Vegyes

29 festmény, amelyet csak a Louvre-ban látogathat meg


  • Nő portréja (3. század)

    Ez a szarkofágportré a Fayum régióból származik, és a görög-római korban festették. A Fayum szó Kairótól délnyugatra egy nagyon termékeny régióra utal. A mesterséges tó, a Qaroun-tó köré épült, egy ambiciózus mérnöki projekt, amely a 12. dinasztiából származik, természetes völgyben épült. A Fayum-völgy lakói Egyiptomból, Görögországból, Szíriából, Líbiából és a Római Birodalom más területeiről érkeztek. Növényeket termesztettek, beleértve a búzát és az árpát is; a tóból származó halat nagy csemegének tartották egész Egyiptomban; és Amenemhet uralma alatt III(12. dinasztia), a terület buja kertekkel és rengeteg gyümölcsfával vált híressé. Ma a régió ismert a 19. és a 20. század során előkerült papiruszok számáról, valamint a régészek által feltárt sok „Fayum-portréról”. Ezeket az életnagyságú portrékat nyilván az otthonok díszítésére, valamint temetési célokra használták. Az encaustikus technika magában foglalta a viasz megolvasztását és pigmentációval, esetleg lenmagolajjal vagy tojással való keverését, majd festékként a fa vagy vászon felhelyezését. Ez a festett portrémeglepően modernnek tűnik. A nő tiszta szeme és kiemelkedő orra, valamint a művész gondos ékszerábrázolása arra enged következtetni, hogy ezt felismerhető portrénak festették. A művészettörténészek gyakran tulajdonítják a Fayum régiónak a valósághű portrék születését, és az e régióban feltárt sok portré egy áttörő művészi kísérletezés idejét jelenti. (Lucinda Hawksley)

  • Nyár (1573)

    Giuseppe Arcimboldo nagy sikert aratott élete során, de halála után munkája gyorsan kiment a divatból, és az érdeklődés csak a 19. század végén kelt fel. Stílusosan fantasztikus és ötletes festményei illeszkednek a manierista művészet népszerű világába. A 16. század folyamán Európa-szerte a bíróságok különösen kedvelték ezt a szellemes és okos illúziós festményt, és ennek tanúsága volt Arcimboldo hosszas festői megbízatása a Habsburg udvarban 1562 és 1587 között. A nyár a Négy évszak sorozat részét képezi, amelyet a művész Maximilianus császár számára festett IIEzt a témát Arcimboldo karrierje során többször is festette, és rendkívül népszerűvé vált. Először 1562-ben festette a Négy évszak sorozatát , és ötletes elképzelését, miszerint a gyümölcs- és zöldséggyűjteményből fejet készít, nagy lelkesedéssel fogadták. Arcimboldo udvari feladatai Maximilian iránt nem korlátozódtak a festészetre - a művészt színtervezőként, építészként és mérnökként is elhívták. Később, miközben II . Rudolph császárnál dolgozott , azzal is vádolták, hogy régiségeket és ritka tárgyakat talált a császár gyűjteményében. Arcimboldo festményei teljesen szürreális hatást keltenek, és minden bizonnyal korának legötletesebbek és legokosabb ötletei közé tartoznak. (Tamsin Pickeral)

  • Halászat (kb. 1588)

    Annibale Carracci Bologna területén született, és testvérével és unokatestvérével együtt elismerték a Bolognese Iskola egyik vezető festőjeként. Különösen ügyes rajzoló volt, és nagy hangsúlyt fektetett a helyes rajzolásra, gyakran ábrázolta az élet jeleneteit, és egy képzeletbeli vagy idealizált tájba helyezte azokat. A vadászat és a halászat témái ebben az időben népszerűek voltak a bolognai villadekorációban. Horgászat volt festve, mint a társa darab egy másik munkát Carracci, Vadászat. Méreteik alapján valószínűleg mindkettőt úgy tervezték, hogy egy ház villájának ajtajain lógjon. A két alkotás Carracci karrierje elején és 1584-ben Rómába költözése előtt készült, de már a művész nagy sikerű stílusát mutatják. Ebben a munkában számos különféle jelenetet egyesített egy festményen belül, és okosan kidolgozta kompozícióját úgy, hogy a szem az előtérből az egyes embercsoportokba és a háttérbe kerüljön, minden részlet nélkül. Az ábrák valószínűleg közvetlenül a természetből származó tanulmányokon alapultak, majd a tájjal kombinálták őket. Ez a festmény érdekes, mert megmutatja, hogy Carracci a jobb oldali mutató ábrán látható gesztushasználatát fejleszti. A meggyőző és tagolt gesztus használata Carracci egyik sajátos képessége volt, amely befolyásolta a barokk kor későbbi festőit. Szintén nyilvánvaló Carracci kényszerítő tájhasználata, amely gyönyörűen áttetsző fényben gyönyörűen össze van állítva. (Tamsin Pickeral)

  • Lázár nevelése (kb. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, beceneve Il Guercino, szegénységben született Cento kisvárosban, az olasz Ferrara és Bologna között. Nagyrészt művészként autodidakta volt. A bolognai iskola egyik vezető festője lett, halála után átvette Guido Reni elfoglalt műtermét (ironikus, mivel a beszámolók szerint Guercinót ambivalensen tekintette Reni). Guercino stílusa élete során meglehetősen drámai módon változott, az ilyen művek karrierje elejétől kezdve rendkívül barokk megközelítést mutatnak, kontrasztos fények és sötétek drámai használatával. A barokk festményekre jellemző kompozíció bonyolult, tele van drámai gesztussal, energiával és érzéssel. Az alakok az előtérbe vannak tolva, szinte mintha egy fríz részei lennének, míg a középső és a háttér gyakorlatilag felismerhetetlen. Ez a technika a nézőt majdnem ugyanabba a térbeli síkba helyezi, mint a festmény figurái, és ezáltal erőteljes érzelmi reakciót vált ki. Az esemény az a halott ember, akit Lázár Jézus feltámasztott. Guercino elragadtatott intenzitással és lelki hévvel tölti el a jelenetet, amelyet korszakában nagyon csodáltak volna. Néhány évvel a festmény kivégzése előtt Guercino találkozott a művésszelLudovico Carracci, és ihlette Carracci szín- és érzelemkezelését. Carracci hatása észrevehető Guercino Lazarus nevelése című művében, bár ez a mű teljesen energikusabb stílusú. Termékeny és keresett művész, Guercino gazdag emberként halt meg. (Tamsin Pickeral)

