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फ़िल्म - फ़िल्म निर्देशन

फ़िल्म संचालन करनेवाला

आधुनिक गति-चित्र निर्देशक वह व्यक्ति होता है जो किसी फिल्म की अंतिम शैली, संरचना और गुणवत्ता के लिए सबसे अधिक जिम्मेदार होता है। सिनेमा सहयोग की एक कला है, और कुछ उदाहरणों में निर्देशक के अलावा कोई और हावी हो सकता है (उदाहरण के लिए, अंतिम कट या एक अभिनेता जिसके बॉक्स ऑफिस पर लोकप्रियता उसे निर्देशक को निर्देशित करने की शक्ति देती है) लेकिन सामान्य तौर पर यह माना जाता है कि तस्वीर को निर्देशित करने के लिए निर्दिष्ट व्यक्ति को अपने फॉर्म और सामग्री के लिए क्रेडिट या दोष लेना चाहिए।

जबकि जिस समारोह में निदेशक कार्य करते हैं वह हमेशा किसी के द्वारा भरा गया है, उस फ़ंक्शन की प्राथमिकता को हमेशा मान्यता नहीं दी गई है। उदाहरण के लिए, जॉर्जेस मैलिअस ने खुद को फिल्मों के "निर्माता" के रूप में सोचा, और वास्तव में 1896 से 1912 तक उन्होंने सेट नाम के सभी पहलुओं का ध्यान रखा, जिसमें सेट डिजाइन, अभिनय और कैमरा वर्क शामिल हैं।चार्ल्स पाथे , एक सदी के फ्रांस में, विशेष रूप से अपने तेजी से फैलते फिल्म साम्राज्य की तस्वीरों को निर्देशित करने के लिए विशेष रूप से एक सहायक (फर्डिनेंड ज़ेका) को असाइन करने वाले पहले उत्पादकों में से एक था। फ्रांस के गौमोंट पिक्चर्स, लुईस फ्यूइलेड औरएलिस गाय , सिनेमा में महत्वपूर्ण स्थान हासिल करने वाली पहली महिला, निर्देशन के कार्य को साझा करती थी, प्रत्येक अलग-अलग शैलियों में विशेषज्ञता रखती थीयूरोप की तरह संयुक्त राज्य अमेरिका में, पहले फिल्म निर्देशकों में से कई कैमरामैन ( एडविन एस। पोर्टर) थे) या अभिनेता (डीडब्ल्यू ग्रिफ़िथ) जब तक कि परिस्थिति ने उन्हें विभिन्न निर्देशकीय कर्तव्यों को निभाने के लिए मजबूर नहीं किया। हालांकि, फिल्म उद्योग तेजी से बढ़ रहा था, और 1910 तक कई नवनिर्मित फिल्म थिएटरों को भरने के लिए आवश्यक फिल्मों की संख्या ऐसी थी कि उत्पादन को सौंपना पड़ा। निर्देशक की भूमिका अभिनेताओं, डिजाइनरों, तकनीशियनों और अन्य लोगों के साथ काम करने की थी, जो अपने प्रयासों में समन्वय और देखरेख करते हैं, ताकि दिए गए वित्तीय और भौतिक सख्तताओं के भीतर दिलचस्प और समझदार फिल्मों को तेजी से चालू कर सकें।

1920 के दशक की शुरुआत में, जिन्होंने मोशन पिक्चर्स के बारे में गंभीरता से लिखा, उनके पास निर्देशक के लिए सफलताओं और असफलताओं के लिए कोई योग्यता नहीं थी। कुछ निर्देशक, विशेष रूप से जर्मनी में एफडब्ल्यू मर्नौ और फ्रिट्ज लैंग और स्वीडन में विक्टर सोजोस्ट्रम , वास्तव में उन सितारों के रूप में प्रसिद्ध थे जिन्होंने अपनी फिल्मों में अभिनय किया था। 1926 में विलियम फॉक्स ने हॉलीवुड में स्थानांतरित होने के लिए मर्नॉ को $ 1 मिलियन का भुगतान किया, इस उम्मीद में कि वह अब तक की सबसे महान फिल्में बनाएंगे जो दुनिया देख रही है। कला और धन, सूर्योदय (1927) के इस विवाह का प्राथमिक मुद्दा एक विसंगति हैफिल्म उद्योग के इतिहास में, मर्नौ के लिए असामान्य नियंत्रण और वस्तुतः असीमित संसाधन दिए गए थे। फिल्म अभी भी आलोचकों को चकित करती है, लेकिन यह एक व्यावसायिक सफलता नहीं थी, और इसने निर्देशक के बढ़ते कद को एक समय के लिए रोक दिया। इरिच वॉन स्ट्रोहीम की तरह के रूप में निर्माताओं के साथ और अधिक नाटकीय मुठभेड़ों इरविंग थालबर्ग आगे इस businesslike रवैया, जो या तो कारीगर जैसे या मुश्किल के रूप में जल्दी टाइपिंग निर्देशकों में से अभ्यास करने के लिए नेतृत्व को प्रोत्साहित किया।

