Miscellaneous

29 Lukisan yang Hanya Dapat Anda Kunjungi di Louvre


  • Potret Seorang Wanita (abad ke-3)

    Potret sarkofagus ini berasal dari wilayah Fayum dan dilukis pada periode Yunani-Romawi. Kata Fayum mengacu pada wilayah yang sangat subur di barat daya Kairo. Itu berpusat di sekitar danau buatan, Danau Qaroun, proyek rekayasa ambisius yang berasal dari dinasti ke-12, dibangun di lembah alami. Orang-orang di Lembah Fayum berasal dari Mesir, Yunani, Suriah, Libya, dan daerah lain di Kekaisaran Romawi. Mereka bercocok tanam, termasuk gandum dan jelai; ikan dari danau dianggap sebagai makanan lezat di seluruh Mesir; dan, di bawah pemerintahan Aminemhet III(Dinasti ke-12), daerah itu terkenal karena taman yang rimbun dan pohon buah-buahan yang melimpah. Saat ini, wilayah ini terkenal dengan jumlah dokumen papirus yang digali selama abad ke-19 dan ke-20, serta banyak "potret Fayum" yang ditemukan oleh para arkeolog. Potret seukuran manusia ini rupanya digunakan untuk mendekorasi rumah, serta digunakan untuk tujuan pemakaman. Teknik encaustic melibatkan melelehkan lilin dan mencampurnya dengan pigmentasi dan mungkin minyak biji rami atau telur, kemudian mengaplikasikannya seperti cat pada kayu atau linen. Potret yang dilukis initerlihat sangat modern. Mata wanita yang jernih dan hidungnya yang menonjol serta penggambaran perhiasan yang cermat dari artis menunjukkan bahwa ini dilukis untuk menjadi potret yang dapat dikenali. Sejarawan seni sering memuji wilayah Fayum dengan kelahiran potret realistis, dan banyak potret yang ditemukan di wilayah ini mewakili masa eksperimen artistik yang inovatif. (Lucinda Hawksley)

  • Musim panas porno (1573)

    Giuseppe Arcimboldo sangat sukses selama masa hidupnya, tetapi setelah kematiannya karyanya dengan cepat keluar dari mode, dan minatnya tidak dihidupkan kembali sampai akhir abad ke-19. Secara gaya, lukisannya yang fantastis dan imajinatif cocok dengan dunia seni Mannerist yang populer. Pengadilan di seluruh Eropa selama abad ke-16 secara khusus menyukai jenis lukisan ilusi yang cerdas dan cerdas ini, dan buktinya adalah tugas panjang Arcimboldo sebagai pelukis di istana Habsburg antara tahun 1562 dan 1587. Musim panas merupakan bagian dari seri Empat Musim yang senimannya dilukis untuk Kaisar Maximilian IIpada 1573. Ini adalah subjek yang dilukis Arcimboldo beberapa kali selama karirnya, dan itu adalah salah satu yang menjadi sangat populer. Dia pertama kali melukis serangkaian Four Seasons pada tahun 1562, dan konsep imajinatifnya untuk membuat kepala dari koleksi buah dan sayuran diterima dengan sangat antusias. Tugas istana Arcimboldo untuk Maximilian tidak terbatas pada lukisan — seniman juga dipanggil sebagai perancang panggung, arsitek, dan insinyur. Kemudian, saat bekerja untuk Kaisar Rudolph II , dia juga dituduh menemukan barang antik dan benda langka untuk koleksi kaisar. Lukisan Arcimboldo menciptakan efek yang benar-benar surealis, dan tentu saja lukisan itu termasuk yang paling imajinatif dan dibuat dengan cerdik pada masanya. (Tamsin Pickeral)

  • Memancing (c. 1588)

    Annibale Carracci lahir di daerah Bologna, dan bersama dengan saudara laki-laki dan sepupunya, dikenal sebagai salah satu pelukis terkemuka Sekolah Bolognese. Dia adalah juru gambar yang sangat terampil dan sangat menekankan pada gambar yang benar, sering kali menggambarkan pemandangan dari kehidupan dan menempatkannya dalam lanskap imajiner atau ideal. Tema berburu dan memancing sangat populer untuk dekorasi vila di Bologna saat ini. Memancing dilukis sebagai karya pendamping untuk karya lain oleh Carracci, Hunting. Berdasarkan dimensinya, keduanya mungkin dirancang untuk digantung di ambang pintu di vila domestik. Kedua karya tersebut dilukis pada awal karir Carracci, dan sebelum pindah ke Roma pada tahun 1584, tetapi keduanya telah menunjukkan gaya seniman yang sangat berprestasi. Dalam karya ini, ia menggabungkan sejumlah pemandangan berbeda dalam satu lukisan dan dengan cerdik merancang komposisinya sehingga mata diarahkan dari latar depan ke setiap kelompok orang dan ke latar belakang, tanpa melewatkan detail apa pun. Angka-angka tersebut mungkin berdasarkan studi langsung dari alam dan kemudian digabungkan dengan lanskap. Lukisan ini menarik karena menunjukkan Carracci mengembangkan penggunaan gesturnya, terlihat pada gambar menunjuk di sebelah kanan. Penggunaan gerakan yang meyakinkan dan mengartikulasikan adalah salah satu keterampilan khusus Carracci, yang memengaruhi pelukis kemudian pada periode Baroque. Juga terbukti adalah penggunaan lanskap Carracci yang memikat, yang disusun dengan indah dalam cahaya yang tembus cahaya. (Tamsin Pickeral)

  • Raising of Lazarus (c. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, julukan Il Guercino, lahir dalam kemiskinan di kota kecil Cento, antara Ferrara dan Bologna di Italia. Dia sebagian besar otodidak sebagai seniman. Ia menjadi salah satu pelukis terkemuka di sekolah Bolognese, mengambil alih studio sibuk Guido Reni setelah kematiannya (ironis, karena catatan menunjukkan bahwa Guercino dianggap ambivalensi oleh Reni). Gaya Guercino berubah cukup dramatis selama masa hidupnya, dengan karya-karya seperti ini dari awal karirnya menunjukkan pendekatan yang sangat Barok dengan penggunaan dramatis dari cahaya dan kegelapan yang kontras. Khas lukisan Barok, komposisinya rumit dan penuh dengan gerak tubuh, energi, dan perasaan yang dramatis. Sosok-sosok itu berdesakan di latar depan, hampir seperti bagian dari dekorasi, sedangkan bagian tengah dan latar belakang hampir tidak terlihat. Teknik ini menempatkan pengamat pada bidang spasial yang hampir sama dengan figur-figur dalam lukisan, sehingga membangkitkan respons emosional yang kuat. Peristiwa itu adalah peristiwa kematian Lazarus yang dibangkitkan oleh Yesus. Guercino mengilhami adegan itu dengan intensitas yang ceria dan semangat spiritual yang akan sangat dikagumi selama periode itu. Beberapa tahun sebelum lukisan ini dieksekusi, Guercino telah bertemu dengan senimannyaLudovico Carracci dan terinspirasi oleh penanganan warna dan emosi Carracci. Pengaruh Carracci terlihat dalam Guercino's Raising of Lazarus , meskipun karya ini secara keseluruhan lebih energik dalam gaya. Seorang seniman yang produktif dan dicari, Guercino meninggal sebagai orang kaya. (Tamsin Pickeral)

