengan perincian halus, dari jubin lantai hingga tahta dan pakaian Pilate. Terdapat simetri yang tersusun rapi dalam komposisi: Kedudukan tengah Kristus, diapit oleh dua orang yang menyerahkan pemukul dan dua malaikat kecil di kakinya, jubin lantai yang surut, barisan lengkungan di belakang Kristus, dan pemandangan jauh dari lanskap dengan puncak bersaiz sama rata. Keseluruhan kesannya sangat hiasan, hampir seperti sehelai permadani. Karya ini ditugaskan oleh serikat pembuat kasut untuk kapel Saint-Marc di Katedral Barcelona, ​​itulah sebabnya kasut muncul di sempadan hiasan. Sempadan juga memaparkan gambar seekor helang, singa, malaikat, dan lembu - simbol dari Penginjil St. John, St. Mark, St. Matthew, dan St Luke, masing-masing. Karya Huguet secara meluas sesuai dengan karya tuan Catalan abad ke-15 seperti Bernardo Martorell, dan gaya peribadinya membantu menentukan gaya Catalan. (Ann Kay)

  • Lelaki Tua dengan Anak Muda (sekitar 1490)

    Domenico Ghirlandaio adalah seniman Florentine yang terkenal dengan lukisan dinding dan potretnya. Lelaki Tua dengan Anak Muda adalah gambarnya yang paling dikenali. Sebuah lukisan di Muzium Nasional di Stockholm memberikan bukti bahawa Ghirlandaio membuat kajian mengenai lelaki tua itu, termasuk cacat kulit pada hidungnya. Lelaki itu dipercayai menderita rhinophyma yang tidak berfungsi akibat jerawat rosacea. Tetapi realisme potret itu tidak biasa pada masanya. Kemasukan Ghirlandaio terhadap kecacatan ini dianggap telah mempengaruhi seniman-seniman kemudian, seperti Leonardo da Vinci, untuk melukis subjek mereka sebagaimana adanya. Penonton pasti tersentuh dengan pemandangan ini. Wajah penuaan lelaki tua itu berbeza dengan kulit muda yang lembut. Ketika tangan kanak-kanak itu menghampiri lelaki tua itu, mata mereka bertemu dengan paparan kasih sayang terbuka. Warna merah hangat menekankan ikatan cinta ini. (Mary Cooch)

  • The Fortune Teller (sekitar 1508-10)

    Ketenaran utama Lucas van Leyden bergantung pada kemahirannya yang luar biasa sebagai pengukir, tetapi dia juga seorang pelukis yang berjaya dikreditkan sebagai salah satu yang pertama memperkenalkan lukisan genre Netherland. Dilahirkan di Leiden, di mana dia menghabiskan sebahagian besar hidupnya, dia dianggap telah berlatih dengan ayahnya dan kemudian dengan Cornelis Engebrechtsz. Dia pergi ke Antwerp pada tahun 1521, di mana dia bertemu dengan Albrecht Dürer , yang mencatat peristiwa ini dalam buku hariannya. Karya Dürer nampaknya paling berpengaruh padanya, walaupun van Leyden mendekati subjeknya dengan animasi yang lebih besar, lebih memusatkan perhatian pada watak tokoh individu. Peramal,yang merupakan kiasan kepada kesia-siaan cinta dan permainan, dicat pada awal kerjaya van Leyden, tetapi sudah menunjukkan keahlian dan kemahirannya sebagai seorang pewarna. Ini adalah kajian watak, dengan setiap individu digambarkan dengan kepekaan yang meriah. Lelaki berjanggut gelap di latar belakang sangat memikat, dengan tatapan menusuk dan wajahnya yang menyeramkan yang berbeza dengan sosok peramal yang pucat. Permukaan gambarnya berpola kaya, dan tekstur yang berbeza, dari bulu dan sutera hingga kaca dan daging, sangat bagus. Menolak komposisi ke bahagian depan bidang gambar mempunyai kesan meletakkan penonton di antara gambar-gambar lain. Van Leyden terkenal selama hidupnya, dan walaupun dia tidak mempunyai murid langsung, pengaruhnya sangat mendalam terhadap perkembangan seni Belanda, membuka jalan untuk tradisi lukisan genre Belanda. Karyanya juga dianggap memberi kesanRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Kemenangan Titus dan Vespasia (sekitar 1537)

