विविध

29 पेंटिंग आप केवल लौवर पर जा सकते हैं


  • एक महिला का पोर्ट्रेट (तीसरी शताब्दी)

    यह व्यंग्यात्मक चित्र फ़यूम क्षेत्र से है और इसे ग्रीको-रोमन काल में चित्रित किया गया था। फयूम शब्द काहिरा के दक्षिण-पश्चिम में एक बहुत उपजाऊ क्षेत्र को संदर्भित करता है। यह एक कृत्रिम झील के आसपास केंद्रित था, एक प्राकृतिक घाटी में निर्मित 12 वीं राजवंश से डेटिंग महत्वाकांक्षी इंजीनियरिंग झील, क़ारून। फ़यूम घाटी के लोग मिस्र, ग्रीस, सीरिया, लीबिया और रोमन साम्राज्य के अन्य क्षेत्रों से आए थे। उन्होंने गेहूं और जौ सहित फसलें उगाईं; झील से मछली को पूरे मिस्र में एक महान विनम्रता माना जाता था; और, एमेनेमेट III के नियम के तहत(12 वां राजवंश), यह क्षेत्र हरे-भरे बगीचों और प्रचुर मात्रा में फलों के पेड़ों के लिए प्रसिद्ध हो गया। आज, यह क्षेत्र 19 वीं और 20 वीं शताब्दियों के दौरान पता चला पपीरस दस्तावेजों की संख्या के लिए जाना जाता है, साथ ही पुरातत्वविदों द्वारा उजागर कई "फयूम पोर्ट्रेट" के लिए भी। इन आदमकद चित्रों का उपयोग स्पष्ट रूप से घरों को सजाने के लिए किया जाता था, साथ ही साथ इनका उपयोग मज़ेदार उद्देश्यों के लिए किया जाता था। एन्कास्टिक तकनीक में मोम पिघलना और इसे रंजकता और शायद अलसी के तेल या अंडे के साथ मिलाया जाता है, फिर इसे लकड़ी या सनी पर पेंट की तरह लगाया जाता है। यह चित्रित चित्रआश्चर्यजनक रूप से आधुनिक दिखता है। महिला की स्पष्ट आँखें और प्रमुख नाक और गहने के कलाकार के सावधानीपूर्वक चित्रण से पता चलता है कि यह एक पहचानने योग्य चित्र होने के लिए चित्रित किया गया था। कला के इतिहासकार अक्सर यथार्थवादी चित्रण के जन्म के साथ फ़यूम क्षेत्र को श्रेय देते हैं, और इस क्षेत्र में जिन कई चित्रों को उजागर किया गया है, वे कलात्मक प्रयोग के समय का प्रतिनिधित्व करते हैं। (लुसिंडा हॉक्सले)

  • ग्रीष्मकालीन (1573)

    Giuseppe Arcimboldo अपने जीवनकाल के दौरान अत्यधिक सफल रहे, लेकिन उनकी मृत्यु के बाद उनका काम जल्दी से फैशन से बाहर हो गया, और इसमें रुचि 19 वीं शताब्दी के अंत तक पुनर्जीवित नहीं हुई। Stylistically, उनकी फंतासी और कल्पनाशील पेंटिंग मनेरिस्ट कला की लोकप्रिय दुनिया में फिट होती हैं। 16 वीं शताब्दी के दौरान पूरे यूरोप में अदालतें विशेष रूप से इस प्रकार की मजाकिया और चतुर भ्रामक पेंटिंग का पक्ष लेती थीं, और इसके लिए वसीयतनामा 1562 और 1587 के बीच हैब्सबर्ग अदालत के चित्रकार के रूप में आर्किबेल्डो का लंबा काम था । श्रृंखला का चार भाग गर्मियों में कलाकार ने चार सत्रों में बनाए। सम्राट मैक्सिमिलियन द्वितीय के लिए चित्रित1573 में। यह एक ऐसा विषय था जिसे आर्किम्बोल्डो ने अपने करियर के दौरान कई बार चित्रित किया, और यह एक ऐसा था जो बेहद लोकप्रिय हुआ। उन्होंने पहली बार 1562 में फोर सीज़न्स की एक श्रृंखला को चित्रित किया , और फल और सब्जियों के संग्रह से एक सिर बनाने की उनकी कल्पनाशील अवधारणा को बड़े उत्साह के साथ प्राप्त किया गया था। मैक्सिमिलियन के लिए आर्किबोल्डो के दरबारी कर्तव्य चित्रकला तक ही सीमित नहीं थे - कलाकार को एक मंच डिजाइनर, एक वास्तुकार और एक इंजीनियर भी कहा जाता था। बाद में, सम्राट रूडोल्फ II के लिए काम करते हुए, उन पर सम्राट के संग्रह के लिए प्राचीन वस्तुओं और दुर्लभ ओबजेट्स डीआर्ट को खोजने का भी आरोप लगाया गया। आर्किबोल्डो की पेंटिंग पूरी तरह से वास्तविक प्रभाव पैदा करती हैं, और वे निश्चित रूप से अपने समय के सबसे कल्पनाशील और चतुराई से वंचित हैं। (तमसिन पिकरल)

  • मत्स्य पालन (सी। 1588)

    एनीबेल कार्रेकी बोलोग्ना क्षेत्र में पैदा हुए थे, और अपने भाई और चचेरे भाई के साथ, बोलोग्नीज़ स्कूल के प्रमुख चित्रकारों में से एक के रूप में पहचाने जाने लगे। वह एक विशेष रूप से कुशल ड्राफ्ट्समैन थे और सही ड्राइंग पर बहुत जोर देते थे, अक्सर जीवन से दृश्यों को चित्रित करते हुए और उन्हें एक काल्पनिक या आदर्श परिदृश्य में रखते थे। इस समय बोलोग्ना में विला सजावट के लिए शिकार और मछली पकड़ने के विषय लोकप्रिय थे। मछली पकड़ना , Carracci, हंटिंग के एक अन्य काम के लिए एक साथी के रूप में चित्रित किया गया थाउनके आयामों के आधार पर, दोनों को संभवतः एक घरेलू विला में दरवाजे पर लटकने के लिए डिज़ाइन किया गया था। कार्रासी के करियर में दोनों कामों को जल्दी चित्रित किया गया था, और 1584 में उनके रोम जाने से पहले, लेकिन वे पहले से ही कलाकार की अत्यधिक निपुण शैली दिखाते हैं। इस काम में उन्होंने एक पेंटिंग के भीतर कई अलग-अलग दृश्यों को संयोजित किया है और बड़ी चतुराई से अपनी रचना को तैयार किया है ताकि आंख को अग्रभूमि से प्रत्येक समूह के लोगों और पृष्ठभूमि में, बिना किसी विवरण के गायब कर दिया जाए। आंकड़े संभवतः प्रकृति से प्रत्यक्ष अध्ययन और फिर परिदृश्य के साथ संयुक्त थे। यह पेंटिंग पेचीदा है क्योंकि यह कार्रेसी को इशारा के अपने उपयोग को विकसित करते हुए दिखाती है, जो दाईं ओर इंगित आकृति में देखा गया है। कंवरिंग और आर्टिकुलेट जेस्चर का उपयोग कार्रेसी के विशेष कौशल में से एक था, जो बाद के बारोक के चित्रकारों को प्रभावित करता था। इसके अलावा स्पष्ट रूप से कैरासी का परिदृश्य का सम्मोहक उपयोग है, जो एक स्पष्ट पारभासी प्रकाश में खूबसूरती से बना है। (तमसिन पिकरल)

  • लाजर की स्थापना (सी। 1619)

