その他

ルーヴル美術館でしか見られない29点の絵画


  • 女性の肖像(3世紀)

    この石棺の肖像画はミイラ肖像画からのもので、ギリシャローマ時代に描かれました。ミイラ肖像画という言葉は、カイロの南西にある非常に肥沃な地域を指します。それは、自然の谷に建てられた、12王朝にさかのぼる野心的なエンジニアリングプロジェクトである人工湖、LakeQarounを中心としていました。ファユム渓谷の人々は、エジプト、ギリシャ、シリア、リビア、およびローマ帝国の他の地域から来ました。彼らは小麦や大麦などの作物を育てました。湖からの魚はエジプト中の素晴らしい珍味と考えられていました。そして、アメンエムハト3世の支配下で(第12王朝)、この地域は緑豊かな庭園と豊富な果樹で有名になりました。今日、この地域は、19世紀から20世紀にかけて発掘されたパピルスの文書の数と、考古学者によって発見された多くの「ファイユームの肖像画」で知られています。これらの等身大の肖像画は、明らかに家を飾るために使用されただけでなく、葬儀の目的で使用されました。エンカウスティーク技法では、ワックスを溶かし、それを顔料とおそらく亜麻仁油または卵と混合し、それをペンキのように木やリネンに塗ります。この描かれた肖像画驚くほどモダンに見えます。女性の澄んだ目と目立つ鼻、そして芸術家のジュエリーの注意深い描写は、これが認識可能な肖像画であるように描かれたことを示唆しています。美術史家はしばしば現実的な肖像画の誕生でファユム地域を信用します、そしてこの地域で発見された多くの肖像画は画期的な芸術実験の時を表しています。(ルシンダホークスリー)

  • (1573)

    ジュゼッペアルチンボルドは生涯で大成功を収めましたが、彼の死後すぐに彼の作品は時代遅れになり、19世紀の終わりまでその作品への関心は復活しませんでした。様式的には、彼の幻想的で想像力豊かな絵画は、人気のあるマニエリスム芸術の世界に適合しています。16世紀の間にすべてのヨーロッパ各地の裁判所は、特に機知に富んだと巧妙な幻想絵画のこのタイプを好む、これを証明するには、1562と1587の間でハプスブルク家の宮廷に画家としてアルチンボルドの長い割り当てた夏はシリーズの一部を形成四季をアーティストということ皇帝マクシミリアン2世のために描かれたこれはアルチンボルドがキャリアの中で何度か描いた主題であり、非常に人気がありました。は1562年に最初に一連の四季を描き、果物と野菜のコレクションから頭を作るという彼の想像力に富んだコンセプトは非常に熱心に受け入れられました。アルチンボルドのマクシミリアンに対する法廷での任務は絵画に限定されていませんでした。アーティストは舞台美術家、建築家、エンジニアとしても呼ばれていました。その後、ルドルフ2世皇帝に勤務している間、彼は皇帝のコレクションのために骨董品や珍しいオブジェを見つけることも担当しました。アルチンボルドの絵画は完全にシュールな効果を生み出し、確かに彼の時代で最も想像力に富み、巧妙に考案されたものの1つです。(タムシンピッケラル)

  • 釣り(1588年頃)

    アンニーバレ・カラッチはボローニャ地域で生まれ、彼の兄弟といとこと一緒に、ボローニャ派の主要な画家の一人として認められるようになりました。彼は特に熟練した製図工であり、正しい描画に非常に重点を置き、多くの場合、人生のシーンを描写し、それらを想像上のまたは理想的な風景の中に配置しました。当時、ボローニャの別荘の装飾には、狩猟や釣りのテーマが人気でした。釣りは、カラッチ、ハンティングによる別の作品のコンパニオンピースとして描かれましたそれらの寸法に基づいて、両方ともおそらく国内の別荘の出入り口にぶら下がるように設計されました。2つの作品は、カラッチのキャリアの初期、1584年にローマに移住する前に描かれましたが、すでにアーティストの非常に完成度の高いスタイルを示しています。この作品では、彼は1つの絵画内でさまざまなシーンを組み合わせ、細部を見逃すことなく、前景から各グループの人々、そして背景に目を向けるように巧妙に構図を考案しました。数字はおそらく自然から直接の研究に基づいており、その後風景と組み合わされています。この絵は、右のポインティング図に見られるように、カラッチがジェスチャーの使用を開発していることを示しているため、興味をそそられます。説得力のある明確なジェスチャーの使用は、バロック時代の後の画家に影響を与えたカラッチの特定のスキルの1つでした。また、明確な半透明の光の中で美しく構成されているカラッチの魅力的な風景の使用も明らかです。(タムシンピッケラル)

  • ラザロの育成(1619年頃)

    ジョバンニフランチェスコバルビエリ、通称イルグエルチーノは、イタリアのフェラーラとボローニャの間にある小さな町チェントで貧困の中で生まれました。彼は主に芸術家として独学でした。彼はボローニャ派の主要な画家の一人となり、彼の死後、グイド・レーニの忙しいスタジオを引き継ぎました(グエルチーノはレニによってアンビバレンスと見なされていたことが説明されているため、皮肉なことです)。グエルチーノのスタイルは彼の生涯の間に非常に劇的に変化し、彼のキャリアの初期からのこのような作品は、対照的な明暗を劇的に使用した非常にバロック的なアプローチを示しています。バロック絵画の典型である構図は複雑で、劇的なジェスチャー、エネルギー、感情に満ちています。人物は、まるでフリーズの一部であるかのように前景に群がっていますが、中央と背景は事実上識別できません。この技法は、鑑賞者を絵画の人物とほぼ同じ空間平面に配置し、強力な感情的反応を呼び起こします。その出来事は、死んだ人ラザロがイエスによって育てられたということです。グエルチーノは、彼の時代に大いに賞賛されたであろう激しい強さと精神的な熱意をシーンに吹き込みます。この絵が描かれる数年前に、グエルチーノは芸術家に会いましたルドヴィコ・カラッチは、カラッチの色と感情の扱いに触発されました。カラッチの影響は、グエルチーノのラザロ育成で識別できますが、この作品は全体としてよりエネルギッシュなスタイルです。多作で人気のある芸術家、グエルチーノは金持ちで亡くなりました。(タムシンピッケラル)