  • St. Joseph the Carpenter (1635–40)

    Kisah kehidupan dan karya Georges de La Tour tidak lengkap. Meskipun ia menikmati kesuksesan dalam hidupnya sendiri, La Tour dilupakan selama beberapa abad — karyanya ditemukan kembali pada awal abad ke-20. Seorang pelukis Prancis, sering diklaim dipengaruhi oleh lukisan Caravaggio . Namun, mungkin La Tour tidak mengetahui karya Caravaggio dan ia secara mandiri mengeksplorasi efek bayangan dan cahaya yang dipancarkan oleh satu lilin. Seorang Katolik Roma yang taat, La Tour sering melukis pemandangan religius. Beberapa kali ia kembali ke tema pertobatan Maria Magdalena sekaligus melukis pemandangan yang menyentuh initentang Yusuf mengajar Yesus di toko tukang kayu. Gayanya realistis, terperinci, dan direncanakan dengan cermat — Yesus memegang lilin karena, dalam kepercayaan Kristen, Dia adalah terang dunia yang menerangi kegelapan dunia. (Lucinda Hawksley)

  • The Clubfoot (1642)

    Hanya sedikit orang yang mungkin tidak tertarik dengan gambaran bergenre tentang seorang pengemis yang jelas-jelas cacat dari Napoli yang memandang mereka dengan cuek sambil tersenyum lebar. José de Ribera kelahiran Spanyolmenghabiskan sebagian besar karirnya di Napoli, yang kemudian dikuasai Spanyol, dan menjadi artis terkemuka kota itu. Dia mungkin bermaksud hanya untuk memerankan seorang bocah pengemis Neapolitan, karena dia memiliki ketertarikan yang besar pada orang biasa. Namun, cara dia memadukan realisme dengan tradisi menunjukkan arah baru dalam seni. Hidup tidak tersenyum pada pengemis ini, tapi dia dengan riang menantang. Dia membawa kruknya dengan anggun di atas bahunya dan dengan santai, bukannya mati-matian, mengulurkan kertas yang memberinya izin untuk mengemis, yang diwajibkan di Napoli pada saat itu. Bunyinya dalam bahasa Latin: "Beri aku sedekah untuk cinta Tuhan." Alih-alih ditampilkan berjongkok di sisi jalan yang kotor, ia berdiri tegak di atas lanskap tenang yang mengingatkan pada karya sejarah, mitologis, dan religius yang dilukis dengan gaya klasik. Ribera memberinya perawakan yang mengesankan, dibuat lebih besar oleh sudut pandang rendah, dan martabat manusiawi. Pengemisnya hampir bisa jadi seorang pangeran kecil. Sapuan kuas yang longgar menjadi lebih lembut pada lanskap, membuat bocah itu semakin menonjol. Kemampuan Ribera untuk menyampaikan rasa individualitas masyarakat dengan realisme dan kemanusiaan berdampak besar pada seni Barat dan pada sekolah Spanyol pada khususnya. (Ann Kay)

  • Pemandangan Sebuah Interior ( The Slippers ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten adalah pelukis potret dan interior terampil yang peduli dengan penggunaan perspektif yang benar. Tampilan Interior , secara tradisional disebut The Slippers, mencontohkan penggunaan karakteristik seniman pada lantai keramik Belanda untuk menonjolkan kedalaman gambar. Hal ini dipertegas oleh bidang gambar yang menyurut, ditandai dengan bingkai gambar, selubung pintu, dan terakhir dua gambar di bagian belakang lukisan. Dengan menunjukkan bagian dari pintu yang terbuka di latar depan, seniman menempatkan penonton di ambang pintu, yang meningkatkan efek ilusi lukisan tersebut. Subjek Hoogstraten disinggung oleh detail halus. Sapu yang dibuang, sandal rumah, dan buku tertutup (bacaan terputus) menunjukkan hubungan asmara sedang terjadi di luar pandangan. Nada lembut moral dari lukisan itu adalah salah satu yang Hoogstraten ulangi beberapa kali. (Tamsin Pickeral)

  • Ziarah ke Cythera (1717)

    Pada 1717 Jean-Antoine Watteau mempresentasikan gambar ini ke Akademi Prancis sebagai bagian diplomanya. Itu diakui sebagai karya terbaiknya, dan itu menjadi pengaruh utama pada gaya Rokoko yang sedang berkembang. Subjek dimulai sebagai ilustrasi dari sebuah drama kecil. Di Les Trois Cousines di Florence Dancourt, seorang gadis berpakaian seperti peziarah melangkah keluar dari barisan paduan suara dan mengundang penonton untuk bergabung dengannya dalam perjalanan ke Cythera — pulau cinta, di mana setiap orang akan bertemu dengan pasangan ideal mereka. Tema versi pertama Watteau, yang berasal dari sekitar tahun 1709, merupakan penggambaran yang sangat literal, tetapi di sini ia telah membuang kerangka teatrikal, dan telah mengubah kejadian itu menjadi fantasi romantis yang melamun. Secara signifikan, dia telah memilih untuk menggambarkan akhir, daripada awal, dari perjalanan tersebut. Para kekasih telah berpasangan dan menghiasi patung Venus di sebelah kanan dengan bunga, dan mereka akan kembali ke rumah. Dengan memusatkan perhatian pada momen ini, sang seniman mampu menciptakan suasana melankolis lembut yang menjadi ciri khas karyanya. Sementara sebagian besar pasangan bersiap untuk pergi, dua kekasih tetap tinggal di kuil dewi, terpesona oleh cinta dan buta terhadap segalanya. Salah satu wanita yang pergi berpaling dan menatap mereka dengan sedih, menyadari bahwa bagian dari cinta ini adalah yang paling cepat berlalu. Setelah kematian Watteau, karya seninya secara dramatis menjadi ketinggalan zaman. Bagi banyak orang, penggambaran petualangan asmara tampaknya terlalu terkait erat dengan masa lalu monarki. Selama periode Revolusi, mahasiswa seni menggunakan miliknyaCythera untuk latihan target, melemparkan butiran roti padanya. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (sebelumnya dikenal sebagai Gilles ) (c. 1718–19)

