Διάφορα

29 πίνακες που μπορείτε να επισκεφτείτε μόνο στο Λούβρο


  • Πορτρέτο μιας γυναίκας (3ος αιώνας)

    Αυτό το πορτρέτο της σαρκοφάγου είναι από την περιοχή Fayum και ζωγραφίστηκε κατά την ελληνορωμαϊκή περίοδο. Η λέξη Fayum αναφέρεται σε μια πολύ εύφορη περιοχή νοτιοδυτικά του Καΐρου. Επικεντρώθηκε γύρω από μια τεχνητή λίμνη, τη λίμνη Qaroun, ένα φιλόδοξο μηχανικό έργο που χρονολογείται από τη 12η δυναστεία, χτισμένο σε μια φυσική κοιλάδα. Οι άνθρωποι της κοιλάδας Fayum προέρχονταν από την Αίγυπτο, την Ελλάδα, τη Συρία, τη Λιβύη και άλλες περιοχές της Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας. Αυξήθηκαν καλλιέργειες, όπως σιτάρι και κριθάρι. Το ψάρι από τη λίμνη θεωρήθηκε μεγάλη λιχουδιά σε όλη την Αίγυπτο. και, σύμφωνα με τον κανόνα του Amenemhet III(12η δυναστεία), η περιοχή έγινε φημισμένη για καταπράσινους κήπους και άφθονα οπωροφόρα δέντρα. Σήμερα, η περιοχή είναι γνωστή για τον αριθμό των εγγράφων παπύρων που ανακαλύφθηκαν κατά τον 19ο και 20ο αιώνα, καθώς και για τα πολλά «πορτρέτα Fayum» που αποκαλύφθηκαν από τους αρχαιολόγους. Αυτά τα πορτραίτα σε μέγεθος ζωής προφανώς χρησιμοποιήθηκαν για να διακοσμήσουν σπίτια, καθώς και να χρησιμοποιηθούν για κηδεία. Η τεχνική εγκυουστικής ήταν η τήξη του κεριού και η ανάμειξή του με μελάγχρωση και ίσως με λιναρόσπορο ή αυγό, και στη συνέχεια την εφαρμογή του σαν χρώμα σε ξύλο ή λινό. Αυτό το ζωγραφισμένο πορτρέτοφαίνεται εκπληκτικά μοντέρνο. Τα καθαρά μάτια της γυναίκας και η εξέχουσα μύτη και η προσεκτική απεικόνιση του κοσμήματος από τον καλλιτέχνη υποδηλώνουν ότι αυτό ήταν ζωγραφισμένο για να είναι αναγνωρίσιμο πορτρέτο. Οι ιστορικοί της τέχνης συχνά πιστώνουν την περιοχή Fayum με τη γέννηση ρεαλιστικών πορτρέτων και τα πολλά πορτρέτα που αποκαλύφθηκαν σε αυτήν την περιοχή αντιπροσωπεύουν μια εποχή πρωτοποριακού καλλιτεχνικού πειραματισμού. (Lucinda Hawksley)

  • Καλοκαίρι (1573)

    Ο Giuseppe Arcimboldo ήταν πολύ επιτυχημένος κατά τη διάρκεια της ζωής του, αλλά μετά το θάνατό του η δουλειά του έφυγε γρήγορα από τη μόδα και το ενδιαφέρον για αυτό δεν αναβίωσε μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα. Στυλιστικά, οι φανταστικοί και ευφάνταστοι πίνακές του ταιριάζουν στον δημοφιλή κόσμο της Mannerist art. Τα δικαστήρια σε όλη την Ευρώπη κατά τη διάρκεια του 16ου αιώνα ευνόησαν ιδιαίτερα αυτόν τον τύπο πνευματώδους και έξυπνης ψευδαίσθησης ζωγραφικής, και η απόδειξη για αυτό ήταν η μακρά αποστολή του Arcimboldo ως ζωγράφου στο δικαστήριο Habsburg μεταξύ 1562 και 1587. Το καλοκαίρι αποτελεί μέρος της σειράς Four Seasons που ο καλλιτέχνης ζωγραφισμένα για τον αυτοκράτορα Μαξιμιλιανό ΙΙτο 1573. Αυτό ήταν ένα θέμα που ζωγράφισε ο Αρκιμπλόντο πολλές φορές κατά τη διάρκεια της καριέρας του και ήταν ένα θέμα που έγινε εξαιρετικά δημοφιλές. Ζωγράφησε για πρώτη φορά μια σειρά Four Seasons το 1562 και η φανταστική του ιδέα να δημιουργήσει ένα κεφάλι από μια συλλογή φρούτων και λαχανικών έγινε δεκτή με μεγάλο ενθουσιασμό. Τα ευγενικά καθήκοντα του Arcimboldo για τον Maximilian δεν περιορίζονταν στη ζωγραφική - ο καλλιτέχνης κλήθηκε επίσης ως σκηνογράφος, αρχιτέκτονας και μηχανικός. Αργότερα, ενώ εργαζόταν για τον αυτοκράτορα Ρούντολφ Β ' , κατηγορήθηκε επίσης ότι βρήκε αντίκες και σπάνια αντικείμενα για τη συλλογή του αυτοκράτορα. Οι πίνακες του Arcimboldo δημιουργούν ένα εντελώς σουρεαλιστικό αποτέλεσμα, και σίγουρα είναι από τους πιο ευφάνταστους και έξυπνα σχεδιασμένους της εποχής του. (Tamsin Pickeral)

  • Ψάρεμα (περ. 1588)

    Ο Annibale Carracci γεννήθηκε στην περιοχή της Μπολόνια και μαζί με τον αδελφό και τον ξάδελφό του, αναγνωρίστηκε ως ένας από τους κορυφαίους ζωγράφους της Σχολής της Μπολόνια. Ήταν ιδιαίτερα ειδικευμένος συντάκτης και έδινε μεγάλη έμφαση στο σωστό σχέδιο, που συχνά απεικονίζει σκηνές από τη ζωή και τις τοποθετεί μέσα σε ένα φανταστικό ή εξιδανικευμένο τοπίο. Τα θέματα του κυνηγιού και του ψαρέματος ήταν δημοφιλή για τη διακόσμηση βίλας στην Μπολόνια αυτή τη στιγμή. Το ψάρεμα ζωγραφίστηκε ως συνοδευτικό κομμάτι σε ένα άλλο έργο του Carracci, Hunting. Με βάση τις διαστάσεις τους, και οι δύο είχαν σχεδιαστεί πιθανώς για να κρεμάσουν τις πόρτες σε μια οικιακή βίλα. Τα δύο έργα ζωγραφίστηκαν νωρίς στην καριέρα του Carracci και πριν από τη μετακόμισή του στη Ρώμη το 1584, αλλά δείχνουν ήδη το άψογο στιλ του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο έχει συνδυάσει διάφορες σκηνές μέσα σε έναν πίνακα και σχεδίασε έξυπνα τη σύνθεσή του έτσι ώστε το μάτι να οδηγείται από το πρώτο πλάνο σε κάθε ομάδα ανθρώπων και στο παρασκήνιο, χωρίς να λείπει καμία λεπτομέρεια. Οι αριθμοί βασίστηκαν πιθανώς σε μελέτες απευθείας από τη φύση και στη συνέχεια συνδυάστηκαν με το τοπίο. Αυτός ο πίνακας είναι ενδιαφέρων επειδή δείχνει ότι ο Carracci αναπτύσσει τη χρήση της χειρονομίας του, που φαίνεται στην εικόνα που δείχνει στα δεξιά. Η χρήση πειστικής και αρθρωτής χειρονομίας ήταν μια από τις ιδιαίτερες ικανότητες του Carracci, η οποία επηρέασε τους μετέπειτα ζωγράφους της περιόδου του Μπαρόκ. Επίσης εμφανής είναι η συναρπαστική χρήση του τοπίου του Carracci, το οποίο συντίθεται όμορφα σε ένα καθαρό ημιδιαφανές φως. (Tamsin Pickeral)