  • 大工聖ヨセフ(1635–40)

    ジョルジュ・ド・ラ・トゥールの生涯と作品の物語はまだらです。彼は生涯で成功を収めましたが、ラトゥールは数世紀の間忘れられていました。彼の作品は、20世紀の初めに再発見されました。フランスの画家であり、カラヴァッジョの絵画に影響を受けたとよく言われます。しかし、ラトゥールはカラヴァッジョの作品を知らず、1本のろうそくが放つ影と光の影響を独自に調査した可能性があります。敬虔なローマカトリック教徒であるラトゥールは、しばしば宗教的な場面を描きました。彼は何度かマグダラのマリアの悔い改めのテーマに戻り、この感動的なシーンを描きました大工の店でイエスを教えているヨセフの スタイルは現実的で、詳細で、慎重に計画されています。キリスト教の信念では、イエスは世界の闇を照らす世界の光であるため、ろうそくを持っています。(ルシンダホークスリー)

  • 内反足(1642)

    ナポリの明らかに障害のある物乞いが歯を見せる笑顔で生意気に見ているこのジャンルの写真興味をそそられる人はほとんどいませんスペイン生まれのホセ・デ・リベラ彼のキャリアのほとんどをナポリで過ごし、その後スペインに支配され、街の主要な芸術家になりました。彼は一般の人々に大きな関心を持っていたので、おそらく彼は単にナポリの乞食の少年を描くことを意図していました。しかし、彼がリアリズムと伝統を融合させた方法は、アートの新しい方向性を告げるものでした。人生はこの物乞いに微笑んでいませんが、彼は陽気に反抗しています。彼は、必死にではなく、さりげなく肩にクラッチを運び、物乞いを許可する紙を差し出します。これは、当時ナポリで義務付けられていたものです。ラテン語で「神の愛のために施しをください」と書かれています。汚れた脇道でしゃがみ込んでいるのではなく、古典的なスタイルで描かれた歴史的、神話的、宗教的な作品を思い起こさせる穏やかな風景に背を向けています。リベラは彼に印象的な身長を与えます、低い視点と人道的な尊厳によって大きくなりました。彼の物乞いはほとんど小さな王子かもしれません。ゆるい筆遣いは風景の中で柔らかくなり、少年をさらに際立たせます。リアリズムと人間性で人々の個性を伝えるリベラの能力は、西洋美術、特にスペインの学校に大きな影響を与えました。(アンケイ)

  • 内部の眺めスリッパ)(1654–62)

    サミュエル・ファン・フーグストラテンは、遠近法の正しい使用に関心を持っていた肖像画やインテリアの熟練した画家でした。伝統的にスリッパと呼ばれるインテリアの眺めは、絵の深さを強調するためのオランダのタイル張りの床のアーティストの特徴的な使用を例示しています。これは、絵のフレーム、ドアのケーシング、そして最後に絵の後ろにある2つの絵によってマークされた、はっきりと後退する絵の平面によって強調されています。開いたドアの一部を前景に表示することで、アーティストは見物人を戸口に配置し、絵画の幻想的な効果を高めます。Hoogstratenの主題は、微妙な詳細によってほのめかされています。捨てられたほうき、家のスリッパ、閉じた本(読書が中断された)は、好色な連絡が視界のすぐ外で起こっていることを示しています。絵の穏やかな道徳的なトーンは、Hoogstratenが数回戻ったものでした。(タムシンピッケラル)

  • シテール島への巡礼(1717年)

    1717年、ジャン=アントワーヌヴァトーは、この写真を彼の卒業証書としてフランスのアカデミーに提出しましたそれは彼の最高の作品として高く評価され、新しいロココ様式に重要な影響を与えました。主題はマイナーな遊びの実例として始まりました。フィレンツェDancourtのでレトロワCousines、巡礼者に扮した少女がコーラスラインから出て、観客を招待して、誰もが理想のパートナーと出会う愛の島、シテラへの航海に参加します。ヴァトーの最初のバージョンのテーマは1709年頃のもので、非常に文字通りの描写でしたが、ここでは演劇の枠組みを省き、事件を夢のようなロマンチックなファンタジーに変えました。重要なことに、彼は旅の始まりではなく終わりを描くことを選択しました。恋人たちはペアを組んで右側の金星の像に花を飾り、家に帰ろうとしています。この瞬間に焦点を当てることで、アーティストは彼の作品の特徴である穏やかな憂鬱な空気を作り出すことができました。ほとんどの夫婦が出発の準備をしている間、2人の恋人が女神の神社のそばに残っています。愛に魅了され、他のすべてに盲目です。去っていく女性の一人が振り返り、悲しいことに振り返ります。愛のこの部分が最もつかの間であることに気づきます。ヴァトーの死後、彼の芸術は劇的に時代遅れになりました。多くの人にとって、彼の好色な逃避行の描写は、君主制の昔とあまりにも密接に結びついているように見えました。革命期の間、芸術の学生は彼を使用しましたターゲット練習のためのCythera、それにパンペレットを投げつけます。(Iain Zaczek)

