Miscellaneous

Film - Penyutradaraan film

Film mengarahkan

Sutradara film modern adalah orang yang paling bertanggung jawab atas gaya, struktur, dan kualitas utama sebuah film. Sinema adalah seni kolaborasi, dan dalam beberapa kasus seseorang selain sutradara mungkin akan mendominasi (misalnya, produser dengan otoritas atas potongan akhir atau aktor yang popularitas box-office memberinya kekuatan untuk mengarahkan sutradara), tetapi secara umum diasumsikan bahwa orang yang ditugaskan untuk mengarahkan gambar tersebut harus mengambil pujian atau disalahkan atas bentuk dan isinya.

Meskipun fungsi yang dilayani direktur selalu diisi oleh seseorang, namun prioritas fungsi tersebut tidak selalu dikenali. Georges Méliès , misalnya, menganggap dirinya sebagai "produser" film, dan memang dari tahun 1896 hingga 1912 ia menangani semua aspek pembuatan film yang menyandang namanya, termasuk desain latar, akting, dan karya kamera .Charles Pathé , di Prancis pergantian abad, adalah salah satu produser pertama yang menugaskan asisten (Ferdinand Zecca) khusus untuk mengarahkan gambar-gambar kerajaan filmnya yang berkembang pesat. Di Gambar Gaumont Prancis, Louis Feuillade danAlice Guy , wanita pertama yang mengambil posisi kunci di bioskop, berbagi tugas mengarahkan, masing-masing mengkhususkan diri pada genre yang berbeda . Di Amerika Serikat seperti di Eropa, banyak sutradara film pertama adalah juru kamera ( Edwin S. Porter) atau aktor (DW Griffith) hingga keadaan memaksa mereka untuk mengambil berbagai tugas penyutradaraan. Namun, industri film berkembang pesat, dan pada tahun 1910 jumlah film yang dibutuhkan untuk mengisi banyak bioskop yang baru dibangun sedemikian rupa sehingga produksi harus didelegasikan. Peran sutradara adalah bekerja dengan aktor, desainer, teknisi, dan orang lain yang terlibat dalam proses pembuatan film, mengoordinasikan dan mengawasi upaya mereka agar dengan cepat menghasilkan film yang menarik dan dapat dipahami dalam batasan finansial dan material yang diberikan.

Sejak tahun 1920-an, mereka yang menulis dengan serius tentang film tidak ragu-ragu untuk menghubungkan kesuksesan dan kegagalan dengan sutradara. Beberapa sutradara, terutama FW Murnau dan Fritz Lang di Jerman dan Victor Sjöström di Swedia, hampir sama terkenalnya dengan para bintang yang berakting dalam film mereka. Pada tahun 1926 William Fox membayar Murnau $ 1 juta untuk pindah ke Hollywood dengan harapan dia akan membuat film terhebat yang pernah ditonton dunia. Masalah utama dari perkawinan seni dan uang ini, Sunrise (1927), tetap menjadi anomalidalam sejarah industri film, karena Murnau diberi kendali yang tidak biasa dan sumber daya yang hampir tidak terbatas. Film ini masih mengejutkan para kritikus, tetapi tidak sukses secara komersial, dan untuk sementara waktu menghalangi pertumbuhan sutradara. Pertemuan Erich von Stroheim yang lebih dramatis dengan produser seperti Irving Thalberg lebih jauh mendorong sikap bisnis ini, yang mengarah pada praktik mengetik sutradara dengan cepat sebagai pekerja keras atau sulit.

Di zaman yang hebat sistem studio (1927-1948), sutradara yang kuat bersaing dengan kondisi pabrik tempat film dibuat. Sutradara dengan kepribadian yang kuat (seperti Frank Capra , Howard Hawks , John Ford , dan Ernst Lubitsch) diberi kebebasan besar, tetapi mereka masih harus bekerja dengan aktor dan aktris yang dikontrak studio, dengan personel serikat pekerja mengikuti rutinitas yang dihormati waktu, dengan skrip dan penulis naskah yang dipilih oleh studio, dan dengan tenggat waktu yang menghambat eksperimen.

"auteur theory , ”yang disebarkan oleh para teoris film Prancis pada 1950-an, menawarkan metode yang ampuh untuk mempelajari dan mengevaluasi film-film era studio. Kata auteur (secara harfiah berarti "pengarang" dalam bahasa Prancis) telah digunakan di Prancis pada tahun 1930-an dalam perselisihan hukum mengenai hak atas properti artistik. Perjuangan hukum untuk menentukan apakah sebuah film “milik” penulis naskah, sutradara, atau produsernya memperkuat keyakinan yang dianut oleh banyak kritikus dan ahli teori bahwa sutradara sendirilah yang pantas mendapatkan pujian untuk sebuah film, seperti halnya seorang arsitek dapat dikreditkan untuk sebuah bangunan meskipun dibangun dan digunakan oleh orang lain. Meskipun pandangan ini sangat masuk akal ketika menyangkut sutradara yang kuat, pandangan ini cenderung mengabaikan pembuat film pada umumnya.