    Ini adalah salah satu lukisan terakhir yang diproduksi Jean-Antoine Watteau dalam karir singkatnya. Ini menunjukkan badut sedang menatap penontonnya, dengan ekspresi sedih yang mungkin menggemakan mood melankolis artis. Gilles adalah nama umum untuk badut di Prancis, mungkin berasal dari Gilles le Niais, seorang pemain akrobat dan pelawak abad ke-17. Pada zaman Watteau, ada banyak tumpang tindih antara karakter ini dan Pierrot, badut terkemuka di commedia dell'arte, tradisi teater Italia yang sangat populer di Prancis. Kedua tokoh itu berperan sebagai orang bodoh yang tidak bersalah yang menjadi favorit penonton — prototipe untuk Charlie Chaplin dan Buster Keaton. Lukisan inimungkin diproduksi sebagai papan nama teater yang dirancang untuk menggoda orang yang lewat ke sebuah pertunjukan. Film ini mungkin dibuat untuk pemutaran perdana Danaë , sebuah komedi di mana salah satu karakternya diubah menjadi keledai. Atau, mungkin mengiklankan parade — sketsa singkat dan lucu sebelum pertunjukan utama. Dalam hal ini, seekor keledai sering dibawa melintasi panggung untuk melambangkan kebodohan Gilles. Watteau menggunakan versi yang lebih kecil dari badut ini sebagai tokoh utama dalam The Italian Comedians , sebuah gambar yang ia hasilkan untuk dokternya sekitar tahun 1720. Dalam kedua kasus tersebut, sosok suram Gilles mengingatkan pada Ecce Homo("Lihatlah Pria itu"). Tema religius yang populer ini menggambarkan sebuah episode dalam Sengsara Kristus, ketika Pontius Pilatus menampilkan Yesus di hadapan orang-orang, berharap mereka akan menyerukan pembebasannya. Sebaliknya, massa menyerukan penyalibannya. (Iain Zaczek)

  • Still Life with Bottle of Zaitun (1760)

    Jean-Baptiste Siméon Chardin kelahiran Paris menolak keinginan ayahnya, seorang pembuat lemari, untuk mengikuti jejaknya dan malah menjadi magang di studio Pierre-Jacques Cazes dan Noel-Noël Coypelpada 1719. Sepanjang hidupnya, Chardin tetap menjadi anggota setia Akademi Prancis, tetapi, terlepas dari kesuksesannya, dia dicegah menjadi profesor karena dia dinominasikan sebagai pelukis “dalam domain hewan dan buah”. Lukisan alam benda awal yang paling dikenalnya diselesaikan dalam waktu singkat, menunjukkan kecepatan di mana ia memperoleh teknik mahirnya. Diperkirakan seperempat dari total produksinya diproduksi sebelum 1732. Gayanya dicirikan oleh sapuan kuas bertekstur kaya yang berhutang banyak pada lukisan Belanda, khususnya pengaruh Rembrandt dalam menangani cat. Ini memisahkan karyanya dari gaya lukisan Prancis abad ke-18 yang lebih akrab. Chardin melukis pemandangan rumah tangga yang sederhana dan barang-barang rumah tangga yang sudah dikenalnya. Namun,Still Life with Bottle of Olive adalah ciri khas dari suasana hatinya yang terkendali, pencahayaan yang lembut, dan realisme luar biasa yang memberikan aura magis pada objek dan pemandangan sehari-hari. Tidaklah mengherankan jika pengagumnya menjulukinya sebagai "pesulap hebat". Bakatnya terletak pada menghasilkan lukisan dengan kelengkapan sempurna dengan keterampilan teknis yang tak terpengaruh namun tertinggi. (Roger Wilson)

  • Baut (c. 1777)

    Jean-Honoré Fragonard adalah salah satu pelukis terkemuka dalam gaya Rokoko. Gambar-gambarnya sembrono tetapi sensual, melambangkan keanggunan kehidupan istana Prancis, di tahun-tahun menjelang revolusi 1789. Bagi orang-orang sezamannya, Fragonard dikenal terutama sebagai ahli sujets légers (subjek ringan). Tema-tema ini secara terbuka erotis tetapi ditangani dengan tingkat rasa dan kelembutan yang membuatnya dapat diterima, bahkan di lingkungan kerajaan. Memang, ini berbicara banyak tentang mode pada hari ketika gambar ini tampaknya telah ditugaskan sebagai karya pendamping untuk lukisan religius. Menurut sumber awal, marquis de Véri mendekati seniman tersebut mencari gambar untuk digantung di samping salah satu gambar renungan Fragonard yang langka— The Adoration of the Shepherds. Bagi mata modern, ini mungkin tampak penjajaran yang aneh, tetapi Véri mungkin bermaksud kombinasi tersebut untuk mewakili Cinta Suci dan Profane — sebuah tema artistik yang telah populer sejak Renaisans. Biasanya para seniman menyampaikan ide ini dalam satu gambar, namun terkadang mereka memasangkan lukisan Hawa dengan subjek yang berkaitan dengan Perawan Maria (yang sering dianggap sebagai Hawa baru). Di sini, apel, yang dipajang secara mencolok di atas meja, adalah referensi konvensional untuk godaan Hawa di Taman Eden. Bolt dilukis ketika gaya Rococo mulai ketinggalan zaman, namun pencahayaan yang dramatis dan tingkat penyelesaian yang tinggi menunjukkan bahwa Fragonard beradaptasi dengan gaya Neoklasik, yang mulai populer. (Iain Zaczek)

  • Sumpah Horatii (1784)