  • Asztalos Szent József (1635–40)

    Foltos a története Georges de La Tour életének és munkásságának . Noha saját életében sikert aratott, a La Tour több évszázadon át feledésbe merült - munkáját a 20. század elején fedezték fel újra. Francia festő, gyakran állítják, hogy Caravaggio festményei hatottak rá . Előfordulhat azonban, hogy La Tour nem ismerte Caravaggio munkásságát, és hogy önállóan vizsgálta az egyetlen gyertya által árnyék és fény hatásait. A hívő római katolikus La Tour gyakran vallási jeleneteket festett. Többször visszatért Mária Magdaléna bűnbánatának témájához, valamint festette ezt a megható jelenetetJózsef tanítja Jézust az asztalosműhelyben. A stílus reális, részletes és gondosan megtervezett - Jézus tartja a gyertyát, mert keresztény hitben ő a világ világossága, amely megvilágítja a világ sötétségét. (Lucinda Hawksley)

  • A lúdtalp (1642)

    Kevés embert nem tudna érdekelni ez a műfajkép , amely szerint egy nyilvánvalóan fogyatékos nápolyi koldus szemtelenül vigyorogva néz rájuk. Spanyol születésű José de RiberaPályafutásának nagy részét Nápolyban töltötte, amelyet Spanyolország irányított, és a város vezető művésze lett. Valószínűleg egyszerűen egy nápolyi koldusfiút akart ábrázolni, mivel nagyon érdekelte a hétköznapi embereket. A realizmus és a hagyomány keverése azonban új irányt jelentett a művészetben. Az élet nem mosolygott erre a koldusra, de vidáman dacos. Vidáman viseli a mankóját a válla fölött, és könnyedén, nem pedig kétségbeesetten nyújtja ki a könyörgésre vonatkozó papírt, amely akkor Nápolyban kötelező volt. Latinul olvasható: „Adj alamizsnát Isten szeretetéért.” Ahelyett, hogy egy piszkos mellékutcában kuporogna, magasan áll a nyugodt tájon, amely felidézi a klasszikus stílusban festett történelmi, mitológiai és vallási műveket. Ribera lenyűgöző termetet ad neki, az alacsony nézőpont és a humánus méltóság növeli. Koldusa szinte kis herceg lehet. A laza ecsetkezelés lágyabbá válik a tájon, így a fiú még jobban kiemelkedik. Ribera azon képessége, hogy realizmussal és emberséggel közvetítse az emberek egyéniségének érzését, nagy hatással volt a nyugati művészetre és különösen a spanyol iskolára. (Ann Kay)

  • Belső nézet ( papucs ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten ügyes portrék és enteriőrök festője volt, aki a perspektíva helyes használatával foglalkozott. Nézet egy belső térre , amelyet hagyományosan a papucsnak hívnak, példázza a művész sajátos holland csempézett padló használatát a kép mélységének hangsúlyozására. Ezt hangsúlyozzák a különálló visszahúzódó képsíkok, amelyeket a kép kerete, az ajtóházak és végül a két kép a kép hátulján jelöl. A nyitott ajtó egy részének előtérben történő bemutatásával a művész az ajtóba helyezi a bámészkodót, ami fokozza a festmény illuzórikus hatását. Hoogstraten témájára a finom részletek utalnak. Az eldobott seprű, a házi papucs és a zárt könyv (az olvasás megszakadt) azt jelzik, hogy egy szerelmi kapcsolat mindig a látóhatáron kívül történik. A festmény gyengéden moralizáló hangvétele olyan volt, amelyre Hoogstraten többször visszatért. (Tamsin Pickeral)

  • A zarándoklat Cytherába (1717)

    1717 - ben Jean-Antoine Watteau diplomadarabként bemutatta ezt a képet a Francia Akadémiának. Legjobb munkájaként elismerték, és kulcsfontosságúvá vált a kialakuló rokokó stílusban. A téma egy kisebb játék szemléltetéseként indult. Florence Dancourt Les Trois Cousines című művében, egy zarándoknak öltözött lány kilép a kórussorból, és meghívja a közönséget, hogy csatlakozzon hozzá egy utazáshoz Cytherába - a szerelem szigetére, ahol mindenki megismerkedik ideális partnerével. Watteau a téma első, 1709 körüli változatát nagyon szó szerint ábrázolta, de itt eltekintett a színházi kerettől, és az esetet álomszerű, romantikus fantáziává változtatta. Lényeges, hogy az utazás végét, nem pedig az elejét ábrázolja. A szerelmesek párosították és virággal megkoszorúzták a Vénusz szobrát a jobb oldalon, és hamarosan hazatérnek. Erre a pillanatra összpontosítva a művész meg tudta teremteni a munkájára annyira jellemző szelíd melankólia levegőjét. Míg a legtöbb pár távozásra készül, két szerető maradt az istennő szentélyénél, a szeretet által varázsolt és vak minden más iránt. Az egyik távozó nő megfordul és szomorúan néz vissza rájuk, tudatában annak, hogy a szeretetnek ez a része a legröpkebb. Watteau halála után művészete drámaian kiesett a divatból. Sokak számára úgy tűnt, hogy a szerelmi menekülések ábrázolása túlságosan szoros kapcsolatban áll a monarchia régi napjaival. A forradalmi időszakban a művészeti hallgatók az övét használtákCythera a célgyakorlat számára, kenyérpelletet dobálva rá. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (korábban Gilles néven ismert ) (1718–1919)