  • ピエロ(旧称ジル)(1718〜19年頃)

    これは、ジャン=アントワーヌ・ヴァトーが短いキャリアの中で制作した最後の絵画の1つですピエロが観客をじっと見つめている様子が、アーティストの憂鬱なムードを反映した哀愁を帯びた表情で描かれています。Gillesはフランスのピエロの総称で、おそらく17世紀のアクロバットでコメディアンのGilles leNia​​isに由来しています。ヴァトーの日までに、このキャラクターと、フランスで非常に人気のあったイタリアの演劇の伝統であるコンメディア・デラルテの主要なピエロであるピエロとの間にはかなりの重複がありました。どちらの人物も、チャーリー・チャップリンとバスター・キートンのプロトタイプである、観客のお気に入りとなった無実の愚か者を演じました。この絵おそらく、通行人をショーに誘惑するように設計された劇場の看板として制作されました。キャラクターの1人がお尻に変わったコメディー、ダナエーの初演のために作成された可能性がありますあるいは、パレード、つまりメインパフォーマンスの前の簡単な茶番のスケッチを宣伝した可能性があります。これらの中で、ロバはしばしばステージを横切って導かれ、ジルの純粋な愚かさを象徴しました。ヴァトーがでメインの図のようにこの道化師の小型版を使用イタリアのコメディアンが、彼は両方のケースでは1720についての彼の医者のために生成することを絵には、ジルの悲観的な数字はを彷彿とさせるだったのEcceホモ(「男を見よ」)絵画。この人気のある宗教的なテーマは、ポンティウスピラトが人々の前でイエスを提示し、彼らが彼の解放を求めることを望んでいたときの、キリストの受難のエピソードを描いています。代わりに、暴徒は彼のはりつけを求めました。(Iain Zaczek)

  • オリーブの瓶のある静物(1760)

    パリ生まれのジャン・バプティスト・シメオン・シャルダンは、キャビネットメーカーである父親の足跡をたどりたいという願いに抵抗し、代わりにピエール・ジャック・ケイズとノエル・ノエル・コワペルのスタジオで見習いになりました。チャーディンは生涯を通じてフランスアカデミーの忠実なメンバーであり続けましたが、成功したにもかかわらず、「動物と果物の分野」で画家に指名されたため、教授になることはできませんでした。彼が最もよく知られている初期の静物画は短期間で完成し、彼が巧みな技術を習得した速さを示しています。彼の総生産量の4分の1は、1732年以前に制作されたと推定されています。彼のスタイルは、オランダの絵画、特にレンブラントの絵の具の取り扱いにかなりの借金を負った、豊かな質感の筆致が特徴です。これは彼の作品を18世紀のフランス絵画のより身近なスタイルから切り離します。シャルダンは、シンプルな家庭のシーンや身近な家庭用品を描きました。しかしながら、オリーブのボトルのある静物は、彼の抑制されたムード、まろやかな照明、そして日常のオブジェクトやシーンに魔法のオーラを与える不思議なリアリズムの典型です。彼の崇拝者が彼を「偉大な魔術師」と呼んだのは当然のことです。彼の才能は、影響を受けずに最高の技術的スキルを備えた完璧な完全性の絵画を制作することにありました。(ロジャーウィルソン)

  • ボルト(1777年頃)

    ジャン・オノレ・フラゴナールは、ロココ様式の主要な画家の1人でした。彼の写真は軽薄で官能的であり、1789年の革命に至るまでの数年間のフランスの宮廷生活の優雅さを象徴しています。彼の同時代人にとって、フラゴナールはとりわけスジェットレジェ(軽い主題)の達人として知られていましたこれらのテーマは公然とエロティックでしたが、王室でも受け入れられる程度の味と繊細さで取り扱われました。確かに、それはこの絵が宗教画のコンパニオン作品として委託されたように見える日のファッションについてのボリュームを話します。初期の情報筋によると、ヴェリ侯爵は、フラゴナールの珍しい献身的なイメージの1つである羊飼いの崇拝と一緒に飾る写真を求めてアーティストに近づきました。現代の目には、これは奇妙な並置のように見えるかもしれませんが、ヴェリはおそらく、ルネッサンス以来人気のあった芸術的なテーマである聖愛と俗愛を表すために組み合わせを意図していました。通常、芸術家はこの考えを1つの写真で伝えましたが、イブの絵と聖母マリア(しばしば新しいイブと見なされていた)に関連する主題を組み合わせることもありました。ここで、テーブルに目立つように表示されているリンゴは、エデンの園でのイブの誘惑への従来の言及です。ボルトはロココ様式が時代遅れになり始めたときに描かれましたが、劇的な照明と高度な仕上げは、フラゴナールが流行し始めた新古典主義様式に適応していたことを示しています。(Iain Zaczek)

  • ホラティウス兄弟の誓い(1784)

