Sekalaiset

29 maalausta, joissa voit vierailla vain Louvressa


  • Naisen muotokuva (3. vuosisata)

    Tämä sarkofagimuotokuva on peräisin Fayumin alueelta ja se on maalattu kreikkalais-roomalaisella kaudella. Sana Fayum viittaa erittäin hedelmälliseen alueeseen Kairosta lounaaseen. Se keskittyi Qaroun-järven ympärille, joka on kunnianhimoinen tekninen projekti, joka on peräisin 12. dynastiasta ja joka on rakennettu luonnolliseen laaksoon. Fayumin laakson kansa tuli Egyptistä, Kreikasta, Syyriasta, Libyasta ja muilta Rooman valtakunnan alueilta. He viljelivät satoja, mukaan lukien vehnä ja ohra; järven kalaa pidettiin suurena herkkuna kaikkialla Egyptissä; ja Amenemhet III : n vallan alla(12. dynastia), alueesta tuli kuuluisa vehreästä puutarhasta ja runsaista hedelmäpuista. Nykyään alue tunnetaan 1800- ja 1900-luvuilla löydettyjen papyrus-asiakirjojen lukumäärästä sekä arkeologien paljastamista lukuisista Fayumin muotokuvista. Näitä luonnollisen kokoisia muotokuvia käytettiin ilmeisesti kodien sisustamiseen sekä hautajaisiin. Enkooppinen tekniikka sisälsi vahan sulattamisen ja sekoittamisen pigmentin ja ehkä pellavansiemenöljyn tai -munan kanssa, minkä jälkeen se levitettiin maalina puulle tai pellavalle. Tämä maalattu muotokuvanäyttää yllättävän modernilta. Naisen selkeät silmät ja näkyvä nenä sekä taiteilijan huolellinen korujen kuvaus viittaavat siihen, että tämä maalattiin tunnistettavaksi muotokuvaksi. Taidehistorioitsijat luottavat Fayumin alueelle usein realististen muotokuvien syntymästä, ja monet tällä alueella paljastetut muotokuvat edustavat uraauurtavaa taiteellista kokeilua. (Lucinda Hawksley)

  • Kesä (1573)

    Giuseppe Arcimboldo oli erittäin menestyvä elinaikanaan, mutta kuolemansa jälkeen hänen työnsä meni nopeasti muodista, ja kiinnostus sitä herätti vasta 1800-luvun lopulla. Tyyliltään hänen fantastiset ja mielikuvitukselliset maalauksensa sopivat manieristisen taiteen suosittuun maailmaan. Tuomioistuimet kaikkialla Euroopassa 1500-luvulla suosivat erityisesti tämän tyyppistä nokkelaa ja taitavaa illuusionomaalausta, ja osoitus tästä oli Arcimboldon pitkä tehtävä maalarina Habsburgin hovissa vuosina 1562-1587. Kesä on osa Four Seasons -sarjaa , jonka taiteilija maalattu keisari Maximilian II: lleVuonna 1573. Arcimboldo maalasi tämän aiheen useita kertoja uransa aikana, ja siitä tuli erittäin suosittu. Hän maalasi ensimmäisen kerran Neljä vuodenaikaa -sarjan vuonna 1562, ja hänen mielikuvituksellinen konseptinsa pään luomisesta hedelmä- ja vihanneskokoelmasta otettiin vastaan ​​suurella innostuksella. Arcimboldon oikeudelliset tehtävät Maximilianille eivät rajoittuneet maalaamiseen - taiteilijaa kutsuttiin myös lavastajaksi, arkkitehdiksi ja insinööriksi. Myöhemmin, kun hän työskenteli keisari Rudolph II: n palveluksessa , häntä syytettiin myös antiikkiesineiden ja harvinaisten esineiden löytämisestä keisarin kokoelmaan. Arcimboldon maalaukset luovat täysin surrealistisen vaikutelman, ja ne ovat varmasti hänen aikansa mielikuvituksellisimpia ja taitavimpia. (Tamsin Pickeral)

  • Kalastus (noin 1588)

    Annibale Carracci syntyi Bolognan alueella, ja veljensä ja serkkunsa kanssa hänet tunnustettiin yhdeksi Bolognese-koulun johtavista maalareista. Hän oli erityisen ammattitaitoinen valmistelija ja painotti suuresti oikeaa piirustusta, kuvasi usein elämän kohtauksia ja sijoittamalla ne kuvitteelliseen tai idealisoituun maisemaan. Metsästyksen ja kalastuksen teemat olivat suosittuja huvilakoristeluissa Bolognassa tällä hetkellä. Kalastus maalattiin kumppanina teokselle Carracci, Hunting. Mittojensa perusteella molemmat on todennäköisesti suunniteltu ripustamaan kotitalon oviaukkojen yli. Kaksi teosta maalattiin Carraccin uran alkupuolella ja ennen hänen muuttoaan Roomaan vuonna 1584, mutta ne osoittavat jo taiteilijan erittäin onnistuneen tyylin. Tässä teoksessa hän on yhdistänyt useita erilaisia ​​kohtauksia yhden maalauksen sisällä ja suunnitellut taitavasti taitoa niin, että silmä johdetaan etualalta jokaiselle ihmisryhmälle ja taustalle, ilman yksityiskohtia. Luvut perustuivat todennäköisesti suoraan luonnosta tehtyihin tutkimuksiin ja yhdistettiin sitten maisemaan. Tämä maalaus on kiehtova, koska se osoittaa Carraccin kehittävän elekäyttöään, joka näkyy oikealla olevassa osoittavassa kuvassa. Vakuuttavan ja ilmaisevan eleen käyttö oli yksi Carraccin erityisistä taidoista, jotka vaikuttivat myöhempiin barokkikauden maalareihin. Selvää on myös Carraccin pakottava maiseman käyttö, joka on kauniisti sävytetty selkeään läpikuultavaan valoon. (Tamsin Pickeral)

  • Lasaruksen herättäminen (noin 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, lempinimeltään Il Guercino, syntyi köyhyydessä pienessä Centon kaupungissa Ferraran ja Bolognan välillä Italiassa. Hän oli suurelta osin itseoppinut taiteilijana. Hänestä tuli yksi Bolognese-koulun johtavista maalareista.Hän otti haltuunsa Guido Renin kiireisen studion. Guercinon tyyli muuttui melko dramaattisesti hänen elinaikanaan, ja tämän kaltaiset teot uransa alusta lähtien osoittivat erittäin barokkityylistä lähestymistapaa dramaattisilla kontrastivalojen ja tummien käytöllä. Barokkimaalauksille tyypillinen sävellys on monimutkainen ja täynnä dramaattisia eleitä, energiaa ja tunnetta. Luvut ovat täynnä etualaa, melkein kuin friisin osa, kun taas keskiosa ja tausta ovat käytännössä erottamattomia. Tämä tekniikka asettaa katsojan melkein samalle tilatasolle kuin maalauksen hahmot, mikä herättää voimakkaan tunnereaktion. Tapahtuma on se, että Jeesus herätti kuolleen miehen Lasarus. Guercino kyllästää kohtauksen sykkivällä voimalla ja hengellisellä kiihkeydellä, jota olisi ollut suuresti ihaillut hänen aikanaan. Muutama vuosi ennen tämän maalauksen toteuttamista Guercino oli tavannut taiteilijanLudovico Carracci ja innoittamana Carracci käsitteli värejä ja tunteita. Carraccin vaikutus on havaittavissa Guercinon teoksessa Razing of Lazarus , vaikka tämä teos onkin tyyliltään energisempi. Tuottava ja haluttu taiteilija Guercino kuoli rikkaaksi mieheksi. (Tamsin Pickeral)