    Ez az egyik utolsó festmény, amelyet Jean-Antoine Watteau készített rövid pályafutása alatt. Bohóc nézi közönségét, sóvárgó kifejezéssel, amely visszhangozhatja a művész mélabús hangulatát. Gilles egy bohóc általános neve Franciaországban, valószínűleg a 17. századi akrobata és komikus, Gilles le Niais eredetű. Watteau idejére jelentős átfedés mutatkozott e karakter és Pierrot, a commedia dell'arte vezető bohóc között, amely egy olasz színházi hagyomány, amely Franciaországban rendkívül népszerű volt. Mindkét alak az ártatlan bolondot játszotta, aki a közönség kedvence lett - Charlie Chaplin és Buster Keaton prototípusa. Ez a festményvalószínűleg színházi jelzőtáblaként készült, amelyet arra terveztek, hogy műsorba csábítsa a járókelőket. Lehet, hogy a Danaë premierjére készült , egy olyan vígjátékra, amelyben az egyik szereplőből szamár lett. Alternatív megoldásként meghirdethette a felvonulásokat - a fő előadás előtti rövid, farsangi vázlatokat. Ezekben egy szamarat gyakran vezettek át a színpadon, hogy szimbolizálja Gilles puszta butaságát. Watteau ennek a bohócnak egy kisebb változatát használta az Olasz komikusok fő alakjaként, amelyet 1720 körül készített orvosának. Gilles komor alakja mindkét esetben egy Ecce Homo- ra emlékeztetett.(„Íme az ember”) festmény. Ez a népszerű vallási téma a Krisztus szenvedélyének egy epizódját ábrázolta, amikor Pontius Pilátus Jézust az emberek elé tárta, remélve, hogy felszabadításra szólítanak fel. Ehelyett a tömeg kérte keresztre feszítését. (Iain Zaczek)

  • Csendélet üveg olajjal (1760)

    A párizsi születésű Jean-Baptiste Siméon Chardin szembeszállt apja, bútorgyártó kívánságával, hogy kövesse a nyomát, és ehelyett tanuló lett Pierre-Jacques Cazes és Noel- Noël Coypel stúdiójában.Chardin egész életében hűséges tagja maradt a Francia Akadémiának, de sikerei ellenére megakadályozták abban, hogy professzorrá váljon, mert festőként jelölték „az állatok és a gyümölcsök területén”. A korai csendéletek, amelyekről a legismertebb, rövid idő alatt elkészültek, bemutatva azt a sebességet, amellyel elsajátította mesteri technikáját. Becslések szerint teljes termelésének egynegyede 1732 előtt készült. Stílusát a gazdag textúrájú ecsetek jellemzik, amelyek jelentős adósságokkal tartoztak a holland festészettel szemben, különös tekintettel Rembrandt hatására a festék kezelésében. Ez elválasztja munkáját a 18. századi francia festészet ismertebb stílusától. Chardin egyszerű háztartási jeleneteket és ismert háztartási cikkeket festett. Azonban,A csendélet az üveg olajfákkal visszafogott hangulatára, lágy világítására és furcsa realizmusára varázslatos aurát kölcsönöz a mindennapi tárgyaknak és jeleneteknek. Nem meglepő, hogy tisztelői „nagy varázslónak” titulálták. Tehetsége abban rejlett, hogy tökéletes teljességű festményeket készítsen, érintetlen, mégis legfelsőbb technikai képességekkel. (Roger Wilson)

  • A csavar (1777 körül)

    Jean-Honoré Fragonard a rokokó stílus egyik vezető festője volt. Képei komolytalanok, de érzékiek voltak, jellemezve a francia udvari élet eleganciáját az 1789-es forradalom előtti években. Kortársai számára Fragonard mindenekelőtt a sujets légers (könnyű témák) mestere volt . Ezek a témák nyíltan erotikusak voltak, de olyan ízléssel és finomsággal kezelték őket, amely még királyi körökben is elfogadhatóvá tette őket. Valójában sokat beszél a nap divatjáról, amelyről úgy tűnik, hogy ezt a képet egy vallási festmény társdarabjaként rendelték meg. Egy korai forrás szerint de Véri márki megkereste a művészt, hogy képet keressen, amelyet a Fragonard egyik ritka odaadó képe mellé akaszthat - A pásztorok imádata.. A mai szemmel ez furcsa egymás mellé tűnhet, de Véri valószínűleg a szent és a profán szeretetet kívánta képviselni - ez a művészeti téma a reneszánsz óta népszerű. Általában a művészek ezt az elképzelést egyetlen képben közvetítették, de néha egy Éva-festményt párosítottak egy Szűz Máriához (akit gyakran az új Évának tekintettek) témával. Itt az alma, amely jól láthatóan megjelenik az asztalon, hagyományos utalás Éva kísértésére az Édenkertben. A Boltot akkor festették, amikor a rokokó stílus kiment a divatból, a drámai megvilágítás és a magas fokú befejezés azonban azt mutatja, hogy a Fragonard alkalmazkodott a divatba kerülő neoklasszikus stílushoz. (Iain Zaczek)

  • A Horatii esküje (1784)