    ジャック=ルイ・ダヴィッドは、間違いなく歴史上最も並外れた政治宣伝画家です。ナポレオンの宮廷画家、皇帝の神話的なペルソナとフランス革命の図像について私たちが知っていることの多くは、デビッドの演劇的で寓話的な絵画から来ています。デビッドは、古典的な神話と歴史を現代の政治に類似したものとして描いた新古典主義の芸術運動の父でした。ホラティウス兄弟の誓いローマの歴史家リヴィによって紀元前59年頃に記録された、紀元前669年頃にローマとアルバの間の戦争で戦った2つの家族、3人のホラティウス兄弟と3人のキュリアティ兄弟の息子の物語を語っています。男性は戦う必要がありますが、Curiatii家の女性の1人はHoratii兄弟の1人と結婚しており、1人のHoratii姉妹はCuriatii家の兄弟と結婚しています。これらの関係にもかかわらず、ホラティウス三兄弟は息子たちにキュリアティと戦うように勧め、悲しみに打ちひしがれた姉妹たちの嘆きにもかかわらず、彼らは従います。男性が個人的な動機よりも政治的理想を選んだ瞬間を描く際に、デイビッドは視聴者に、彼ら自身の政治的に混乱した時期にこれらの男性をロールモデルと見なすように求めます。彼が政治の理想主義と同じように絵画の写実主義に関心を持っていたように、デビッドは、生活から建築をコピーするためにローマに旅行しました。その結果、1785年にパリのサロンで絵画が展示されたとき、大成功を収めました。デビッドの絵画は、彼のスキルの強さが彼の強い信念を明確にするのに十分なほど卓越していたため、依然として視聴者の共感を呼んでいます。(アナ・フィネル・ホニグマン)

  • マダムレカミエ(1800)

    これは、ジャック=ルイ・ダヴィッド最高の肖像画として広く認められていますその優雅さ、シンプルさ、そして経済性により、新古典主義芸術の最も成功した例の1つと見なされています。デビッドのモデル、ジュリエットレカミエは、パリの社会の最愛の人でした。彼女はライオンズ出身の裕福な銀行家の妻でしたが、他の多くの男性の注目を集めましたが、そのすべてが適度に拒絶されました。デビッドは、レカミエの高潔な評判からインスピレーションを得ました。彼女の素足、白いドレス、そしてアンティークのアクセサリーで、彼女は後日のウェスタの処女に似ています。これはポーズによって補強されます。女性の視線は率直で率直ですが、彼女の体は背を向けており、近づきがたいです。肖像画の座り方はスムーズに進みませんでした。画家はジュリエットのしつこい非定型性に苛立ちましたが、彼女は芸術的な自由のいくつかに反対しました。特に、彼女はデビッドが髪の毛の色合いを明るくしたという事実に憤慨しました、それは彼の配色に合わなかったからです。その結果、彼女は芸術家の生徒の一人に別の肖像画を依頼しました。彼がこれを知ったとき、ダビデは続けることを拒否しました。「マダム」、彼は宣言したと言われています。画家もそうです。私を満足させてください。私はあなたの肖像画を現在の状態に保ちます。」この決定は有益だったかもしれません。なぜなら、画像の厳しい厳しさがそれに大きな影響を与えるからです。ランプと他のいくつかの詳細は、デビッドの学生によって描かれたと言われています 私はあなたの肖像画を現在の状態に保ちます。」この決定は有益だったかもしれません。なぜなら、画像の厳しい厳しさがそれに大きな影響を与えるからです。ランプと他のいくつかの詳細は、デビッドの学生によって描かれたと言われています 私はあなたの肖像画を現在の状態に保ちます。」この決定は有益だったかもしれません。なぜなら、画像の厳しい厳しさがそれに大きな影響を与えるからです。ランプと他のいくつかの詳細は、デビッドの学生によって描かれたと言われていますJean-Auguste-DominiqueIngres後者は確かに写真に感銘を受けました彼は彼の最も有名な作品の1つであるラグランデオダリスクのためにレカミエのポーズを借りたからです。(Iain Zaczek)

  • The BatherTheValpinçonBather)(1808)

    1801年、ジャック=ルイ・ダヴィッドに師事した後、フランスの芸術家ジャン=アウグスト=ドミニク・アングルが名誉あるローマ賞を受賞しました。これは、4年間ローマを訪れ、過去のイタリアの巨匠を研究するために最高の芸術家にお金を払ったフランスのアカデミーロワイヤルによって授与された賞でした。残念ながら、フランスの経済が衰退しているため、現時点では州は芸術家をイタリアに送る余裕がありませんでした。アングルは最終的に1808年にローマに行ってきましたザ・水浴イタリアで制作されたアングルの最初の絵画の1つであり、芸術家は何世紀にもわたる重要なルネサンス芸術に囲まれていましたが、伝統を破っています。アングルは、被写体のアイデンティティを明らかにするのではなく、ほぼ記念碑的な被写体を、胴体を少しひねって背中を開くように、視聴者の反対側を向いていることを特徴としています。これにより、視聴者は、私たちに挑戦することなく、入浴者を賞賛(および客体化)することができます。彼女は匿名で、決定されておらず、性格を解読できません。アングルのその後の女性ヌード作品は、しばしばより正面のポーズを採用しました。アングルの限られたグリーン、クリーム、ブラウンのパレットが、左側のカーテンの暗い色調から、右側の背景とベッドカバーの明るい色調に変化することに注目するのは興味深いことです。このトーンのグラデーションは、入浴の象徴的な性質を反映していることがわかります。自分の魂を浄化し浄化する行為:シッターがお風呂から離れるにつれて、彼女はより白くなり、したがってより純粋になります。(ウィリアム・デイヴィス)

  • メデューズ号の筏(1819年)