  • Pyhä Joseph puuseppä (1635–40)

    Tarina Georges de La Tourin elämästä ja teoksista on hajanaisia. Vaikka hän nautti menestyksestä omassa elämässään, La Tour unohdettiin useita vuosisatoja - hänen työnsä löydettiin uudelleen 1900-luvun alussa. Ranskalainen taidemaalari, väitetään usein, että Caravaggion maalaukset vaikuttivat häneen . Voi kuitenkin olla, että La Tour ei tiennyt Caravaggion työtä ja että hän tutki itsenäisesti yhden kynttilän heittämän varjon ja valon vaikutuksia. Uskollinen roomalaiskatolinen La Tour maalasi usein uskonnollisia kohtauksia. Hän palasi useita kertoja Marian Magdaleenan katumuksen teemaan ja maalasi tämän koskettavan kohtauksenJoseph opetti Jeesusta puusepässä. Tyyli on realistinen, yksityiskohtainen ja huolellisesti suunniteltu - Jeesus pitää kynttilää, koska kristillisessä uskossa hän on maailman valo, joka valaisee maailman pimeyttä. (Lucinda Hawksley)

  • Tanssijalka (1642)

    Harvat ihmiset saattavat olla kiinnostumatta tästä genretiedostosta ilmeisesti vammaisesta Napolista kerjääjästä, joka katselee heitä röyhkeästi hampaalla virneellä. Espanjassa syntynyt José de Riberavietti suurimman osan urastaan ​​Napolissa, jota sitten hallitsi Espanja, ja hänestä tuli kaupungin johtava taiteilija. Hän aikoi luultavasti kuvata napolilaista kerjäläispoikaa, koska hän oli hyvin kiinnostunut tavallisista ihmisistä. Kuitenkin tapa, jolla hän on sekoittanut realismin perinteisiin, ilmoitti taiteelle uuden suunnan. Elämä ei ole hymyinyt tälle kerjäläiselle, mutta hän on iloisesti uhmakas. Hän kuljettaa kainalosauvansa rennosti olkapäänsä yli ja rennosti, eikä epätoivoisesti, ojentaa paperia, joka antaa hänelle luvan kerjätä, mikä oli pakollista Napolissa tuolloin. Se lukee latinaksi: "Anna minulle almuja Jumalan rakkaudesta." Sen sijaan, että hänet näytettäisiin kyykyssä likaisella sivukadulla, hän seisoo korkealla seesteisellä maisemalla, joka muistuttaa klassiseen tyyliin maalattuja historiallisia, mytologisia ja uskonnollisia teoksia. Ribera antaa hänelle vaikuttavan kasvun, matalasta näkökulmasta ja inhimillisestä arvosta. Hänen kerjäläinen voisi melkein olla pieni prinssi. Löysä harjaus pehmenee maisemassa, jolloin poika erottuu entistä enemmän. Riberan kyvyllä välittää ihmisten yksilöllisyyden tunne realismilla ja inhimillisyydellä oli suuri vaikutus länsimaiseen taiteeseen ja erityisesti espanjalaiseen kouluun. (Ann Kay)

  • Näkymä sisätiloihin ( Tossut ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten oli taitava muotokuvamaalari ja sisustus, joka oli kiinnostunut näkökulman oikeasta käytöstä. Näkymä sisätiloihin , perinteisesti nimeltään Tossut, on esimerkki taiteilijan tyypillisestä hollantilaisten laattalattian käytöstä korostamaan kuvan syvyyttä. Tätä korostavat erilliset taantuvat kuvatasot, jotka on merkitty kuvan kehyksellä, ovien koteloilla ja lopuksi maalauksen takana olevilla kahdella kuvalla. Näyttämällä osan avoimesta ovesta etualalla taiteilija sijoittaa katsojan oviaukkoon, mikä lisää maalauksen illusorista vaikutusta. Hoogstratenin aiheeseen viitataan hienovaraisilla yksityiskohdilla. Hylätty luuta, talon tossut ja suljettu kirja (lukeminen on keskeytetty) osoittavat, että rakkaudellinen yhteyshenkilö esiintyy aivan näkymän ulkopuolella. Hoogstraten palasi maalauksen lempeästi moralisoivaan sävyyn. (Tamsin Pickeral)

  • Pyhiinvaellusmatka Cytheraan (1717)

    Vuonna 1717 Jean-Antoine Watteau esitteli tämän kuvan Ranskan akatemialle tutkintotodistukseksi. Se ylistettiin hänen hienoimmaksi teoksekseen, ja siitä tuli keskeinen vaikutus syntyvään rokokoo-tyyliin. Kohde alkoi pienen näytelmän havainnollistamisena. Firenzessä Dancourtin Les Trois Cousines, pyhiinvaeltajaksi pukeutunut tyttö astuu kuorolinjalta ja kutsuu yleisön mukaan matkalle Cytheraan - rakkauden saarelle, jossa kaikki tapaavat ihanteellisen kumppaninsa. Watteaun ensimmäinen versio aiheesta, vuodelta 1709, oli hyvin kirjaimellinen kuvaus, mutta tässä hän on luopunut teatterikehyksestä ja muuttanut tapahtuman unelmoivaksi, romanttiseksi fantasiaksi. On merkittävää, että hän on päättänyt kuvata matkan loppua eikä alkua. Rakastajat ovat muodostaneet pariliitoksen ja seppeleet oikealla olevan Venuksen patsaan kukilla, ja he ovat palaamassa kotiin. Keskittymällä tähän hetkeen taiteilija pystyi luomaan lempeän melankolian ilman, joka on niin ominaista hänen työstään. Vaikka suurin osa pariskunnista valmistautuu lähtemään, kaksi rakastajaa on jäänyt jumalattaren pyhäkköön, rakkauden lumoama ja sokea kaikkeen muuhun. Yksi lähtevistä naisista kääntyy ja katselee heitä surullisesti tietäen, että tämä rakkauden osa on kaikkein ohikiitävin. Watteaun kuoleman jälkeen hänen taiteensa laski dramaattisesti muodista. Monille hänen kuvansa rakkaudellisista pakenemisista tuntui olevan liian läheisesti sidoksissa monarkian vanhoihin aikoihin. Vallankumouksen aikana taideopiskelijat käyttivät häntäCythera kohdeharjoitteluun , heittämällä siihen pellettejä. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (tunnettiin aiemmin nimellä Gilles ) (n. 1718–19)