    Dilahirkan Giulio Pippi, pelukis lukisan ini kemudiannya dikenali sebagai Giulio Romano setelah kota kelahirannya. Pada usia muda, dia pergi belajar dengan Raphael, kemudian menjadi ketua pembantu, dan setelah kematian Raphael, dia menyiapkan sejumlah karya artis. Palet bersemangat Rom dan gaya kiasan yang berani berbeza dengan kehalusan gurunya, tetapi, dari segi imaginasi semata-mata dan kesan ilusi dramatik yang dicapai melalui manipulasi perspektif, Romano adalah pemimpin dalam bidangnya. Selain daripada prestasi pelukisnya, artis itu juga arkitek dan jurutera. Kira-kira pada tahun 1524 Romano dipekerjakan oleh Frederico Gonzaga, penguasa Mantua, dan memulai sebuah projek besar-besaran untuk merancang dan membangun kembali beberapa bangunan kota, serta sejumlah skema hiasan. Kemenangan Titus dan Vespasiaditugaskan oleh Gonzaga untuk Room of the Caesars di Palazzo Ducale. Ia menggambarkan maharaja Titus mengarak ke Rom setelah kemenangan ke atas orang-orang Yahudi. Komposisi ini berdasarkan pemandangan di bahagian dalam Arch of Titus kuno di Rom, dan ia mengekalkan banyak kualiti patung yang asli, terutama pada kuda kuda Romano yang kuat. Warna-warna cemerlang dan tema klasik yang diberikan di tangan Romano's Mannerist menjadikan karya ini sangat popular pada zamannya. Perlakuannya terhadap pemandangan - yang terperinci indah dan dimandikan dalam cahaya lut sinar yang berkilauan - sangat menarik. (Tamsin Pickeral)

  • Perawan dan Anak dengan St. Anne (sekitar 1510)

    Leonardo da Vinci magang di bawah pemahat utama Andrea del Verrocchio , setelah itu dia bekerja untuk beberapa pelindung terkaya di Perancis dan Itali, termasuk keluarga Sforza Milan, raja Perancis, dan Vatikan di Roma. Sekiranya Verrocchio tidak beralih ke lukisan untuk bersaing dengan pesaingnya ketika Leonardo berada di bengkelnya, beberapa sarjana percaya bahawa dapat dibayangkan bahawa Leonardo tidak semestinya akan mengangkat kuas. Walaupun kehidupan dan karyanya sangat penting untuk sejarah seni, hari ini terdapat kira-kira 20 lukisan yang dikaitkan dengan selamat dalam karyanya. Perawan, ibunya Anne, dan bayi Yesus, subjek lukisan ini, bersama-sama salah satu tema Leonardo yang paling popular, seperti yang dibuktikan oleh beberapa lukisan dan lukisan. Ini termasuk kartun 1501 yang hilang dan The Virgin and Child bersama St. Anne dan St. John the Baptist (sekitar 1508, dikenali sebagai Burlington House Cartoon); mungkin diasumsikan bahawa kartun yang terakhir ini dimaksudkan untuk dikembangkan menjadi karya besar dan dicat sepenuhnya, tetapi tidak ada bukti bahawa lukisan semacam itu pernah dicuba. Namun, di sini, Perawan Maria terletak di pangkuan St. Anne, sementara anak Kristus dengan senang hati menggendong seekor domba kurban muda, perwujudan dari nasib bayi. Lukisan pen-dan-dakwat berskala kecil untuk The Virgin and Child bersama St. Annewujud dalam koleksi Accademia, Venice. Sikap tidak rasmi dan hubungan psikologi yang lembut antara pengasuh merupakan lukisan agama yang tinggi sepanjang masa. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Dalam apa yang telah menjadi salah satu daripada Antonello da Messina 's paling lukisan terkenal, artis menggambarkan seorang pemimpin tentera Itali, yang dikenali sebagai kondottiere. (Walau bagaimanapun, identiti sebenar lelaki itu tidak diketahui.) Sehingga abad ke-19, Itali terdiri dari sekumpulan negara kota yang merdeka, dan condottieri sangat menuntut untuk berjuang dalam pertempuran antara negara-negara yang bertentangan. Antonello berminat untuk menunjukkan peringkat pengasuhnya: dia duduk di hadapan latar belakang hitam dalam pakaian asas dan pakaian kepala dengan postur yang baik, sehingga mengangkat statusnya di atas seorang pendekar sederhana. Memang, subjek Antonello kemungkinan besar memiliki kekayaan untuk mendapatkan gelar yang lebih dekat dengan lelaki, dan dia akan menugaskan potret ini untuk menekankan kedudukan sosialnya. Namun, Antonello mengingatkan penonton bahawa lelaki ini adalah pejuang yang kejam. Pemeriksaan lebih dekat Condottieromendedahkan perincian seperti luka perang di bibir atas pengasuh. (William Davies)

  • Mona Lisa (sekitar 1503-09)