के महान युग में स्टूडियो सिस्टम (1927-1948), मजबूत निर्देशकों ने कारखाने की स्थितियों के साथ विदाई दी जिसमें फिल्में बनाई गई थीं। शक्तिशाली व्यक्तित्व वाले उन निर्देशकों (जैसे फ्रैंक कैपरा , हॉवर्ड हॉक्स , जॉन फोर्ड और अर्न्स्ट लुबित्सेक) को बड़ी स्वतंत्रता दी गई थी, लेकिन उन्हें अभी भी स्टूडियो में अनुबंधित अभिनेताओं और अभिनेत्रियों के साथ काम करना पड़ता था, जिसमें यूनियन कर्मियों के साथ समय-सम्मानित दिनचर्या थी, स्क्रिप्ट और स्क्रिप्ट राइटर स्टूडियो द्वारा चुने गए, और समय सीमा के साथ जो प्रयोग को हतोत्साहित करते हैं।

"ऑटोरिया सिद्धांत , "जिसे 1950 के दशक में फ्रांसीसी फिल्म सिद्धांतकारों द्वारा प्रचारित किया गया था , ने स्टूडियो युग की फिल्मों के अध्ययन और मूल्यांकन के लिए एक शक्तिशाली तरीका पेश किया। शब्द ऑटोरिए (शाब्दिक रूप से "लेखक" फ्रेंच में) फ्रांस में 1930 के दशक में कलात्मक संपत्ति के अधिकारों पर कानूनी लड़ाई में नियोजित किया गया था। यह निर्धारित करने के लिए कानूनी संघर्ष कि कोई फिल्म अपने पटकथा लेखक, निर्देशक, या निर्माता के लिए है, कई आलोचकों और सिद्धांतकारों द्वारा रखे गए विश्वास को मजबूत करती है कि यह अकेले निर्देशक थे जिन्होंने एक फिल्म के लिए क्रेडिट के हकदार थे, जैसे कि एक वास्तुकार के लिए श्रेय दिया जा सकता है हालांकि इसका निर्माण और उपयोग अन्य लोगों द्वारा किया गया था। हालांकि जब मजबूत निर्देशकों का संबंध था, तब यह दृश्य प्रचलित था, यह औसत फिल्म निर्माताओं को नजरअंदाज करने के लिए जाता था।

Auteurs को ठोस तकनीक के साथ निदेशक के रूप में परिभाषित किया गया है, जो दुनिया की एक अच्छी तरह से परिभाषित दृष्टि है, और उनकी प्रस्तुतियों पर नियंत्रण है। कुछ निर्देशकीय स्थितियों का मूल्यांकन करना आसान है। ग्रिफिथ और चैपलिन का उनके प्रमुख प्रयासों पर पूर्ण वित्तीय नियंत्रण था। इंग्राम बर्गमैन जैसे यूरोपीय कला निर्देशकों ने इसी तरह की स्वतंत्रता का आनंद लिया। दरअसल, उनकी फिल्मों को अक्सर महत्वपूर्ण कलात्मक व्यक्तित्व के भाव के रूप में विपणन किया जाता था। हालांकि, घुटन स्टूडियो स्थितियों के बीच में काम करने वाले निर्देशकों द्वारा अनगिनत फिल्मों के पुनर्मूल्यांकन को प्रोत्साहित करने के लिए आत्मकेंद्रित सिद्धांत विकसित किया गया था। लियो मैककेरी , ग्रेगरी ला कावा , और एंथनी मान जैसे निर्देशकों ने शैलीगत रूप से और विषयगत रूप से उनके विचारों को ग्रहण किया, जो भी होशैली , एक सुसंगत, व्यक्तिगत सौंदर्य के साथअसफल होने पर भी उनका आउटपुट, कमजोर रूप से अनियोजित फिल्मों की तुलना में अधिक मूल्यवान समझा जाता है, जो एक स्क्रिप्ट में संकेतित शब्दों और कार्यों को नियमित स्क्रीन छवियों में अनुवादित करते हैं। स्टूडियो के वर्षों में स्क्रिप्ट राइटर मुख्य रूप से टीमों में काम करते थे; एक एकल स्क्रिप्ट अक्सर कई अलग-अलग लेखकों के हाथों से गुजरती है, इसलिए अधिकांश फिल्में एक व्यक्तिगत लेखक की तुलना में किसी विशेष स्टूडियो के उत्पाद के रूप में अधिक पहचानने योग्य होती हैं। तनाव निदेशक और के बीच शैली या स्टूडियो उत्पादन फिल्मों है कि जनता के लिए अपील करते हुए एक व्यक्ति की दृष्टि व्यक्त माना जाता है। इस प्रकार, आत्मकेंद्रित के माध्यम से, लोकप्रिय कला सिनेमा कविता के पारंपरिक लक्ष्यों और ललित कलाओं, प्रामाणिक अभिव्यक्ति के लक्ष्यों और प्रतिभा को प्राप्त करने में सक्षम है।