    この絵を見て、その情熱と力に圧倒されない人はほとんどいませんでした。フランスのロマン主義の原動力であるテオドール・ジェリコーによって描かれ、今ではその運動の決定的な声明と見なされています。ロマンティックスは、18世紀の古典芸術から脱却し、リアリズムと感情を強調しました。この絵は、古典主義とロマン主義を明確に橋渡ししているため、特に興味深いものです。メデューズ号の筏が1819年のサロン展示会に登場したとき、それは大きなスキャンダルを引き起こし、設立を恐ろしくしました。このシーンは、難破したフランス政府のフリゲート艦LaMéduseの実話を物語っています。、その無能な船長と将校は自分たちのために唯一の救命ボートを取り、150人の乗組員と乗客のうち15人を除いてすべてをその場しのぎのいかだで死に、絶望、野蛮人、そして人食いに沈んだ。ジェリコーは、伝統主義者に大いに愛されている巨大な英雄的な歴史画に似た方法で、関係者全員にひどく反映された現代史(大破は1816年に発生)からの愚かで不穏なエピソードをあえて示しました。一方で、ここには不気味なレベルのリアリズムがあり(ジェリコーは詳細を正しく理解するために死体を研究しました)、非常にエネルギッシュな筆致が渦巻く動きと感情を高めています。一方、ボディとピラミッド型の構成は古典的なスタイルです。怒りにもかかわらず、この写真はジェリコーの芸術的承認を獲得し、他の芸術家に多大な影響を与えました。ウジェーヌドラクロワ(アンケイ)

  • サルダナパールの死(1827)

    フランスのロマン派の中で最も偉大であるとよく言われるウジェーヌ・ドラクロワは、まさに彼の時代の画家でした。友人のテオドール・ジェリコーのように、デラクロワは初期の訓練から特定の古典的な要素を保持しましたが、大胆なエネルギー、豊かで個性的な色の使用、そして彼を先駆者にしたエキゾチックな愛情を示しました。巨大な帆布サルダナパールの死ワイルドな動きと豪華な色、贅沢な異国情緒の乱交で五感に爆発します。サルダナパールは、極端な退廃を好む古代の伝説のアッシリアの支配者でした。大規模な軍事的敗北の恥に応えて、サルダナパールは彼の宮殿の宝物、愛人、奴隷にされた人々と一緒に彼自身を燃やして死に至らしめた巨大な山火事を作りました。デラクロワはそのようなバイロニックドラマを楽しんだ。彼は現実的な遠近法や構図の一貫性の試みを放棄したようです。歪んだ身体や物体が、強烈な色と熱く侵入する影で窒息した悪夢の世界の中で渦巻いています。きらびやかな宝石と豊かな布地の詳細な絵は、描かれている贅沢な世界をはっきりと伝えていますが、サルダナパールが彼の周りの騒乱を調査するクールな分離は、不吉な気分を引き起こします。Delacroixは、人間の肌にグレーとブルーの色調を実験して、彼の型にはまらない身体のモデリングを形にしました。暴力の抑制されていない探求が、必死のエネルギーと大胆な着色技術とともに、後の芸術家にどのようにボリュームを語ったかを簡単に理解できます。(アンケイ)

  • ホーマー神格化ホメロスの神格化)(1827)

    時間によってホーマー神格化が描かれた、ジャン・オーギュスト・ドミニク・アングルは、のようなフランスのロマン派の頑固な芸術に対して自分自身を孔食、伝統的な、古典絵画の自称リーダーだったウジェーヌ・ドラクロワこの特定の絵画は、アングルの学術的アプローチの良い例とは言えず、実際、彼はそれを古典主義への賛美の賛美歌として意図していました。彼にはもっと官能的な側面がありましたが(たとえば、彼のThe Bather)、ここでは完全に抑制されています。ホメロスの神格化としても知られるこの作品は、古代ギリシャの有名な詩人が、神話の人物であるビクトリーによって月桂樹で冠をかぶった神として描かれています。彼の足元にいる2人の女性は、ホーマーの素晴らしい壮大な作品を表しています。イリアスオデッセイ彼の周りには、ギリシャ人の仲間を含む古代から現代までの芸術的な巨人の愛する群衆が集まっています。劇作家のアイスキュロスはホメロスの左側に羊皮紙を提供し、アテナイの彫刻家フィディアスは右側にハンマーを差し出します。より現代的な人物は、劇作家のモリエールや画家のニコラプッサンなど、フランスの17世紀の古典派の芸術家によって支配されています。三角形の対称的な構図は古典的な理想主義を醸し出しており、ホーマーは彼の名前を冠したアンティークの寺院の中央に配置されています。この絵は、その作成時にあまり受け入れられていませんでした。アングルは数年間ローマに撤退しましたが、1840年代に戻って、主要な古典主義者として再び称賛されました。アングルの伝統主義をくじくのは流行になりましたが、彼は現在、かなりの技術的スキルを持つ非常に影響力のある芸術家と見なされています。(アンケイ)

  • 民衆を導く自由の女神(1830)

    この作品は、ウジェーヌ・ドラクロワが1827年から1832年までの期間に属しています。次々と傑作を生み出した。これも例外ではありません。ルイ・フィリップが権力を握った1830年7月の革命を記念して描かれたこのイメージは、革命の精神を象徴するようになりました。それは1831年のパリサロンでセンセーションを巻き起こしました。ルイフィリップは彼の加入を記念して作品を購入しましたが、炎症を起こす可能性があると考えられていたため、公の場から遠ざけました。この絵は、現代のルポルタージュと寓話を記念碑的な方法で巧みに組み合わせています。場所と時間は明確です。遠くにノートルダムが見え、人々はクラスに応じた服装をしており、右側のだらしない男の子は一般の人々の力を象徴しています。シーンを最高にした寓話的なリバティの姿、彼女の上に掲げられたトリコロールは、理想化された美しさを体現するのではなく、怒りを引き起こしました。活気に満ちた筆致は、非常に本物の女性を示しています。半裸で、汚れていて、死体をまたいでいることは、自由がそれ自体の抑圧をもたらす可能性があることを示唆しているかもしれません。この絵はまた、デラクロワが後の作品のより控えめなアプローチに向かっていることを示しています。そこでは、現実感を伝えたり真実を表現したりするために、色が隣り合って機能する方法にますます微妙な進出をしました。そのような色の使用は、印象派とモダニストの間で非常に影響力があります。彼は、現実感を伝えたり、真実を表現したりするために、色が隣り合って機能する方法にますます微妙な進出をしました。そのような色の使用は、印象派とモダニストの間で非常に影響力があります。彼は、現実感を伝えたり、真実を表現したりするために、色が隣り合って機能する方法にますます微妙な進出をしました。そのような色の使用は、印象派とモダニストの間で非常に影響力があります。ピエール・オーギュスト・ルノワールジョルジュ・スーラパブロ・ピカソ(アンケイ)