    Tämä on yksi viimeisistä maalauksista, jotka Jean-Antoine Watteau tuotti lyhyen uransa aikana. Siinä näkyy klovni, joka katselee katsojaansa katsomattomalla ilmeellä, joka saattaa heijastaa taiteilijan melankolista tunnelmaa. Gilles oli yleisnimi klovnille Ranskassa, luultavasti peräisin 1600-luvun akrobaatista ja koomikosta Gilles le Niaisistä. Watteaun päivinä tämän hahmon ja Ranskassa erittäin suosittua italialaisen teatteriperinteen commedia dell'arte -nimisen pellon, Pierrotin välillä oli huomattava päällekkäisyys. Molemmat hahmot näyttivät viattoman hullun, josta tuli yleisön suosikki - Charlie Chaplinin ja Buster Keatonin prototyyppi. Tämä maalaustuotettiin todennäköisesti teatterikyltinä, joka on suunniteltu houkuttelemaan ohikulkijoita näyttelyyn. Se on ehkä luotu Danaë- ensi- iltaan , komediaan, jossa yksi hahmoista muutettiin aasiksi . Vaihtoehtoisesti se on saattanut mainostaa paraateja - lyhyitä, farsseja luonnoksia ennen pääesitystä. Näissä aasi johdettiin usein lavan yli symboloimaan Gillesin pelkkää tyhmyyttä. Watteau käytti pienempää versiota tästä klovnista italialaisten koomikoiden päähahmona , kuvan, jonka hän tuotti lääkärilleen noin vuonna 1720. Molemmissa tapauksissa Gillesin synkkä hahmo muistutti Ecce Homoa("Katso ihmistä") -maalaus. Tämä suosittu uskonnollinen teema kuvasi jaksoa Kristuksen kärsimyksessä, kun Pontius Pilatus esitteli Jeesuksen kansan edessä toivoen, että he vaativat hänen vapauttamistaan. Sen sijaan väkijoukko pyysi ristiinnaulitsemista. (Iain Zaczek)

  • Asetelma oliivipullon kanssa (1760)

    Pariisissa syntynyt Jean-Baptiste Siméon Chardin vastusti isänsä, kalusteen valmistajan, toiveita seurata hänen jalanjälkiä, ja hänestä tuli oppisopimus Pierre-Jacques Cazesin ja Noel- Noël Coypelin studiossa.Vuonna 1719. Chardin pysyi koko elämänsä ajan uskollisena Ranskan akatemian jäsenenä, mutta menestyksestään huolimatta häntä estettiin tulemasta professoriksi, koska hänet nimitettiin maalariksi "eläinten ja hedelmien alueella". Varhaiset asetelmat, joista hän tunnetaan parhaiten, valmistuivat lyhyessä ajassa, mikä osoittaa, kuinka nopeasti hän hankki mestarillisen tekniikkansa. On arvioitu, että neljännes hänen kokonaistuotannostaan ​​tuotettiin ennen vuotta 1732. Hänen tyylilleen on ominaista runsaasti kuvioitu harjaus, joka oli velkaa hollantilaiselle maalaukselle, etenkin Rembrandtin vaikutus maalin käsittelyyn. Tämä erottaa hänen työnsä 1700-luvun ranskalaisen maalauksen tutummasta tyylistä. Chardin maalasi yksinkertaisia ​​kodin kohtauksia ja tuttuja taloustavaroita. Kuitenkin,Asetelma oliivipullon kanssa on tyypillistä hänen hillitylle mielialalle, lempeälle valaistukselle ja oudolle realismille, joka antaa jokapäiväisille esineille ja kohtauksille maagisen auran. Ei ole mikään yllätys, että hänen ihailijansa kutsuvat häntä "suureksi taikuriksi". Hänen kykynsä oli tuottaa täydellisiä maalauksia, joihin ei kuitenkaan sisälly teknisiä taitoja. (Roger Wilson)

  • Pultti (noin 1777)

    Jean-Honoré Fragonard oli yksi rokokoo-tyylin johtavista maalareista. Hänen kuvansa olivat kevytmielisiä, mutta aistillisia, tyypillisiksi ranskalaisen hovielämän eleganssiksi vuoden 1789 vallankumousta edeltävinä vuosina . Hänen aikalaisilleen Fragonard tunnettiin ennen kaikkea sujets légersin mestarina . Nämä teemat olivat avoimesti eroottisia, mutta niitä käsiteltiin tietyllä maulla ja herkullisuudella, joka teki niistä hyväksyttäviä jopa kuninkaallisissa piireissä. Itse asiassa se puhuu paljon päivän muodista, että tämä kuva näyttää olevan tilattu kumppanina uskonnolliselle maalaukselle. Mukaan varhainen lähde, markiisi de Veri lähestyi taiteilija etsii kuvan ripustaa rinnalla yksi Fragonard harvinaisten hartaus images- Kuninkaiden Shepherds. Nykyaikaisille silmille tämä saattaa tuntua oudolta rinnakkaiselta, mutta Véri tarkoitti todennäköisesti yhdistelmän edustavan pyhää ja rienaavaa rakkautta - taiteellista teemaa, joka oli ollut suosittu renessanssin jälkeen. Yleensä taiteilijat välittivät tämän idean yhtenä kuvana, mutta joskus he parittivat Eevan maalauksen Neitsyt Mariaan (jota usein pidettiin uutena Eevana) liittyvän aiheen kanssa. Tässä omena, joka näkyy näkyvästi pöydällä, on tavanomainen viittaus Eevan kiusaukseen Eedenin puutarhassa. Pultti maalattiin, kun rokokoo-tyyli alkoi mennä muodista, mutta dramaattinen valaistus ja korkea viimeistely osoittavat, että Fragonard oli sopeutumassa muotiin tulleeseen uusklassiseen tyyliin. (Iain Zaczek)

  • Horatian vala (1784)