    गियोवन्नी फ्रांसेस्को बारबेरिए, उपनाम गेलरिनो, इटली में फेरारा और बोलोग्ना के बीच सेंटो के छोटे से शहर में गरीबी में पैदा हुआ था। एक कलाकार के रूप में वह काफी हद तक स्व-सिखाया गया था। वह बोलोग्नीज़ स्कूल के प्रमुख चित्रकारों में से एक बन गए, उनकी मृत्यु पर गिडो रेनी के व्यस्त स्टूडियो को संभाला (विडंबना, क्योंकि खातों से संकेत मिलता है कि गेरिनो को रेनी द्वारा महत्वाकांक्षा के साथ माना जाता था)। अपने जीवनकाल के दौरान गेरिनो की शैली में काफी नाटकीय बदलाव आया, इस तरह के काम के साथ-साथ उनके करियर की शुरुआत में विपरीत रोशनी और अंधेरे के नाटकीय उपयोग के साथ एक अत्यधिक बैरोक दृष्टिकोण दिखा। बारोक चित्रों की विशिष्ट, रचना जटिल और नाटकीय हावभाव, ऊर्जा और भावना से भरी है। आंकड़े अग्रभूमि में भीड़ रहे हैं, लगभग एक भित्तिचित्र के भाग के रूप में, जबकि मध्य और पृष्ठभूमि लगभग अविवेकी हैं। यह तकनीक दर्शक को लगभग उसी स्थानिक विमान में रखती है जैसे पेंटिंग में आंकड़े, इस प्रकार एक शक्तिशाली भावनात्मक प्रतिक्रिया। घटना यीशु द्वारा उठाए गए मृत व्यक्ति लाजर की है। गुसेरिनो एक तीव्र तीव्रता और एक आध्यात्मिक उत्कटता के साथ दृश्य का अनुकरण करता है, जिसकी उसके काल में बहुत प्रशंसा हुई होगी। इस पेंटिंग को अंजाम देने से कुछ साल पहले गुएरिनो ने कलाकार से मुलाकात की थीलुडोविको कार्रेसी और कैरासी के रंग और भावनाओं को संभालने से प्रेरित था। कार्रेसी का प्रभाव ग्वारिनो के राइज़िंग ऑफ़ लाजर में विवेकी है , हालांकि यह कार्य पूरी तरह से शैली में अधिक ऊर्जावान है। एक विपुल और मांग के बाद कलाकार, Guercino एक अमीर आदमी मर गया। (तमसिन पिकरल)

  • सेंट जोसेफ द कारपेंटर (1635-40)

    जार्ज डे ला टूर के जीवन और कार्यों की कहानी गुदगुदाती है। हालाँकि उन्होंने अपने जीवनकाल में सफलता का आनंद उठाया, ला टूर को कई शताब्दियों के लिए भुला दिया गया - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उनके काम को फिर से खोजा गया। एक फ्रांसीसी चित्रकार, यह अक्सर दावा किया जाता है कि वह कारवागियो के चित्रों से प्रभावित था हालांकि, यह हो सकता है कि ला टूर कारवागियो के काम को नहीं जानता था और उसने स्वतंत्र रूप से एक मोमबत्ती से छाया और प्रकाश डाली के प्रभावों का पता लगाया था। एक भक्त रोमन कैथोलिक, ला टूर अक्सर धार्मिक दृश्यों को चित्रित करता है। मैरी मैग्डलीन के पश्चाताप के विषय के साथ-साथ इस मार्मिक दृश्य को चित्रित करते हुए वह कई बार लौटायूसुफ ने बढ़ई की दुकान में यीशु को पढ़ाया। शैली यथार्थवादी, विस्तृत और सावधानीपूर्वक नियोजित है - यीशु मोमबत्ती धारण करता है, क्योंकि ईसाई विश्वास में, वह दुनिया का प्रकाश है जो दुनिया के अंधेरे को रोशन करता है। (लुसिंडा हॉक्सले)

  • द क्लबफुट (1642)

    कुछ लोग नेपल्स के एक स्पष्ट रूप से विकलांग भिखारी की इस शैली की तस्वीर को देखने में विफल हो सकते हैं , जो उन्हें एक दांतेदार मुस्कराहट के साथ देख रहे हैं। स्पेनिश में जन्मे जोस डी रिबेराअपना अधिकांश करियर नेपल्स में बिताया, जो तब स्पेन द्वारा नियंत्रित था, और शहर का प्रमुख कलाकार बन गया। वह शायद एक नियति भिखारी लड़के को चित्रित करना चाहता था, क्योंकि उसे आम लोगों में बहुत रुचि थी। हालांकि, जिस तरह से उन्होंने परंपरा के साथ यथार्थवाद को मिश्रित किया है उसने कला को एक नई दिशा प्रदान की है। इस भिखारी पर जीवन मुस्कुराया नहीं है, लेकिन वह हंसमुख है। वह अपनी बैसाखी को अपने कंधे के ऊपर से घुमाता है और लापरवाही के बजाय लापरवाही से उस कागज को पकड़ता है जो उसे भीख मांगने की अनुमति देता है, जो उस समय नेपल्स में अनिवार्य था। यह लैटिन में पढ़ता है: "मुझे भगवान के प्यार के लिए भिक्षा दो।" एक गंदी साइड स्ट्रीट में क्राउचिंग दिखाए जाने के बजाय, वह एक शांत परिदृश्य के खिलाफ लंबा खड़ा है जो शास्त्रीय शैली में चित्रित ऐतिहासिक, पौराणिक और धार्मिक कार्यों को याद करता है। रिबेर उसे एक प्रभावशाली कद देता है, कम दृष्टिकोण, और एक मानवीय गरिमा से अधिक बना। उसका भिखारी लगभग थोड़ा राजकुमार हो सकता है। ढीला ब्रशवर्क परिदृश्य पर नरम हो जाता है, जिससे लड़का और भी अधिक बाहर खड़ा हो जाता है। रियलिज्म और मानवता के साथ लोगों के व्यक्तित्व की भावना को व्यक्त करने की राइबरा की क्षमता का पश्चिमी कला और विशेष रूप से स्पेनिश स्कूल पर काफी प्रभाव पड़ा। (एन के)

  • एक आंतरिक दृश्य ( चप्पल ) (1654–62)

    शमूएल वैन हुगस्ट्रेटन पोर्ट्रेट और अंदरूनी का एक कुशल चित्रकार था जो परिप्रेक्ष्य के सही उपयोग से चिंतित था। एक इंटीरियर का दृश्य , जिसे पारंपरिक रूप से चप्पल कहा जाता हैचित्र की गहराई को स्पष्ट करने के लिए डच टाइल वाले फर्श के कलाकार के विशिष्ट उपयोग की मिसाल देता है। यह चित्र के फ्रेम, दरवाजे के आवरण, और अंत में पेंटिंग के पीछे दो चित्रों द्वारा चिह्नित अलग-अलग आवर्ती चित्र विमानों द्वारा बल दिया गया है। अग्रभूमि में खुले दरवाजे का हिस्सा दिखाकर, कलाकार द्वार में दर्शकों को रखता है, जो पेंटिंग के भ्रामक प्रभाव को बढ़ाता है। हुगस्ट्रेटन के विषय को सूक्ष्म विवरणों के आधार पर प्रस्तुत किया गया है। छोड़ी गई झाड़ू, घर की चप्पलें और बंद किताब (पढ़ने में बाधा आ रही है) से संकेत मिलता है कि दृश्य से परे एक घटिया हिंसा हो रही है। पेंटिंग का धीरे-धीरे नैतिक रूप देने वाला स्वर वह था जिसे हूगस्ट्रेटन ने कई बार लौटाया। (तमसिन पिकरल)

  • पाइग्रिमेज टू साइथेरा (1717)

    1717 में जीन-एंटोनी वत्सु ने फ्रांसीसी अकादमी को अपने डिप्लोमा टुकड़े के रूप में यह चित्र प्रस्तुत किया यह उनके बेहतरीन काम के रूप में प्रशंसित था, और यह उभरती हुई रोकोको शैली पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव बन गया। विषय की शुरुआत एक मामूली नाटक के चित्रण के रूप में हुई। फ्लोरेंस डैनकोर्ट के लेस ट्रॉयस कजिन्स में, एक लड़की ने कोरस लाइन से एक तीर्थयात्री के रूप में कपड़े पहने और दर्शकों को अपने प्रेम के द्वीप साइथेरा की यात्रा पर जाने के लिए आमंत्रित किया, जहां हर कोई अपने आदर्श साथी से मिलेंगे। वट्टो के विषय का पहला संस्करण, 1709 के बारे में डेटिंग, एक बहुत ही शाब्दिक चित्रण था, लेकिन यहां उन्होंने नाटकीय ढांचे के साथ फैलाया है, और इस घटना को एक काल्पनिक, रोमांटिक कल्पना में बदल दिया है। गौरतलब है कि उन्होंने यात्रा की शुरुआत के बजाय अंत को चित्रित करने के लिए चुना है। प्रेमियों ने जोड़ी बनाई है और फूलों के साथ दाईं ओर शुक्र की मूर्ति को माला पहनाई है, और वे घर लौटने वाले हैं। इस क्षण पर ध्यान केंद्रित करके, कलाकार कोमल उदासी की हवा बनाने में सक्षम था जो उसके काम की इतनी विशेषता है। जबकि अधिकांश जोड़े छोड़ने के लिए तैयार कर रहे हैं, दो प्रेमी देवी के मंदिर से बने हुए हैं, प्यार से मंत्रमुग्ध और बाकी सब से अंधा। विदा होने वाली महिलाओं में से एक मुड़ जाती है और दुखी मन से उन्हें देखती है, जानती है कि प्यार का यह हिस्सा सबसे क्षणभंगुर है। वट्टो की मृत्यु के बाद, उनकी कला नाटकीय रूप से फैशन से बाहर हो गई। कई लोगों के लिए, अनाकार पलायन के उनके चित्रण राजशाही के पुराने दिनों के साथ बहुत करीब से लग रहे थे। क्रांतिकारी काल में, कला के छात्रों ने उनका उपयोग कियालक्ष्य अभ्यास के लिए साइथेरा , उस पर ब्रेड छर्रों को उछालना(इयान ज़ैकज़ेक)