    Jacques-Louis David bisa dibilang adalah pelukis propaganda politik paling luar biasa dalam sejarah. Pelukis istana untuk Napoleon, banyak dari apa yang kita ketahui tentang persona mitis kaisar dan ikonografi Revolusi Prancis berasal dari lukisan teatrikal dan alegoris David. David adalah bapak dari gerakan seni Neoklasik, yang menggambarkan mitos dan sejarah klasik sebagai analogi dengan politik kontemporer. Sumpah Horatiimenceritakan kisah tersebut, dicatat sekitar 59 SM oleh sejarawan Romawi Livy, tentang putra dari dua keluarga, tiga Horatii bersaudara dan tiga saudara Curiatii, yang bertempur dalam perang antara Roma dan Alba sekitar 669 SM. Para pria diharuskan untuk bertarung, tetapi salah satu wanita dari keluarga Curiatii menikah dengan salah satu saudara Horatii, dan satu saudara perempuan Horatii bertunangan dengan saudara laki-laki di keluarga Curiatii. Terlepas dari ikatan ini, senior Horatii mendesak putra-putranya untuk melawan Curiatii dan mereka mematuhinya, terlepas dari ratapan saudara perempuan mereka yang dilanda kesedihan. Dalam menggambarkan momen ketika para pria memilih cita-cita politik daripada motif pribadi, David meminta pemirsa untuk menganggap pria-pria ini sebagai panutan selama masa gejolak politik mereka sendiri. Peduli dengan realisme dalam seni lukis seperti halnya dengan idealisme dalam politik, David melakukan perjalanan ke Roma untuk menyalin arsitektur dari kehidupan. Hasilnya sukses besar saat lukisan itu dipamerkan di Salon 1785 di Paris. Lukisan David masih bergema kuat dengan pemirsa karena kekuatan keahliannya cukup menonjol untuk mengartikulasikan keyakinannya yang kuat. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Hal ini secara luas diakui sebagai Jacques-Louis David ‘s potret terbaik. Dengan keanggunan, kesederhanaan, dan keekonomisannya, ini juga dianggap sebagai salah satu contoh seni Neoklasik yang paling sukses. Model David, Juliette Récamier, adalah kesayangan masyarakat Paris. Dia adalah istri seorang bankir kaya dari Lyons, meskipun dia mendapat perhatian dari sejumlah pria lain, yang semuanya ditolak mentah-mentah. David mendapat inspirasi dari reputasi baik Récamier. Dengan kaki telanjang, gaun putih, dan aksesoris antik, dia menyerupai perawan vestal zaman akhir. Hal tersebut diperkuat dengan posenya. Pandangan wanita itu terus terang dan langsung, tetapi tubuhnya berbalik, tidak bisa didekati. Pengambilan potret tidak berjalan mulus: pelukis kesal dengan ketidaktepatan Juliette yang terus-menerus, sementara dia keberatan dengan beberapa kebebasan artistik yang diambil. Secara khusus, dia membenci kenyataan bahwa David mencerahkan warna rambutnya, karena tidak sesuai dengan skema warnanya. Akibatnya, dia memesan potret lain dari salah satu murid artis. Ketika dia mengetahui hal ini, David menolak untuk melanjutkan. “Nyonya,” katanya telah menyatakan, “wanita memiliki jubah; begitu pula pelukis. Izinkan saya untuk memuaskan milik saya. Aku akan menyimpan potretmu dalam kondisinya yang sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, karena gambar yang tajam memberikan banyak dampak. Lampu dan beberapa detail lainnya dikatakan telah dilukis oleh murid David Aku akan menyimpan potretmu dalam kondisinya yang sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, karena gambar yang tajam memberikan banyak dampaknya. Lampu dan beberapa detail lainnya dikatakan telah dilukis oleh murid David Aku akan menyimpan potretmu dalam kondisinya yang sekarang. " Keputusan ini mungkin bermanfaat, karena gambar yang tajam memberikan banyak dampak. Lampu dan beberapa detail lainnya dikatakan telah dilukis oleh murid DavidJean-Auguste-Dominique Ingres . Yang terakhir pasti terkesan dengan gambar itu, karena dia meminjam pose Récamier untuk salah satu karyanya yang paling terkenal, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    Pada 1801, setelah belajar di bawah Jacques-Louis David , seniman Prancis Jean-Auguste-Dominique Ingres memenangkan Prix de Rome yang bergengsi. Ini adalah hadiah yang diberikan oleh Akademi Royale Prancis, yang membayar artis terbaik mereka untuk mengunjungi Roma selama empat tahun dan belajar master Italia di masa lalu. Sayangnya, negara tidak mampu mengirim artis ke Italia saat ini karena ekonomi Prancis yang gagal. Ingres akhirnya pergi ke Roma pada tahun 1808. The Batheradalah salah satu lukisan Ingres pertama yang dieksekusi di Italia, dan, meskipun seniman itu dikelilingi oleh seni Renaisans penting selama berabad-abad, lukisan itu melanggar tradisi. Alih-alih mengungkapkan identitas subjeknya, Ingres telah menampilkan subjeknya yang hampir monumental menghadap jauh dari penonton dengan tubuh sedikit memutar untuk membuka punggungnya. Hal ini memungkinkan penonton untuk mengagumi (dan mengobjektifkan) bather tanpa dia menantang kita — dia tetap anonim, tidak dapat ditentukan, karakternya tidak dapat dipahami. Karya-karya wanita telanjang Ingres kemudian sering mengadopsi pose yang lebih frontal. Menarik untuk dicatat bahwa palet hijau, krim, dan cokelat Ingres yang terbatas berubah dari warna gelap tirai di sebelah kiri ke warna terang dari latar belakang dan bed cover di sebelah kanan. Gradasi nada ini terlihat menggemakan sifat simbolis mandi, suatu tindakan yang membersihkan dan memurnikan jiwa seseorang: saat pengasuh menjauh dari bak mandi, ia menjadi lebih putih dan karenanya lebih murni. (William Davies)

  • Rakit Medusa (1819)