    Jacques-Louis David on epäilemättä historian poikkeuksellisin poliittinen propagandamaalari. Napoleonin hovimaalari, suuri osa siitä, mitä tiedämme keisarin myyttisestä persoonasta ja Ranskan vallankumouksen ikonografiasta, tulee Davidin teatterimaisista, allegorisista maalauksista. David oli uusklassisen taiteen liikkeen isä, joka kuvasi klassisia myyttejä ja historiaa analogisena nykypäivän politiikan kanssa. Horatian valakertoo tarinan, jonka roomalainen historioitsija Livy on tallentanut noin vuonna 59 eaa., kahden perheen pojista, kolmesta Horatii-veljestä ja kolmesta Curiatii-veljestä, jotka taistelivat Rooman ja Alban välisissä sodissa noin 669 eaa. Miehet joutuvat taistelemaan, mutta yksi Curiatii-perheen naisista on naimisissa yhden Horatii-veljen kanssa, ja yksi Horatii-sisko kihlataan Curiatii-perheen veljelle. Näistä siteistä huolimatta Horatii vanhempi kehottaa poikiaan taistelemaan Curiatieja vastaan, ja he tottelevat surunsa kärsineiden sisartensa valituksista huolimatta. Kuvatessaan hetkeä, jolloin miehet valitsivat poliittiset ihanteet henkilökohtaisten motiivien sijasta, David pyytää katsojia pitämään näitä miehiä roolimalleina oman poliittisesti myrskyisän aikanaan. Niin huolestunut maalauksen realismista kuin idealismista politiikassa, David matkusti Roomaan kopioidakseen arkkitehtuurin elämästä. Tulos oli valtava menestys, kun maalausta esiteltiin Pariisin vuoden 1785 salonissa. Davidin maalaukset resonoivat edelleen voimakkaasti katsojia, koska hänen taitonsa vahvuus oli riittävän merkittävä ilmaisemaan hänen vahvat uskomuksensa. (Ana Finel Honigman)

  • Rouva Récamier (1800)

    Tämä on laajalti tunnustettu Jacques-Louis David ’s hienoimmista muotokuva. Armonsa, yksinkertaisuutensa ja taloudellisuutensa ansiosta sitä pidetään myös yhtenä menestyksekkäimmistä uusklassisen taiteen esimerkkeistä. Davidin malli, Juliette Récamier, oli pariisilaisen yhteiskunnan kultaseni. Hän oli varakas lyonilaisten pankkiirin vaimo, vaikka hän sai huomionsa joukosta muita miehiä, jotka kaikki vastustivat vaatimattomasti. David sai inspiraation Récamierin hyveellisestä maineesta. Paljain jaloin, valkoisella mekolla ja antiikkiasusteilla hän muistuttaa viimeisen päivän neitsyt. Tätä vahvistaa asento. Naisen katse on suorapuheinen ja suora, mutta hänen ruumiinsa on kääntynyt pois, tavoitettavissa. Muotokuvaistunnot eivät sujuneet sujuvasti: Julietten jatkuva epätäsmällisyys ärsytti taidemaalaria, kun hän vastusti joitain taiteellisia vapauksia. Hän pahoitteli erityisesti sitä, että David vaalensi hiustensa sävyä, koska se ei sopinut hänen värimaailmaansa. Tämän seurauksena hän tilasi toisen muotokuvan yhdeltä taiteilijan oppilasta. Kun hän sai siitä tietää, David kieltäytyi jatkamasta. "Rouva", hänen sanotaan julistavan, "naisilla on kapriisi; niin myös maalarit. Anna minun tyydyttää minun. Pidän muotokuvasi nykytilassa. " Tämä päätös on voinut olla hyödyllinen, sillä kuvan vakava ankaruus antaa sille suuren osan vaikutuksestaan. Lampun ja joidenkin muiden yksityiskohtien sanotaan olevan Davidin opiskelijan maalama Pidän muotokuvasi nykytilassa. " Tämä päätös on voinut olla hyödyllinen, sillä kuvan vakava ankaruus antaa sille suuren osan vaikutuksestaan. Lampun ja joidenkin muiden yksityiskohtien sanotaan olevan Davidin opiskelijan maalama Pidän muotokuvasi nykytilassa. " Tämä päätös on voinut olla hyödyllinen, sillä kuvan vakava ankaruus antaa sille suuren osan vaikutuksestaan. Lampun ja joidenkin muiden yksityiskohtien sanotaan olevan Davidin opiskelijan maalamaJean-Auguste-Dominique Ingres . Kuvaan vaikutti jälkimmäinen varmasti, sillä hän lainasi Récamierin poseeraa yhdelle kuuluisimmista teoksistaan, La Grande Odalisquesta . (Iain Zaczek)

  • Uimari ( Valpinçon Bather ) (1808)

    Vuonna 1801, opiskellessaan Jacques-Louis Davidin johdolla , ranskalainen taiteilija Jean-Auguste-Dominique Ingres voitti arvostetun Rooman palkinnon. Tämän palkinnon myönsi ranskalainen Academie Royale, joka maksoi parhaiden taiteilijoidensa vierailusta Roomassa neljän vuoden ajan ja tutkia menneisyyden italialaisia ​​mestareita. Valitettavasti valtiolla ei ollut varaa lähettää taiteilijoita Italiaan tällä hetkellä Ranskan epäonnistuneen talouden takia. Ingres meni lopulta Roomaan vuonna 1808. Batheroli yksi Ingresin ensimmäisistä maalauksista, joka toteutettiin Italiassa, ja vaikka taiteilijaa ympäröi vuosisatojen tärkeä renessanssitaide, se rikkoo perinteitä. Sen sijaan, että paljastaisi kohteen henkilöllisyyden, Ingres on esittänyt melkein monumentaalisen kohteensa katsojaa vastapäätä vartalollaan, joka on hieman kiertynyt avaamaan hänen selkänsä. Tämän avulla katsoja voi ihailla (ja esineistää) uimaajaa haastamatta meitä - hän pysyy nimettömänä, määrittelemättömänä, hahmonsa salaamattomana. Ingresin myöhemmät naisalastustyöt omaksuivat usein enemmän frontal-asenteita. On mielenkiintoista huomata, että Ingresin rajallinen vihreiden, voiteiden ja ruskean paletti muuttuu verhon tummista sävyistä vasemmalla taustan ja sängyn peitteen vaalean sävyihin oikealla. Tämän sävyasteen voidaan nähdä vastaavan uimisen symbolista luonnetta, teko, joka puhdistaa ja puhdistaa sielunsa: kun istuja siirtyy pois kylpyammeesta, hänestä tulee valkoisempi ja siksi puhtaampi. (William Davies)

  • Medusan lautta (1819)