  • Pierrot (पूर्व के रूप में जाना गाइल्स ) (सी। 1718-1719)

    यह उनके संक्षिप्त करियर में निर्मित जीन-एंटोनी वट्टू की आखिरी पेंटिंग में से एक है यह अपने दर्शकों को एक विस्मयकारी अभिव्यक्ति के साथ टकटकी लगाकर दिखाता है, जो कलाकार की उदासीन मनोदशा को प्रतिध्वनित कर सकता है। गाइल्स फ्रांस में एक मसखरे के लिए एक सामान्य नाम था, शायद 17 वीं शताब्दी के एक्रोबेट और कॉमेडियन गिल्स ले नियास से उपजा था। वट्टेउ के दिन तक, इस चरित्र और पिय्रोट के बीच काफी ओवरलैप था, कॉमेडिया डैल'अर्ट में अग्रणी जोकर, एक इतालवी थिएटर परंपरा जो फ्रांस में बेहद लोकप्रिय थी। दोनों शख्सियतों ने मासूम मूर्ख का किरदार निभाया जो दर्शकों का पसंदीदा बन गया- चार्ली चैपलिन और बस्टर कीटन का एक प्रोटोटाइप। यह चित्रकारीशायद एक नाटकीय साइनबोर्ड के रूप में उत्पादित किया गया था जो राहगीरों को एक शो में लुभाने के लिए डिज़ाइन किया गया था। यह Danaë के प्रीमियर के लिए बनाया गया हो सकता है , एक कॉमेडी जिसमें एक पात्र को एक गधे में बदल दिया गया था। वैकल्पिक रूप से, इसने मुख्य प्रदर्शन से पहले परेड , संक्षिप्त, कर्क रेखाचित्रों का विज्ञापन किया हो सकता है इनमें, एक गधे को अक्सर गिल्स की सरासर मूर्खता का प्रतीक बनाने के लिए मंच के पार ले जाया जाता था। वेट्टू ने इस मसखरे के एक छोटे संस्करण का इस्तेमाल द इटेलियन कॉमेडियन्स में एक मुख्य चित्र के रूप में किया , एक तस्वीर जो उसने अपने डॉक्टर के लिए 1720 में बनाई थी। दोनों ही मामलों में, गिल्स का भड़कीला चित्र एक इको होमो की याद दिलाता था("बीहोल्ड द मैन") पेंटिंग। इस लोकप्रिय धार्मिक विषय ने पैशन ऑफ़ क्राइस्ट में एक प्रसंग का चित्रण किया, जब पोंटियस पिलाट ने यीशु को लोगों के सामने प्रस्तुत किया, यह आशा करते हुए कि वे उसकी रिहाई के लिए कहेंगे। इसके बजाय, भीड़ ने उनके क्रूस पर चढ़ने का आह्वान किया। (इयान ज़ैकज़ेक)

  • ऑलिव्स की बोतल के साथ फिर भी जीवन (1760)

    पेरिस में जन्मे जीन-बैप्टिस्ट सिमोन चारडिन ने अपने पिता की इच्छा का विरोध करते हुए, एक कैबिनेट निर्माता, उनके नक्शेकदम पर चलने का विरोध किया और इसके बजाय पियरे-जैक्स कैज़ेस और नोएल के स्टूडियो में एक प्रशिक्षु बन गए - नोएल कॉयपेल1719 में। अपने पूरे जीवन में, चारदिन फ्रांसीसी अकादमी के एक निष्ठावान सदस्य बने रहे, लेकिन, उनकी सफलता के बावजूद, उन्हें प्रोफेसर बनने से रोका गया क्योंकि उन्हें "जानवरों और फलों के क्षेत्र में" एक चित्रकार के रूप में नामित किया गया था। अभी भी प्रारंभिक जीवन है जिसके लिए वह सबसे अच्छी तरह से जाना जाता है समय की एक छोटी सी जगह में पूरा किया गया था, जिस गति से उन्होंने अपनी उत्कृष्ट तकनीक हासिल की। यह अनुमान लगाया गया है कि 1732 से पहले उनके कुल उत्पादन का एक चौथाई उत्पादन किया गया था। उनकी शैली में बड़े पैमाने पर बनावट वाले ब्रशवर्क की विशेषता है, जो डच चित्रकला के लिए काफी कर्ज बकाया है, विशेष रूप से पेंट की हैंडलिंग में रेम्ब्रांट का प्रभाव। यह 18 वीं शताब्दी की फ्रांसीसी चित्रकला की अधिक परिचित शैली से उनके काम को अलग करता है। चारदीन ने सरल घरेलू दृश्यों और परिचित घरेलू वस्तुओं को चित्रित किया। हालाँकि,ऑलिव्स की बोतल के साथ फिर भी जीवन उनके संयमित मनोदशा, मधुर प्रकाश और रोजमर्रा की वस्तुओं और दृश्यों को जादुई आभा देने वाला अलौकिक यथार्थवाद है। यह कोई आश्चर्य की बात नहीं है कि उनके प्रशंसकों ने उन्हें "महान जादूगर" करार दिया। उनकी प्रतिभा अप्रभावित अभी तक सर्वोच्च तकनीकी कौशल के साथ पूर्णता के चित्रों का निर्माण करती है। (रोजर विल्सन)

  • द बोल्ट (सी। 1777)

    जीन-होनोरे फ्रैगनार्ड रोकोको शैली में अग्रणी चित्रकारों में से एक थे। 1789 की क्रांति तक जाने वाले वर्षों में फ्रांसीसी अदालत के जीवन की भव्यता को बढ़ाते हुए, उनके चित्र भयावह लेकिन कामुक थे। उनके समकालीनों के अनुसार, फ्रैगनार्ड को सबजेट लेजर्स (हल्के विषयों) के एक मास्टर के रूप में जाना जाता था ये विषय खुले तौर पर कामुक थे, लेकिन स्वाद और नाजुकता के साथ संभाला गया, जिसने उन्हें शाही सर्कल में भी स्वीकार्य बना दिया। वास्तव में, यह उस दिन के फैशन के बारे में संस्करणों को बोलता है जो इस चित्र को एक धार्मिक पेंटिंग के लिए एक साथी टुकड़े के रूप में कमीशन किया गया प्रतीत होता है। एक शुरुआती सूत्र के अनुसार, मार्क्विस डी वेरी ने कलाकार से संपर्क किया, जो फ्रैगनार्ड की दुर्लभ भक्ति छवियों में से एक के साथ-साथ घूमने के लिए एक चित्र की मांग कर रहा था- द एडवेंचर ऑफ द शेफर्ड्सआधुनिक आँखों के लिए, यह एक अजीब बात हो सकती है। आमतौर पर, कलाकारों ने इस विचार को एक ही चित्र में व्यक्त किया, लेकिन कभी-कभी उन्होंने ईव की पेंटिंग को वर्जिन मैरी से संबंधित विषय के साथ जोड़ा (जो अक्सर नई ईव के रूप में देखा जाता था)। यहां, सेब, जिसे मेज पर प्रमुखता से दिखाया गया है, ईव के गार्डन में ईव के प्रलोभन का एक पारंपरिक संदर्भ है। जब रोकोको शैली फैशन से बाहर जाने लगी थी, तब बोल्ट को चित्रित किया गया था, फिर भी नाटकीय प्रकाश व्यवस्था और उच्च स्तर के शो से पता चलता है कि फ्रैगनार्ड नियोक्लासिकल शैली के लिए अनुकूल था, जो प्रचलन में आ रहा था। (इयान ज़ैकज़ेक)

  • होराती की शपथ (1784)