    Leonardo da Vinci memulakan hidup sebagai anak haram dari notaris Tuscan, dan dia boleh dibilang menjadi pelukis yang paling banyak dibincangkan di dunia. Kekaguman yang tidak berkesudahan oleh para sarjana dan orang ramai berlaku sejak dia mula menulis dan melukis. Dia juga seorang lelaki dengan kekurangan dan keterbatasan. Dia dilahirkan di kota Anchiano di lereng bukit Tuscan dekat Vinci, dan dia pindah ke Florence pada usia dini untuk melatih sebagai magang kepada Andrea del Verrocchio, seorang pengukir terkenal pada masa itu. Dari pelajaran awal itu, Leonardo memperoleh apresiasi mendalam terhadap ruang tiga dimensi, sebuah konsep yang melayani dia dengan baik sepanjang kariernya, sama ada dia melukis atau melukis seluk-beluk tanaman atau bahagian tubuh manusia, mesin perang atau karya air awam, geometri matematik atau geologi tempatan. Nama lukisan ini , yang tidak digunakan hingga abad ke-19, berasal dari catatan awal oleh Giorgio Vasari , yang juga memberikan satu-satunya pengenalan pengasuh. Mona Lisa, juga dikenal sebagai Lisa Gherardini, dicat pada pertengahan 20-an setelah dia mengahwini seorang saudagar sutera bernama Francesco del Giocondo, lelaki yang mungkin menugaskan potret itu. Hingga hari ini, orang Itali mengenalnya sebagai La Gioconda dan orang PerancisLa Joconde , yang secara harfiah diterjemahkan sebagai "jocund (atau suka bermain)." Dalam sejarah yang lebih baru, kemasyhuran lukisan itu mungkin juga berasal dari fakta bahawa ia dicuri dari Louvre di Paris dalam sebuah heist sensasi pada tahun 1911 oleh seorang nasionalis Itali tetapi untungnya dikembalikan dua tahun kemudian. (Steven Pulimood)

    [Ingin mengetahui lebih lanjut mengapa Mona Lisa begitu terkenal? Baca ini Demystified oleh Britannica.]

  • Amal (1518–19)

    Pada tahun 1518 Francis I dari Perancis memanggil pelukis Florentine Andrea del Sarto ke mahkamah Perancisnya, di mana artis Itali itu tinggal selama setahun. Amal adalah satu-satunya lukisan yang masih hidup dari tempat tinggalnya di Perancis; ia dicat untuk Château d'Amboise. Karya ini khas dari lukisan yang digemari oleh kerabat diraja Perancis pada masa ini. Ini menggambarkan sosok Amal yang dikelilingi oleh anak-anak yang dia asuh dan lindungi. Itu adalah perwakilan kiasan dari keluarga kerajaan Perancis, dan ia merayakan kelahiran Dauphin, yang dilambangkan oleh bayi yang menyusu, sementara sosok Amal memiliki persamaan dengan ratu. Struktur piramid komposisi khas dari bentuk tradisional untuk jenis lukisan ini, dan ia juga merupakan cerminan pengaruhLeonardo da Vinci pada Andrea del Sarto. Secara khusus artis mengagumi Leonardo's The Virgin and Child dengan St. Anne . (Tamsin Pickeral)

  • Pemusnahan St. George (sekitar 1432–34)

    Bernardo Martorell bekerja di Barcelona dan mungkin diajar oleh Luis Borrassá, pelukis Catalan yang paling produktif pada masa itu. Hanya satu karya yang masih hidup yang pasti dikaitkan dengan Martorell — Altarpiece St. Peter of Pubol (1437), yang berada di Museum Gerona, Itali. Walau bagaimanapun, Altarpiece St. George sangat khas dalam gaya Martorell sehingga kebanyakan pakar percaya bahawa dia adalah seniman. Altar tersebut diciptakan untuk kapel St. George di Istana Barcelona. Itu terdiri dari panel pusat yang menunjukkan St. George membunuh naga , yang kini ditempatkan di Institut Seni Chicago, dan empat panel sisi, yang berada di Louvre di Perancis. Panel sisi inimembentuk bahagian akhir naratif, dan ia menggambarkan martrydom St. George. Legenda St George nampaknya berasal dari tulisan oleh Eusebius dari Caesarea, bertarikh abad keempat Masihi. Dia terkenal sebagai askar Rom kelahiran mulia yang dibunuh pada tahun 303 CE kerana memprotes penindasan terhadap orang Kristian. Dia dikanonisasi pada abad ke-10 dan menjadi penaung tentera. Legenda St George tersebar luas di seluruh Eropah pada Abad Pertengahan, dan, walaupun kisah orang suci membunuh seekor naga nampaknya lebih mitologi daripada ajaib, ia diceritakan dalam banyak lukisan abad pertengahan. Dalam pemandangan terakhir dari legenda ini, ketika St George dipenggal, petir jatuh dari langit merah dan emas yang berapi-api. Gayanya mungkin Gothic Antarabangsa, tetapi wajah-wajah ngeri, memelihara kuda, badan jatuh, dan pakar pengendalian cahaya adalah milik Martorell. (Mary Cooch)