  • Ανάσταση του Λάζαρου (περ. 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, με το παρατσούκλι Il Guercino, γεννήθηκε σε φτώχεια στη μικρή πόλη Cento, μεταξύ της Ferrara και της Μπολόνια στην Ιταλία. Ήταν σε μεγάλο βαθμό αυτοδίδακτος ως καλλιτέχνης. Έγινε ένας από τους κορυφαίους ζωγράφους του σχολείου της Μπολώνια, αναλαμβάνοντας το πολυάσχολο στούντιο του Guido Reni μετά το θάνατό του (ειρωνικό, καθώς οι λογαριασμοί δείχνουν ότι ο Guercino θεωρήθηκε αμφιλεγόμενος από τη Reni). Το στυλ του Guercino άλλαξε αρκετά δραματικά κατά τη διάρκεια της ζωής του, με έργα όπως αυτό από τις αρχές της καριέρας του που δείχνουν μια εξαιρετικά μπαρόκ προσέγγιση με δραματική χρήση αντιθέσεων και σκοτεινών. Χαρακτηριστικό των μπαρόκ πίνακες, η σύνθεση είναι περίπλοκη και γεμάτη δραματική χειρονομία, ενέργεια και συναίσθημα. Οι φιγούρες συσσωρεύονται στο προσκήνιο, σχεδόν σαν μέρος μιας ζωφόρου, ενώ η μέση και το φόντο είναι σχεδόν αδιαίρετα. Αυτή η τεχνική βάζει τον θεατή σχεδόν στο ίδιο χωρικό επίπεδο με τις εικόνες του πίνακα, προκαλώντας έτσι μια ισχυρή συναισθηματική απόκριση. Το γεγονός είναι αυτό του νεκρού Λάζαρου που αναστήθηκε από τον Ιησού. Ο Guercino διαποτίζει τη σκηνή με έντονη ένταση και πνευματικό πάθος που θα θαυμάζονταν πολύ κατά τη διάρκεια της περιόδου του. Λίγα χρόνια πριν εκτελεστεί αυτός ο πίνακας, ο Guercino είχε γνωρίσει τον καλλιτέχνηLudovico Carracci και εμπνεύστηκε από τον χειρισμό του χρώματος και του συναισθήματος του Carracci. Η επιρροή του Carracci είναι ορατή στο Guercino's Raising of Lazarus , αν και αυτό το έργο είναι εντελώς πιο ενεργητικό στο στυλ. Ένας παραγωγικός και περιζήτητος καλλιτέχνης, ο Guercino πέθανε πλούσιος. (Tamsin Pickeral)

  • Άγιος Ιωσήφ ο ξυλουργός (1635–40)

    Η ιστορία της ζωής και των έργων του Georges de La Tour είναι ανομοιογενής. Παρόλο που είχε επιτυχία στη ζωή του, ο La Tour ξεχάστηκε για αρκετούς αιώνες - το έργο του ανακαλύφθηκε ξανά στις αρχές του 20ου αιώνα. Γάλλος ζωγράφος, υποστηρίζεται συχνά ότι επηρεάστηκε από τους πίνακες του Caravaggio . Ωστόσο, ίσως ο La Tour δεν γνώριζε το έργο του Caravaggio και ότι εξερεύνησε ανεξάρτητα τα αποτελέσματα της σκιάς και του φωτός από ένα μόνο κερί. Ένας ευσεβής Ρωμαιοκαθολικός, το La Tour ζωγράφισε συχνά θρησκευτικές σκηνές. Επέστρεψε αρκετές φορές στο θέμα της μετάνοιας της Μαρίας Μαγδαληνής, καθώς ζωγράφισε αυτή τη συγκινητική σκηνήτου Ιωσήφ που διδάσκει τον Ιησού στο κατάστημα του ξυλουργού. Το στυλ είναι ρεαλιστικό, λεπτομερές και προσεκτικά σχεδιασμένο - Ο Ιησούς κρατά το κερί γιατί, κατά τη χριστιανική πίστη, είναι το φως του κόσμου που φωτίζει το σκοτάδι του κόσμου. (Lucinda Hawksley)

  • Το Clubfoot (1642)

    Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να παραπλανηθούν από αυτήν την εικόνα ενός προφανώς αναπηρικού ζητιάνου από τη Νάπολη που τους κοιτάζει απαίσια με ένα οδοντωτό χαμόγελο. Ο Ισπανός γεννημένος José de Riberaπέρασε το μεγαλύτερο μέρος της καριέρας του στη Νάπολη, η οποία τότε ελέγχθηκε από την Ισπανία και έγινε ο κορυφαίος καλλιτέχνης της πόλης. Πιθανότατα σκόπευε απλώς να απεικονίσει ένα ναπολιτάνικο ζητιάνο αγόρι, καθώς είχε μεγάλο ενδιαφέρον για τους απλούς ανθρώπους. Ωστόσο, ο τρόπος με τον οποίο έχει συνδυάσει τον ρεαλισμό με την παράδοση προαναγγέλλει μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη. Η ζωή δεν χαμογέλασε πάνω σε αυτόν τον ζητιάνο, αλλά είναι χαρούμενος προκλητικός. Μεταφέρει το δεκανίκι του με χαρά πάνω από τον ώμο του και άνετα, παρά απελπισμένα, κρατά έξω το χαρτί που του δίνει άδεια να ικετεύσει, το οποίο ήταν υποχρεωτικό στη Νάπολη εκείνη την εποχή. Διαβάζει στα λατινικά: «Δώσε μου ελεημοσύνη για την αγάπη του Θεού». Αντί να δείχνει να σκύβει σε ένα βρώμικο παράδρομο, στέκεται ψηλά σε ένα γαλήνιο τοπίο που θυμάται ιστορικά, μυθολογικά και θρησκευτικά έργα ζωγραφισμένα σε κλασικό στιλ. Η Ribera του δίνει ένα εντυπωσιακό ανάστημα, γίνονταν μεγαλύτεροι από τη χαμηλή άποψη και από μια ανθρώπινη αξιοπρέπεια. Ο ζητιάνος του θα μπορούσε σχεδόν να είναι λίγο πρίγκιπας. Το χαλαρό πινέλο γίνεται πιο μαλακό στο τοπίο, κάνοντας το αγόρι να ξεχωρίζει ακόμη περισσότερο. Η ικανότητα της Ribera να μεταφέρει μια αίσθηση της ατομικότητας των ανθρώπων με τον ρεαλισμό και την ανθρωπότητα είχε μεγάλο αντίκτυπο στη δυτική τέχνη και ειδικότερα στην ισπανική σχολή. (Ann Kay)

  • Άποψη εσωτερικού χώρου ( Οι παντόφλες ) (1654–62)