    जैक्स-लुई डेविड यकीनन इतिहास के सबसे असाधारण राजनीतिक प्रचारक चित्रकार हैं। कोर्ट-चित्रकार नेपोलियन के लिए, जिसे हम सम्राट के मिथकीय व्यक्तित्व के बारे में जानते हैं और फ्रांसीसी क्रांति की आइकॉनोग्राफी डेविड के नाटकीय, अलंकारिक चित्रों से आती है। डेविड नियोक्लासिकल आर्ट मूवमेंट के जनक थे, जिन्होंने शास्त्रीय मिथकों और इतिहास को समकालीन राजनीति के अनुरूप दर्शाया था। होरति की शपथकहानी बताती है, रोमन इतिहासकार लिवी द्वारा 59 बीसीई के आसपास दर्ज की गई, दो परिवारों के बेटों में से, तीन होराती भाई और तीन कुरिआती भाई, जिन्होंने लगभग 669 ईसा पूर्व रोम और अल्बा के बीच युद्धों में लड़ाई लड़ी थी। पुरुषों को लड़ने की आवश्यकता होती है, लेकिन कुरावती परिवार की महिलाओं में से एक होराती भाइयों में से एक से विवाहित होती है, और कुरावती परिवार में एक होराती बहन को भाई से धोखा दिया जाता है। इन संबंधों के बावजूद, होराती अपने दु: खी बहनों के विलाप के बावजूद, कुरीति से लड़ने के लिए अपने बेटों को उकसाती हैं और उनका पालन करती हैं। उस क्षण को चित्रित करने में जब पुरुषों ने व्यक्तिगत उद्देश्यों पर राजनीतिक आदर्शों को चुना, डेविड ने दर्शकों से अपने स्वयं के राजनीतिक रूप से समय के दौरान इन लोगों को रोल मॉडल के रूप में मानने के लिए कहा। चित्रकला में यथार्थवाद का संबंध राजनीति में आदर्शवाद से था, जीवन से वास्तुकला की नकल करने के लिए डेविड ने रोम की यात्रा की। जब पेरिस में 1785 सैलून में पेंटिंग का प्रदर्शन किया गया, तो परिणाम बहुत बड़ी सफलता थी। डेविड की पेंटिंग अभी भी दर्शकों के साथ शक्तिशाली रूप से प्रतिध्वनित होती है क्योंकि उनके कौशल की ताकत उनके मजबूत विश्वासों को स्पष्ट करने के लिए पर्याप्त थी। (एना फनल होनिगमैन)

  • मैडम रेकेमियर (1800)

    इसे व्यापक रूप से जैक्स-लुई डेविड के बेहतरीन चित्र के रूप में स्वीकार किया जाता हैअपनी कृपा, सादगी और अर्थव्यवस्था के साथ इसे नियोक्लासिकल कला के सबसे सफल उदाहरणों में से एक माना जाता है। डेविड का मॉडल, जूलियट रेकेमियर, पेरिस समाज का प्रिय था। वह लियोन के एक अमीर बैंकर की पत्नी थी, हालांकि उसे अन्य पुरुषों के एक मेजबान की उपस्थिति प्राप्त हुई, जिनमें से सभी को मामूली रूप से फटकार लगाई गई थी। डेविड ने रेकेमियर की गुणी प्रतिष्ठा से प्रेरणा ली। अपने नंगे पैर, सफ़ेद पोशाक और प्राचीन सामान के साथ, वह बाद के दिन के वर्जिन कुंवारी जैसा दिखता है। यह मुद्रा द्वारा प्रबलित है। महिला की टकटकी स्पष्टवादी और प्रत्यक्ष है, लेकिन उसका शरीर दूर हो गया है, अप्रतिष्ठित है। चित्र सिटिंग सुचारू रूप से नहीं चला: जूलियट की लगातार असमानता से चित्रकार चिढ़ गया था, जबकि उसने कुछ कलात्मक स्वतंत्रता पर आपत्ति जताई थी। विशेष रूप से, उसने इस तथ्य पर नाराजगी जताई कि डेविड ने अपने बालों की छाया को हल्का कर दिया, क्योंकि यह उनकी रंग योजना के अनुरूप नहीं था। नतीजतन, उसने कलाकार के विद्यार्थियों में से एक से एक और चित्र बनाया। जब उन्हें इस बात का पता चला, तो डेविड ने जारी रखने से इनकार कर दिया। "मैडम," उन्होंने कहा है कि घोषित किया गया है, "महिलाओं के पास उनके कैपरीज़ हैं; इसलिए चित्रकार हैं। मुझे संतुष्ट करने की अनुमति दें। मैं आपके चित्र को इसकी वर्तमान स्थिति में रखूंगा। " यह निर्णय फायदेमंद हो सकता है, क्योंकि तस्वीर की गंभीर गंभीरता इसका बहुत असर देती है। दीपक और कुछ अन्य विवरण डेविड के छात्र द्वारा चित्रित किए गए हैं मैं आपके चित्र को इसकी वर्तमान स्थिति में रखूंगा। " यह निर्णय फायदेमंद हो सकता है, क्योंकि तस्वीर की गंभीर गंभीरता इसका बहुत असर देती है। दीपक और कुछ अन्य विवरण डेविड के छात्र द्वारा चित्रित किए गए हैं मैं आपके चित्र को इसकी वर्तमान स्थिति में रखूंगा। " यह निर्णय फायदेमंद हो सकता है, क्योंकि तस्वीर की गंभीर गंभीरता इसका बहुत असर देती है। दीपक और कुछ अन्य विवरण डेविड के छात्र द्वारा चित्रित किए गए हैंजीन-अगस्टे-डोमिनिक इंग्रेसउत्तरार्द्ध निश्चित रूप से तस्वीर से प्रभावित था, क्योंकि उसने अपने सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक, ला ग्रांडे ओडलीस्क के लिए रेकेमियर की मुद्रा उधार ली थी (इयान ज़ैकज़ेक)

  • बेथेर ( द वेलपिनकॉन बेथेर ) (1808)

    1801 में, जैक्स-लुई डेविड के तहत अध्ययन करने के बाद , फ्रांसीसी कलाकार जीन-अगस्टे-डोमिनिक इंग्रेस ने प्रतिष्ठित प्रिक्स डे रोम जीता। यह फ्रांस के अकादेमी रोयाले द्वारा सम्मानित किया गया था, जिन्होंने अपने सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को चार साल के लिए रोम जाने और अतीत के इतालवी मास्टर्स का अध्ययन करने के लिए भुगतान किया था। दुर्भाग्य से, फ्रांस की असफल अर्थव्यवस्था के कारण राज्य इस समय कलाकारों को इटली भेजने का जोखिम नहीं उठा सकता था। Ingres अंततः में 1808 रोम के पास गया Batherइटली में निष्पादित होने वाली इंगर्स की पहली पेंटिंग में से एक थी, और यद्यपि कलाकार महत्वपूर्ण पुनर्जागरण कला के सदियों से घिरा हुआ था, यह परंपरा के साथ टूट जाता है। अपने विषय की पहचान को प्रकट करने के बजाय, एंग्रेस ने अपने लगभग स्मारकीय विषय को दर्शकों से दूर का सामना करते हुए दिखाया है, जहां उसके धड़ को उसकी पीठ को खोलने के लिए थोड़ा मोड़ दिया गया है। यह दर्शक को चुनौती देने के बिना उसे प्रशंसा (और ऑब्जेक्टिफाई) करने की अनुमति देता है - वह गुमनाम, अनिर्धारित, उसका चरित्र अनिर्वचनीय रहता है। इंग्रिड्स के बाद के मादा जुराबों के कार्यों ने अक्सर अधिक ललाट पोज को अपनाया। यह ध्यान रखना दिलचस्प है कि इंग्रिड्स के सीमित पैलेट साग, क्रीम, और भूरे रंग के पर्दे के अंधेरे टोन से बाईं ओर पृष्ठभूमि के हल्के स्वर और दाईं ओर बेड कवर से बदलते हैं। स्नान के प्रतीकात्मक स्वरूप को प्रतिध्वनित करने के लिए स्वर का यह क्रम देखा जा सकता है, एक ऐसा कार्य जो किसी की आत्मा को शुद्ध और शुद्ध करता है: जैसा कि बैठनेवाला स्नान से दूर हो जाता है, वह सचेत हो जाता है और इसलिए अधिक शुद्ध होता है। (विलियम डेविस)

  • द मेड ऑफ़ द मेडुसा (1819)