    Jacques-Louis David vitathatatlanul a történelem legkülönlegesebb politikai propagandafestője. Napóleon udvari festője, sok minden, amit a császár mitikus személyéről és a francia forradalom ikonográfiájáról tudunk, David színházi, allegorikus festményeiből származik. David atyja volt a neoklasszikus művészeti mozgalomnak, amely a klasszikus mítoszokat és történelmet a kortárs politikával analóg módon ábrázolta. A Horatii esküjeelmeséli a történetet, amelyet Kr. e. 59 körül rögzített Livy római történész, két család fiairól, a három Horatii testvérről és a három Curiatii testvérről, akik Róma és Alba között háborúban 669 körül harcoltak. A férfiaknak harcolniuk kell, de a Curiatii család egyik nője feleségül veszi az egyik Horatii testvért, egy Horatii nővért pedig eljegyez egy testvérrel a Curiatii családban. E kapcsolatok ellenére Horatii idősebb felszólítja fiait, hogy harcoljanak a Curiatiiak ellen, és engedelmeskednek, bánatában szenvedő nővéreik siránkozása ellenére. Ábrázolva azt a pillanatot, amikor a férfiak politikai eszméket választottak a személyes indítékok helyett, David arra kéri a nézőket, hogy ezeket a férfiakat saját politikailag zűrös idejükben példaképnek tekintsék. Ugyanolyan fontos a festészet realizmusa, mint a politikában az idealizmus, David Rómába utazott, hogy lemásolja az építészetet az életből. Az eredmény óriási sikert aratott, amikor a festményt kiállították az 1785-ös párizsi szalonban. David festményei továbbra is erőteljesen visszhangzanak a nézőkben, mert képességeinek ereje eléggé kiemelkedő volt ahhoz, hogy megfogalmazza erős hiteit. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Ezt széles körben elismert, Jacques-Louis David „s legszebb portréja. Kegyelmével, egyszerűségével és gazdaságosságával a neoklasszikus művészet egyik legsikeresebb példájának is tekintik. David modellje, Juliette Récamier a párizsi társadalom drága volt. Egy gazdag lyoni bankár felesége volt, bár számos más férfi figyelmét megkapta, akiket szerényen visszautasítottak. David inspirációt merített Récamier erényes hírnevéből. Mezítlábával, fehér ruhájával és antik kiegészítõivel hasonlít az utóbbi napi vesti szûzre. Ezt erősíti a póz. A nő tekintete őszinte és közvetlen, de teste elfordult, megközelíthetetlen. A portréülés nem zökkenőmentesen zajlott: Juliette kitartó pontatlansága irtotta a festőt, miközben ő kifogásolta az egyes művészi szabadságjogokat. Különösen nehezményezte, hogy David megvilágította a hajának árnyékát, mert nem illett a színvilágához. Ennek eredményeként egy újabb portrét rendelt a művész egyik tanítványától. Amikor erről tudomást szerzett, David nem volt hajlandó folytatni. - Asszonyom - állítólag kijelentette - a hölgyeknek megvannak a szeszélyei; a festők is. Engedje meg, hogy kielégítsem az enyémet. Az arcképét a jelenlegi állapotában tartom. Ez a döntés hasznos lehetett, mert a kép éles súlyossága nagy hatással van rá. A lámpát és néhány további részletet állítólag David tanítványa festett Az arcképét a jelenlegi állapotában tartom. Ez a döntés hasznos lehetett, mert a kép éles súlyossága nagy hatással van rá. A lámpát és néhány további részletet állítólag David tanítványa festett Az arcképét a jelenlegi állapotában tartom. Ez a döntés hasznos lehetett, mert a kép éles súlyossága nagy hatással van rá. A lámpát és néhány további részletet állítólag David tanítványa festettJean-Auguste-Dominique Ingres . Ez utóbbit minden bizonnyal lenyűgözte a kép, mert egyik legünnepeltebb művéhez, a La Grande Odalisque -hoz kölcsönözte Récamier pózát . (Iain Zaczek)

  • A fürdőző ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    1801-ben, miután Jacques-Louis Davidnél tanult , Jean-Auguste-Dominique Ingres francia művész elnyerte a rangos Prix de Rome díjat. Ezt a díjat a francia Academie Royale ítélte oda, akik a legjobb művészeikért fizettek azért, hogy négy évig Rómába látogassanak, és tanulmányozzák a múlt olasz mestereit. Sajnos az állam nem engedhette meg magának, hogy művészeket küldjön Olaszországba, Franciaország kudarcot valló gazdasága miatt. Ingres végül 1808-ban ment Rómába. A fürdőzőIngres egyik első festménye volt, amelyet Olaszországban végeztek, és bár a művészet évszázadokig tartó reneszánsz művészet vette körül, szakít a hagyományokkal. Ahelyett, hogy felfedné alanyjának kilétét, Ingres a néző felé fordított, szinte monumentális témáját a törzsével kissé megcsavarva nyitotta meg a hátát. Ez lehetővé teszi a néző számára, hogy megcsodálja (és objektiválja) a fürdőzőt anélkül, hogy kihívást jelentene ránk - névtelen, meghatározatlan marad, karaktere megfejthetetlen. Ingres későbbi, női aktokat bemutató művei gyakran frontálisabb pózokat vettek át. Érdekes megjegyezni, hogy Ingres korlátozott palettájú zöldje, krémje és barnája a bal oldali függöny sötét tónusától a jobb oldali háttér és ágynemű világos tónusáig változik. A hangszínnek ez a fokozata a fürdés szimbolikus jellegét tükrözi, olyan cselekedet, amely megtisztítja és megtisztítja az ember lelkét: amint az ülő eltávolodik a fürdőtől, fehérebb és ezért tisztább lesz. (William Davies)

  • A Medúza tutaja (1819)