    Hanya sedikit orang yang bisa melihat lukisan ini dan tidak kewalahan oleh semangat dan kekuatannya. Dilukis oleh penggerak utama Romantisisme Prancis, Théodore Géricault , sekarang dipandang sebagai pernyataan yang menentukan dari gerakan itu. The Romantics memisahkan diri dari seni klasik abad ke-18 untuk menekankan realisme dan emosi. Lukisan ini sangat menarik karena dengan jelas menjembatani Klasisisme dan Romantisisme. Ketika The Raft of the Medusa muncul di pameran Salon tahun 1819, hal itu menyebabkan skandal besar, yang menakutkan pendiriannya. Adegan tersebut menceritakan kisah sebenarnya dari kapal fregat milik pemerintah Prancis yang karam, La Méduse, yang kapten dan perwira tidak kompetennya mengambil satu-satunya sekoci untuk diri mereka sendiri dan meninggalkan semua kecuali 15 dari 150 awak dan penumpang untuk binasa di atas rakit darurat, tenggelam dalam keputusasaan, kebiadaban, dan kanibalisme. Géricault berani menampilkan episode kotor dan mengganggu dari sejarah kontemporer (bangkai kapal terjadi pada tahun 1816) yang berdampak buruk pada semua yang terlibat, dengan cara yang menyerupai lukisan sejarah heroik besar yang sangat disukai oleh kaum tradisionalis. Di satu sisi, ada tingkat realisme yang mengerikan di sini (Géricault mempelajari mayat untuk mendapatkan detailnya dengan benar), dengan sapuan kuas yang luar biasa energik meningkatkan gerakan dan emosi yang berputar-putar. Di sisi lain, tubuh dan komposisi berbentuk limas bergaya klasik. Terlepas dari kemarahan, gambar tersebut memenangkan persetujuan artistik untuk Géricault, dan itu memiliki pengaruh yang sangat besar pada artis lain,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Kematian Sardanapalus (1827)

    Sering dikatakan sebagai yang terbesar dari Romantisme Prancis, Eugène Delacroix benar-benar seorang pelukis pada masanya. Seperti temannya Théodore Géricault , Delacroix mempertahankan elemen klasik tertentu dari pelatihan awalnya, tetapi menunjukkan energi yang berani, penggunaan warna yang kaya dan individualistis, dan kecintaan pada eksotik yang membuatnya menjadi pelopor. Kanvas besar The Death of Sardanapalusmeledak ke indra dengan gerakan liar dan warna mewah, pesta eksotisme memanjakan. Sardanapalus adalah penguasa legenda kuno Asiria dengan selera dekadensi yang ekstrem. Menanggapi rasa malu atas kekalahan militer besar, Sardanapalus membuat tumpukan kayu besar di mana dia membakar dirinya sendiri sampai mati bersama dengan semua harta istananya, gundik, dan orang-orang yang diperbudak. Delacroix menikmati drama Byronik seperti itu. Dia tampaknya telah meninggalkan segala upaya pada perspektif realistis atau koherensi komposisi. Tubuh dan objek yang terdistorsi berputar-putar di dunia mimpi buruk yang dipenuhi warna intens dan bayangan panas yang mengganggu. Lukisan detail permata yang berkilauan dan kain yang kaya dengan jelas menyampaikan gambaran dunia yang mewah, sementara detasemen keren yang digunakan Sardanapalus untuk mengamati kekacauan di sekitarnya menimbulkan suasana hati yang menyeramkan. Eksperimen Delacroix dengan warna abu-abu dan biru pada kulit manusia untuk memberikan bentuk pada pemodelan tubuhnya yang tidak konvensional. Sangat mudah untuk melihat bagaimana eksplorasi kekerasan tanpa hambatan, bersama dengan energi panik dan teknik pewarnaan yang berani, berbicara banyak kepada seniman selanjutnya. (Ann Kay)

  • Homer Deified ( Pendewaan Homer ) (1827)

    Pada saat Homer Deified dilukis, Jean-Auguste-Dominique Ingres memproklamirkan diri sebagai pemimpin lukisan klasik tradisional, yang mengadu domba seni Romantika Prancis yang keras kepala seperti Eugène Delacroix . Lukisan khusus ini hampir tidak bisa menjadi contoh yang lebih baik dari pendekatan akademis Ingres, dan sebenarnya dia memaksudkannya sebagai himne pujian klasisisme. Meskipun dia memang memiliki sisi yang lebih sensual (misalnya, The Bather- nya ), itu benar-benar ditekan di sini. Juga dikenal sebagai The Apotheosis of Homer , karya ini menunjukkan penyair Yunani kuno yang terkenal sebagai dewa yang dimahkotai dengan kemenangan oleh tokoh mitologis Victory. Dua wanita di kakinya mewakili karya epik besar Homer,The Iliad dan The Odyssey. Di sekelilingnya berkumpul kerumunan raksasa artistik dari zaman kuno dan modern, termasuk sesama orang Yunani: dramawan Aeschylus mempersembahkan perkamen di sebelah kiri Homer, sementara pematung Athena Phidias mengulurkan palu di sebelah kanan. Tokoh yang lebih modern didominasi oleh seniman dari periode klasik abad ke-17 Prancis, seperti dramawan Molière dan pelukis Nicolas Poussin. Komposisi segitiga dan simetris memancarkan idealisme klasik, dengan Homer ditempatkan di tengah-tengah sebuah kuil antik bertuliskan namanya. Lukisan ini diterima dengan buruk pada saat pembuatannya. Ingres menarik diri ke Roma selama beberapa tahun, tetapi dia kembali pada tahun 1840-an untuk kembali diakui sebagai seorang klasikis terkemuka. Menjadi mode untuk mengutuk tradisionalisme Ingres, tetapi dia sekarang dilihat sebagai seniman yang sangat berpengaruh dengan keterampilan teknis yang cukup. (Ann Kay)

  • Kebebasan Memimpin Rakyat (1830)

    Karya ini termasuk dalam periode antara 1827 dan 1832 di mana Eugène Delacroixmenghasilkan satu karya demi satu. Ini tidak terkecuali. Dilukis untuk memperingati revolusi Juli 1830 yang membawa Louis-Philippe ke tampuk kekuasaan, gambar itu melambangkan semangat revolusi. Hal itu menimbulkan sensasi di Paris Salon tahun 1831, dan, meskipun Louis-Philippe membeli karya tersebut untuk menandai aksesinya, ia menjauhkannya dari pandangan publik karena dianggap berpotensi menimbulkan peradangan. Gambar tersebut secara cerdik menggabungkan reportase kontemporer dengan alegori dalam cara yang monumental. Tempat dan waktu jelas: Notre Dame terlihat di kejauhan, dan orang-orang berpakaian sesuai dengan kelasnya, dengan anak laki-laki lusuh di sebelah kanan melambangkan kekuatan orang biasa. Sosok alegoris Liberty yang mengungguli pemandangan, tiga warna muncul di atasnya, menyebabkan kemarahan karena alih-alih mempersonifikasikan kecantikan yang diidealkan, sapuan kuas yang cerah menunjukkan seorang wanita yang sangat nyata — setengah telanjang, kotor, dan menginjak mayat dengan cara yang mungkin menunjukkan bagaimana kebebasan dapat membawa penindasannya sendiri. Lukisan ini juga menunjukkan Delacroix beralih ke pendekatan yang lebih tenang dari karyanya selanjutnya, di mana ia membuat perampokan yang semakin halus ke dalam cara-cara di mana warna bekerja bersebelahan untuk menyampaikan rasa realitas atau mengekspresikan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan Impresionis dan Modernis yang akan datang di mana ia membuat perampokan yang semakin halus ke dalam cara-cara di mana warna bekerja berdampingan satu sama lain untuk menyampaikan rasa realitas atau mengungkapkan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan Impresionis dan Modernis yang akan datang di mana ia membuat perampokan yang semakin halus ke dalam cara-cara di mana warna bekerja berdampingan satu sama lain untuk menyampaikan rasa realitas atau mengungkapkan kebenaran. Penggunaan warna seperti itu akan sangat berpengaruh di kalangan Impresionis dan Modernis yang akan datangPierre-Auguste Renoir dan Georges Seurat ke Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Pemandangan Grande Galerie of the Louvre (1841)