1960 के दशक में ऑटोइर सिद्धांत विशेष रूप से प्रभावशाली था और यकीनन न केवल फ्रेंच न्यू वेव बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी, बल्कि ब्रिटेन और संयुक्त राज्य अमेरिका में भी इसी तरह के आंदोलन हुए थे। जैसे निर्देशकलिंडसे एंडरसन , जोसेफ लॉसी , स्टेनली कुब्रिक , जॉन कैसविट्स , फ्रांसिस फोर्ड कोपोला , और आर्थर पेन ने खुद को नवोदित ऑटर्स के रूप में सोचा और अपनी विशिष्ट शैलियों और विषयों के लिए महत्वपूर्ण और लोकप्रिय प्रशंसा अर्जित की। 1950 के दशक में स्टूडियो प्रणाली के पतन के साथ, एक फिल्म को नियंत्रित करने और व्यक्तिगत दृष्टि के आधार पर विपणन करने के लिए वास्तव में एक ही व्यक्तित्व के लिए जगह थी।

1960 के बाद पहली बार अमेरिकी गति-चित्र निर्देशक ने उन परिस्थितियों में फिल्में बनाना शुरू किया, जो पूरी शताब्दी में यूरोप में प्रचलन में थी। उदाहरण के लिए, फ्रांस की महत्वहीन स्टूडियो प्रणाली ने व्यक्तिगत उद्यमियों को एक साथ फिल्म परियोजनाओं को आजीवन आधार पर रखने के लिए सक्षम और प्रोत्साहित किया था इस तरह की परियोजनाएं आम तौर पर एक equipe के आसपास घूमती हैं, या रचनात्मक कर्मियों की टीम, जिसके प्रमुख निदेशक हैं। निर्देशक तब वास्तव में डिजाइनर, संगीतकार और (सबसे महत्वपूर्ण) के काम को आकार दे सकते थे ताकि फिल्म की शुरुआत से अंत तक एक सुसंगत और अपेक्षाकृत व्यक्तिगत शैली हो। इस कारीगर प्रारूप में, एक निर्माता दृश्यों को संभालने का एक विशिष्ट तरीका विकसित करने के लिए निर्देशक पर निर्भर करता है। किसी विशेष प्रभाव को प्राप्त करने के लिए निर्देशक को परिदृश्य को फिर से लिखना भी पड़ सकता है। इस व्यक्तिगत प्रतिबद्धता के परिणामस्वरूप, कई महत्वपूर्ण फिल्मों के निर्माण के दौरान होने वाले अच्छी तरह से प्रचारित तर्क लगभग हमेशा निर्देशक को शामिल करते हैं।

अल्फ्रेड हिचकॉक एक निर्देशक थे जिन्होंने तर्कों का तिरस्कार कियाउन्होंने अपनी फिल्मों का खाका अपने सिर पर रखा और बिना किसी चर्चा के प्रत्येक शॉट के लिए विस्तृत निर्देश दिए। उनके निर्माताओं को वैकल्पिक सुझाव देने या फिल्म को दोबारा प्रस्तुत करने का अवसर नहीं दिया गया दृश्य केवल एक तरह से एक साथ फिट होते हैं, हिचकॉक का रास्ता। हालांकि कुछ आलोचकों ने शिकायत की है कि एक हिचकॉक फिल्म में अभिनय अक्सर रुका हुआ है, कि सेट कृत्रिम हैं, और यह कि रियर-प्रोजेक्शन शॉट्स स्पष्ट हैं, हिचकॉक शैली तुरंत पहचानने योग्य है। ज्यादातर लोग हिचकॉक के निर्देशन की प्रभावशीलता की प्रशंसा करते हैं, कुछ लोग यह भी दावा करते हैं कि उनकी फिल्मों में गहन नैतिक और आध्यात्मिक अंतर्दृष्टि पाई जा सकती है