    Kevesen nézhették meg ezt a festményt, és nem háborította el őket szenvedélye és ereje. A francia romantika első mozgatója, Théodore Géricault festette , és most a mozgalom meghatározó kijelentésének tekintik. A romantikusok elszakadtak a klasszikus 18. századi művészettől, hogy hangsúlyozzák a realizmust és az érzelmeket. Ez a festmény különösen érdekes, mert olyan egyértelműen áthidalja a klasszicizmust és a romantikát. Amikor a Medusa tutaja megjelent az 1819-es szalon kiállításon, ez súlyos botrányt okozott, elborzasztva a létesítményt. A jelenet elmeséli a La Méduse hajótörésű francia kormányzati fregatt igazi történetét, amelynek képtelen kapitánya és tisztjei az egyetlen mentőcsónakot maguknak vették, és a 150 személyzetből és utasból 15 kivételével mindhárom ember rögtönzött tutajon elpusztult, kétségbeesésbe, vadságba és kannibalizmusba süllyedve. Géricault merészelt mutatni egy durva, zavaró epizódot a kortárs történelemből (a roncs 1816-ban történt), amely rosszul tükröződött minden érintetten, olyan módon, amely hasonlított a hagyományőrzők által nagyon szeretett hatalmas hőstörténeti festményekre. Egyrészt van itt egy makabra szintű realizmus (Géricault holttesteket tanulmányozott, hogy a részletek rendben legyenek), rendkívül energikus ecsetkezeléssel fokozva az örvénylő mozgást és érzelmet. Másrészt a testek és a piramis alakú kompozíció klasszikus stílusú. A felháborodás ellenére a kép művészi jóváhagyást nyert Géricault iránt, és óriási hatást gyakorolt ​​más művészekre,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Sardanapalus halála (1827)

    Eugène Delacroix, akit gyakran a francia romantikusok közül a legnagyobbnak tartanak , valóban korának festője volt. Mint barátja, Théodore Géricault , Delacroix megtartotta bizonyos klasszikus elemeit korai kiképzéséből, de merész energiát, gazdag, individualista színhasználatot és az egzotikum szeretetét mutatta, amely nyomdokvivé tette. A hatalmas vászon Sardanapalus halálavad mozgással és pazar színnel robbant fel az érzékekre, az engedékeny egzotika orgiája. Sardanapalus az ősi legendák asszír uralkodója volt, ízlése szerint a rendkívüli dekadenciát. A súlyos katonai vereség szégyenére reagálva Sardanapalus hatalmas máglyát készített, amelyen minden palotakincsével, szeretőjével és rabszolgasorozatával együtt halálra égette magát. Delacroix egy ilyen byroni drámában gyönyörködött. Úgy tűnik, hogy felhagy minden reális perspektíva vagy kompozíciós koherencia kísérletével. Torz testek és tárgyak kavarognak egy rémálomvilágban, amelyet intenzív színek és forró, behatoló árnyék fojtogat. A csillogó ékszerek és a gazdag szövetek részletes festése egyértelműen közvetíti az ábrázolt extravagáns világot, miközben az a hűvös különítmény, amellyel Sardanapalus felméri a körülötte lévő káoszt, baljós hangulatot áraszt. Delacroix szürke és kék tónusokkal kísérletezik az emberi bőrön, hogy alakot adjon testének rendhagyó modellezésének. Könnyen belátható, hogy az erőszak gátlatlan feltárása, az eszeveszett energiával és a merész színező technikákkal együtt mennyit szólt a későbbi művészekhez. (Ann Kay)

  • Ámult Homérosz ( Homérosz apoteózisa ) (1827)

    Mire Homified Deified festésre készült, Jean-Auguste-Dominique Ingres a hagyományos, klasszikus festészet önjelölt vezetője volt, szembenézve a francia romantikusok önfejű művészetével, például Eugène Delacroix-val . Ez a bizonyos festmény aligha lehet jobb példa Ingres akadémiai szemléletére, és valójában a klasszicizmus dicsérő himnuszának szánta. Bár volt érzékibb oldala (például The Bather című filmje ), itt ezt teljesen elnyomták. A Homérosz apoteózisa néven is ismert alkotás az ókori Görögország híres költőjét mutatja be, mint olyan istent, akit a győzelem mitológiai alakja babérokkal koronáz meg. Két nő a lábánál képviseli Homérosz nagyszerű epikus műveit,Az Iliász és az Odüsszea. Körülötte az ókori és a modern idők művészi óriásainak imádó tömege, köztük görög társaik: Aeschylus dramaturg felajánl egy pergament Homérostól balra, míg Phidias athéni szobrász jobb oldalon kalapácsot nyújt. A modernebb figurákban Franciaország 17. századi klasszikus korszakának művészei dominálnak, például Molière dramaturg és Nicolas Poussin festőművész. A háromszög alakú, szimmetrikus kompozíció klasszikus idealizmust áraszt, Homer központjában a nevét viselő antik templom ellen áll. Ezt a festményt rosszul fogadták az elkészítése idején. Ingres néhány évre visszavonult Rómába, de az 1840-es években visszatért, hogy újra elismertessék vezető klasszicistaként. Divatossá vált az átkozott Ingres hagyományőrzése, de ma már tekintélyes technikával rendelkező, nagy hatású művésznek tekintik. (Ann Kay)

  • Liberty Leading the People (1830)

    Ez a mű az 1827 és 1832 közötti időszakhoz tartozik, amelynek során Eugène Delacroixegyik remekművet a másik után készítette. Ez sem kivétel. Az 1830 júliusi forradalom emlékére festették, amely Louis-Philippe hatalomra juttatta. A kép a forradalom szellemét szimbolizálja. Szenzációt keltett az 1831-es párizsi szalonban, és bár Louis-Philippe megvásárolta a művet a csatlakozása jegyében, távol tartotta a nyilvánosság elől, mert potenciálisan gyulladásosnak tartották. A kép ügyesen ötvözi a kortárs riportot az allegóriával, monumentális módon. A hely és az idő egyértelmű: a Notre Dame látható a távolban, és az emberek osztályuknak megfelelően vannak felöltözve, a jobb oldali takaros fiú az egyszerű emberek erejét szimbolizálja. A jelenetet legjobban viselő Liberty allegorikus alakja, a fölé emelt háromszínű, felháborodást váltott ki, mert az idealizált szépség megszemélyesítése helyett a vibráló ecsetkezelés egy nagyon is valóságos nőt mutat - félmeztelenül, piszkosul és a holttestek fölé lépve oly módon, amely azt sugallhatja, hogy a szabadság hogyan hozhat némi elnyomást. Ez a festmény azt is mutatja, hogy Delacroix későbbi műveinek visszafogottabb megközelítése felé fordul, amelyben egyre finomabb próbálkozásokat hajtott végre a színek egymás mellett történő működésének módjaival a valóság érzésének közvetítése vagy az igazságok kifejezése érdekében. Az ilyen színhasználat óriási hatással lenne az onnan származó impresszionisták és modernisták körében mely során egyre finomabb erőfeszítéseket tett a színek egymás melletti működésének módjairól a valóság érzékének közvetítése vagy az igazságok kifejezése érdekében. Az ilyen színhasználat óriási hatással lenne az onnan származó impresszionisták és modernisták körében mely során egyre finomabb erőfeszítéseket tett a színek egymás melletti működésének módjairól a valóság érzékének közvetítése vagy az igazságok kifejezése érdekében. Az ilyen színhasználat óriási hatással lenne az onnan származó impresszionisták és modernisták körébenPierre-Auguste Renoir és Georges Seurat , hogy Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Kilátás a Louvre Grande Galériájára (1841)