    Ο Samuel van Hoogstraten ήταν ένας επιδέξιος ζωγράφος πορτρέτων και εσωτερικών χώρων που ασχολήθηκε με τη σωστή χρήση της προοπτικής. Άποψη ενός εσωτερικού , που παραδοσιακά ονομάζεται The Sanders, αποτελεί παράδειγμα της χαρακτηριστικής χρήσης του καλλιτέχνη από ολλανδικά δάπεδα με πλακάκια για να τονίσει το βάθος της εικόνας. Αυτό τονίζεται από τα ξεχωριστά επίπεδα εικόνων που υποχωρούν, που σημειώνονται με το πλαίσιο της εικόνας, τα περιβλήματα της πόρτας και, τέλος, από τις δύο εικόνες στο πίσω μέρος του πίνακα. Δείχνοντας μέρος της ανοιχτής πόρτας στο προσκήνιο, ο καλλιτέχνης τοποθετεί τον θεατή στην πόρτα, γεγονός που αυξάνει την ψευδαίσθηση του πίνακα. Το θέμα του Hoogstraten αναφέρεται στις λεπτές λεπτομέρειες. Η απορριφθείσα σκούπα, οι παντόφλες του σπιτιού και το κλειστό βιβλίο (η ανάγνωση έχει διακοπεί) υποδηλώνει ότι ένας ερωτικός σύνδεσμος συμβαίνει λίγο πέρα ​​από την προβολή. Ο ήπια ηθικοποιητικός τόνος της ζωγραφικής ήταν αυτός που ο Hoogstraten επέστρεψε αρκετές φορές. (Tamsin Pickeral)

  • Το προσκύνημα στα Κύθηρα (1717)

    Το 1717 ο Jean-Antoine Watteau παρουσίασε αυτή τη φωτογραφία στη Γαλλική Ακαδημία ως πτυχίο του. Αναγνωρίστηκε ως το καλύτερο έργο του και έγινε βασική επιρροή στο αναδυόμενο στυλ ροκοκό. Το θέμα ξεκίνησε ως απεικόνιση ενός μικρού παιχνιδιού. Στο Les Trois Cousines της Φλωρεντίας Dancourt, ένα κορίτσι ντυμένο ως προσκυνητής βγαίνει από τη γραμμή της χορωδίας και καλεί το κοινό να την ακολουθήσει σε ένα ταξίδι στα Κύθηρα - το νησί της αγάπης, όπου όλοι θα συναντήσουν τον ιδανικό σύντροφό τους. Η πρώτη εκδοχή του θέματος του Watteau, που χρονολογείται γύρω στο 1709, ήταν μια πολύ κυριολεκτική απεικόνιση, αλλά εδώ έχει παραιτηθεί από το θεατρικό πλαίσιο και έχει μετατρέψει το περιστατικό σε μια ονειρική, ρομαντική φαντασία. Σημαντικά, έχει επιλέξει να απεικονίσει το τέλος και όχι την αρχή του ταξιδιού. Οι εραστές έχουν ζευγαρώσει και γιρλάντα το άγαλμα της Αφροδίτης στα δεξιά με λουλούδια, και πρόκειται να επιστρέψουν στο σπίτι τους. Εστιάζοντας σε αυτή τη στιγμή, ο καλλιτέχνης μπόρεσε να δημιουργήσει τον αέρα απαλής μελαγχολίας που είναι τόσο χαρακτηριστικός του έργου του. Ενώ τα περισσότερα ζευγάρια ετοιμάζονται να φύγουν, δύο εραστές έχουν παραμείνει στο ιερό της θεάς, ξόρκι από αγάπη και τυφλή σε όλα τα άλλα. Μία από τις αποχωρούσες γυναίκες γυρίζει και τις κοιτάζει πίσω δυστυχώς, γνωρίζοντας ότι αυτό το μέρος της αγάπης είναι το πιο φευγαλέο. Μετά το θάνατο του Watteau, η τέχνη του έπεσε δραματικά εκτός μόδας. Για πολλούς, οι απεικονίσεις του για ερωτικές αποδράσεις φαινόταν πολύ στενά συνδεδεμένες με τις παλιές μέρες της μοναρχίας. Κατά τη διάρκεια της Επαναστατικής περιόδου, οι μαθητές τέχνης χρησιμοποίησαν το δικό τουCythera για στοχευμένη πρακτική, ρίχνοντας σφαιρίδια ψωμιού σε αυτό. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (παλαιότερα γνωστό ως Gilles ) (περ. 1718–19)

    Αυτός είναι ένας από τους τελευταίους πίνακες του Jean-Antoine Watteau που παρήγαγε στη σύντομη καριέρα του. Δείχνει έναν κλόουν που κοιτάζει το κοινό του, με μια τρελή έκφραση που μπορεί να απηχεί τη μελαγχολική διάθεση του καλλιτέχνη. Ο Gilles ήταν ένα γενικό όνομα για έναν κλόουν στη Γαλλία, πιθανότατα προήλθε από τον Gilles le Niais, έναν ακροβάτη και κωμικό του 17ου αιώνα. Μέχρι την ημέρα του Watteau, υπήρχε σημαντική αλληλεπικάλυψη μεταξύ αυτού του χαρακτήρα και του Pierrot, του κορυφαίου κλόουν στο commedia dell'arte, μιας ιταλικής παράδοσης θεάτρου που ήταν εξαιρετικά δημοφιλής στη Γαλλία. Και οι δύο φιγούρες έπαιξαν τον αθώο ανόητο που έγινε το αγαπημένο του κοινού - ένα πρωτότυπο για τον Charlie Chaplin και τον Buster Keaton. Αυτή η ζωγραφίάπιθανότατα δημιουργήθηκε ως θεατρική πινακίδα σχεδιασμένη για να δελεάσει τους περαστικούς σε μια παράσταση. Μπορεί να έχει δημιουργηθεί για την πρεμιέρα του Danaë , μια κωμωδία στην οποία ένας από τους χαρακτήρες μετατράπηκε σε κώλο. Εναλλακτικά, μπορεί να έχει διαφημίσει τις παρελάσεις - τα σύντομα, κλασσικά σκίτσα πριν από την κύρια παράσταση. Σε αυτά, ένα γαϊδούρι οδηγούσε συχνά σε όλη τη σκηνή για να συμβολίσει την απόλυτη ηλιθιότητα του Gilles. Ο Watteau χρησιμοποίησε μια μικρότερη εκδοχή αυτού του κλόουν ως την κύρια φιγούρα στους Ιταλούς Κωμικούς , μια εικόνα που παρήγαγε για το γιατρό του περίπου το 1720. Και στις δύο περιπτώσεις, η θλιβερή φιγούρα του Gilles θυμίζει ένα Ecce Homo(«Ιδού ο άνθρωπος») ζωγραφική. Αυτό το δημοφιλές θρησκευτικό θέμα απεικόνισε ένα επεισόδιο στο πάθος του Χριστού, όταν ο Πόντιος Πιλάτος παρουσίασε τον Ιησού στους ανθρώπους, ελπίζοντας ότι θα ζητούσαν την απελευθέρωσή του. Αντ 'αυτού, ο όχλος ζήτησε τη σταύρωσή του. (Iain Zaczek)

  • Νεκρή φύση με μπουκάλι ελιές (1760)