Auteurs didefinisikan sebagai direktur dengan teknik yang solid, visi dunia yang terdefinisi dengan baik, dan tingkat kendali atas produksi mereka. Beberapa situasi penyutradaraan mudah untuk dievaluasi. Griffith dan Chaplin memiliki kendali finansial penuh atas upaya besar mereka. Art director Eropa, seperti Ingmar Bergman , menikmati kebebasan serupa. Memang, film-film mereka sering dipasarkan sebagai ekspresi dari tokoh seni yang penting. Namun, teori auteur dikembangkan untuk mendorong evaluasi ulang film yang tak terhitung jumlahnya oleh sutradara yang beroperasi di tengah situasi studio yang mencekik. Sutradara seperti Leo McCarey , Gregory La Cava , dan Anthony Mann secara gaya dan tematik mengilhami film mereka, apa pungenre , dengan estetika pribadi yang konsisten . Keluaran mereka, bahkan ketika tidak berhasil, dianggap jauh lebih berharga daripada film-film sutradara yang lebih lemah yang hanya menerjemahkan kata-kata dan tindakan yang ditunjukkan dalam skrip menjadi gambar layar rutin. Penulis naskah di tahun-tahun studio bekerja terutama dalam tim; satu skrip sering kali melewati tangan beberapa penulis yang berbeda, sehingga sebagian besar film lebih dikenal sebagai produk studio tertentu daripada penulis individual. The ketegangan antara sutradara dan bergenre atau studio diduga film hasil yang menarik bagi masyarakat sementara mengekspresikan visi individu. Jadi, melalui auteur, seni populer sinema mampu mencapai tujuan tradisional puisi dan seni rupa, tujuan ekspresi otentik dan kejeniusan.

Teori auteur sangat berpengaruh pada 1960-an dan bisa dibilang berperan penting dalam menciptakan tidak hanya Gelombang Baru Prancis tetapi juga gerakan serupa di Inggris dan Amerika Serikat. Direktur sepertiLindsay Anderson , Joseph Losey , Stanley Kubrick , John Cassavetes , Francis Ford Coppola , dan Arthur Penn menganggap diri mereka sebagai auteur pemula dan mendapatkan pujian kritis dan populer untuk gaya dan tema khas mereka. Dengan jatuhnya sistem studio pada tahun 1950-an, memang ada ruang bagi satu kepribadian untuk mengendalikan sebuah film dan memasarkannya atas dasar visi pribadi.

Setelah tahun 1960, sutradara film Amerika peringkat pertama mulai membuat film di bawah kondisi yang telah dipraktikkan di Eropa sepanjang abad. Sistem studio yang tidak signifikan di Prancis, misalnya, telah memungkinkan dan mendorong wirausahawan perorangan untuk menyusun proyek film sekali waktu. Proyek semacam itu umumnya berkisar pada équipe, atau tim personel kreatif, dengan direktur sebagai kepalanya. Sutradara kemudian dapat benar-benar membentuk karya desainer, komposer, dan (yang terpenting) penulis skenario sehingga film tersebut memiliki gaya yang konsisten dan relatif personal dari awal hingga akhir. Dalam format artisanal ini, seorang produser bergantung pada sutradara untuk mengembangkan cara yang berbeda dalam menangani adegan. Sutradara bahkan mungkin diminta untuk menulis ulang skenario untuk mencapai efek tertentu. Sebagai hasil dari komitmen pribadi ini, argumen yang dipublikasikan dengan baik yang terjadi selama produksi banyak film penting hampir selalu melibatkan sutradara.

Alfred Hitchcock adalah salah satu sutradara yang meremehkan argumen. Dia menyimpan cetak biru filmnya di kepalanya dan memberikan instruksi terperinci untuk setiap pengambilan gambar, tanpa diskusi apa pun. Produsernya tidak diberi kesempatan untuk menawarkan saran alternatif atau mengulang film tersebut. Adegan-adegan itu hanya cocok satu sama lain, dengan cara Hitchcock. Sementara beberapa kritikus mengeluh bahwa akting dalam film Hitchcock sering dibuat kaku, bahwa setnya dibuat-buat, dan bahwa tembakan proyeksi belakangnya jelas, gaya Hitchcock segera dikenali. Kebanyakan orang mengagumi keefektifan arahan Hitchcock, bahkan ada yang mengklaim bahwa dalam film-filmnya dapat ditemukan wawasan moral dan metafisik yang mendalam.