    Putra seorang pedagang penenun yang sukses, Patrick Allan-Fraser menolak kesempatan untuk mengikuti ayahnya menuju karier komersial demi mengejar kecenderungan artistiknya. Studi membawa Allan-Fraser ke Edinburgh, Roma, London, dan akhirnya Paris, di mana dia bertemu dengan Grande Galerie yang megah di dalam Louvre. Saat melukis Pemandangan Grande Galerie of the Louvre, seniman mengambil inspirasinya dari sekelompok seniman Victoria yang dikenal sebagai The Clique, yang dia temui di London. Clique menolak seni tinggi akademis dan mendukung lukisan bergenre. Grande Galerie yang tampaknya tak terbatas, membentang sejauh seperempat mil, adalah tempat di mana seniman dan pengrajin sering berkumpul, namun di sini kami menemukan suasana apresiasi dan refleksi yang tenang. Di tahun-tahun berikutnya, Allan-Fraser membenamkan dirinya dalam restorasi dan konstruksi bangunan-bangunan bagus, dan kekagumannya pada Grande Galerie menjadi yang terpenting ketika melakukan ini. Sinar cahaya sporadis tidak hanya memungkinkan penonton untuk memandangi aktivitas di dalam tetapi juga mengungkapkan besarnya dan keanggunan aula. Allan-Fraser terpilih menjadi anggota Royal Scottish Academy pada tahun 1874, dan dia menugaskan potret anggota The Clique, untuk menghormati mereka yang telah menginspirasinya. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot memulai karirnya sebagai pedagang kain sebelum memutuskan untuk melanjutkan pelatihan artistik. Dengan dukungan ayahnya, ia belajar pertama kali dengan Achille Etna Michallon dan kemudian dengan Jean-Victor Bertin, meskipun Corot kemudian menyangkal bahwa pelatihannya telah memengaruhi seninya. Dia bepergian secara luas sepanjang hidupnya, menghabiskan beberapa tahun di Italia, menjelajahi Swiss dan menjelajahi sebagian besar pedesaan Prancis. Dalam perjalanannya, dia membuat banyak sketsa minyak dan lukisan udara yang menangkap kesegeraan cahaya dan atmosfer; Ia juga mengerjakan lukisan bergaya pameran di dalam studio. Suvenir de Mortefontaineadalah salah satu lukisan terbaik dari akhir karirnya. Itu bermandikan cahaya lembut dan menyebar, dan itu adalah karya ketenangan total, lambang asimilasi liris dan puitis dari dunia seniman. Pemandangan tidak diambil dari alam, tetapi menggabungkan elemen kunci dari pengaturan alam untuk menciptakan gambar yang sempurna dan harmonis. Pohon yang anggun di latar depan, hamparan air yang tenang di belakang, dan sosok-sosok yang tenang dengan warna lembut adalah motif yang sering digunakan oleh seniman untuk membuat sebuah karya refleksi yang indah dan tenang. Bekerja pada awalnya di sepanjang garis Realis, gaya Corot dikembangkan untuk mencakup persepsi Romantis yang melamun. Dengan demikian, karyanya dapat dianggap sebagai jembatan antara Realis dan Impresionis, dan memang ia sering disebut sebagai Bapak Impresionisme.Pemandangan Claude Monet dari Seine di pagi hari dilukis dengan cahaya selama tahun 1890-an. (Tamsin Pickeral)

  • Penandaan Kristus (1455–60)

    Tanah Catalonia, yang berpusat di kota Barcelona, ​​melihat zaman keemasan seni yang hebat di tahun 1400-an, dan di garis depan kebangkitan ini adalah Jaume Huguet . Huguet terkenal dengan altar yang menakjubkan yang menggambarkan seni religius dekoratif yang indah yang diproduksi oleh sekolah Catalan saat ini. Di tengah altar ini, Kristus dipukuli sebelum menerima hukuman mati dengan penyaliban. Pria yang menyampaikan kalimat itu — Gubernur Romawi di Yudea, Pontius Pilatus — duduk di singgasana agung di sebelah kanan. Gambar Huguet dipenuhi dengan warna-warna seperti perhiasan dan penuh dengan detail halus, dari ubin lantai hingga tahta dan pakaian Pilatus. Ada simetri yang dibangun dengan baik dalam komposisi: posisi sentral Kristus, diapit oleh dua pria yang mengantarkan pemukulan dan dua malaikat kecil di kakinya, ubin lantai yang surut, deretan lengkungan di belakang Kristus, dan pemandangan lanskap di kejauhan dengan puncak berukuran sama. Seluruh efeknya sangat dekoratif, hampir seperti permadani. Karya ini dipesan oleh serikat pembuat sepatu untuk kapel Saint-Marc di Katedral Barcelona, ​​itulah sebabnya sepatu muncul di perbatasan dekoratif. Perbatasan juga menampilkan gambar elang, singa, malaikat, dan lembu — simbol Penginjil St. Yohanes, St. Markus, St. Matius, dan St. Lukas. Karya Huguet secara luas dalam cetakan master Catalan abad ke-15 seperti Bernardo Martorell, dan gaya pribadinya membantu mendefinisikan gaya Catalan. (Ann Kay)

  • Pria Tua dengan Anak Muda (c. 1490)