दुनिया भर के प्रमुख निर्देशकों ने अक्सर इस तरह के सम्मान का आनंद लिया है। दूसरों, के अलावा Mizoguchi केंजी और कुरोसावा अकीरा की जापान , सत्यजीत रे भारतीय, फेडेरिको फेलिनी इटली की, लूइस बुनुुएल स्पेन की, और कार्ल ड्रेयर डेनमार्क के व्यक्तिगत कलात्मक बयान देने के लिए दुर्लभ अवसर दिया गया था। कुछ लोगों को आभासी राष्ट्रीय खजाने के रूप में माना जाता है जिनकी फिल्में उन देशों में सांस्कृतिक गौरव लाती हैं जिनके भीतर वे काम करते हैं।

इन अपवादों के बावजूद, अधिकांश निर्देशक महान प्रतिबंधों के तहत श्रम करते हैं, विशेषकर की उम्र में टेलीविजन उद्योग। एक पारंपरिक टेलीविजन श्रृंखला एपिसोड के बाद निर्देशकों के एपिसोड को घुमाती है ताकि निर्माता, अभिनेता और प्रोडक्शन क्रू, जो शो पर लगातार काम करते हैं, उत्पाद पर बहुत अधिक नियंत्रण रखते हैं। एक टेलीविजन कार्यक्रम के प्रत्येक दृश्य को आमतौर पर तीन अलग-अलग कैमरा सेटअप से फिल्माया जाता है। निर्देशक अभिनेताओं से सर्वश्रेष्ठ प्रदर्शन प्राप्त करने का प्रयास करता है, विश्वास है कि चालक दल उचित चित्र प्रदान कर रहा है, और एक संपादक बाद में कहानी कहने के लिए उपयोग करने के लिए सर्वश्रेष्ठ शॉट्स चुनता है। तुलना में, शक्तिशाली फिल्म निर्देशकों ने अक्सर संपादन और पोस्टप्रोडक्शन में खुद को गहराई से शामिल किया है। टेलीविज़न उद्योग ने स्टूडियो प्रणाली की असेंबली-लाइन विशेषताओं का उच्चारण किया है, जबकि स्वतंत्र फिल्म निर्माण आज अक्सर निर्देशक तानाशाही शक्ति के अनुसार खुद को अलग करता है।

पूर्ण या प्रतिबंधित नियंत्रण प्रदान किए जाने पर, प्रत्येक निर्देशक को पटकथा को मंजूरी देनी चाहिए और फिर फिल्म के समग्र डिजाइन के संबंध में फिल्माए जा रहे दृश्य पर ध्यान केंद्रित करना चाहिए प्रबंधन इकाई (एक सहायक निदेशक और निरंतरता क्लर्क) संगठन के विवरण के साथ खुद को चिंतित करता है ताकि निर्देशक सेट (छायाकारों, प्रकाश और ध्वनि चालक दल, सेट सज्जाकार, और निश्चित रूप से, अभिनेताओं) पर रचनात्मक कर्मियों के साथ बातचीत कर सके पोस्टप्रोडक्शन के लिए, सभी निर्देशक दैनिक रूप से प्रयोगशाला से भागते हुए संपादक के साथ दिखते हैं, लेकिन कुछ केवल संपादन करते हैं, संगीत , और मिश्रण चरणों के साथ शामिल हो जाते हैं। सभी मामलों में, निर्देशक परियोजना का पूरा दृष्टिकोण बनाए रखने वाला एक व्यक्ति है,साउंड मिक्सर के माध्यम से लेखक से, सभी कर्मियों से सर्वश्रेष्ठ ड्राइंग , और उनके प्रयासों को आकार देना ताकि फिल्म एक सुसंगत रूप और अर्थ प्राप्त करे।