  • ルーヴル美術館のグランデギャラリーの眺め(1841年)

    成功した織工商人の息子であるパトリック・アラン・フレイザーは、彼の芸術的傾向を追求することを支持して、彼の父を商業的キャリアに追い込む機会を拒否しました。研究はアラン・フレイザーをエジンバラ、ローマ、ロンドン、そして最後にパリに連れて行き、そこで彼はルーブル美術館内の壮大なグランドギャラリーに出会いました。ルーヴル美術館のグランデギャラリーの眺めを描くとき、アーティストは、ロンドンで出会ったザ・クリークとして知られるビクトリア朝のアーティストのグループからインスピレーションを得ました。クリークは風俗画を支持して学術的なハイアートを却下しました。四分の一マイルに及ぶ一見無限のグランデギャラリーは、芸術家や職人がしばしば集まる場所でしたが、ここでは、感謝と反省の穏やかな雰囲気に遭遇します。後年、アラン・フレイザーは立派な建物の修復と建設に没頭し、これを行う際にはグランデギャラリーに対する彼の賞賛が最も重要でした。散発的な光線は、鑑賞者がその中の活動を眺めることを可能にするだけでなく、ホールの大きさと優雅さを明らかにします。アランフレイザーは1874年にロイヤルスコティッシュアカデミーに選出され、クリークのメンバーの肖像画を依頼しました。彼にインスピレーションを与えた人々に敬意を表して。(サイモン・グレイ)

  • モルトフォンテーヌ記念品(1864)

    カミーユコローは、芸術的な訓練を追求することを決定する前に、呉服商としてのキャリアを開始しました。父親の支援を受けて、彼は最初にアシール・エトナ・ミカロンに師事し、次にジャン=ヴィクトール・ベルタンに師事しましたが、後にコローは彼の訓練が彼の芸術に影響を与えたことを否定しました。彼は生涯を通じて広く旅をし、イタリアで数年間過ごし、スイスを探索し、フランスの田舎の多くをカバーしました。彼の旅行では、彼は光と雰囲気の即時性を捉えた多数の油絵と戸外制作を行いました彼はまた、スタジオ内で展示スタイルの絵画にも取り組みました。モルトフォンテーヌ記念品彼の晩年のキャリアからの最高の絵画の1つです。それは柔らかく拡散した光を浴びており、それは完全な静けさの作品であり、芸術家の世界の叙情的で詩的な同化の縮図です。シーンは自然から取られたものではありませんが、自然環境の重要な要素を組み合わせて、完璧で調和のとれたイメージを作成します。手前の優雅な木、背後の静水の広がり、柔らかな色で選ばれた静かな人物は、美しく静かな反射の作品を表現するためにアーティストがよく使用するモチーフでした。コローのスタイルは、最初はリアリストの方針に沿って機能し、夢のようなロマンチックな知覚を包含するように開発されました。このように、彼の作品は写実主義者と印象派の間の架け橋のようなものと見なすことができ、実際、彼はしばしば印象派の父と呼ばれています。1890年代に描かれた早朝の光の中のセーヌ川のクロードモネの眺め。(タムシンピッケラル)

  • キリストの鞭打ち(1455–60)

    バルセロナ市を中心とするカタルーニャの土地は、1400年代に芸術の偉大な黄金時代を迎え、この復活の最前線にいたのはJaumeHuguetでした。ヒューゲは、当時カタロニアの学校で制作された美しく装飾された宗教芸術を代表する見事な祭壇画で有名です。この祭壇画の中心に、キリストははりつけによる死刑判決を受ける前に殴打されています。判決を下した男、ユダヤのローマ総督、ポンティウス・ピラトは、右側の大王座に座っています。ヒューゲのイメージは宝石のような色で満たされ、床タイルからピラトの玉座や衣服に至るまで、細部にまでこだわっています。構図にはよく構成された対称性があります。キリストの中心位置、殴打を行う2人の男性と、足元に2人の小さな天使、後退する床タイル、キリストの後ろのアーチの列、そして均等なサイズのピーク。全体の効果は、まるでタペストリーのように、非常に装飾的です。この作品は、バルセロナ大聖堂のサンマルク礼拝堂の靴職人のギルドから委託されたものです。そのため、装飾的な境界線に靴が表示されます。国境には、ワシ、ライオン、天使、牛の画像もあります。それぞれ、福音書記者の聖ヨハネ、聖マルコ、聖マタイ、聖ルカのシンボルです。ヒューゲの作品は、ベルナルド・マルトレルなどの15世紀のカタロニアの巨匠の型に広く組み込まれており、彼の個人的なスタイルはカタロニアのスタイルを定義するのに役立ちました。(アンケイ)

  • 少年を持つ老人(1490年頃)