    Ο γεννημένος στο Παρίσι Jean-Baptiste Siméon Chardin αντιστάθηκε στις επιθυμίες του πατέρα του, ενός κατασκευαστή υπουργικού συμβουλίου, να ακολουθήσει τα βήματά του και αντ 'αυτού έγινε μαθητευόμενος στο στούντιο των Pierre-Jacques Cazes και Noel- Noël Coypelτο 1719. Καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, ο Chardin παρέμεινε πιστό μέλος της Γαλλικής Ακαδημίας, αλλά, παρά την επιτυχία του, εμποδίστηκε από το να γίνει καθηγητής, διότι ορίστηκε ως ζωγράφος «στον τομέα των ζώων και των φρούτων». Οι πρώτες νεκρές φύσεις για τις οποίες είναι πιο γνωστός ολοκληρώθηκαν σε σύντομο χρονικό διάστημα, αποδεικνύοντας την ταχύτητα με την οποία απέκτησε την αριστοτεχνική του τεχνική. Έχει εκτιμηθεί ότι το ένα τέταρτο της συνολικής του παραγωγής παρήχθη πριν από το 1732. Το στυλ του χαρακτηρίζεται από πινέλο πλούσια σε υφή που χρωστάει σημαντικό χρέος στην ολλανδική ζωγραφική, ιδίως την επιρροή του Rembrandt στο χειρισμό του χρώματος. Αυτό διαχωρίζει το έργο του από το πιο γνωστό στυλ της γαλλικής ζωγραφικής του 18ου αιώνα. Ο Chardin ζωγράφισε απλές οικιακές σκηνές και οικεία οικιακά είδη. Ωστόσο,Το Still Life with Bottle of Olives είναι χαρακτηριστικό της συγκρατημένης διάθεσής του, του απαλού φωτισμού και του ασυνήθιστου ρεαλισμού που δίνει καθημερινά αντικείμενα και σκηνές μια μαγική αύρα. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι οι θαυμαστές του τον χαρακτήρισαν «τον μεγάλο μάγο». Το ταλέντο του βρισκόταν στην παραγωγή ζωγραφικής τέλειας πληρότητας με ανεπηρέαστη αλλά ανώτατη τεχνική ικανότητα. (Ρότζερ Γουίλσον)

  • Το μπουλόνι (περ. 1777)

    Ο Jean-Honoré Fragonard ήταν ένας από τους κορυφαίους ζωγράφους στο στυλ του ροκοκό. Οι φωτογραφίες του ήταν επιπόλαιες αλλά αισθησιακές, που χαρακτηρίζουν την κομψότητα της γαλλικής δικαστικής ζωής, στα χρόνια που οδήγησαν στην επανάσταση του 1789. Στους συγχρόνους του, ο Φραγκονάρντ ήταν γνωστός κυρίως ως πλοίαρχος των σουτζέτ (ελαφρών θεμάτων). Αυτά τα θέματα ήταν ανοιχτά ερωτικά, αλλά αντιμετωπίστηκαν με ένα βαθμό γεύσης και λιχουδιάς που τα έκανε αποδεκτά, ακόμη και σε βασιλικούς κύκλους. Πράγματι, μιλάει πολλά για τις μόδες της ημέρας που φαίνεται ότι αυτή η εικόνα έχει ανατεθεί ως συνοδευτικό κομμάτι για μια θρησκευτική ζωγραφική. Σύμφωνα με μια πρώιμη πηγή, ο marquis de Véri πλησίασε τον καλλιτέχνη αναζητώντας μια εικόνα για να κρεμάσει δίπλα σε μία από τις σπάνιες λατρευτικές εικόνες του Fragonard - Η λατρεία των βοσκών. Για τα μοντέρνα μάτια, αυτό μπορεί να φαίνεται παράξενη αντιπαράθεση, αλλά ο Véri πιθανότατα σκόπευε τον συνδυασμό να αντιπροσωπεύει την Ιερή και Βωμολοχία Αγάπη - ένα καλλιτεχνικό θέμα που ήταν δημοφιλές από την Αναγέννηση. Συνήθως, οι καλλιτέχνες μετέφεραν αυτήν την ιδέα σε μία μόνο εικόνα, αλλά μερικές φορές συνδύαζαν έναν πίνακα της Εύας με ένα θέμα που σχετίζεται με την Παναγία (η οποία συχνά θεωρούσε τη νέα Εύα). Εδώ, το μήλο, το οποίο εμφανίζεται εμφανώς στο τραπέζι, είναι μια συμβατική αναφορά στον πειρασμό της Εύας στον Κήπο της Εδέμ. Το Bolt ήταν ζωγραφισμένο όταν το στυλ Rococo άρχισε να ξεφεύγει από τη μόδα, αλλά ο δραματικός φωτισμός και ο υψηλός βαθμός φινιρίσματος δείχνουν ότι ο Fragonard προσαρμόστηκε στο νεοκλασικό στυλ, το οποίο μπαίνει στη μόδα. (Iain Zaczek)

  • Όρκος των Χωράτων (1784)