सफल निर्देशन का अमूर्त सामाजिक संबंधों के साथ बहुत कुछ होता है, जैसे कि सेट पर सामंजस्य (या उत्पादक प्रतिस्पर्धा) को जीवित रखना, अभिनेताओं से सर्वश्रेष्ठ प्रदर्शन संभव बनाना, एक स्क्रिप्ट को एक ऐसे रूप में आकार देना जो फोटोग्राफी के निदेशक की प्रतिभा का लाभ उठाता है। या मुख्य अभिनेता या विशेष शॉट के लिए आवश्यक धन के लिए निर्माता को बेच दिया। इस तरह की नियमित अपेक्षाओं से परे, महान निर्देशक को माध्यम के लिए एक अद्वितीय या सरल दृष्टिकोण के लिए पहचाना जाता है। निर्देशकों ने कहानियों के अपने दुस्साहसिक संचालन के लिए प्रशंसा अर्जित की है कुछ केंद्रीय पात्रों के साथ काम कर रहे दो घंटे के नाटक की मानक आवश्यकताओं से घबरा जाने से इनकार करते हुए ,उदाहरण के लिए, फ्रांसिस फोर्ड कोपोला ने अपनी दो-भाग वाली कृति द गॉडफादर में वास्तव में महाकाव्य फ्रेस्को को एक साथ पिरोया था, जैसा किरॉबर्ट अल्टमैन के रूप में ऐसी कोलाज कथा मेंनैशविले (1975) औरशॉर्ट कट्स (1993) और पॉल थॉमस एंडरसन इनमैगनोलिया (1999)। इतालवी निर्देशकों के रूप में, महाकाव्य रूप के साथ प्रयोग किया Ermanno Olmi के ल Albero degli zoccoli (1979; लकड़ी मोज़री का पेड़ ) औरबर्नार्डो बर्तोलुची का नोवेन्सटो (1976)1900 ) और द लास्ट सम्राट (1987), और कथा संरचना के साथ, जैसा किरॉबर्टो रोसेलिनी 'एस पैसा (1946;पायसन ) और एटोर स्कोरोला के ले बाल (1983; द बॉल ), जो पारंपरिक कथानक निर्माण को छोड़ देते हैं और अलग-अलग लघु एपिसोड के पक्ष में एक एकल कहानी लाइन है जो विषयगत या ऐतिहासिक रूप से जुड़े हुए हैं।

कुछ निर्देशक उनकी कथा के लिए की तुलना में उनके दृश्य शैली के लिए और अधिक प्रसिद्धि हासिल तीक्ष्णताउदाहरण के लिए, बर्टोलुसी की फिल्में हमेशा अच्छी तरह से प्राप्त नहीं होती हैं, लेकिन उनकी तरल, संतृप्त छवियां और उनके "मनोविश्लेषणात्मक" प्रभाव ने इल कन्फिस्टा (1970) जैसी फिल्मों में अपनी छाप छोड़ी है ;द कन्फोर्मिस्ट ) और लूना (1979)। फेलिनी, एंड्री टारकोवस्की और वर्नर हर्ज़ोग के लिए भी यही कहा जा सकता है कुछ आलोचकों का मानना ​​है कि कोपोला की वन फ्रॉम द हार्ट (1982) एक गहन, व्यक्तिगत दृष्टि है, जो कि द गॉडफादर सहित उनके अधिक व्यावसायिक रूप से सफल प्रयासों की तुलना में अधिक प्रासंगिक हैहालांकि कई निर्देशक इस तरह के उल्लेखनीय दृश्यों को प्राप्त करने के लिए अपने सिनेमैटोग्राफर्स को श्रेय देते हैं, अधिकांश सिनेमैटोग्राफर केवल निर्देशक के कहने पर तकनीकी समस्याओं को हल करने का दावा करते हैं।

वही पोस्टप्रोडक्शन में प्राप्त प्रभावों के बारे में कहा जा सकता है। अविश्वसनीय रूप से घने कर्ण माहौल आसपासउदाहरण के लिए, कोपोला के एपोकैलिप्स नाउ (1979), उदाहरण के लिए, प्रतिभावान विशेषज्ञों की एक टीम द्वारा मिश्रित व्यक्तिगत ध्वनि पटरियों के स्कोर के नतीजे से, लेकिन कोपोला ने पहले ही अपनी बहुत छोटी फिल्म में ध्वनि की संभावनाओं की एक शक्तिशाली समझ विकसित कर ली थी । वार्तालाप (1974)। इसी तरह, का एक अच्छा हिस्सा हैAltman की प्रसिद्धि उन इंजीनियरों को जानी चाहिए जिन्होंने नैशविले में एक दृश्य में एक दर्जन से अधिक वर्णों के रेडियो माइकिंग का समन्वय किया हालांकि, अल्टमैन ने कुल प्रभाव को मान्यता दी कि दो घंटे की अतिव्यापी बातचीत दर्शकों पर होगी।टैक्सी ड्राइवर और रेजिंग बुल में मार्टिन स्कॉर्सेज़ का बीहड़ संपादन केवल एक संपादक की सरलता का ही नहीं, बल्कि स्क्रिप्ट, अभिनय शैली, कैमरा वर्क (उत्तरार्द्ध फिल्म के लिए कठोर ब्लैक-एंड-व्हाइट टोन सहित) की कुल अवधारणा का एक समारोह था , और संगीत।