    ドメニコ・ギルランダイオは、フレスコ画と肖像画で有名なフィレンツェの芸術家でした。少年を持つ老人は彼の最も広く認識されているイメージです。ストックホルムの国立博物館の絵は、ギルランダイオが鼻の皮膚の欠陥を含む老人の研究を行ったことの証拠を提供しています。男性は酒皶に起因する外観を損なう鼻瘤に苦しんでいたと考えられています。しかし、肖像画のリアリズムは当時としては珍しいものです。ギルランダイオがこの欠陥を含めたことは、レオナルドダヴィンチなどの後の芸術家に影響を与えたと考えられています、彼らの主題を彼らがそうであったように描くために。視聴者は確かにこのシーンに感動しています。老人の老化した顔は、子供の柔らかく若い肌とは対照的です。子供の手が老人に届くと、彼らの目は愛情表現で出会う。温かみのある赤は、この愛情のこもった絆を強調しています。(メアリー・クーチ)

  • 占い師(c。1508–10)

    ルーカスファンレイデンの主な名声は、彫刻家としての彼の並外れたスキルにありますが、彼はまた、オランダの風俗画を最初に紹介した人物の1人であると信じられている熟練した画家でもありました。人生のほとんどを過ごしたライデンで生まれた彼は、父親と一緒に、後にコーネリス・エンゲルブレチツと一緒に訓練を受けたと考えられています。彼は1521年にアントワープに旅行し、そこでアルブレヒト・デューラーに会いました。アルブレヒト・デューラーはこの出来事を日記に記録しました。デューラーの作品は彼に最も影響を与えたようですが、ファンレイデンはより大きなアニメーションで彼の主題にアプローチし、個々の人物の性格にもっと集中しました。占い師、愛とゲームの虚栄心をほのめかすもので、ファンレイデンのキャリアの初期に描かれましたが、すでに彼のドラフトマンシップとカラーリストとしてのスキルを示しています。それは性格の研究であり、一人一人が生き生きとした感性で描かれています。背景の黒ひげを生やした男は、占い師の青白い姿とは対照的な鋭い凝視と不吉な表情で、特に魅惑的です。絵の表面は豊かな模様で、毛皮や絹からガラスや肉まで、さまざまな質感が見事に表現されています。コンポジションを画面の前面に押すと、他の図の中に視聴者を配置する効果があります。ファンレイデンは生涯で有名であり、直接の生徒はいませんでしたが、彼の影響はオランダの芸術の発展に深く影響しました。風俗画のオランダの伝統への道を開く。彼の作品も影響を与えたと考えられていますレンブラント(タムシンピッケラル)

  • タイタスとウェスパシアヌスの勝利(1537年頃)

    この絵の芸術家であるジュリオ・ピッピが生まれた後、彼の生まれた街からジュリオ・ロマーノとして知られるようになりました幼い頃、彼はラファエルに師事しに行きましたその後、彼の主任助手となり、ラファエロの死後、彼は多くの芸術家の作品を完成させました。ロマーノの活気に満ちたパレットと大胆な比喩的なスタイルは、彼の教師の繊細さとは対照的でしたが、遠近法の操作によって達成された純粋な想像力と劇的な幻想効果の点で、ロマーノは彼の分野のリーダーでした。彼の絵画的な業績とは別に、芸術家は建築家およびエンジニアでもありました。1524年頃、ロマーノはマントヴァの支配者であるフレデリコゴンザガに雇われ、町のいくつかの建物の設計と再建、およびいくつかの装飾計画に着手しました。タイタスとウェスパシアヌスの勝利ドゥカーレ宮殿のシーザーズの部屋のためにゴンザガから委託されました。ユダヤ人に勝利した後、ローマをパレードする皇帝タイタスを描いています。作曲はローマの古代ティトゥスの凱旋門の内側のシーンに基づいており、特にロマーノの勇敢な戦車馬で、オリジナルの彫刻の品質の多くを保持しています。ロマーノのマニエリスムの手で描かれた鮮やかな色と古典的なテーマは、この作品を当時非常に人気のあるものにしました。美しく詳細で、きらめく半透明の光を浴びている彼の風景の扱いは、特に注目に値します。(タムシンピッケラル)

  • 聖アンナと聖母子(1510年頃)

    レオナルド・ダ・ヴィンチは、マスター彫刻家アンドレア・デル・ヴェロッキオの下で見習いをしました。その後、フランスの王であるミラノのスフォルツァ家やローマのバチカンを含む、フランスとイタリアで最も裕福な常連客の何人かで働きました。レオナルドがワークショップに参加していたときに、ヴェロッキオがライバルと競争するために絵画に切り替えなかったとしたら、レオナルドが必ずしもブラシを持ち上げたとは限らないと考える学者もいます。彼の人生と仕事は美術史にとって非常に重要ですが、今日、彼の作品にはおよそ20点の確実に帰属する絵画があります。この絵の主題である聖母、彼女の母親のアン、そして幼児のイエスは、いくつかの図面や絵画で証明されているように、一緒にレオナルドの最も人気のあるテーマの1つです。これらには、1501年の失われた漫画、聖アンナと聖ヨハネのバプテストの聖母子(1508年頃、バーリントンハウス漫画として知られています)が含まれます。後者の漫画は、完全に描かれた大きな作品への発展を目的としていたと思われるかもしれませんが、そのような絵が試みられたという証拠はありません。しかし、ここでは、聖母マリアは聖アンナの膝の上に横たわっていますが、キリストの子供は、幼児の運命の前兆となる具体化である若い犠牲の子羊をふざけて愛撫しています。聖アンナと聖母子のため小規模なペンとインクの絵ヴェネツィアのアカデミア美術館のコレクションに存在します。非公式な姿勢とシッター間の優しい心理的関与は、宗教画の中で史上最高を構成しています。(スティーブンプリムード)