    Egy sikeres takácskereskedő fia, Patrick Allan-Fraser elutasította a lehetőséget, hogy apját kereskedelmi karrierbe kövesse művészi hajlandóságának folytatása érdekében. A tanulmányok Allan-Frasert Edinburgh-ba, Rómába, Londonba és végül Párizsba vitték, ahol a Louvre-ban találkozott a csodálatos Grande Galerie-vel. A Louvre Grande Galerie nézetének festésekor, a művész a The Clique néven ismert viktoriánus művészcsoporttól merítette ihletét, akivel Londonban találkozott. A Clique elutasította a tudományos magas művészetet a műfajfestés mellett. A látszólag végtelen, negyed mérföldnyire húzódó Grande Galerie egy hely volt, ahol művészek és kézművesek gyakran gyülekeztek, mégis itt az elismerés és az elmélkedés derűs légkörével találkozunk. A későbbi években Allan-Fraser belemerült a remek épületek helyreállításába és építésébe, és ennek megvalósításakor a Grande Galerie iránti rajongása volt a legfontosabb. A szórványos fénysugarak nemcsak lehetővé teszik a néző számára, hogy szemügyre vegye a belső tevékenységet, hanem felfedje a terem nagyságát és eleganciáját is. Allan-Frasert 1874-ben választották meg a Skót Királyi Akadémiára, és ő rendelte meg a The Clique tagjainak portréit, tiszteletben tartva azokat, akik inspirálták. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot drámaként kezdte karrierjét, mielőtt a művészi képzés folytatása mellett döntött. Apja támogatásával először Achille Etna Michallonnál, majd Jean-Victor Bertinnél tanult, bár Corot később tagadta, hogy képzése befolyásolta volna művészetét. Élete során széles körben utazott, több évet töltött Olaszországban, Svájc felfedezésével és a francia vidék nagy részének lefedésével. Kirándulásain számos olajvázlatot és plein air festményt készített, amelyek megragadták a fény és a légkör közvetlenségét; kiállítási stílusú festményeken is dolgozott a stúdióban. Souvenir de Mortefontainekésői pályafutása egyik legjobb festménye. Lágy, diffúz fényben fürdik, és teljes nyugalom, a művész világának lírai és költői asszimilációjának megtestesítője. A jelenet nem a természetből származik, de a természetes környezet legfontosabb elemeit ötvözi a tökéletes, harmonikus kép megalkotásához. Az előtérben a kecses fa, a mögött álló álló víz kiterjedése és a halk, puha színekben felvett figurák voltak azok a motívumok, amelyeket a művész gyakran használt, hogy szép, csendes tükröződésű művet készítsen. Eleinte a realisták mentén dolgozott, Corot stílusa úgy alakult ki, hogy magában foglalja az álmodozó, romantikus felfogást. Mint ilyen, munkája valamiféle hídnak tekinthető a realisták és az impresszionisták között, sőt, gyakran az impresszionizmus atyjaként emlegetik.Claude Monet kora reggeli fényben a Szajnára néző kilátása az 1890-es években festett. (Tamsin Pickeral)

  • Krisztus zászlaja (1455–60)

    Katalónia földjeinek központja Barcelona városa a művészet nagy aranykorát látta az 1400-as években, és ennek az újjáéledésnek az élén Jaume Huguet állt . Huguet híres lenyűgöző oltárképeiről, amelyek a katalán iskola által ebben az időben készített gyönyörűen dekoratív vallási művészetet jellemzik. Ennek az oltárképnek a közepén, Krisztust megverik, mielőtt keresztre feszített halálos ítéletet kapna. A büntetést meghozó ember - Júdeia római kormányzója, Pontius Pilátus - egy jobb trónon ül. Huguet képe ékszerszerű színekkel teli és finom részletekkel teli, a padlólapoktól kezdve Pilátus trónjáig és ruházatáig. Jól felépített szimmetria figyelhető meg a kompozícióban: Krisztus központi helyzete, amelyet két ember szállít a dobbanáshoz, és két kis angyal a lábánál, a visszahúzódó padlólapok, a Krisztus mögötti boltívek sora és a távoli kilátás egyenletes méretű csúcsok. Az egész hatás rendkívül dekoratív, szinte olyan, mint egy gobelin. Ezt a darabot a cipészcéh rendelte meg a barcelonai székesegyház Saint-Marc kápolnájához, ezért jelennek meg cipők a díszhatáron. A határokon egy sas, egy oroszlán, egy angyal és egy ökör képei is szerepelnek - ezek az evangélisták Szent János, Szent Márk, Szent Máté és Szent Lukács szimbólumai. Huguet munkássága nagyjából a 15. századi katalán mesterek formájába esik, mint például Bernardo Martorell, és személyes stílusa segített meghatározni a katalán stílust. (Ann Kay)

  • Öreg fiatal fiúval (kb. 1490)