    कुछ लोग इस पेंटिंग को देख सकते हैं और इसके जुनून और शक्ति से अभिभूत नहीं होना चाहिए। फ्रेंच रोमांटिकतावाद के प्रमुख प्रस्तावक थियोडोर गेरीकॉल्ट द्वारा चित्रित , इसे अब उस आंदोलन के परिभाषित बयान के रूप में देखा जाता है। रोमांटिकतावाद और भावना को बल देने के लिए रोमैंटिक ने शास्त्रीय 18 वीं सदी की कला से नाता तोड़ लिया। यह पेंटिंग विशेष रूप से दिलचस्प है क्योंकि यह क्लासिकवाद और स्वच्छंदतावाद को स्पष्ट रूप से पुल करता है। जब 1819 सैलून प्रदर्शनी में द रफ ऑफ़ द मेडुसा दिखाई दिया, तो इसने एक बड़े घोटाले को जन्म दिया, जिसने स्थापना को दहला दिया। यह दृश्य शिप्रेकेड फ्रैंच सरकार फ्रेजेट ला मेड्यूस की सच्ची कहानी बताता है, जिसके अक्षम कप्तान और अधिकारियों ने अपने लिए एकमात्र लाइफबोट ले ली और निराशा, बर्बरता, और नरभक्षण में डूबते हुए 150 चालक दल और यात्रियों को छोड़कर सभी को 15 एक चालक दल के यात्रियों को छोड़ दिया। समकालीन इतिहास (1816 में मलबे) से घबराए हुए एपिसोड को दिखाने के लिए गैरीकॉल्ट ने हिम्मत दिखाई, जो सभी शामिल लोगों पर बुरी तरह से परिलक्षित होता है, जो एक विशाल वीर इतिहास चित्रों से मिलता-जुलता है जो परंपरावादियों द्वारा बहुत पसंद किया जाता है। एक ओर, यहाँ यथार्थवाद का एक स्थूल स्तर है (गैरिकॉल्ट ने विवरणों को सही प्राप्त करने के लिए लाशों का अध्ययन किया), असाधारण रूप से ऊर्जावान ब्रशवर्क में घूमता आंदोलन और भावना को बढ़ाते हुए। दूसरी ओर, शरीर और पिरामिड के आकार की रचना शैली में शास्त्रीय हैं। नाराजगी के बावजूद, चित्र ने गैरीॉल्ट के लिए कलात्मक स्वीकृति प्राप्त की, और अन्य कलाकारों पर इसका बहुत प्रभाव पड़ा,यूजीन डेलाक्रोइक्स(एन के)

  • द डेथ ऑफ सरदानापालस (1827)

    अक्सर कहा जाता है कि फ्रांसीसी रोमांटिक्स में सबसे महान, यूजीन डेलाक्रोइक्स वास्तव में अपने समय का एक चित्रकार था। अपने दोस्त थियोडोर गेरीकॉल्ट की तरह , डेलैक्रिक्स ने अपने शुरुआती प्रशिक्षण से कुछ शास्त्रीय तत्वों को बनाए रखा, लेकिन एक साहसी ऊर्जा, रंग का एक समृद्ध, व्यक्तिवादी उपयोग और विदेशी का एक प्यार दिखाया, जिसने उसे एक राह दिखाने वाला बना दिया। विशाल कैनवास द डेथ ऑफ सरदानापालसजंगली आंदोलन और शानदार रंग के साथ इंद्रियों पर विस्फोट होता है, भयावह विदेशीता का एक तांडव। सारदानापालस चरम पतन के लिए एक स्वाद के साथ प्राचीन कथा का एक असीर शासक था। एक प्रमुख सैन्य हार की शर्म की प्रतिक्रिया में, सरदानापल्स ने एक बहुत बड़ी चिता बनाई, जिस पर उन्होंने अपने सभी महल के खजाने, मालकिन और गुलाम लोगों के साथ खुद को जला दिया। Delacroix इस तरह के क्रोनिक नाटक में प्रकाशित हुआ। ऐसा प्रतीत होता है कि उन्होंने यथार्थवादी दृष्टिकोण या रचनागत सामंजस्य के किसी भी प्रयास को छोड़ दिया है। विकृत शरीर और वस्तुएं एक बुरे सपने की दुनिया में घूमती हैं, जो गहन रंग और गर्म, अतिक्रमण करने वाली छाया से घुटी हुई हैं। चमकीले गहनों और समृद्ध वस्त्रों की विस्तृत पेंटिंग स्पष्ट रूप से चित्रित की जा रही असाधारण दुनिया को दर्शाती है, जबकि शांत टुकड़ी जिसके साथ सरदानापालस उसके चारों ओर तबाही का सर्वेक्षण करता है, एक भयावह मनोदशा पर हमला करता है। Delacroix मानव शरीर पर ग्रे और नीले टन के साथ प्रयोग करता है ताकि उनके शरीर के अपरंपरागत मॉडलिंग को आकार दिया जा सके। यह देखना आसान है कि उन्मत्त ऊर्जा और साहसिक रंग तकनीकों के साथ हिंसा की निर्बाध खोज कैसे हुई, बाद के कलाकारों के लिए संस्करणों की बात की। (एन के)

  • होमर deified ( होमर की Apotheosis ) (1827)

    जब तक होमर डिफाइड को चित्रित किया गया, तब तक जीन-अगस्टे-डोमिनिक इंग्रेस पारंपरिक, शास्त्रीय चित्रकला का एक स्वयंभू नेता था, जो यूजीन डेलाक्रोइक्स जैसे फ्रांसीसी रोमांटिक्स की प्रमुख कला के खिलाफ खुद को खड़ा करता था यह विशेष रूप से पेंटिंग शायद ही इंगर्स के शैक्षणिक दृष्टिकोण का एक बेहतर उदाहरण हो सकता है, और वास्तव में उन्होंने इसे क्लासिकिज़्म की प्रशंसा के एक भजन के रूप में इरादा किया था। हालाँकि उनका अधिक कामुक पक्ष था (उदाहरण के लिए, उनके द बाथेर ), यह पूरी तरह से यहाँ दबा दिया गया है। द एपोथोसिस ऑफ होमर के रूप में भी जाना जाता है , यह काम प्राचीन ग्रीस के प्रसिद्ध कवि को एक भगवान के रूप में दर्शाता है जिसे पौराणिक आकृति विजय द्वारा लॉरेल के साथ ताज पहनाया जाता है। अपने पैरों पर दो महिलाएं होमर के महान महाकाव्य कार्यों का प्रतिनिधित्व करती हैं,इलियड और द ओडिसीउसके आसपास साथी यूनानियों सहित प्राचीन और आधुनिक समय से कलात्मक दिग्गजों की एक भीड़ जुटती है: नाटककार एश्चिलस होमर के बचे हुए चर्मपत्र की पेशकश करता है, जबकि एथेनियन मूर्तिकार फिडियास दाईं ओर एक हथौड़ा रखता है। अधिक आधुनिक आंकड़े फ्रांस के 17 वीं शताब्दी के शास्त्रीय काल के कलाकारों का वर्चस्व हैं, जैसे नाटककार मोलियार और चित्रकार निकोलस पॉर्सिन। त्रिकोणीय, सममितीय संरचना शास्त्रीय आदर्शवाद को दर्शाती है, होमर ने प्राचीन रूप से एक प्राचीन मंदिर के खिलाफ अपना नाम रखा है। यह पेंटिंग खराब निर्माण के समय प्राप्त हुई थी। इंगर्स कुछ वर्षों के लिए रोम वापस चले गए, लेकिन उन्होंने 1840 के दशक में एक अग्रणी क्लासिकिस्ट के रूप में फिर से प्रशंसित होने के लिए वापसी की। यह एंगेल्स की पारंपरिकता को धिक्कारने के लिए फैशनेबल बन गया, लेकिन उन्हें अब काफी तकनीकी कौशल के एक प्रभावशाली कलाकार के रूप में देखा जाता है। (एन के)

  • लिबर्टी लीडिंग द पीपल (1830)

    यह काम 1827 से 1832 के बीच की अवधि का है, जिसके दौरान यूजीन डेलाक्रोइक्स थेएक के बाद एक कृति का निर्माण किया। यह कोई अपवाद नहीं है। जुलाई 1830 की क्रांति को चित्रित करने के लिए चित्रित किया गया, जिसने लुई-फिलिप को सत्ता में लाया, छवि क्रांति की भावना का प्रतीक है। इसने 1831 के पेरिस सैलून में सनसनी फैला दी, और, हालांकि लुई-फिलिप ने अपने परिग्रहण को चिह्नित करने के लिए काम खरीदा, उन्होंने इसे सार्वजनिक दृष्टिकोण से दूर रखा क्योंकि इसे संभावित रूप से भड़काऊ माना जाता था। तस्वीर बड़ी चतुराई से समकालीन रिपोर्ताज को एक स्मारक तरीके से रूपक के साथ जोड़ती है। स्थान और समय स्पष्ट है: नोट्रे डेम दूरी में दिखाई दे रहा है, और लोग अपनी कक्षा के अनुसार कपड़े पहने हुए हैं, जो साधारण लोगों की शक्ति का प्रतीक है। लिबर्टी की अलौकिक आकृति जो उस दृश्य को चित्रित करती है, उसके ऊपर उठाया गया तिरंगा, क्रोध का कारण बनता है क्योंकि आदर्श सौंदर्य को व्यक्त करने के बजाय, जीवंत ब्रशवर्क एक बहुत ही वास्तविक महिला को दिखाता है — आधी नग्न, गंदी, और लाशों पर इस तरह से कदम रखना जो यह सुझाव दे सकती हैं कि कैसे स्वतंत्रता अपने स्वयं के कुछ उत्पीड़न ला सकती है। यह पेंटिंग डेलाक्रोइक्स को उनके बाद के काम के अधिक वशीभूत दृष्टिकोण की ओर मुड़ते हुए भी दिखाती है, जिसमें उन्होंने वास्तविकता की भावना व्यक्त करने के लिए या सच्चाई को व्यक्त करने के लिए रंगों को एक दूसरे के बगल में काम करने के तरीकों में तेजी से सूक्ष्म रूप दिया। रंग का इस तरह का उपयोग प्रभाववादियों और आधुनिकतावादियों के बीच से आने के लिए काफी प्रभावशाली होगा जिसमें उन्होंने वास्तविकता की भावना व्यक्त करने या सच्चाई को व्यक्त करने के लिए एक दूसरे के बगल में काम करने के तरीकों में तेजी से सूक्ष्म फ़ोर बनाए। रंग का इस तरह का उपयोग प्रभाववादियों और आधुनिकतावादियों के बीच से आने के लिए काफी प्रभावशाली होगा जिसमें उन्होंने वास्तविकता की भावना व्यक्त करने या सच्चाई को व्यक्त करने के लिए एक दूसरे के बगल में काम करने के तरीकों में तेजी से सूक्ष्म फ़ोर बनाए। रंग का इस तरह का उपयोग प्रभाववादियों और आधुनिकतावादियों के बीच से आने के लिए काफी प्रभावशाली होगापियरे-अगस्टे रेनॉयर और जॉर्जेस सेरात से पाब्लो पिकासो(एन के)