    Ο Ζακ-Λουίς Ντέιβιντ είναι αναμφισβήτητα ο πιο εξαιρετικός πολιτικός ζωγράφος της ιστορίας. Ζωγράφος του Ναπολέοντα, πολλά από αυτά που γνωρίζουμε για το μυθικό πρόσωπο του αυτοκράτορα και την εικονογραφία της Γαλλικής Επανάστασης προέρχεται από τους θεατρικούς, αλληγορικούς πίνακες του Δαβίδ. Ο Ντέιβιντ ήταν ο πατέρας του νεοκλασικού κινήματος τέχνης, το οποίο απεικόνιζε τους κλασικούς μύθους και την ιστορία ως ανάλογες με τη σύγχρονη πολιτική. Όρκος των Horatiiαφηγείται την ιστορία, η οποία καταγράφηκε γύρω στο 59 π.Χ. από τον Ρωμαίο ιστορικό Livy, για γιούς από δύο οικογένειες, τους τρεις αδελφούς Horatii και τους τρεις αδελφούς Curiatii, που πολέμησαν στους πολέμους μεταξύ Ρώμης και Alba γύρω στο 669 π.Χ. Οι άνδρες υποχρεούνται να πολεμήσουν, αλλά μία από τις γυναίκες της οικογένειας Curiatii είναι παντρεμένη με έναν από τους αδελφούς Horatii και μια αδελφή Horatii είναι αρραβωνιασμένη με έναν αδελφό στην οικογένεια Curiatii. Παρά τους δεσμούς αυτούς, ο ανώτερος Horatii προτρέπει τους γιους του να πολεμήσουν τους Curiatii και υπακούουν, παρά τους θρήνους των θλιμμένων αδελφών τους. Απεικονίζοντας τη στιγμή που οι άντρες επέλεξαν πολιτικά ιδανικά έναντι προσωπικών κινήτρων, ο Ντέιβιντ ζητά από τους θεατές να θεωρήσουν αυτούς τους άντρες ως πρότυπα στη δική τους πολιτική ταραχώδη εποχή. Ασχολείται με τον ρεαλισμό στη ζωγραφική, όπως ήταν με τον ιδεαλισμό στην πολιτική, Ο Δαβίδ ταξίδεψε στη Ρώμη για να αντιγράψει την αρχιτεκτονική από τη ζωή. Το αποτέλεσμα ήταν τεράστια επιτυχία όταν ο πίνακας εκτέθηκε στο σαλόνι του 1785 στο Παρίσι. Οι πίνακες του David εξακολουθούν να αντηχούν δυνατά με τους θεατές, επειδή η δύναμη της ικανότητάς του ήταν αρκετά επιφανής για να διατυπώσει τις ισχυρές του πεποιθήσεις. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Αυτό αναγνωρίζεται ευρέως ως το καλύτερο πορτρέτο του Jacques-Louis David. Με τη χάρη, την απλότητα και την οικονομία του θεωρείται επίσης ένα από τα πιο επιτυχημένα παραδείγματα της νεοκλασικής τέχνης. Το μοντέλο του David, Juliette Récamier, ήταν ο αγαπητός της παρισινής κοινωνίας. Ήταν η σύζυγος ενός πλούσιου τραπεζίτη από τη Λυών, αν και έλαβε την προσοχή πολλών άλλων ανδρών, που όλοι τους απέρριπταν. Ο David εμπνεύστηκε από την ενάρετη φήμη του Récamier. Με τα γυμνά πόδια της, το λευκό φόρεμα και τα αξεσουάρ αντίκες, μοιάζει με παρθένο γιλέκο των τελευταίων ημερών. Αυτό ενισχύεται από τη στάση. Το βλέμμα της γυναίκας είναι ειλικρινές και άμεσο, αλλά το σώμα της στρέφεται, απρόσιτο. Τα πορτραίτα δεν συνέβησαν ομαλά: ο ζωγράφος ενοχλήθηκε από την επίμονη ασυνέπεια της Ιουλιέτας, ενώ αντιτάχθηκε σε μερικές από τις καλλιτεχνικές ελευθερίες που είχαν ληφθεί. Συγκεκριμένα, δυσαρεστήθηκε από το γεγονός ότι ο Δαβίδ μείωσε τη σκιά των μαλλιών της, γιατί δεν ταιριάζει στο χρώμα του. Ως αποτέλεσμα, ανέθεσε ένα άλλο πορτρέτο από έναν από τους μαθητές του καλλιτέχνη. Όταν το έμαθε, ο Ντέιβιντ αρνήθηκε να συνεχίσει. «Κυρία», λέγεται ότι έχει δηλώσει, «οι κυρίες έχουν τα καπάκια τους. το ίδιο και οι ζωγράφοι. Επιτρέψτε μου να ικανοποιήσω τη δική μου. Θα κρατήσω το πορτραίτο σας στη σημερινή του κατάσταση. " Αυτή η απόφαση μπορεί να ήταν ευεργετική, γιατί η έντονη σοβαρότητα της εικόνας της δίνει μεγάλο μέρος της επίδρασής της. Η λάμπα και μερικές από τις άλλες λεπτομέρειες λέγεται ότι έχουν ζωγραφιστεί από τον μαθητή του David Θα κρατήσω το πορτραίτο σας στη σημερινή του κατάσταση. " Αυτή η απόφαση μπορεί να ήταν ευεργετική, γιατί η έντονη σοβαρότητα της εικόνας της δίνει μεγάλο μέρος της επίδρασής της. Η λάμπα και μερικές από τις άλλες λεπτομέρειες λέγεται ότι έχουν ζωγραφιστεί από τον μαθητή του David Θα κρατήσω το πορτραίτο σας στη σημερινή του κατάσταση. " Αυτή η απόφαση μπορεί να ήταν ευεργετική, γιατί η έντονη σοβαρότητα της εικόνας της δίνει μεγάλο μέρος της επίδρασής της. Η λάμπα και μερικές από τις άλλες λεπτομέρειες λέγεται ότι έχουν ζωγραφιστεί από τον μαθητή του DavidJean-Auguste-Dominique Ingres . Ο τελευταίος σίγουρα εντυπωσιάστηκε από την εικόνα, γιατί δανείστηκε τη στάση του Récamier για ένα από τα πιο διάσημα έργα του, το La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    Το 1801, αφού σπούδασε υπό τον Jacques-Louis David , ο Γάλλος καλλιτέχνης Jean-Auguste-Dominique Ingres κέρδισε το διάσημο Prix de Rome. Αυτό ήταν ένα βραβείο που απονεμήθηκε από τη Γαλλική Ακαδημία Royale, η οποία πλήρωσε τους καλύτερους καλλιτέχνες τους να επισκεφθούν τη Ρώμη για τέσσερα χρόνια και να μελετήσουν τους Ιταλούς δασκάλους του παρελθόντος. Δυστυχώς, το κράτος δεν μπορούσε να στείλει καλλιτέχνες στην Ιταλία αυτή τη στιγμή λόγω της αποτυχημένης οικονομίας της Γαλλίας. Ο Ingres πήγε τελικά στη Ρώμη το 1808. Ο Batherήταν ένας από τους πρώτους πίνακες του Ingres που εκτελέστηκαν στην Ιταλία και, παρόλο που ο καλλιτέχνης περιβάλλεται από αιώνες σημαντικής αναγεννησιακής τέχνης, σπάει με την παράδοση. Αντί να αποκαλύψει την ταυτότητα του υποκειμένου του, ο Ingres έδειξε το σχεδόν μνημειακό του θέμα που βλέπει μακριά από τον θεατή με τον κορμό της να στρίβεται ελαφρώς για να την ανοίξει πίσω. Αυτό επιτρέπει στον θεατή να θαυμάσει (και να αντικειμενοποιήσει) τον λουτρό χωρίς να μας προκαλέσει - παραμένει ανώνυμος, απροσδιόριστος, ο χαρακτήρας της ακαδημαϊκός. Τα μετέπειτα έργα γυναικείων γυμνών του Ingres υιοθέτησαν συχνά περισσότερες μετωπικές πόζες. Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι η περιορισμένη παλέτα των πράσινων, κρεμών και καφέ του Ingres αλλάζει από τους σκοτεινούς τόνους της κουρτίνας στα αριστερά στους ελαφριούς τόνους του σκηνικού και το κάλυμμα κρεβατιού στα δεξιά. Αυτή η διαβάθμιση του τόνου φαίνεται ότι αντανακλά τη συμβολική φύση του κολύμβησης, μια πράξη που καθαρίζει και καθαρίζει την ψυχή κάποιου: καθώς ο φροντιστής απομακρύνεται από το λουτρό γίνεται πιο λευκή και επομένως πιο αγνή. (Γουίλιαμ Ντέιβις)

  • Η σχεδία της Μέδουσας (1819)