    Harvat ihmiset voisivat katsoa tätä maalausta, eikä sen intohimo ja voima ole ylenpalttisia. Ranskalaisen romantiikan päämiehen Théodore Géricaultin maalama se nähdään nyt liikkeen määrittelevänä lausuntona. Romantiikat erosivat klassisesta 1700-luvun taiteesta korostaakseen realismia ja tunteita. Tämä maalaus on erityisen mielenkiintoinen, koska se yhdistää niin selvästi klassismin ja romantiikan. Kun Medusan lautta ilmestyi Salon-näyttelyssä vuonna 1819, se aiheutti suuren skandaalin, joka kauhistutti laitosta. Kohtaus kertoo todellisen tarinan haaksirikkoutuneesta Ranskan hallituksen fregatista La Méduse, jonka epäpätevä kapteeni ja upseerit ottivat ainoat pelastusveneet itselleen ja jättivät kaikki paitsi 150 miehistöstä ja matkustajasta hukkuun väliaikaisella lautalla, uppoutuen epätoivoon, raivoihin ja kannibalismiin. Géricault uskalsi näyttää ikävän, häiritsevän jakson nykyhistoriasta (hylky tapahtui vuonna 1816), joka heijastui huonosti kaikkiin asianosaisiin tavalla, joka muistutti valtavia sankarihistoriallisia maalauksia, joita perinteisijät rakastivat. Toisaalta täällä on makabreista realismitasoa (Géricault tutki ruumiita saadakseen yksityiskohdat oikein), poikkeuksellisen energinen harjaus korosti pyörteistä liikettä ja tunteita. Toisaalta rungot ja pyramidin muotoinen koostumus ovat tyyliltään klassisia. Häirinnästä huolimatta kuva sai Géricaultille taiteellisen hyväksynnän, ja sillä oli valtava vaikutus muihin taiteilijoihin,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Sardanapaloksen kuolema (1827)

    Eugène Delacroix, jota sanotaan usein suurimmaksi ranskalaisista romantikoista, oli aikansa taidemaalari. Kuten hänen ystävänsä Théodore Géricault , Delacroix säilytti tietyt klassiset elementit varhaisesta koulutuksestaan, mutta osoitti rohkeaa energiaa, rikkaan, individualistisen värinkäytön ja rakkauden eksoottiseen, mikä teki hänestä edelläkävijän. Massiivinen kangas Sardanapalusin kuolemaräjähtää aisteille villillä liikkeillä ja runsas värillä, lempeän eksoottisuuden orgia. Sardanapalus oli antiikin legendan assyrialainen hallitsija, joka maistui äärimmäisestä dekadenssista. Vastauksena suuren sotilaallisen tappion häpeään Sardanapalus teki valtavan pyreän, jolla poltti itsensä kuoliaaksi yhdessä kaikkien palatsin aarteiden, rakastajatarien ja orjuutettujen kanssa. Delacroix nautti tällaisesta Byronic-draamasta. Hän näyttää hylänneen kaikki yritykset realistiseen perspektiiviin tai sävellyksen johdonmukaisuuteen. Vääristyneet kappaleet ja esineet pyörivät painajaismaailmassa, joka on tukahdutettu voimakkailla väreillä ja kuumalla, tunkeutuvalla varjoilla. Kimaltelevien jalokivien ja rikkaiden kankaiden yksityiskohtainen maalaus välittää selvästi kuviteltavan ekstravagantin maailman, kun taas viileä irtoaminen, jolla Sardanapalus tutkii ympärillään olevaa sekasortoa, on synkkä. Delacroix kokeilee harmaita ja sinisiä sävyjä ihmisen iholla saadakseen muodon hänen epätavanomaiselle ruumiinsa mallinnukselle. On helppo nähdä, kuinka väkivallan estämätön etsintä sekä kiihkeä energia ja rohkeat väritystekniikat puhuivat myöhemmille taiteilijoille. (Ann Kay)

  • Homeroitunut ( Homeroksen apoteoosi ) (1827)

    Siihen aikaan, kun Homer Deified maalattiin, Jean-Auguste-Dominique Ingres oli itse julistautunut perinteisen, klassisen maalauksen johtaja, vastaten itseään ranskalaisten romantikkojen, kuten Eugène Delacroixin, itsepäiseen taiteeseen . Tämä maalaus tuskin voisi olla parempi esimerkki Ingresin akateemisesta lähestymistavasta, ja itse asiassa hän tarkoitti sitä ylistyslauluna klassismiolle. Vaikka hänellä oli aistillisempi puoli (esimerkiksi hänen The Bather ), se on tukahdutettu täällä täysin. Tämä työ tunnetaan myös nimellä Homeroksen apoteoosi, ja se näyttää antiikin Kreikan kuuluisan runoilijan jumalasta, jota mytologinen hahmo Victory kruunaa laakereilla. Kaksi naista hänen jalkansa edustavat Homerin suuria eeppisiä teoksia,Iliad ja Odysseia. Hänen ympärillään on joukko ihailevää joukkoa muinaisista ja moderneista ajoista, mukaan lukien kreikkalaiset: dramatisti Aeschylus tarjoaa pergamentin Homeroksen vasemmalta, kun taas ateenalainen kuvanveistäjä Phidias ojensi vasemman oikealla. Nykyaikaisempia henkilöitä hallitsevat Ranskan 1600-luvun klassisen ajan taiteilijat, kuten näytelmäkirjailija Molière ja taidemaalari Nicolas Poussin. Kolmion muotoinen, symmetrinen sävellys henkii klassista idealismia, ja Homer asetetaan keskelle hänen nimeään kantavaa antiikkitemppeliä. Tämä maalaus otettiin huonosti vastaan ​​sen luomisen yhteydessä. Ingres vetäytyi Roomaan muutamaksi vuodeksi, mutta hän palasi 1840-luvulla arvostetuksi johtavaksi klassikoksi. Ingresin perinteisyyden kiroamisesta tuli muodikasta, mutta hänet pidetään nyt erittäin vaikutusvaltaisena taiteilijana, jolla on huomattava tekninen taito. (Ann Kay)

  • Vapaus johtaa kansaa (1830)

    Tämä työ kuuluu ajanjaksoon 1827-1832, jonka aikana Eugène Delacroixtuotti yhden mestariteoksen toisensa jälkeen. Tämä ei ole poikkeus. Maalattu muistoksi heinäkuun 1830 vallankumoukselle, joka toi Louis-Philippeen valtaan, kuva on tullut symboloimaan vallankumouksen henkeä. Se aiheutti sensaation Pariisin salongissa vuonna 1831, ja vaikka Louis-Philippe osti teoksen liittymisensä kunniaksi, hän piti sen poissa yleisön näkökulmasta, koska sen katsottiin olevan mahdollisesti tulehduksellinen. Kuva yhdistää taitavasti nykyaikaisen raportin ja allegorian monumentaalisesti. Paikka ja aika ovat selvät: Notre Dame näkyy etäisyydellä, ja ihmiset pukeutuvat luokansa mukaan, oikealla oleva pörröinen poika symboloi tavallisten ihmisten voimaa. Kohtauksen parhaiten ohjaava Libertyn allegorinen hahmo, hänen yläpuolelle nostettu kolmivärinen, aiheutti suuttumusta, koska idealisoidun kauneuden sijasta elinvoimainen harjaus näyttää hyvin todellisen naisen - puolialasti, likainen ja astumassa ruumiiden yli tavalla, joka saattaa ehdottaa, kuinka vapaus voisi saada aikaan jonkinlaista omaa sortoa. Tämä maalaus osoittaa myös Delacroixin kääntyvän myöhemmän työnsä hillittyyn lähestymistapaan, jossa hän teki yhä hienovaraisempia otteita tavoista, joilla värit työskentelivät vierekkäin todellisuuden tunteen välittämiseksi tai totuuksien ilmaisemiseksi. Tällainen värin käyttö olisi valtavan vaikutusvaltainen tulevien impressionistien ja modernistien keskuudessa jossa hän teki yhä hienovaraisempia kokeiluja tapoihin, joilla värit työskentelivät vierekkäin todellisuuden tunteen välittämiseksi tai totuuksien ilmaisemiseksi. Tällainen värin käyttö olisi valtavan vaikutusvaltainen tulevien impressionistien ja modernistien keskuudessa jossa hän teki yhä hienovaraisempia kokeiluja tapoihin, joilla värit työskentelivät vierekkäin todellisuuden tunteen välittämiseksi tai totuuksien ilmaisemiseksi. Tällainen värin käyttö olisi valtavan vaikutusvaltainen tulevien impressionistien ja modernistien keskuudessaPierre-Auguste Renoir ja Georges Seurat ja Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Näkymä Louvren Grande-galleriaan (1841)