  • लौवर के ग्रांडे गैलीरी का दृश्य (1841)

    एक सफल बुनकर व्यापारी, पैट्रिक एलन-फ्रेजर के बेटे ने अपने कलात्मक झुकाव को आगे बढ़ाने के पक्ष में अपने पिता को एक वाणिज्यिक कैरियर में पालन करने के अवसर को अस्वीकार कर दिया। अध्ययन एलन-फ्रेज़र को एडिनबर्ग, रोम, लंदन और अंत में पेरिस ले गए, जहां उन्होंने लौवर के भीतर शानदार ग्रांड गैलीरी का सामना किया। जब लौवर के ग्रांडे गैलीरी का दृश्य देखेंकलाकार ने अपनी प्रेरणा विक्टोरियन कलाकारों के एक समूह से ली, जिसे द क्लिक के नाम से जाना जाता है, जिसका उन्होंने लंदन में सामना किया था। क्लिक्स ने शैली चित्रकला के पक्ष में अकादमिक उच्च कला को खारिज कर दिया। एक मील के एक चौथाई हिस्से तक फैला हुआ प्रतीत होता है कि ग्रांडे गैलीरी, एक ऐसी जगह थी जहाँ कलाकारों और शिल्पकारों को अक्सर इकट्ठा किया जाता था, फिर भी यहाँ हम प्रशंसा और प्रतिबिंब के एक शांत वातावरण का सामना करते हैं। बाद के वर्षों में एलन-फ्रेजर ने खुद को ठीक इमारतों की बहाली और निर्माण में डुबो दिया, और यह काम करते समय ग्रैंड गैलारी के लिए उनकी प्रशंसा सर्वोपरि थी। प्रकाश की छिटपुट किरणें न केवल दर्शक को गतिविधि में टकटकी लगाने देती हैं बल्कि हॉल की भयावहता और भव्यता को भी प्रकट करती हैं। एलन-फ्रेजर को 1874 में रॉयल स्कॉटिश अकादमी के लिए चुना गया था, और उन्होंने द क्लिक के सदस्यों के चित्रों को कमीशन किया, उन लोगों के लिए, जिन्होंने उसे प्रेरित किया था। (साइमन ग्रे)

  • स्मारिका डी मोर्टोफोंटेन (1864)

    कैमिल कोरोट ने कलात्मक प्रशिक्षण को आगे बढ़ाने का निर्णय लेने से पहले एक कैरियर के रूप में अपना कैरियर शुरू किया। अपने पिता के समर्थन के साथ उन्होंने पहले एक्टिल एटना माइकेलन और फिर जीन-विक्टर बर्टिन के साथ अध्ययन किया, हालांकि बाद में कोरोट ने इनकार कर दिया कि उनके प्रशिक्षण ने उनकी कला को प्रभावित किया है। उन्होंने अपने पूरे जीवन में व्यापक रूप से यात्रा की, इटली में कई साल बिताए, स्विट्जरलैंड की खोज की और फ्रांसीसी देश के अधिकांश हिस्सों को कवर किया। अपनी यात्राओं में उन्होंने कई ऑयल स्केच और प्लेन एयर पेंटिंग बनाईं, जिन्होंने प्रकाश और वायुमंडल की छाप को कैप्चर किया; उन्होंने स्टूडियो के भीतर प्रदर्शनी शैली के चित्रों पर भी काम किया। स्मारिका डी मोर्टोफोंटेनउनके करियर के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक है। यह एक नरम, विसरित प्रकाश में नहाया हुआ है, और यह कलाकार की दुनिया की एक गीतात्मक और काव्यात्मक अस्मिता का प्रतीक है। दृश्य प्रकृति से नहीं लिया गया है, लेकिन यह प्राकृतिक सेटिंग के प्रमुख तत्वों को सही, सामंजस्यपूर्ण छवि बनाने के लिए जोड़ता है। अग्रभूमि में सुशोभित पेड़, अभी भी पीछे के पानी का विस्तार और शांत रंग नरम रंगों में उठाए गए रूपांकनों को अक्सर सुंदर, शांत प्रतिबिंब के काम को प्रस्तुत करने के लिए कलाकार द्वारा उपयोग किया जाता था। यथार्थवादी की तर्ज पर पहली बार काम करते हुए, कोरोट की शैली एक स्वप्नदोष, रोमांटिक धारणा को समाहित करने के लिए विकसित हुई। जैसे, उनके काम को रियलिस्टों और प्रभाववादियों के बीच एक पुल का कुछ माना जा सकता है, और वास्तव में उन्हें अक्सर प्रभाववाद के पिता के रूप में जाना जाता है।1890 के दशक के प्रारंभ में क्लाउड के मोनेट के दृश्य में सुबह के दृश्य चित्रित किए गए थे। (तमसिन पिकरल)

  • फ्लैगेलैशन ऑफ़ क्राइस्ट (1455-60)

    कैटेलोनिया की भूमि, जो बार्सिलोना शहर पर केंद्रित थी, ने 1400 के दशक में कला का एक महान स्वर्ण युग देखा, और इस पुनरुद्धार में सबसे आगे थे जैम हुगेटह्यूजेट को आश्चर्यजनक वेदीपियों के लिए प्रसिद्ध किया जाता है जो इस समय कैटलन स्कूल द्वारा उत्पादित सुंदर सजावटी धार्मिक कला को टाइप करते हैं। इस वेदी के केंद्र में, क्रूस पर चढ़ाने से मौत की सजा पाने से पहले मसीह को पीटा जा रहा था। वह शख्स जिसने सजा सुनाई थी- जुडिया के रोमन गवर्नर, पोंटियस पिलाटे- को दाईं ओर एक भव्य सिंहासन पर बैठाया गया है। हुगेट की छवि गहने रंग से भर गई है और फर्श टाइल्स से लेकर पिलाट के सिंहासन और कपड़ों तक, बारीक विवरण के साथ फूट रही है। रचना में एक अच्छी तरह से निर्मित समरूपता है: मसीह की केंद्रीय स्थिति, दो लोगों द्वारा पिटाई करते हुए और दो छोटे स्वर्गदूतों को अपने पैरों पर चढ़ाते हुए, पीछे की मंजिल की टाइलें, मसीह के पीछे मेहराब की पंक्ति और एक परिदृश्य का दूर का दृश्य। समान रूप से चोटियों का आकार। पूरा प्रभाव अत्यधिक सजावटी है, लगभग टेपेस्ट्री के एक टुकड़े की तरह। इस टुकड़े को बार्सिलोना कैथेड्रल के सेंट-मार्क चैपल के लिए शोमेकर्स के गिल्ड द्वारा कमीशन किया गया था, यही कारण है कि जूते सजावटी सीमा में दिखाई देते हैं। सीमाओं में क्रमशः एक ईगल, एक शेर, एक परी और एक बैल के चित्र हैं - जो कि इवेंजेलिस्ट सेंट जॉन, सेंट मार्क, सेंट मैथ्यू और सेंट ल्यूक के प्रतीक हैं। हुगेट का काम मोटे तौर पर 15 वीं शताब्दी के कैटलान मास्टर्स जैसे बर्नार्डो मार्टोरेल के सांचे में है, और उनकी व्यक्तिगत शैली ने कैटलन शैली को परिभाषित करने में मदद की। (एन के)

  • ओल्ड मैन विथ ए यंग बॉय (सी। 1490)