    Λίγοι άνθρωποι μπορούσαν να δουν αυτόν τον πίνακα και να μην κατακλύζονται από το πάθος και τη δύναμή του. Ζωγραφισμένο από τον πρωταγωνιστή του γαλλικού ρομαντισμού, Théodore Géricault , θεωρείται πλέον ως η καθοριστική δήλωση αυτού του κινήματος. Οι Ρομαντικοί έφυγαν από την κλασική τέχνη του 18ου αιώνα για να τονίσουν τον ρεαλισμό και το συναίσθημα. Αυτή η ζωγραφική είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα γιατί γεφυρώνει τόσο καθαρά τον κλασικισμό και τον ρομαντισμό. Όταν εμφανίστηκε το The Raft of the Medusa στην έκθεση σαλόνι του 1819, προκάλεσε ένα μεγάλο σκάνδαλο, τρομακτικό το ίδρυμα. Η σκηνή αφηγείται την αληθινή ιστορία της ναυπηγικής φρεγάτας της γαλλικής κυβέρνησης La Méduse, του οποίου ο ανίκανος καπετάνιος και αξιωματικοί πήραν τα μόνα σωσίβια λέμβια για τον εαυτό τους και άφησαν όλα εκτός από 15 από τα 150 μέλη του πληρώματος και των επιβατών να χαθούν σε μια αυτοσχέδια σχεδία, βυθισμένη σε απελπισία, αγριότητα και κανιβαλισμό. Ο Géricault τόλμησε να δείξει ένα βλαβερό, ενοχλητικό επεισόδιο από τη σύγχρονη ιστορία (το ναυάγιο συνέβη το 1816) που αντανακλούσε άσχημα σε όλους τους εμπλεκόμενους, με τρόπο που μοιάζει με τους τεράστιους ηρωικούς πίνακες ιστορίας που αγαπούν οι παραδοσιακοί. Από τη μία πλευρά, υπάρχει ένα μακάβριο επίπεδο ρεαλισμού εδώ (ο Géricault μελέτησε πτώματα για να πάρει τις λεπτομέρειες σωστά), με εξαιρετικά ενεργητικό πινέλο που αυξάνει την περιστρεφόμενη κίνηση και συναίσθημα. Από την άλλη πλευρά, το σώμα και η σύνθεση σε σχήμα πυραμίδας είναι κλασικού στιλ. Παρά την οργή, η εικόνα κέρδισε καλλιτεχνική έγκριση για τον Géricault και είχε τεράστια επιρροή σε άλλους καλλιτέχνες,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • Ο θάνατος του Σαρδαναπόλου (1827)

    Συχνά λέγεται ότι είναι ο μεγαλύτερος από τους Γάλλους Ρομαντικούς, ο Eugène Delacroix ήταν πραγματικά ζωγράφος της εποχής του. Όπως και ο φίλος του Thodod Géricault , ο Delacroix διατήρησε ορισμένα κλασικά στοιχεία από την πρώιμη προπόνησή του, αλλά έδειξε μια τολμηρή ενέργεια, μια πλούσια, ατομικιστική χρήση χρώματος και μια αγάπη για τα εξωτικά που τον έκαναν trailblazer. Ο τεράστιος καμβάς Ο θάνατος του Σαρδαναπόλουεκρήγνυται στις αισθήσεις με άγρια ​​κίνηση και πολυτελές χρώμα, ένα όργιο του απολαυστικού εξωτισμού. Ο Σαρδαναπόλος ήταν ένας Ασσύριος κυβερνήτης του αρχαίου μύθου με γεύση για ακραία παρακμή. Σε απάντηση στην ντροπή μιας μεγάλης στρατιωτικής ήττας, ο Σαρδαναπόλος έφτιαξε μια τεράστια πυρά στην οποία κάηκε μέχρι θανάτου μαζί με όλους τους θησαυρούς του παλάτι, τις ερωμένες και τους σκλάβους. Η Delacroix αποκάλυψε ένα τέτοιο Byron δράμα. Φαίνεται ότι έχει εγκαταλείψει οποιαδήποτε απόπειρα ρεαλιστικής προοπτικής ή συνθετικής συνοχής. Διαστρεβλωμένα σώματα και αντικείμενα στροβιλίζονται σε έναν κόσμο εφιάλτη πνιγμένο με έντονο χρώμα και ζεστή σκιά. Η λεπτομερής ζωγραφική με αστραφτερά κοσμήματα και πλούσια υφάσματα μεταδίδει με σαφήνεια τον απεριόριστο κόσμο που απεικονίζεται, ενώ το δροσερό απόσπασμα με το οποίο ο Σαρδαναπόλος ερευνά το χάος γύρω του προκαλεί μια απαίσια διάθεση. Ο Delacroix πειραματίζεται με γκρίζους και μπλε τόνους στο ανθρώπινο δέρμα για να δώσει σχήμα στη μη συμβατική μοντελοποίηση σωμάτων του. Είναι εύκολο να δούμε πώς η απρόσκοπτη εξερεύνηση της βίας, μαζί με την ξέφρενη ενέργεια και τις τολμηρές τεχνικές χρωματισμού, μίλησε για πολλούς αργότερα καλλιτέχνες. (Ann Kay)

  • Ο Όμηρος Θεοποιημένος ( Η Αποθέωση του Ομήρου ) (1827)

    Μέχρι τη ζωγραφική του Homer Deified , ο Jean-Auguste-Dominique Ingres ήταν ένας αυτοαποκαλούμενος ηγέτης της παραδοσιακής, κλασικής ζωγραφικής, ενάντια στην έντονη τέχνη των Γάλλων Ρομαντικών όπως η Eugène Delacroix . Αυτός ο συγκεκριμένος πίνακας δύσκολα θα μπορούσε να είναι ένα καλύτερο παράδειγμα της ακαδημαϊκής προσέγγισης του Ingres, και στην πραγματικότητα το σκόπευε ως ύμνο επαίνους για τον κλασικισμό. Αν και είχε μια πιο αισθησιακή πλευρά (για παράδειγμα, το The Bather ), έχει καταργηθεί εντελώς εδώ. Επίσης γνωστό ως Η Αποθέωση του Ομήρου , αυτό το έργο δείχνει τον διάσημο ποιητή της αρχαίας Ελλάδας ως θεό που στέφθηκε με δάφνες από τη μυθολογική φιγούρα Νίκη. Δύο γυναίκες στα πόδια του αντιπροσωπεύουν τα μεγάλα επικά έργα του Ομήρου,Η Ιλιάδα και η Οδύσσεια. Γύρω του συγκεντρώνεται ένα λατρευτό πλήθος καλλιτεχνικών γίγαντων από την αρχαιότητα και τη σύγχρονη εποχή, συμπεριλαμβανομένων των Ελλήνων: ο δραματουργός Αισχύλος προσφέρει μια περγαμηνή αριστερά του Ομήρου, ενώ ο αθηναίος γλύπτης Φειδίας κρατά ένα σφυρί στα δεξιά. Στις πιο σύγχρονες φιγούρες κυριαρχούν καλλιτέχνες από την κλασική περίοδο του 17ου αιώνα της Γαλλίας, όπως ο θεατρικός συγγραφέας Molière και ο ζωγράφος Nicolas Poussin. Η τριγωνική, συμμετρική σύνθεση αποπνέει τον κλασικό ιδεαλισμό, με τον Όμηρο τοποθετημένο κεντρικά σε έναν παλαιό ναό που φέρει το όνομά του. Αυτός ο πίνακας δεν έγινε δεκτός κατά τη δημιουργία του. Ο Ingres αποσύρθηκε στη Ρώμη για λίγα χρόνια, αλλά επέστρεψε στη δεκαετία του 1840 για να ξαναπροσδιοριστεί ως κορυφαίος κλασικιστής. Έγινε μοντέρνο για τον καταραμένο παραδοσιακότητα του Ingres, αλλά τώρα θεωρείται ως ένας πολύ σημαντικός καλλιτέχνης με σημαντική τεχνική ικανότητα. (Ann Kay)

  • Liberty Leading the People (1830)