Para direktur utama di seluruh dunia sering menikmati rasa hormat seperti itu. Antara lain, Mizoguchi Kenji dan Kurosawa Akira dari Jepang , Satyajit Ray dari India, Federico Fellini dari Italia, Luis Buñuel dari Spanyol, dan Carl Dreyer dari Denmark diberi kesempatan langka untuk membuat pernyataan artistik individu. Beberapa telah diperlakukan sebagai harta nasional virtual yang filmnya membawa kejayaan budaya ke negara tempat mereka bekerja.

Terlepas dari pengecualian ini, sebagian besar direktur bekerja di bawah batasan yang ketat, terutama di usia perusahaan industri pertelevisian . Serial televisi konvensional merotasi sutradara episode demi episode sehingga produser, aktor, dan kru produksi, yang bekerja terus menerus di acara itu, memiliki kendali yang jauh lebih besar atas produk tersebut. Setiap adegan program televisi biasanya direkam dari tiga pengaturan kamera yang berbeda. Sutradara berusaha untuk mendapatkan penampilan terbaik dari para aktor, yakin bahwa kru memberikan gambar yang sesuai, dan editor kemudian memilih bidikan terbaik untuk digunakan untuk menceritakan kisah tersebut. Sebagai perbandingan, sutradara film yang kuat sering kali melibatkan diri secara mendalam dalam penyuntingan dan pascaproduksi. Industri televisi telah menonjolkan fitur jalur perakitan dari sistem studio, sementara produksi film independen dewasa ini sering membedakan dirinya menurut kekuatan diktator sutradara.

Baik diberikan kontrol penuh atau terbatas, setiap sutradara harus menyetujui skenario dan kemudian berkonsentrasi pada adegan yang sedang direkam dalam hubungannya dengan desain film secara keseluruhan. Unit manajemen (asisten sutradara dan juru tulis kontinuitas ) memperhatikan detail organisasi sehingga sutradara dapat berinteraksi dengan personel kreatif di lokasi syuting (sinematografer, kru tata cahaya dan tata suara , dekorator set, dan, tentu saja, aktor). Sedangkan untuk pascaproduksi, semua direktur melihat bersama editor setiap hari dari lab, tetapi hanya beberapa yang menindaklanjuti dan terlibat dalam fase pengeditan, musik , dan pencampuran. Dalam semua kasus, direktur adalah satu-satunya orang yang menjaga tampilan lengkap proyek,menggambar yang terbaik dari semua personel, dari penulis hingga mixer suara, dan membentuk upaya mereka sehingga film tersebut mencapai tampilan dan makna yang konsisten.

Penyutradaraan yang sukses banyak berkaitan dengan hubungan sosial yang tidak berwujud, seperti menjaga keharmonisan (atau persaingan produktif) tetap hidup di lokasi syuting, menggambar pertunjukan terbaik dari para aktor, membentuk naskah menjadi bentuk yang memanfaatkan bakat sutradara fotografi atau aktor utama, atau memohon kepada produser untuk mendapatkan uang yang dibutuhkan untuk pengambilan gambar khusus. Di luar ekspektasi rutin seperti itu, sutradara hebat diidentifikasi untuk pendekatan yang unik atau cerdik terhadap medium. Sutradara telah mendapatkan pujian atas penanganan ceritanya yang berani . Menolak untuk dikurung oleh persyaratan standar drama dua jam yang berurusan dengan beberapa karakter sentral,Francis Ford Coppola , misalnya, menyatukan lukisan dinding yang benar-benar epik dalam dua bagian mahakaryanya The Godfather , seperti yang dilakukan.Robert Altman dalam narasi kolase sepertiNashville (1975) danShort Cuts (1993) dan Paul Thomas Anderson inMagnolia (1999). Direktur Italia telah bereksperimen dengan bentuk epik, seperti dalam Ermanno Olmi ‘s L'albero degli zoccoli (1979; The Tree of bakiak kayu ) danBernardo Bertolucci ‘s Novecento (1976;1900 ) dan The Last Emperor (1987), dan dengan struktur naratif, seperti padaRoberto Rossellini ‘s paisa (1946;Paisan ) dan Ettore Scola's Le Bal (1983; The Ball ), yang meninggalkan konstruksi plot tradisional dan alur cerita tunggal yang mendukung episode pendek terpisah yang terkait secara tematis atau historis.