    डॉमेनिको घेरालैंडियो एक फ्लोरेंटाइन कलाकार थे जो अपने भित्ति चित्रों और चित्रों के लिए प्रसिद्ध थे। ओल्ड मैन विथ ए यंग बॉय उनकी सबसे अधिक पहचानी जाने वाली छवि है। स्टॉकहोम में राष्ट्रीय संग्रहालय में एक ड्राइंग इस बात का सबूत देती है कि घेरालैंडियो ने बूढ़े व्यक्ति की पढ़ाई की, जिसमें उसकी नाक पर त्वचा का दोष भी शामिल था। माना जाता है कि मुंहासे होने की स्थिति में मनुष्य को बिगड़े हुए रोग राइनोफिमा से पीड़ित होना पड़ता है। लेकिन पोर्ट्रेट का यथार्थवाद अपने समय के लिए असामान्य है। माना जाता है कि इस दोष को लियोनार्डो दा विंची ने प्रभावित किया थाअपने विषयों को चित्रित करने के लिए जैसे वे थे। इस दृश्य को दर्शक जरूर छूते हैं। बूढ़े आदमी की उम्र बढ़ने का सामना बच्चे की कोमल, युवा त्वचा से होता है। जैसे ही बच्चे का हाथ बूढ़े आदमी तक पहुँचता है, उनकी आँखें स्नेह के खुले प्रदर्शन में मिलती हैं। गर्म लाल इस प्यार भरे बंधन पर जोर देते हैं। (मैरी कूच)

  • द फॉर्च्यून टेलर (सी। 1508-10)

    लुकास वैन लेयर्ड की प्रमुख प्रसिद्धि एक उत्कीर्णक के रूप में उनके असाधारण कौशल पर टिकी हुई है, लेकिन वह एक निपुण चित्रकार भी थे जिन्हें पहली बार नीदरलैंड की शैली की पेंटिंग पेश करने के लिए श्रेय दिया गया था। लेडेन में जन्मे, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन बिताया, उन्होंने सोचा है कि उन्होंने अपने पिता के साथ और बाद में कॉर्नेलिस एंजेब्रचेत्स के साथ प्रशिक्षण लिया। उन्होंने 1521 में एंटवर्प की यात्रा की, जहाँ वे अल्ब्रेक्ट ड्यूरर से मिले , जिन्होंने इस घटना को अपनी डायरी में दर्ज किया। ड्यूरर के काम का उन पर सबसे अधिक प्रभाव दिखाई देता है, हालांकि वैन लेडेन ने व्यक्तिगत विषयों के चरित्र पर अधिक ध्यान केंद्रित करते हुए अपने विषयों को अधिक एनीमेशन के साथ संपर्क किया। भविष्यवक्ता,जो प्यार और खेल की घमंड के लिए एक संलयन है, वैन लेडन के करियर की शुरुआत में चित्रित किया गया था, लेकिन पहले से ही एक रंगकर्मी के रूप में उनकी ड्राफ्टमैनशिप और कौशल को दर्शाता है। यह चरित्र का एक अध्ययन है, जिसमें प्रत्येक व्यक्ति को जीवंत संवेदनशीलता के साथ चित्रित किया गया है। पृष्ठभूमि में अंधेरे-दाढ़ी वाला आदमी विशेष रूप से मनोरम है, अपने भेदी घूरने और भयावह उलटी गिनती के साथ जो कि भाग्य बताने वाले के आंकड़े के विपरीत है। तस्वीर की सतह को बड़े पैमाने पर पैटर्न दिया गया है, और फर और रेशम से ग्लास और मांस तक अलग-अलग बनावट, शानदार रूप से प्रस्तुत किए गए हैं। पिक्चर प्लेन के सामने रचना को धक्का देने से दर्शक को अन्य आकृतियों के बीच रखने का प्रभाव पड़ता है। वैन लेडेन अपने जीवनकाल के दौरान प्रसिद्ध थे, और हालांकि उनके पास कोई प्रत्यक्ष शिष्य नहीं था, उनका प्रभाव नीदरलैंड के कला के विकास पर गहरा था, शैली चित्रकला की डच परंपरा का मार्ग प्रशस्त करना। उनके काम पर भी असर पड़ता हैरेमब्रांड्ट(तमसिन पिकरल)

  • टाइटस और वेस्पासिया की विजय (सी। 1537)

    इस पेंटिंग के कलाकार जन्मे गिउलिओ पिप्पी को बाद में उनके जन्म के बाद गिउलिओ रोमानो के नाम से जाना जाने लगा छोटी उम्र में, वह राफेल के साथ अध्ययन करने गया, बाद में उनके मुख्य सहायक बनने और राफेल की मृत्यु पर उन्होंने कलाकार के कई काम पूरे किए। रोमनो की जीवंत पैलेट और बोल्ड आलंकारिक शैली उनके शिक्षक की सूक्ष्मता के विपरीत थी, लेकिन, सरासर कल्पना और परिप्रेक्ष्य के हेरफेर के माध्यम से प्राप्त नाटकीय भ्रम प्रभाव के संदर्भ में, रोमनो अपने क्षेत्र में अग्रणी था। अपनी चित्रमय उपलब्धियों के अलावा, कलाकार एक वास्तुकार और एक इंजीनियर भी थे। लगभग 1524 रोमानो को मंटुआ के शासक फ्रेडरिक गोंजागा द्वारा नियोजित किया गया था, और शहर के कुछ भवनों की डिजाइनिंग और पुनर्निर्माण के साथ-साथ कई सजावटी योजनाओं का निर्माण किया। टाइटस और वेस्पासिया की विजयगोंजागा द्वारा पलाज़ो डुकाले में सीज़र के कमरे के लिए कमीशन किया गया था। इसमें यहूदियों पर विजय के बाद रोम के माध्यम से सम्राट टाइटस परेडिंग को दर्शाया गया है। रचना रोम में प्राचीन आर्क ऑफ टाइटस के अंदर के एक दृश्य पर आधारित है, और यह मूल रूप से मूर्तिकला की गुणवत्ता को बनाए रखता है, विशेष रूप से रोमनो के स्पष्ट रथ के घोड़ों में। रोमनो के मैननरिस्ट हाथ में प्रदान किए गए शानदार रंगों और शास्त्रीय विषय ने इस काम को अपने समय में बहुत लोकप्रिय बना दिया। लैंडस्केप का उनका उपचार — जो खूबसूरती से विस्तृत है और झिलमिलाती पारदर्शी रोशनी में नहाया हुआ है- विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। (तमसिन पिकरल)

  • द सेंट एंड चाइल्ड विथ सेंट ऐनी (सी। 1510)

    लियोनार्डो दा विंची को मास्टर मूर्तिकार एंड्रिया डेल वेरोकियो के तहत प्रशिक्षु बनाया गया था , जिसके बाद उन्होंने फ्रांस और इटली के कुछ सबसे धनी संरक्षकों के लिए काम किया, जिसमें फ्रांस के राजा मिलान और वेटिकन के वेटेरन शामिल थे। वेरोचियो ने अपने प्रतिद्वंद्वियों के साथ प्रतिस्पर्धा करने के लिए पेंटिंग पर स्विच नहीं किया था जब लियोनार्डो अपनी कार्यशाला में थे, कुछ विद्वानों का मानना ​​है कि यह अनुमान है कि लियोनार्डो ने कभी ब्रश नहीं उठाया होगा। यद्यपि उनका जीवन और कार्य कला के इतिहास के लिए बहुत महत्वपूर्ण है, लेकिन आज उनके ऊदबिलाव में लगभग 20 सुरक्षित रूप से जिम्मेदार चित्र हैं। वर्जिन, उसकी मां ऐनी और शिशु यीशु, इस पेंटिंग का विषय, लियोनार्डो के सबसे लोकप्रिय विषयों में से एक हैं, जैसा कि कई चित्र और चित्रों द्वारा दर्शाया गया है। इनमें 1501 का खोया हुआ कार्टून और सेंट ऐनी और सेंट जॉन द बैप्टिस्ट के साथ वर्जिन एंड चाइल्ड (बर्लिगटन हाउस कार्टून के नाम से जाना जाता है। यह माना जा सकता है कि बाद वाला कार्टून एक बड़े, पूरी तरह से चित्रित काम में विकास के लिए था, लेकिन इस बात का कोई सबूत नहीं है कि इस तरह की पेंटिंग का कभी प्रयास किया गया था। हालांकि, हालांकि, वर्जिन मैरी सेंट एनी की गोद में आराम करती है, जबकि क्राइस्ट बच्चे ने एक युवा बलि भेड़ के बच्चे की हौसला अफजाई करते हुए, शिशु के भाग्य का पूर्वाभास किया। सेंट ऐनी के साथ वर्जिन और बाल के लिए एक छोटे पैमाने पर पेन-एंड-इंक ड्राइंगAccademia, वेनिस के संग्रह में मौजूद है। अनौपचारिक आसन और सिस्टर्स के बीच निविदा मनोवैज्ञानिक जुड़ाव धार्मिक चित्रकला में एक सर्वकालिक उच्च स्तर का है। (स्टीवन पुलिमूद)