    Menestyksekkään kudontakauppiaan poika Patrick Allan-Fraser hylkäsi mahdollisuuden seurata isäänsä kaupalliseen uralle taiteellisten taipumustensa puolesta. Opinnot veivät Allan-Fraserin Edinburghiin, Roomaan, Lontooseen ja lopulta Pariisiin, jossa hän kohtasi upean Grande Galerien Louvressa. Maalattaessa näkymä Louvren Grande Galerie -kadulle, taiteilija sai inspiraationsa joukosta viktoriaanisia taiteilijoita, joita kutsutaan nimellä The Clique, jotka hän oli tavannut Lontoossa. Clique hylkäsi akateemisen korkean taiteen tyylilajimaalauksen hyväksi. Näennäisesti ääretön Grande Galerie, joka ulottui neljänneksen mailin päähän, oli paikka, johon taiteilijat ja käsityöläiset kokoontuivat usein, mutta täällä kohtaamme rauhallisen arvostuksen ja pohdinnan ilmapiirin. Myöhempinä vuosina Allan-Fraser uppoutui hienojen rakennusten restaurointiin ja rakentamiseen, ja hänen ihailunsa Grande Galeriasta oli ensiarvoisen tärkeää tätä toteutettaessa. Satunnaiset valonsäteet antavat katsojan paitsi katsella sisällä tapahtuvaa toimintaa, myös paljastavat salin suuruuden ja tyylikkyyden. Allan-Fraser valittiin Skotlannin kuninkaalliseen akatemiaan vuonna 1874, ja hän tilasi The Cliquen jäsenten muotokuvia, kunnioittavasti niitä, jotka olivat innoittaneet häntä. (Simon Gray)

  • Matkamuisto de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot aloitti uransa draperina ennen kuin päätti jatkaa taiteellista koulutusta. Isänsä tuella hän opiskeli ensin Achille Etna Michallonin ja sitten Jean-Victor Bertinin luona, vaikka Corot kielsi myöhemmin, että hänen koulutuksensa olisi vaikuttanut hänen taiteeseensa. Hän matkusti laajalti koko elämänsä ajan, vietti useita vuosia Italiassa, tutustui Sveitsiin ja kattoi suuren osan Ranskan maaseudusta. Matkoillaan hän teki lukuisia öljy-luonnoksia ja plein air -maalauksia, jotka vangitsivat valon ja ilmakehän välittömyyden; hän työskenteli myös näyttelytyylisten maalausten parissa studiossa. Matkamuisto de Mortefontaineon yksi hänen myöhäisen uransa parhaista maalauksista. Se on kylpeä pehmeässä, hajavalossa, ja se on täydellisen rauhallisuuden teos, taiteilijan maailman lyyrisen ja runollisen sulautumisen ruumiillistuma. Kohtaus ei ole otettu luonnosta, mutta siinä yhdistyvät luonnonympäristön keskeiset elementit täydellisen, harmonisen kuvan luomiseksi. Etualalla oleva siro puu, takana olevan seisovan veden laajuus ja hiljaiset hahmot, jotka on poimittu pehmeällä värillä, olivat taiteilijan usein käyttämiä aiheita, jotta he tekisivät kauniin, hiljaisen heijastuksen. Aluksi realistien tapaan Corotin tyyli kehittyi kattamaan unenomainen, romanttinen käsitys. Sellaisena hänen työtään voidaan pitää siltana realistien ja impressionistien välillä, ja todellakin häntä kutsutaan usein impressionismin isäksi.1890-luvulla maalatut Claude Monet'n näkymät Seine-alueelle varhain aamuvalossa. (Tamsin Pickeral)

  • Kristuksen lippu (1455–60)

    Katalonian mailla, jotka keskittyivät Barcelonan kaupunkiin, oli taiteen suuri kulta-aika 1400-luvulla, ja tämän herätyksen eturintamassa oli Jaume Huguet . Huguet on kuuluisa upeista alttaritauluista, jotka ovat tyypillisiä Katalonian koulun tällä hetkellä tuottamalle kauniisti koristeelliselle uskonnolliselle taiteelle. Tämän alttaritaulun keskellä, Kristusta lyödään ennen ristiinnaulitsemisen tuomitsemista. Tuomion antanut mies - Juudean roomalainen kuvernööri Pontius Pilatus - istuu suurella valtaistuimella oikealle. Huguetin kuva on täynnä jalokivivärejä ja täynnä hienoja yksityiskohtia lattialaatoista Pilatuksen valtaistuimeen ja vaatteisiin. Sävellyksessä on hyvin rakennettu symmetria: Kristuksen keskeinen asema, jota reunustavat kaksi miestä jakavaa lyöntiä ja kaksi pientä enkeliä hänen jalkojensa edessä, vetäytyvät lattialaatat, kaarisarja Kristuksen takana ja etäinen näkymä maisemaan tasakokoiset huiput. Koko vaikutus on erittäin koristeellinen, melkein kuin kuvakudos. Tämän kappaleen tilasi suutarien kilta Barcelonan katedraalin Saint-Marc-kappelille, minkä vuoksi kengät näkyvät koristeellisella reunalla. Rajoilla on myös kuvia kotkasta, leijonasta, enkelistä ja härästä - evankelistien Pyhän Johanneksen, Pyhän Markuksen, Pyhän Matteuksen ja Pyhän Luukkaan symboleista. Huguetin työ on pitkälti 1400-luvun katalonialaisten mestareiden, kuten Bernardo Martorellin, muotoja, ja hänen henkilökohtainen tyylinsä auttoi määrittelemään katalonialaisen tyylin. (Ann Kay)

  • Vanha mies nuoren pojan kanssa (noin 1490)