Beberapa sutradara mendapatkan lebih banyak ketenaran karena gaya visual mereka daripada ketajaman naratif mereka . Film-film Bertolucci, misalnya, tidak selalu diterima dengan baik, tetapi gambar-gambarnya yang mengalir dan jenuh serta efek "psikoanalitik" -nya telah membuat tanda mereka dalam film-film seperti Il Conformista (1970;The Conformist ) dan Luna (1979). Hal yang sama mungkin berlaku untuk Fellini, Andrey Tarkovsky , dan Werner Herzog . Beberapa kritikus merasa bahwa Coppola's One from the Heart (1982) memproyeksikan visi pribadi yang intens, yang jauh lebih menarik dari sudut pandang sutradara daripada usahanya yang lebih sukses secara komersial, termasuk The Godfather . Meskipun banyak sutradara memuji sinematografer mereka untuk mencapai visi yang begitu terkenal, kebanyakan sinematografer mengklaim hanya untuk menyelesaikan masalah teknis atas perintah sutradara.

Hal yang sama dapat dikatakan tentang efek yang dicapai dalam pascaproduksi. Suasana aural yang sangat padat di sekitarnyaCoppola 's Apocalypse Now (1979), misalnya, dihasilkan dari rangkaian skor trek suara individu yang dicampur oleh tim ahli berbakat, tetapi Coppola sendiri telah menunjukkan pemahaman yang kuat tentang kemungkinan suara dalam filmnya yang jauh lebih kecil The Conversation (1974). Demikian pula, sebagian besarKetenaran Altman harus diberikan kepada para insinyur yang mengoordinasikan miking radio sebanyak selusin karakter dalam satu adegan di Nashville . Namun, Altman-lah yang mengenali efek total dari dua jam percakapan yang tumpang tindih akan terjadi pada penonton.Pengeditan kasar Martin Scorsese di Taxi Driver dan Raging Bull adalah fungsi tidak hanya dari kecerdikan editor tetapi juga dari konsepsi total naskah, gaya akting, kerja kamera (termasuk nada hitam-putih yang keras untuk film terakhir), dan musik.

Seorang sutradara mungkin paling baik dianggap sebagai pemecah masalah. Jarang peduli dengan teknologi , sutradara mengambil sumber daya yang ada (kemampuan teknologi dan konvensi pembuatan film yang beroperasi saat ini) dan mencari solusi efektif untuk masalah dramatis atau visual. Sebuah gaya muncul ketika solusi atau "teknik" ini diterapkan secara konsisten di seluruh rangkaian film. Sebagai contoh,Kecenderungan Bresson menggunakan suara di luar kamera untuk menandakan peristiwa penting (kecelakaan mobil di Au Hasard Balthasar [1966]; perampokan bank di L'Argent ) menentang konvensi pembuatan film standar dan mencapai cara yang sangat berharga untuk memahami interior atau drama spiritual. Teknik suara Bresson menjadi bagian dari gayanya yang keras dan menggugah .

Sutradara dapat dicirikan oleh solusi yang mereka dapatkan secara teratur ketika sebuah cerita atau adegan disajikan kepada mereka. Murnau dan Mizoguchi lebih menyukai pengambilan gambar pelacakan yang lesu daripada mengedit situasi yang dramatis sehingga drama dapat terlihat muncul di tengah-tengah pengambilan gambar. Antonioni membiarkan kamera terus memotret dengan baik setelah karakter berada di luar jangkauan, sehingga penonton dapat mengamati bagaimana pemandangan dramatis menghilang atau merasakan betapa kecilnya pemandangan yang tersisa. Setelah tahun 1970, sebagian besar sutradara Amerika menggunakan teknik yang keras dan cepat untuk memberikan kekuatan pada cerita-cerita berpasir yang mendominasi sinema dunia. Teknik-teknik ini — suara close-up, musik yang berdebar-debar, dan pengeditan mendadak — digunakan untuk membuat penonton tetap tertarik dan bersemangat. Namun, dalam gaya Amerika umum ini,

Secara umum diakui bahwa sutradara terbaik adalah mereka yang secara konsisten menyumbangkan tidak hanya teknik-teknik yang cerdik tetapi juga gaya atau tema pribadi yang efektif, koheren , atau tema untuk film mereka.Penggunaan strategi sudut pandang Brian De Palma , misalnya, memberikan horor tertentu pada film-film seperti Carrie (1976) dan Body Double (1984), dan tekniknya telah dibandingkan dengan Hitchcock. Namun, sebagian besar kritikus setuju bahwa Hitchcock adalah sutradara yang lebih penting, karena strategi sudut pandang yang ketat yang diterapkan Hitchcock dalam film-film seperti Rear Window (1954) lebih dari sekadar tur de force teknik pembuatan film; itu adalah ekspresi dari pemikiran sutradara tentang visi dan pengetahuan.