  • コンドッティエロ(1475)

    アントネロダメッシーナ最も有名な絵画1つになっているもの、アーティストは、コンドッティエーレとして知られるイタリアの軍事指導者を描いています。(しかし、男の正体は不明です。)19世紀まで、イタリアは一連の独立した都市国家で構成されており、コンドッティエリは対立する国家間の戦いで戦うことを強く求められていました。アントネッロは、シッターのランクを表示することに関心を持っています。彼は、基本的な服と帽子を身に着けた黒い背景の前に座っており、姿勢が良いため、単純な戦士よりも地位が高くなっています。確かに、アントネッロの主題はおそらく紳士のそれに近い称号を与えるための富を持っていたでしょう、そして彼は彼の社会的地位を強調するためにこの肖像画を依頼したでしょう。しかし、アントネッロはこの男が冷酷な戦闘機であることを視聴者に思い出させます。コンドッティエロの詳細な調査シッターの上唇に巻かれた戦争などの詳細を明らかにします。(ウィリアム・デイヴィス)

  • モナリサ(1503〜09年頃)

    レオナルドダヴィンチはトスカーナの公証人の非合法な息子として人生を始めました、そして彼は間違いなく世界で最も議論された画家になりました。彼が執筆と絵画を始めた日から、学者と一般の人々の終わりのない魅力が事実上続いた。彼はまた、欠陥と制限のある人でした。彼はヴィンチ近くのトスカーナの丘の中腹にあるアンキアーノの町で生まれ、アンドレア・デル・ヴェロッキオの見習いとして訓練するために幼い頃にフィレンツェに移りました。、その日の有名な彫刻家。それらの初期のレッスンから、レオナルドは3次元空間を深く理解しました。これは、植物や人体の一部、戦争機械、公共水道などの複雑な絵を描いたり描いたりする場合でも、彼のキャリアを通じて役立つ概念です。数学的幾何学または局所地質学。この絵の名前は19世紀まで使用されていませんでしたが、ジョルジョヴァザーリによる初期の説明に由来しておりこの絵はシッターの唯一の識別情報でもあります。リザ・ゲラルディーニとしても知られるモナ・リザは、肖像画を依頼した可能性のあるフランチェスコ・デル・ジョコンドという絹の商人と結婚した後、20代半ばに描かれました。今日まで、イタリア人は彼女をラ・ジョコンダ、フランス人はLa Jocondeは、文字通り「冗談めかして(または遊び心のある)もの」と訳されます。より最近の歴史では、この絵の名声は、1911年にイタリアの民族主義者によってセンセーショナルな強盗でパリのルーブル美術館から盗まれたが、2年後にありがたいことに返還されたという事実にも一部由来している可能性があります。(スティーブンプリムード)

    [モナリザがなぜそんなに有名なのかもっと知りたいですか?ブリタニカによって謎解きされたこれを読んでください。]

  • チャリティー(1518–19)

    1518年、フランスのフランソワ1世は、フィレンツェの画家アンドレアデルサルトをフランスの宮廷に召喚しました。ここには、イタリアの芸術家が1年間住んでいました。慈善団体は彼のフランス滞在から生き残った唯一の絵画です。アンボワーズ城のために描かれました。この作品は、当時フランスの王族が好んだ絵画の典型です。彼女が育て、守っている子供たちに囲まれた慈善団体の姿を描いています。それはフランス王室の寓話的な表現であり、チャリティーの姿が女王にいくらか類似している間、それは赤ちゃんの授乳によって象徴されるドーフィンの誕生を祝いました。構図のピラミッド型の構造は、このタイプの絵画の伝統的な形の典型であり、それはまた、アンドレア・デル・サルトのレオナルド・ダ・ヴィンチ特に、芸術家はレオナルドの聖アンナと聖母子を賞賛しました(タムシンピッケラル)

  • セントジョージの斬首(1432年から34年頃)

    ベルナルド・マルトレルはバルセロナで働き、おそらく当時最も多作なカタロニアの画家であるルイス・ボラッサによって教えられました。イタリアのジェローナ美術館にあるプボルの聖ペテロの祭壇画(1437)は、マートレルの作品の1つだけです。しかし、聖ジョージ祭壇画はマートレルのスタイルが非常に特徴的であるため、ほとんどの専門家は彼が芸術家であると信じています。祭壇画は、バルセロナ宮殿の聖ジョージ礼拝堂のために作成されました。これは、現在シカゴ美術館に収容されている聖ジョージがドラゴンを殺していることを示す中央のパネルと、フランスのルーブル美術館にある4つのサイドパネルで構成されています。このサイドパネル物語の最後の部分を形成し、それは聖ジョージの殉教を描いています。聖ジョージの伝説は、西暦4世紀にさかのぼるカエサレアのエウセビオスによる著作に端を発しているようです。彼は、キリスト教徒の迫害に抗議したために西暦303年に死刑にされた、高貴な生まれのローマの兵士であったと言われています。彼は10世紀に列聖され、兵士の守護聖人になりました。聖ゲオルギオスの伝説は中世ヨーロッパ中に広まり、聖人がドラゴンを殺したという話は奇跡的というよりは神話的であるように見えますが、多くの中世の絵画で語られています。伝説のこの最後のシーンでは、聖ジョージが斬首されると、燃えるような赤と金色の空から稲妻が落ちます。スタイルは国際ゴシックかもしれませんが、恐ろしい顔、飼育馬、タンブリングボディ、光の専門家による取り扱いはMartorellに属しています。(メアリー・クーチ)