    Domenico Ghirlandaio oli firenzeläinen taiteilija, joka tunnetaan freskoistaan ​​ja muotokuvistaan. Vanha mies, jolla on nuori poika, on hänen tunnetuin kuvansa. Tukholman kansallismuseon piirustus antaa todisteita siitä, että Ghirlandaio on tutkinut vanhaa miestä, mukaan lukien nenän ihovauriot. Miehen uskotaan kärsineen vääristävästä rhinophymasta aknen rosacean seurauksena. Mutta muotokuvan realismi on aikansa suhteen epätavallinen. Ghirlandaion mukaan tämä vika on vaikuttanut myöhempiin taiteilijoihin, kuten Leonardo da Vinci, maalata aiheensa sellaisenaan. Katsoja on varmasti koskettanut tätä kohtausta. Vanhan miehen ikääntyvät kasvot eroavat lapsen pehmeästä, nuoresta ihosta. Kun lapsen käsi tavoittaa vanhan miehen, heidän silmänsä kohtaavat avoimessa kiintymyksessä. Lämpimät punaiset korostavat tätä rakastavaa sidosta. (Mary Cooch)

  • Ennustaja (c. 1508-10)

    Lucas van Leydenin tärkein maine perustuu hänen poikkeuksellisiin taitoihin kaivertajana, mutta hän oli myös taitava taidemaalari, joka tunnusti ensimmäisten joukossa hollantilaisen genre-maalauksen käyttöönoton. Syntynyt Leidenissä, jossa hän vietti suurimman osan elämästään, hänen uskotaan harjoittaneen isänsä ja myöhemmin Cornelis Engebrechtszin kanssa. Hän matkusti Antwerpeniin vuonna 1521, missä tapasi Albrecht Dürerin , joka kirjasi tapahtuman päiväkirjaansa. Dürerin työ näyttää vaikuttaneen eniten häneen, vaikka van Leyden lähestyi aiheitaan suuremmalla animaatiolla keskittyen enemmän yksittäisten hahmojen luonteeseen. Ennustaja,joka on vihje rakkauden ja pelien turhamaisuudesta, maalattiin van Leydenin uran alkupuolella, mutta se osoittaa jo hänen luonnoksensa ja taitonsa värinä. Se on luonteen tutkimus, jossa jokainen yksilö on kuvattu vilkkaalla herkkyydellä. Taustalla oleva tumman partainen mies on erityisen kiehtova, lävistävän tuijotuksensa ja synkän kasvonsa vastakohtana ennustajan vaalealle hahmolle. Kuvan pinta on runsaasti kuvioitu, ja erilaiset tekstuurit turkista ja silkistä lasiin ja lihaan ovat loistavasti renderöityjä. Sommittelun työntäminen kuvatason eteen johtaa katsojan sijoittamiseen muiden kuvien joukkoon. Van Leyden oli kuuluisa elinaikanaan, ja vaikka hänellä ei ollut suoria oppilaita, hänen vaikutuksensa oli syvällinen hollantilaisen taiteen kehitykseen, pohjustaa tietä hollantilaiselle tyylilajimaalaukselle. Hänen työnsä uskotaan myös vaikuttaneenRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Tiitus ja Vespasia (noin 1537)

    Syntynyt Giulio Pipi, tämän maalauksen taiteilija tunnettiin myöhemmin nimellä Giulio Romano syntymänsä kaupungin jälkeen. Nuorena hän meni opiskelemaan Raphaelin luokse, josta myöhemmin tuli hänen pääavustajansa, ja Raphaelin kuoltua hän valmisti useita taiteilijan teoksia. Romanon eloisa paletti ja rohkea kuviollinen tyyli poikkesi hänen opettajansa hienovaraisuudesta, mutta näkökulman manipuloinnilla saavutetun pelkän mielikuvituksen ja dramaattisen illuusion vaikutuksen suhteen Romano oli alansa johtaja. Maalisten saavutustensa lisäksi taiteilija oli myös arkkitehti ja insinööri. Noin 1524 Romanoa palveli Mantovan hallitsija Frederico Gonzaga, ja hän aloitti valtavan projektin, joka suunnitteli ja rakensi joitain kaupungin rakennuksia sekä useita koristeellisia suunnitelmia. Tiitus ja Vespasiatilasi Gonzaga Caesarien huoneesta Palazzo Ducalessa. Se kuvaa keisari Tituksen paraatissa Rooman läpi voiton jälkeen juutalaisista. Koostumus perustuu Rooman muinaisen Tituksen kaaren sisäpuolella olevaan kohtaukseen, ja se säilyttää suuren osan alkuperäisen veistoksellisesta laadusta, etenkin Romanon voimakkaissa vaunuissa. Romanon manieristikäden loistavat värit ja klassinen teema tekivät teoksesta aikanaan erittäin suosittua. Erityisen huomionarvoinen on hänen maisemakäsittelynsä - joka on kauniisti yksityiskohtainen ja kylpeä läpikuultavassa valossa. (Tamsin Pickeral)

  • Neitsyt ja lapsi Pyhän Annan kanssa (noin 1510)

    Leonardo da Vinci opiskeli kuvanveistäjä Andrea del Verrocchion johdolla , minkä jälkeen hän työskenteli eräiden rikkaimpien suojelijoiden keskuudessa Ranskassa ja Italiassa, mukaan lukien Milanon Sforza-perhe, Ranskan kuningas, ja Vatikaani Roomassa. Jos Verrocchio ei olisi siirtynyt maalaamiseen kilpailemaan kilpailijoidensa kanssa Leonardo-työpajan aikana, jotkut tutkijat uskovat, että on mahdollista, että Leonardo ei välttämättä olisi koskaan nostanut harjaa. Vaikka hänen elämänsä ja työnsä ovat äärimmäisen tärkeitä taiteen historialle, hänen teoksessaan on nykyään noin 20 turvallisesti omistettua maalausta. Neitsyt, hänen äitinsä Anne ja pikkulasten Jeesus, tämän maalauksen aihe, ovat yhdessä yksi Leonardon suosituimmista teemoista, kuten useat piirustukset ja maalaukset osoittavat. Näitä ovat kadonnut sarjakuva vuodelta 1501 sekä Neitsyt ja lapsi Pyhän Annan ja Pyhän Johannes Kastajan kanssa (n. 1508, joka tunnetaan nimellä Burlingtonin talon sarjakuvasarja); voidaan olettaa, että jälkimmäinen sarjakuva oli tarkoitettu kehitettäväksi suureksi, täysin maalatuksi teokseksi, mutta ei ole todisteita siitä, että tällaista maalausta olisi koskaan yritetty. Täällä Neitsyt Maria kuitenkin lepää Pyhän Annan sylissä, kun taas Kristus-lapsi hyväilee leikkisästi nuorta uhrikaritsaa, joka on lapsen kohtalon ennakoima ruumiillistuma. Pienimuotoinen kynä ja muste piirustus Neitsyt ja lapsi St.Anne kanssaon olemassa Accademian kokoelmassa, Venetsia. Epäviralliset asennot ja hellä psykologinen sitoutuminen istuvien välillä ovat kaikkien aikojen korkein uskonnollisessa maalauksessa. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Millä on tullut yksi Antonello da Messina n kuuluisimmista maalauksista, taiteilija kuvaa Italian sotilasjohtajaa, joka tunnetaan nimellä condottiere. (Miehen todellista henkilöllisyyttä ei kuitenkaan tunneta.) Italia muodostui 1800-luvulle saakka joukosta itsenäisiä kaupunkivaltioita, ja condottierit tarvitsivat suurta taistelua konfliktin kohteena olevien valtioiden välisissä taisteluissa. Antonello on kiinnostunut näyttämään lapsensa sijoitus: hän istuu mustan taustan edessä perusvaatteissa ja päähineissä, joilla on hyvä ryhti, mikä nostaa hänen asemansa yksinkertaisen soturin tason yläpuolelle. Todellakin, Antonellon aiheella oli todennäköisesti varaa varata otsikko lähemmäksi herrasmiehiä, ja hän olisi tilannut tämän muotokuvan korostamaan sosiaalista asemaansa. Antonello kuitenkin muistuttaa katsojaa siitä, että tämä mies on armoton taistelija. Condottieron tarkempi tarkastelupaljastaa yksityiskohtia, kuten sota haava lapsen ylähuulessa. (William Davies)