    Domenico Ghirlandaio firenzei művész volt, híres freskóiról és portréiról. Öreg ember, fiatal fiúval a legelterjedtebb képe. A stockholmi Nemzeti Múzeum rajza bizonyítékot szolgáltat arra, hogy Ghirlandaio tanulmányokat végzett az idős emberről, beleértve az orrának bőrhibáját. Úgy gondolják, hogy a férfi a rosacea pattanások következtében szenvedett el az elrontó rhinophyma állapottól. De a portré realizmusa szokatlan a maga idejében. Úgy gondolják, hogy Ghirlandaio belefoglalta ezt a hibát a későbbi művészekre, például Leonardo da Vincire, festeni az alanyokat úgy, ahogy voltak. A nézőt mindenképpen megérinti ez a jelenet. Az idős ember öregedő arca ellentétben áll a gyermek puha, fiatal bőrével. Amint a gyermek keze az idős férfihoz nyúl, tekintetük a szeretet nyílt megnyilvánulásában találkozik. A meleg vörösek hangsúlyozzák ezt a szeretetteljes köteléket. (Mary Cooch)

  • A jósnő (kb. 1508–10)

    Lucas van Leyden legfőbb hírneve rendkívüli metsző képességein nyugszik, de kitűnő festő is volt, aki az elsők között vezette be a holland műfajfestést. Leidenben született, ahol élete nagy részét töltötte, úgy gondolják, hogy édesapjával, később pedig Cornelis Engebrechtsz-vel végzett. 1521-ben Antwerpenbe utazott, ahol megismerkedett Albrecht Dürerrel , aki naplójában rögzítette ezt az eseményt. Úgy tűnik, Dürer munkája volt a legnagyobb hatással rá, bár van Leyden nagyobb animációval közelítette meg alanyait, inkább az egyes figurák karakterére koncentrálva. A jós,ami a szeretet és a játékok hiúságára utal, van Leyden karrierje elején festették, de már megmutatja színészi rajzoltságát és hozzáértését. Ez egy karaktertanulmány, amelyet minden egyes ember élénk érzékenységgel ábrázol. Különösen magával ragadó a sötét szakállú férfi a háttérben, szúrós tekintetével és baljós arcával ellentétben áll a jósnő sápadt alakjával. A kép felülete gazdagon mintázott, és a különböző textúrák, a prémtől és a selyemből az üvegig és a húsig, kiválóan rendereltek. A kompozíciónak a képsík elejére tolása azt eredményezi, hogy a nézőt a többi ábra közé helyezi. Van Leyden élete során híres volt, és bár közvetlen tanítványai nem voltak, befolyása mélyreható volt a holland művészet fejlődésében, utat nyitott a műfajfestés holland hagyományának. Úgy gondolják, hogy munkája is hatással volt ráRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Titus és Vespasia diadala (kb. 1537)

    Giulio Pippi született, ennek a festménynek a művésze később születése városát követően Giulio Romano néven vált ismertté . Fiatal korban ment tanulni Raphael, később fő asszisztense lett, és Raphael halálakor a művész számos művét elkészítette. Romano élénk palettája és merész figuratív stílusa ellentétben állt tanára finomságával, ám a puszta fantázia és a perspektíva manipulálásával elért drámai illúziós hatás szempontjából Romano vezető volt a maga területén. Festői eredményei mellett a művész építész és mérnök is volt. Körülbelül 1524 Romano-t Frederico Gonzaga, Mantua uralkodója alkalmazta, és hatalmas projektbe kezdett, megtervezve és újjáépítve a város néhány épületét, valamint számos dekorációs tervet. Titus és Vespasia diadalaGonzaga megbízásából a Cézárok szobájához a Palazzo Ducale-ban. Titusz császárt a zsidók győzelme után Rómában vonulva ábrázolja. A kompozíció az ókori római Titus-boltív belső oldalán található jeleneten alapszik, és megőrzi az eredeti szobrászati ​​minőségének nagy részét, különösen Romano szembeszökő szekérlovaiban. A ragyogó színek és a klasszikus téma, amelyet Romano manierista keze nyújtott, korában nagyon népszerűvé tette ezt a művet. Különösen figyelemre méltó a tájkép kezelése - amely gyönyörűen részletgazdag és csillogó áttetsző fényben fürdik. (Tamsin Pickeral)

  • A Szűz és a gyermek Szent Annával (kb. 1510)

    Leonardo da Vinci tanítványa Andrea del Verrocchio szobrászmester volt , ezt követően Franciaország és Olaszország leggazdagabb védnökeinél dolgozott, köztük a milánói Sforza családnál, a francia királynál és a Vatikánnál Rómában. Ha Verrocchio nem tért át a festészetre, hogy versenyezzen riválisaival abban az időben, amikor Leonardo műhelyében volt, egyes kutatók úgy gondolják, hogy elképzelhető, hogy Leonardo nem feltétlenül emelt volna fel ecsetet. Bár élete és munkássága rendkívül fontos a művészettörténet szempontjából, napjainkban nagyjából 20 biztonságosan tulajdonított festmény található életművében. A Virgin, anyja Anne, és a gyermek Jézus, a téma ez a festmény, Leonardo egyik legnépszerűbb témája, amit számos rajz és festmény is bizonyít. Ide tartozik az elveszett 1501-es rajzfilm és a Szűz és gyermek Szent Annával és Keresztelő Szent Jánossal (1508 körül, a Burlington-ház rajzfilmjeként ismert); feltételezhető, hogy ez utóbbi rajzfilmet nagy, teljesen festett művé fejlesztésére szánták, de nincs bizonyíték arra, hogy ilyen festményt valaha is megpróbáltak volna. Szűz Mária azonban itt nyugszik Szent Anna ölében, míg a Krisztus-gyermek játékosan megsimogatja egy fiatal áldozati bárányt, ami a csecsemő sorsának előre jelzett megtestesülése. Kis méretű toll- és tintarajz a Szűz és gyermek számára Szent Annávallétezik a velencei Accademia gyűjteményében. Az informális testhelyzetek és az ülők közötti gyengéd pszichológiai elkötelezettség a vallási festészet mindenkori csúcspontját jelentik. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    A mi lett az egyik Antonello da Messina „s leghíresebb festményei, a művész Olaszország katonai vezetőjét ábrázolja, amelyet condottiere néven ismernek. (A férfi valódi kiléte azonban ismeretlen.) A 19. századig Olaszország független városállamokból állt, és a condottierire nagy szükség volt, hogy harcolhassanak az ütköző államok közötti csatákban. Antonello érdeklődik ülője rangjának megjelenítése iránt: fekete háttér előtt ül, jó testtartású alapruházatban és fejfedőkben, így az egyszerű harcosé fölé emeli státusát. Valószínűleg Antonello alanyának volt vagyona arra, hogy megengedhesse magának az úriemberéhez közelebb álló címet, és ezt a portrét bízta volna meg társadalmi helyzetének hangsúlyozásával. Antonello azonban emlékezteti a nézőt, hogy ez az ember könyörtelen harcos. Condottiero közelebbi vizsgálataolyan részleteket tár fel, mint a háború seb a sitter felső ajkán. (William Davies)