    Αυτό το έργο ανήκει στην περίοδο μεταξύ 1827 και 1832 κατά την οποία η Eugène Delacroixπαρήγαγε ένα αριστούργημα μετά το άλλο. Αυτό δεν αποτελεί εξαίρεση. Ζωγραφισμένο για να τιμήσει την επανάσταση του Ιουλίου 1830 που έφερε τον Louis-Philippe στην εξουσία, η εικόνα έφτασε να συμβολίζει το πνεύμα της επανάστασης. Προκάλεσε μια αίσθηση στο σαλόνι του Παρισιού του 1831, και, παρόλο που ο Louis-Philippe αγόρασε το έργο για να σηματοδοτήσει την ένταξή του, το κράτησε μακριά από τη δημόσια θέα, επειδή θεωρήθηκε δυνητικά φλεγμονώδες. Η εικόνα συνδυάζει έξυπνα το σύγχρονο ρεπορτάζ με την αλληγορία με μνημειακό τρόπο. Ο τόπος και ο χρόνος είναι ξεκάθαροι: Η Νοτρ Νταμ είναι ορατή στο βάθος και οι άνθρωποι είναι ντυμένοι σύμφωνα με την τάξη τους, με το βρώμικο αγόρι στα δεξιά να συμβολίζει τη δύναμη των απλών ανθρώπων. Η αλληγορική φιγούρα της Ελευθερίας που υπερισχύει της σκηνής, τρίχρωμη που υψώνεται πάνω της, προκάλεσε οργή επειδή αντί να προσωποποιήσει την εξιδανικευμένη ομορφιά, το ζωντανό πινέλο δείχνει μια πολύ αληθινή γυναίκα - ημιγυμνή, βρώμικη και σκοντάφτει πτώματα με τρόπο που μπορεί να υποδηλώνει πώς η ελευθερία θα μπορούσε να φέρει κάποια δική της καταπίεση. Αυτός ο πίνακας δείχνει επίσης ότι ο Delacroix στρέφεται προς την πιο ήπια προσέγγιση του μετέπειτα έργου του, στο οποίο έκανε ολοένα και πιο λεπτές επιθέσεις στους τρόπους με τους οποίους τα χρώματα λειτουργούσαν το ένα δίπλα στο άλλο για να μεταδώσουν μια αίσθηση της πραγματικότητας ή να εκφράσουν αλήθειες. Αυτή η χρήση χρώματος θα είχε τεράστια επιρροή μεταξύ των Ιμπρεσιονιστών και των Μοντερνιστών με τον οποίο έκανε ολοένα και πιο λεπτές επιδρομές στους τρόπους με τους οποίους τα χρώματα δούλευαν το ένα δίπλα στο άλλο για να μεταδώσουν μια αίσθηση πραγματικότητας ή να εκφράσουν αλήθειες. Αυτή η χρήση χρώματος θα είχε τεράστια επιρροή μεταξύ των Ιμπρεσιονιστών και των Μοντερνιστών με τον οποίο έκανε ολοένα και πιο λεπτές επιδρομές στους τρόπους με τους οποίους τα χρώματα δούλευαν το ένα δίπλα στο άλλο για να μεταδώσουν μια αίσθηση πραγματικότητας ή να εκφράσουν αλήθειες. Αυτή η χρήση χρώματος θα είχε τεράστια επιρροή μεταξύ των Ιμπρεσιονιστών και των ΜοντερνιστώνPierre-Auguste Renoir και Georges Seurat προς Πάμπλο Πικάσο . (Ann Kay)

  • Άποψη της Grande Galerie του Λούβρου (1841)

    Ο γιος ενός επιτυχημένου εμπόρου υφαντής, ο Patrick Allan-Fraser απέρριψε την ευκαιρία να ακολουθήσει τον πατέρα του σε μια εμπορική καριέρα υπέρ της επιδίωξης της καλλιτεχνικής του τάσης. Οι μελέτες μετέφεραν τον Allan-Fraser στο Εδιμβούργο, τη Ρώμη, το Λονδίνο και τελικά στο Παρίσι, όπου συνάντησε την υπέροχη Grande Galerie μέσα στο Λούβρο. Κατά τη ζωγραφική Άποψη της Γκρανέρ του Λούβρου, ο καλλιτέχνης πήρε την έμπνευσή του από μια ομάδα βικτοριανών καλλιτεχνών γνωστών ως The Clique, την οποία είχε συναντήσει στο Λονδίνο. Ο Clique απέρριψε την ακαδημαϊκή υψηλή τέχνη υπέρ της ζωγραφικής του είδους. Το φαινομενικά άπειρο Grande Galerie, που εκτείνεται για ένα τέταρτο του μιλίου, ήταν ένα μέρος όπου οι καλλιτέχνες και οι τεχνίτες συχνά συγκεντρώνονταν, αλλά εδώ συναντάμε μια γαλήνια ατμόσφαιρα εκτίμησης και προβληματισμού. Τα τελευταία χρόνια ο Allan-Fraser θα βυθίστηκε στην αποκατάσταση και κατασκευή ωραίων κτιρίων, και ο θαυμασμός του για την Grande Galerie ήταν υψίστης σημασίας όταν το έκανε αυτό. Οι σποραδικές ακτίνες φωτός όχι μόνο επιτρέπουν στον θεατή να κοιτάξει τη δραστηριότητα μέσα, αλλά επίσης αποκαλύπτει το μέγεθος και την κομψότητα της αίθουσας. Ο Allan-Fraser εξελέγη στη Royal Scottish Academy το 1874 και ανέθεσε τα πορτρέτα των μελών του The Clique, σεβασμό σε εκείνους που τον είχαν εμπνεύσει. (Simon Gray)

  • Σουβενίρ ντε Μορτεφοντέιν (1864)

    Ο Camille Corot ξεκίνησε την καριέρα του ως ντράπερ πριν αποφασίσει να συνεχίσει την καλλιτεχνική εκπαίδευση. Με την υποστήριξη του πατέρα του σπούδασε πρώτα με τον Achille Etna Michallon και στη συνέχεια με τον Jean-Victor Bertin, αν και ο Corot αργότερα αρνήθηκε ότι η εκπαίδευσή του επηρέασε την τέχνη του. Ταξίδεψε ευρέως καθ 'όλη τη διάρκεια της ζωής του, πέρασε αρκετά χρόνια στην Ιταλία, εξερευνώντας την Ελβετία και κάλυψε μεγάλο μέρος της γαλλικής υπαίθρου. Στα ταξίδια του έφτιαξε πολλά σκίτσα λαδιού και πινέζους πίνακες που συνέλαβαν την αμεσότητα του φωτός και της ατμόσφαιρας. δούλεψε επίσης σε πίνακες ζωγραφικής σε στούντιο. Σουβενίρ ντε Μορτεφοντέινείναι ένας από τους καλύτερους πίνακες ζωγραφικής από την ύστερη καριέρα του. Είναι λουσμένο σε ένα απαλό, διάχυτο φως και είναι ένα έργο απόλυτης ηρεμίας, επιτομή μιας λυρικής και ποιητικής αφομοίωσης του κόσμου του καλλιτέχνη. Η σκηνή δεν προέρχεται από τη φύση, αλλά συνδυάζει βασικά στοιχεία του φυσικού περιβάλλοντος για να δημιουργήσει την τέλεια, αρμονική εικόνα. Το χαριτωμένο δέντρο στο προσκήνιο, η έκταση του ακίνητου νερού και οι ήσυχες φιγούρες που μαζεύτηκαν σε απαλό χρώμα ήταν μοτίβα που χρησιμοποιούσε συχνά ο καλλιτέχνης για να αποδώσει ένα έργο όμορφου, ήσυχου προβληματισμού. Δουλεύοντας αρχικά σύμφωνα με τους ρεαλιστές, το ύφος του Corot αναπτύχθηκε για να περιλαμβάνει μια ονειρική, ρομαντική αντίληψη. Ως εκ τούτου, το έργο του μπορεί να θεωρηθεί ως γέφυρα μεταξύ των Ρεαλιστών και των Ιμπρεσιονιστών, και μάλιστα αναφέρεται συχνά ως ο πατέρας του Ιμπρεσιονισμού.Οι απόψεις του Claude Monet για το Σηκουάνα νωρίς το πρωί, ζωγραφισμένα κατά τη διάρκεια του 1890 (Tamsin Pickeral)