  • कॉन्डोटिएरो (1475)

    एंटेलो दा मेसिना के सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक बन गया हैकलाकार को इटली के एक सैन्य नेता के रूप में दर्शाया गया है, जिसे एक संघ के रूप में जाना जाता है। (हालांकि, आदमी की असली पहचान अज्ञात है।) 19 वीं शताब्दी तक, इटली स्वतंत्र शहर राज्यों के एक समूह से बना था, और कोंडोटिएरी परस्पर विरोधी राज्यों के बीच लड़ाई में लड़ने की उच्च मांग में थे। एंटेलो अपने सितार के रैंक को प्रदर्शित करने में रुचि लेता है: वह मूल कपड़े और अच्छी मुद्रा के साथ हेडवियर में एक काले रंग की पृष्ठभूमि से पहले बैठा है, इस प्रकार एक साधारण योद्धा के ऊपर अपनी स्थिति को ऊंचा करता है। वास्तव में, एंटोनियो के विषय में शायद एक सज्जन व्यक्ति के करीब एक शीर्षक रखने के लिए धन था, और उसने अपने सामाजिक प्रतिष्ठा पर जोर देने के लिए इस चित्र को चालू किया होगा। हालांकि, एंटेलियो दर्शक को याद दिलाता है कि यह आदमी एक निर्दयी सेनानी है। Condottiero का घनिष्ठ निरीक्षणसीटर के ऊपरी होंठ पर युद्ध के घाव जैसे विवरण का पता चलता है। (विलियम डेविस)

  • मोना लिसा (सी। 1503–09)

    लियोनार्डो दा विंची ने टस्कन नोटरी के नाजायज बेटे के रूप में जीवन शुरू किया और वह यकीनन दुनिया का सबसे चर्चित चित्रकार बन गया। जिस दिन से उन्होंने लिखना और पेंटिंग करना शुरू किया, उसी दिन से विद्वानों और सार्वजनिक तौर पर लोगों के बीच मोह पैदा हो गया। वह दोषों और सीमाओं वाला व्यक्ति भी था। उनका जन्म विंची के पास एन्चियानो के टस्कन पहाड़ी शहर में हुआ था और वह एंड्रिया डेल वेरोचियो को प्रशिक्षु के रूप में प्रशिक्षित करने के लिए कम उम्र में फ्लोरेंस चले गए।दिन का एक प्रसिद्ध मूर्तिकार। उन शुरुआती पाठों से, लियोनार्डो ने त्रि-आयामी अंतरिक्ष की गहन प्रशंसा प्राप्त की, एक अवधारणा जिसने उन्हें अपने पूरे करियर में अच्छी तरह से सेवा दी, चाहे वह पौधों या मानव शरीर के कुछ हिस्सों, युद्ध मशीनों या सार्वजनिक पानी के कामों की पेंटिंग बना रही थी या ड्राइंग कर रही थी, गणितीय ज्यामिति या स्थानीय भूविज्ञान। इस पेंटिंग का नाम , जो 19 वीं शताब्दी तक उपयोग नहीं किया गया था, एक प्रारंभिक खाते से जियोर्जियो वासारी द्वारा व्युत्पन्न किया गया था , जो सिटर की एकमात्र पहचान भी प्रदान करता है। मोना लिसा, जिसे लिसा घेरार्दिनी के रूप में भी जाना जाता है, को उसके 20 के दशक के मध्य में चित्रित किया गया था क्योंकि उसने फ्रांसेस्को डेल जियोकॉन्डो नामक एक रेशम व्यापारी से शादी की थी, वह व्यक्ति जो चित्र बना सकता है। आज तक, इटालियंस उसे ला जियोकोंडा और फ्रेंच के रूप में जानते हैंला जोकॉन्डे , जिसका शाब्दिक अनुवाद " जोकुंड (या चंचल) एक" है। हाल के इतिहास में, पेंटिंग की प्रसिद्धि इस तथ्य से भी प्राप्त हो सकती है कि इसे 1911 में एक इतालवी राष्ट्रवादी द्वारा सनसनीखेज वारिस में पेरिस के लौवर से चुराया गया था लेकिन दो साल बाद शुक्र था। (स्टीवन पुलिमूद)

    [मोना लिसा इतनी प्रसिद्ध क्यों है के बारे में अधिक जानना चाहते हैं? ब्रिटानिका द्वारा इसे पढ़ें।]

  • दान (1518-1919)

    1518 में फ्रांस के फ्रांसिस प्रथम ने फ्लोरेंटाइन चित्रकार एंड्रिया डेल सार्तो को अपने फ्रांसीसी दरबार में बुलाया , जहां इतालवी कलाकार एक साल तक रहे थे। चैरिटी अपने फ्रांसीसी प्रवास से एकमात्र जीवित पेंटिंग है; यह Château d'Amboise के लिए चित्रित किया गया था। इस समय फ्रेंच राजघराने की ओर से बनाए गए चित्रों की खासियत है। इसमें उन बच्चों से घिरे चैरिटी के आंकड़े को दर्शाया गया है जिनका वह पालन-पोषण और सुरक्षा करती है। यह फ्रांसीसी शाही परिवार का एक रूपात्मक प्रतिनिधित्व था, और इसने डेफिन के जन्म का जश्न मनाया, जो कि बच्चे के चूसने का प्रतीक है, जबकि चैरिटी का आंकड़ा रानी के लिए कुछ समानता रखता है। इस प्रकार की पेंटिंग के लिए पारंपरिक रूप में पिरामिड की संरचना विशिष्ट है, और यह प्रभाव के प्रभाव का भी प्रतिबिंब हैएंड्रिया डेल सार्तो पर लियोनार्डो दा विंचीविशेष रूप से कलाकार ने सेंट एनी के साथ लियोनार्डो के द वर्जिन एंड चाइल्ड की प्रशंसा की (तमसिन पिकरल)

  • सेंट जॉर्ज की व्याख्या (सी। 1432-34)

    बर्नार्डो मार्टोरेल ने बार्सिलोना में काम किया था और संभवत: उस समय के सबसे विपुल कैटलन चित्रकार लुइस बोर्रासा द्वारा पढ़ाया जाता था। केवल एक जीवित कार्य का श्रेय निश्चित रूप से मार्टोरेल को दिया जाता है - सेंट पीटर ऑफ पबोल (1437) के अल्टारपीस को , जो इटली के गेरोना संग्रहालय में है। हालांकि, सेंट जॉर्ज के अल्टारपीस मार्टोरेल की शैली में इतने विशिष्ट हैं कि ज्यादातर विशेषज्ञों का मानना ​​है कि वह कलाकार थे। वेदरपीस को बार्सिलोना के पैलेस में सेंट जॉर्ज चैपल के लिए बनाया गया था। यह सेंट जॉर्ज को दिखाते हुए एक केंद्रीय पैनल से बना है , जो अब शिकागो के आर्ट इंस्टीट्यूट में स्थित है, और चार साइड पैनल हैं, जो फ्रांस में लौवर में हैं। यह साइड पैनलकथा का अंतिम भाग बनाता है, और इसमें सेंट जॉर्ज की शहादत को दर्शाया गया है। सेंट जॉर्ज की कथा कैसरिया के यूसेबियस द्वारा चौथी शताब्दी ईस्वी सन् में लिखी गई थी। वह एक महान जन्म के रोमन सैनिक थे, जिन्हें ईसाइयों के उत्पीड़न के खिलाफ विरोध करने के लिए 303 CE में मौत के घाट उतार दिया गया था। वह 10 वीं शताब्दी में विहित किया गया और सैनिकों का संरक्षक संत बन गया। सेंट जॉर्ज की किंवदंती पूरे मध्य युग में पूरे यूरोप में फैली हुई थी, और, हालांकि एक अजगर को मारने वाले संत की कहानी चमत्कारी से अधिक पौराणिक लगती है, यह कई मध्यकालीन चित्रों में सेवानिवृत्त है। किंवदंती के इस अंतिम दृश्य में, जैसा कि सेंट जॉर्ज का पतन होता है, बिजली एक लाल और सोने के आकाश से गिरती है। शैली अंतर्राष्ट्रीय गॉथिक हो सकती है, लेकिन भयावह चेहरे, घोड़ों को पालना, शरीर को लड़ना, और प्रकाश की विशेषज्ञ हैंडलिंग मार्टोरेल की है। (मैरी कूच)