  • Mona Lisa (kb. 1503–09)

    Leonardo da Vinci egy toszkán közjegyző törvénytelen fiaként kezdte az életét, és vitathatatlanul a világ legvitatottabb festője lett. A tudósok és a közvélemény végtelen lenyűgöző képessége gyakorlatilag attól a naptól kezdődött, amikor elkezdett írni és festeni. Ugyancsak hibás és korlátozott ember volt. A toszkán hegyoldalban, Anchiano városában született, Vinci közelében, és korán költözött Firenzébe, hogy tanítványként edzeni Andrea del Verrocchio-ba., a nap híres szobrászművésze. E korai tanulságokból Leonardo mélységesen értékelte a háromdimenziós teret, ez a koncepció karrierje során jól szolgálta, akár növények, akár az emberi test részei, harci gépek vagy közműves művek bonyolultságait festette vagy rajzolta, matematikai geometria vagy helyi geológia. Ennek a festménynek a nevét , amelyet csak a 19. században használtak, Giorgio Vasari egy korai beszámolóból származtatta , amely szintén a sitter egyetlen azonosítóját adja. Mona Lisát, más néven Lisa Gherardinit húszas évei közepén festették, miután feleségül ment egy Francesco del Giocondo nevű selyemkereskedővel, azzal a férfival, aki megrendelhette a portrét. Az olaszok a mai napig La Giocondaként és franciául ismerikLa Joconde , amely szó szerint a „ jocund (vagy játékos)” fordítást jelenti. Az újabb történelemben a festmény hírneve részben abból is fakadhat, hogy 1911-ben egy olasz nacionalista szenzációs heistben lopta el a párizsi Louvre-ból, de két évvel később szerencsére visszaadta. (Steven Pulimood)

    [Szeretne többet megtudni arról, hogy miért olyan híres a Mona Lisa? Olvassa el ezt a Demannifikálta a Britannica.]

  • Szeretetszolgálat (1518–19)

    1518-ban a francia I. Ferenc behívta Andrea del Sarto firenzei festőt francia udvarába, ahol az olasz művész egy évig élt. A jótékonyság az egyetlen fennmaradt festmény francia tartózkodásából; a Château d'Amboise-ra festették. A mű jellemző azokra a festményekre, amelyeket a francia jogdíj kedvelt ebben az időben. A jótékonyság alakját ábrázolja olyan gyermekek veszik körül, akiket ápol és véd. A francia királyi család allegorikus ábrázolása volt, és Dauphin születését ünnepelte, akit a csecsemő szopása szimbolizál, míg a Szeretet alakja némi hasonlóságot mutat a királynővel. A kompozíció piramisszerkezete jellemző az ilyen típusú festmények hagyományos formájára, és tükrözi a festészet hatását is.Leonardo da Vinci Andrea del Sartón. Különösen a művész csodálta Leonardo Szűz és gyermek című művét Szent Annával . (Tamsin Pickeral)

  • Szent György lefejezése (kb. 1432–34)

    Bernardo Martorell Barcelonában dolgozott, és valószínűleg Luis Borrassá, a kor legtermékenyebb katalán festője tanította. Csak egy fennmaradt műnek tulajdonítanak egyértelműen Martorellt - a Puboli Szent Péter oltárképének (1437), amely az olasz Gerona Múzeumban található. A Szent György oltárkép azonban annyira jellegzetesen Martorell stílusú, hogy a legtöbb szakértő úgy véli, hogy ő volt a művész. Az oltárképet a barcelonai palota Szent György-kápolnája számára készítették. Ez egy központi panelből áll, amelyen látható, hogy Szent György megöli a sárkányt , amely ma a Chicagói Művészeti Intézetben található, és négy oldalpanelből, amelyek a franciaországi Louvre-ban találhatók. Ez az oldalsó panelképezi az elbeszélés utolsó részét, és Szent György vértanúságát ábrázolja. Úgy tűnik, hogy a Szent György-legenda a császárföldi Eusebius írásaiból származik, amelyek a CE. A hírek szerint nemesi születésű római katona volt, akit Kr. E. 303-ban halálra ítéltek, mert tiltakozott a keresztények üldöztetése ellen. A 10. században szentté avatták, és a katonák védőszentje lett. Szent György legendája a középkorban egész Európában elterjedt, és bár a szent sárkány megölésének története inkább mitológiai, mint csodásnak tűnik, sok középkori festményben újra elmondják. A legenda utolsó jelenetében, amikor Szent Györgyet lefejezik, villám hull a tűzvörös és arany égből. A stílus lehet nemzetközi gótikus, de a rémült arcok, lovakat nevelő testek, hulló testek, és a fény szakszerű kezelése Martorellé. (Mary Cooch)