    Domenico Ghirlandaio adalah seniman Florentine yang terkenal dengan lukisan dinding dan potretnya. Old Man with a Young Boy adalah citranya yang paling dikenal luas. Sebuah gambar di Museum Nasional di Stockholm memberikan bukti bahwa Ghirlandaio mempelajari lelaki tua itu, termasuk cacat kulit di hidungnya. Pria tersebut diyakini menderita kondisi rhinophyma yang menodai akibat acne rosacea. Tetapi realisme potret itu tidak biasa pada masanya. Dimasukkannya Ghirlandaio pada cacat ini diperkirakan telah memengaruhi seniman-seniman selanjutnya, seperti Leonardo da Vinci, untuk melukis subjek mereka sebagaimana adanya. Penonton pasti tersentuh dengan pemandangan ini. Wajah tua orang tua itu kontras dengan kulit anak yang lembut dan muda. Saat tangan anak itu mencapai orang tua itu, mata mereka bertemu secara terbuka menunjukkan kasih sayang. Warna merah hangat menekankan ikatan cinta ini. (Mary Cooch)

  • The Fortune Teller (c. 1508–10)

    Ketenaran utama Lucas van Leyden terletak pada keahliannya yang luar biasa sebagai seorang pemahat, tetapi dia juga seorang pelukis ulung yang diakui sebagai salah satu orang pertama yang memperkenalkan lukisan bergenre Belanda. Lahir di Leiden, di mana dia menghabiskan sebagian besar hidupnya, dia diperkirakan telah berlatih dengan ayahnya dan kemudian dengan Cornelis Engebrechtsz. Dia melakukan perjalanan ke Antwerp pada 1521, di mana dia bertemu Albrecht Dürer , yang mencatat peristiwa ini di buku hariannya. Karya Dürer tampaknya memiliki pengaruh paling besar padanya, meskipun van Leyden mendekati subjeknya dengan animasi yang lebih besar, lebih berkonsentrasi pada karakter tokoh individu. Peramal,yang merupakan singgungan pada kesombongan cinta dan permainan, dilukis di awal karier van Leyden, tetapi sudah menunjukkan keahlian dan keahliannya sebagai pewarna. Ini adalah studi tentang karakter, dengan setiap individu digambarkan dengan sensibilitas yang hidup. Pria berjanggut gelap di latar belakang sangat menawan, dengan tatapan tajam dan raut wajah seram yang kontras dengan sosok pucat peramal. Permukaan gambar memiliki pola yang kaya, dan tekstur yang berbeda, dari bulu dan sutra hingga kaca dan daging, ditampilkan dengan luar biasa. Mendorong komposisi ke depan bidang gambar memiliki efek menempatkan penampil di antara gambar-gambar lainnya. Van Leyden terkenal selama hidupnya, dan meskipun dia tidak memiliki murid langsung, pengaruhnya sangat besar pada perkembangan seni Belanda, membuka jalan bagi tradisi seni lukis bergenre Belanda. Karyanya juga dianggap berpengaruhRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Kemenangan Titus dan Vespasia (c. 1537)

    Terlahir sebagai Giulio Pippi, pelukis lukisan ini kemudian dikenal sebagai Giulio Romano setelah kota kelahirannya. Di usia muda, dia belajar dengan Raphael, kemudian menjadi asisten kepala, dan setelah kematian Raphael ia menyelesaikan sejumlah karya seniman. Palet Romano yang dinamis dan gaya figuratif yang berani sangat kontras dengan kehalusan gurunya, tetapi, dalam hal imajinasi belaka dan efek ilusi dramatis yang dicapai melalui manipulasi perspektif, Romano adalah pemimpin di bidangnya. Selain pencapaiannya sebagai pelukis, seniman itu juga seorang arsitek dan insinyur. Sekitar tahun 1524 Romano dipekerjakan oleh Frederico Gonzaga, penguasa Mantua, dan memulai proyek besar-besaran merancang dan membangun kembali beberapa bangunan kota, serta sejumlah skema dekoratif. Kemenangan Titus dan Vespasiaditugaskan oleh Gonzaga untuk Kamar Kaisar di Palazzo Ducale. Ini menggambarkan kaisar Titus berparade melalui Roma setelah kemenangan atas orang Yahudi. Komposisinya didasarkan pada pemandangan di bagian dalam Arch of Titus kuno di Roma, dan mempertahankan sebagian besar kualitas pahatan aslinya, terutama pada kuda-kuda kereta Romano yang keras. Warna-warna cemerlang dan tema klasik yang ditampilkan di tangan Mannerist Romano membuat karya ini sangat populer pada masanya. Perlakuannya terhadap lanskap — yang detailnya indah dan bermandikan cahaya tembus cahaya yang berkilauan — menjadi perhatian khusus. (Tamsin Pickeral)

  • Perawan dan Anak dengan St. Anne (c. 1510)

    Leonardo da Vinci magang di bawah pematung ulung Andrea del Verrocchio , setelah itu ia bekerja untuk beberapa pelindung terkaya di Prancis dan Italia, termasuk keluarga Sforza di Milan, raja Prancis, dan Vatikan di Roma. Seandainya Verrocchio tidak beralih ke seni lukis untuk bersaing dengan para pesaingnya pada saat Leonardo berada di bengkelnya, beberapa pakar percaya bahwa mungkin saja Leonardo belum tentu pernah mengangkat kuas. Meskipun kehidupan dan karyanya sangat penting bagi sejarah seni, saat ini ada sekitar 20 lukisan dengan atribut aman di oeuvre-nya. Perawan, ibunya Anne, dan bayi Yesus, subjek lukisan ini, adalah salah satu tema paling populer Leonardo, sebagaimana dibuktikan oleh beberapa gambar dan lukisan. Ini termasuk kartun yang hilang tahun 1501 dan The Virgin and Child with St. Anne dan St. John the Baptist (c. 1508, dikenal sebagai Kartun Burlington House); Dapat diasumsikan bahwa kartun yang terakhir ini dimaksudkan untuk dikembangkan menjadi sebuah karya besar yang sepenuhnya dilukis, tetapi tidak ada bukti bahwa lukisan semacam itu pernah dicoba. Di sini, bagaimanapun, Perawan Maria bertumpu pada pangkuan St. Anne, sementara anak Kristus dengan riang membelai seekor domba kurban yang masih muda, sebuah perwujudan takdir bayang-bayang dari nasib bayi itu. Gambar pena dan tinta skala kecil untuk The Virgin and Child with St. Anneada dalam koleksi Accademia, Venesia. Postur informal dan keterlibatan psikologis yang lembut antara para pengasuh merupakan nilai tertinggi dalam seni lukis religius sepanjang masa. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Dalam apa yang telah menjadi salah satu Antonello da Messina ‘s paling lukisan terkenal, artis tersebut menggambarkan seorang pemimpin militer Italia, yang dikenal sebagai seorang condottiere. (Namun, identitas sebenarnya dari pria itu tidak diketahui.) Sampai abad ke-19, Italia terdiri dari sekumpulan negara kota yang merdeka, dan condottieri sangat diminati untuk berperang di antara negara-negara yang berkonflik. Antonello tertarik untuk menunjukkan pangkat pengasuhnya: dia duduk di depan latar belakang hitam dengan pakaian dasar dan penutup kepala dengan postur yang baik, sehingga meningkatkan statusnya di atas status prajurit sederhana. Memang, subjek Antonello kemungkinan besar memiliki kekayaan untuk membeli gelar yang lebih mirip dengan seorang pria, dan dia akan menugaskan potret ini untuk menekankan kedudukan sosialnya. Namun, Antonello mengingatkan penonton bahwa pria ini adalah pejuang yang kejam. Pemeriksaan lebih dekat terhadap Condottieromengungkapkan detail seperti luka perang di bibir atas pengasuh. (William Davies)