एक निर्देशक को एक समस्या समाधानकर्ता के रूप में सबसे अच्छा माना जा सकता है। प्रौद्योगिकी के साथ संबंधित , निर्देशक हाथ में संसाधनों (तकनीकी क्षमताओं और फिलहाल फिल्म निर्माण की परंपराओं) को लेता है और नाटकीय या दृश्य समस्याओं के प्रभावी समाधान की खोज करता है। इन समाधानों या "तकनीकों" के दौरान एक शैली उभरती है, जो लगातार फिल्मों की एक श्रृंखला में लागू होती हैं। उदाहरण के लिए,Bresson की ध्वनि कैमरा बंद रोजगार महत्वपूर्ण घटनाओं का संकेत करने के लिए लगन (में एक कार के मलबे Au Hasard Balthasar [1966], में एक बैंक डकैती ल चांदी ) मानक फिल्म निर्माण सम्मेलनों और पहुँच एक इंटीरियर या समझने का एक विचित्र मूल्यवान तरीका की ओर खारिज कर देता है आध्यात्मिक नाटक। ब्रेसन की ध्वनि तकनीकें उनकी उत्साहपूर्ण और विकसित शैली का हिस्सा बन गईं

निर्देशकों को उन समाधानों की विशेषता हो सकती है जो वे नियमित रूप से उस समय आते हैं जब कोई कहानी या दृश्य उनके सामने प्रस्तुत किया जाता है। मर्नौ और मिज़ोगुची ने नाटकीय स्थिति को संपादित करने के लिए शानदार ट्रैकिंग शॉट को प्राथमिकता दी ताकि नाटक को शॉट के बीच में देखा जा सके। एंटोनियो ने पात्रों के सीमा से बाहर होने के बाद कैमरे को अच्छी तरह से शूट करना जारी रखा ताकि दर्शक जिस तरह से एक नाटकीय दृश्य गायब हो गया या उस परिदृश्य में अपनी लघुता को महसूस कर सके। 1970 के बाद अधिकांश अमेरिकी निर्देशकों ने विश्व सिनेमा पर हावी होने वाली किरकिरी कहानियों को शक्ति देने के लिए कड़ी मेहनत, तेज तकनीक का इस्तेमाल किया। इन तकनीकों - क्लोज़-अप साउंड, तेज़ संगीत, और अचानक संपादन - का उपयोग दर्शक को दिलचस्पी और उत्साहित रखने के लिए किया गया था। इस सामान्य अमेरिकी शैली के भीतर, हालांकि,

आम तौर पर यह स्वीकार किया जाता है कि सर्वश्रेष्ठ निर्देशक वे हैं जो लगातार न केवल सरल तकनीकों में योगदान करते हैं बल्कि अपनी फिल्मों के लिए एक प्रभावी, सुसंगत , व्यक्तिगत शैली या विषय भी बनाते हैं।उदाहरण के लिए, पॉइंट-ऑफ- -व्यू रणनीतियों का ब्रायन डी पाल्मा का उपयोग कैरी (1976) और बॉडी डबल (1984) जैसी फिल्मों को एक विशेष हॉरर देता है , और उनकी तकनीक की तुलना हिचकॉक से की गई है। हालांकि, अधिकांश आलोचक इस बात से सहमत हैं कि हिचकॉक अधिक महत्वपूर्ण निर्देशक है, क्योंकि रेक विंडो (1954) जैसी फिल्मों में हिचकोक ने जिस कठोर बिंदु पर काम किया है, वह फिल्म निर्माण की टूर डे फोर्स से कहीं अधिक थी; यह दृष्टि और ज्ञान पर निर्देशक के विचारों की अभिव्यक्ति थी।