  • Mona Lisa (noin 1503–09)

    Leonardo da Vinci aloitti elämänsä toscanalaisen notaarin laittomana pojana, ja hänestä tuli epäilemättä maailman eniten keskusteltu taidemaalari. Tutkijoiden ja yleisön loputon kiehtoo tuli käytännössä siitä päivästä lähtien, kun hän aloitti kirjoittamisen ja maalaamisen. Hän oli myös mies, jolla oli puutteita ja rajoituksia. Hän syntyi Toscanan rinteessä sijaitsevassa Anchianon kaupungissa lähellä Vinciä, ja muutti Firenzeen varhaisessa iässä harjoittelemaan oppisopimuskoulutuksessa Andrea del Verrocchioon., kuuluisa kuvanveistäjä. Näistä varhaisista oppitunneista Leonardo sai syvällisen arvosanan kolmiulotteisesta avaruudesta, konseptista, joka palveli häntä hyvin koko uransa ajan, oli hän sitten maalannut tai piirtänyt kasvien tai ihmiskehon osien, sotakoneiden tai julkisten vesiteosten piikkejä, matemaattinen geometria tai paikallinen geologia. Tämän maalauksen nimi , jota käytettiin vasta 1800-luvulla, johdettiin Giorgio Vasarin varhaisesta kertomuksesta , joka tarjoaa myös ainoan istuimen tunnisteen. Mona Lisa, joka tunnetaan myös nimellä Lisa Gherardini, maalattiin 20-luvun puolivälissä, kun hän meni naimisiin Francesco del Giocondo -nimisen silkkikauppiaan, miehen kanssa, joka on voinut tilata muotokuvan. Tähän päivään asti italialaiset tuntevat hänet La Giocondana ja ranskalaisenaLa Joconde , joka kirjaimellisesti tarkoittaa "jocund (tai leikkisä)". Viime aikoina maalauksen maine voi johtua osittain myös siitä, että italialainen nationalisti varasti sen vuonna 1911 sensaatiohyppääjänä Pariisin Louvresta, mutta palautti onneksi kaksi vuotta myöhemmin. (Steven Pulimood)

    [Haluatko tietää enemmän siitä, miksi Mona Lisa on niin kuuluisa? Lue tämä Britannican demystifioima.]

  • Hyväntekeväisyys (1518–19)

    Vuonna 1518 ranskalainen Francis I kutsui firenzeläisen taidemaalarin Andrea del Sarton ranskalaiseen hoviinsa, jossa italialainen taiteilija asui vuoden. Hyväntekeväisyys on ainoa säilynyt maalaus hänen ranskalaisesta vierailustaan; se maalattiin Château d'Amboise -lehteä varten. Teos on tyypillistä maalauksille, joita ranskalaiset kuninkaat suosivat tällä hetkellä. Se kuvaa rakkauden hahmoa lasten ympäröimänä, joita hän hoitaa ja suojelee. Se oli allegorinen edustus Ranskan kuninkaallisesta perheestä, ja se juhli Dauphinin syntymää, jota symboloi vauvan imeminen, kun taas rakkauden hahmo on jonkin verran samanlainen kuin kuningatar. Koostumuksen pyramidimainen rakenne on tyypillinen tämän tyyppiselle maalaukselle, ja se heijastaa myösLeonardo da Vinci Andrea del Sartolla. Erityisesti taiteilija ihaili Leonardon Neitsyt ja lapsi Pyhän Annan kanssa . (Tamsin Pickeral)

  • Pyhän Yrjön katkaisu (n. 1432–34)

    Bernardo Martorell työskenteli Barcelonassa ja luultavasti opetti Luis Borrassá, tuolloin katalaanin tuotteliain taidemaalari. Vain yksi jäljellä oleva teos on ehdottomasti Martorellin ansiota - Pubolin Pyhän Pietarin alttaritaulu (1437), joka on Geronan museossa, Italiassa. Kuitenkin alttaritaulun St. George on niin leimallisesti Martorell tyyliin, että useimmat asiantuntijat uskovat, että hän oli taiteilija. Alttaritaulu luotiin Pyhän Yrjön kappelille Barcelonan palatsissa. Se koostuu keskipaneelista, jossa St.George tappaa lohikäärmeen , joka on nyt Chicagon taideinstituutissa, ja neljästä sivupaneelista, jotka ovat Louvressa Ranskassa. Tämä sivupaneelimuodostaa kertomuksen viimeisen osan, ja se kuvaa Pyhän Yrjön marttyyliä. Pyhän Yrjön legenda näyttää olevan peräisin Keisarean Eusebiuksen kirjoituksista, jotka on päivätty CE-luvulle. Hänen uskottiin olleen Rooman jalosyntyinen sotilas, joka surmattiin vuonna 303 eaa kristittyjen vainon vastustamisesta. Hänet kanonisoitiin 100-luvulla ja hänestä tuli sotilaiden suojeluspyhimys. Pyhän Yrjön legenda oli levinnyt kaikkialla Euroopassa keskiajalla, ja vaikka tarina pyhimyksestä tappaa lohikäärme näyttää enemmän mytologiselta kuin ihmeelliseltä, se kerrotaan monissa keskiaikaisissa maalauksissa. Legendan tässä viimeisessä kohtauksessa, kun Pyhä Yrkki katkaistaan, salama putoaa tulipunaisesta ja kultaisesta taivaasta. Tyyli voi olla kansainvälinen goottilainen, mutta kauhistuneet kasvot, hevosten kasvatus, romahtavat ruumiit, ja valon ammattitaitoinen käsittely kuuluu Martorellille. (Mary Cooch)