  • Mona Lisa (± 1503–09)

    Leonardo da Vinci memulai hidup sebagai anak tidak sah dari seorang notaris Tuscan, dan dia bisa dibilang menjadi pelukis yang paling banyak dibicarakan di dunia. Ketertarikan yang tak ada habisnya dari para cendekiawan dan publik terjadi hampir sejak hari ia mulai menulis dan melukis. Dia juga seorang pria dengan kekurangan dan keterbatasan. Dia lahir di kota lereng bukit Toscana di Anchiano dekat Vinci, dan dia pindah ke Florence pada usia dini untuk berlatih sebagai magang di Andrea del Verrocchio, pematung terkenal saat ini. Dari pelajaran-pelajaran awal tersebut, Leonardo mendapatkan apresiasi yang dalam terhadap ruang tiga dimensi, sebuah konsep yang sangat bermanfaat sepanjang karirnya, apakah ia sedang melukis atau menggambar seluk-beluk tanaman atau bagian tubuh manusia, mesin perang atau pekerjaan air umum, geometri matematika atau geologi lokal. Nama lukisan ini , yang baru digunakan pada abad ke-19, berasal dari catatan awal Giorgio Vasari , yang juga memberikan satu-satunya identifikasi pengasuh. Mona Lisa, juga dikenal sebagai Lisa Gherardini, dilukis di usia pertengahan 20-an setelah dia menikah dengan seorang pedagang sutra bernama Francesco del Giocondo, pria yang mungkin memesan potret tersebut. Sampai hari ini, orang Italia mengenalnya sebagai La Gioconda dan orang Prancis sebagaiLa Joconde , yang secara harfiah diterjemahkan sebagai "yang lucu (atau lucu)." Dalam sejarah yang lebih baru, ketenaran lukisan itu mungkin juga berasal dari fakta bahwa lukisan itu dicuri dari Louvre di Paris dalam perampokan sensasional pada tahun 1911 oleh seorang nasionalis Italia tetapi untungnya dikembalikan dua tahun kemudian. (Steven Pulimood)

    [Ingin tahu lebih banyak tentang mengapa Mona Lisa begitu terkenal? Baca Demystified by Britannica ini.]

  • Amal (1518–19)

    Pada 1518 Francis I dari Prancis memanggil pelukis Florentine Andrea del Sarto ke pengadilan Prancisnya, tempat seniman Italia itu tinggal selama setahun. Charity adalah satu-satunya lukisan yang masih hidup dari masa tinggalnya di Prancis; itu dilukis untuk Château d'Amboise. Karya tersebut merupakan lukisan khas yang disukai oleh para bangsawan Perancis saat ini. Itu menggambarkan sosok Charity yang dikelilingi oleh anak-anak yang dia asuh dan lindungi. Itu adalah representasi alegoris dari keluarga kerajaan Prancis, dan merayakan kelahiran Dauphin, yang dilambangkan dengan bayi yang menyusu, sementara sosok Amal memiliki kemiripan dengan ratu. Komposisi struktur piramidal khas dari bentuk tradisional untuk jenis lukisan ini, dan juga merupakan cerminan dari pengaruhLeonardo da Vinci tentang Andrea del Sarto. Secara khusus, sang seniman mengagumi The Virgin and Child with St. Anne karya Leonardo . (Tamsin Pickeral)

  • Pemenggalan St George (c. 1432–34)

    Bernardo Martorell bekerja di Barcelona dan mungkin diajar oleh Luis Borrassá, pelukis Catalan paling produktif saat itu. Hanya satu karya yang bertahan pasti dikaitkan dengan Martorell — Altarpiece of St. Peter of Pubol (1437), yang ada di Museum of Gerona, Italia. Namun, Altarpiece of St. George sangat khas dalam gaya Martorell sehingga sebagian besar ahli percaya bahwa dialah senimannya. Altar itu dibuat untuk kapel St. George di Istana Barcelona. Itu terdiri dari panel tengah yang menunjukkan St. George membunuh naga , yang sekarang disimpan di Institut Seni Chicago, dan empat panel samping, yang berada di Louvre di Prancis. Panel samping inimembentuk bagian akhir dari narasi, dan itu menggambarkan kemartiran St. George. Legenda St. George tampaknya berasal dari tulisan Eusebius dari Kaisarea, tertanggal abad keempat Masehi. Ia terkenal sebagai prajurit Romawi dengan kelahiran bangsawan yang dihukum mati pada tahun 303 M karena memprotes penganiayaan terhadap orang Kristen. Dia dikanonisasi pada abad ke-10 dan menjadi santo pelindung tentara. Legenda St.George tersebar luas di seluruh Eropa pada Abad Pertengahan, dan, meskipun kisah tentang orang suci yang membunuh seekor naga tampaknya lebih bersifat mitologis daripada ajaib, kisah itu diceritakan kembali dalam banyak lukisan abad pertengahan. Dalam adegan terakhir dari legenda ini, saat St. George dipenggal, kilat jatuh dari langit merah dan emas yang menyala-nyala. Gayanya mungkin Gotik Internasional, tetapi wajah-wajah yang ketakutan, memelihara kuda, tubuh-tubuh yang berguling-guling, dan ahli penanganan cahaya milik Martorell. (Mary Cooch)