  • Η Σημαία του Χριστού (1455-60)

    Τα εδάφη της Καταλονίας, με επίκεντρο την πόλη της Βαρκελώνης, είδαν μια μεγάλη χρυσή εποχή της τέχνης το 1400, και στην πρώτη γραμμή αυτής της αναβίωσης ήταν ο Jaume Huguet . Το Huguet φημίζεται για τα εντυπωσιακά altarpieces που χαρακτηρίζουν την υπέροχα διακοσμητική θρησκευτική τέχνη που παράγεται από το καταλανικό σχολείο αυτή τη στιγμή. Στο κέντρο αυτού του υψομέτρουΟ Χριστός ξυλοκοπήθηκε πριν λάβει ποινή θανάτου με σταύρωση. Ο άνδρας που έδωσε την ποινή - ο Ρωμαίος κυβερνήτης της Ιουδαίας, ο Πόντιος Πιλάτος - κάθεται σε ένα μεγάλο θρόνο στα δεξιά. Η εικόνα του Huguet είναι γεμάτη με πολύχρωμα χρώματα και εκρήγνυται με λεπτές λεπτομέρειες, από τα πλακάκια δαπέδου μέχρι τον θρόνο και τα ρούχα του Πιλάτου. Υπάρχει μια καλά κατασκευασμένη συμμετρία στη σύνθεση: η κεντρική θέση του Χριστού, πλαισιώνεται από δύο άνδρες που παραδίδουν το ξυλοδαρμό και δύο μικρούς αγγέλους στα πόδια του, τα υποχωρώντα πλακάκια δαπέδου, τη σειρά καμάρες πίσω από τον Χριστό και την μακρινή θέα ενός τοπίου με κορυφές ομοιόμορφου μεγέθους. Το όλο εφέ είναι πολύ διακοσμητικό, σχεδόν σαν ένα κομμάτι ταπισερί. Αυτό το κομμάτι ανατέθηκε από τη συντεχνία των υποδηματοποιών για το εκκλησάκι Saint-Marc του καθεδρικού ναού της Βαρκελώνης, γι 'αυτό και τα παπούτσια εμφανίζονται στα διακοσμητικά σύνορα. Τα σύνορα περιλαμβάνουν επίσης εικόνες ενός αετού, ενός λιονταριού, ενός αγγέλου και ενός βοδιού - σύμβολα των Ευαγγελιστών Αγίου Ιωάννη, Αγίου Μάρκου, Αγίου Ματθαίου και Αγίου Λουκά, αντίστοιχα. Το έργο του Huguet είναι γενικά στο καλούπι των καταλανικών δασκάλων του 15ου αιώνα, όπως ο Bernardo Martorell, και το προσωπικό του στυλ βοήθησε στον καθορισμό του καταλανικού στιλ. (Ann Kay)

  • Γέρος με ένα νεαρό αγόρι (περ. 1490)

    Ο Domenico Ghirlandaio ήταν καλλιτέχνης της Φλωρεντίας φημισμένος για τις τοιχογραφίες και τα πορτρέτα του. Ο Γέρος με ένα νεαρό αγόρι είναι η πιο ευρέως αναγνωρισμένη εικόνα του. Ένα σχέδιο στο Εθνικό Μουσείο της Στοκχόλμης παρέχει στοιχεία ότι ο Ghirlandaio έκανε μελέτες για τον γέρο, συμπεριλαμβανομένου του ελαττωματικού δέρματος στη μύτη του. Ο άντρας πιστεύεται ότι υπέφερε από το παραμορφωτικό ρινόφημα λόγω της ροδόχρου ακμής. Αλλά ο ρεαλισμός του πορτρέτου είναι ασυνήθιστος για την εποχή του. Η συμπερίληψη αυτού του ελαττώματος από τον Ghirlandaio θεωρείται ότι επηρέασε αργότερα καλλιτέχνες, όπως ο Leonardo da Vinci, να ζωγραφίσουν τα θέματα τους όπως ήταν. Ο θεατής είναι σίγουρα συγκινημένος από αυτήν τη σκηνή. Το γηρασμένο πρόσωπο του γέρου έρχεται σε αντίθεση με το απαλό, νεαρό δέρμα του παιδιού. Καθώς το χέρι του παιδιού φτάνει μέχρι τον γέρο, τα μάτια τους συναντιούνται σε μια ανοιχτή εμφάνιση αγάπης. Τα ζεστά κόκκινα τονίζουν αυτόν τον ερωτικό δεσμό. (Mary Cooch)

  • The Fortune Teller (περ. 1508–10)

    Η βασική φήμη του Lucas van Leyden βασίζεται στις εξαιρετικές ικανότητές του ως χαράκτης, αλλά ήταν επίσης ένας καταξιωμένος ζωγράφος που θεωρείται ότι ήταν ένας από τους πρώτους που εισήγαγε τη ζωγραφική των Κάτω Χωρών. Γεννημένος στο Λάιντεν, όπου πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, θεωρείται ότι έχει εκπαιδευτεί με τον πατέρα του και αργότερα με τον Κορνέλη Ένγκερχτς. Ταξίδεψε στην Αμβέρσα το 1521, όπου συνάντησε τον Albrecht Dürer , ο οποίος ηχογράφησε αυτό το γεγονός στο ημερολόγιό του. Η δουλειά του Dürer φαίνεται να είχε την μεγαλύτερη επιρροή σε αυτόν, αν και ο van Leyden πλησίασε τα θέματα του με μεγαλύτερη κινούμενη εικόνα, επικεντρώνοντας περισσότερο τον χαρακτήρα των μεμονωμένων μορφών. Η μάντισσα,που είναι μια υπαινιγμό για τη ματαιοδοξία της αγάπης και των παιχνιδιών, ζωγραφίστηκε νωρίς στην καριέρα του van Leyden, αλλά ήδη δείχνει τη σχεδίαση και την ικανότητά του ως χρωματιστής. Είναι μια μελέτη του χαρακτήρα, με κάθε άτομο να απεικονίζεται με μια ζωντανή ευαισθησία. Ο σκοτεινός γενειοφόρος άνδρας στο παρασκήνιο είναι ιδιαίτερα συναρπαστικός, με το διάτρητο βλέμμα και την απαίσια όψη του που έρχεται σε αντίθεση με την ωχρή μορφή του μάντισσα. Η επιφάνεια της εικόνας έχει πλούσιο μοτίβο και οι διαφορετικές υφές, από γούνα και μετάξι έως γυαλί και σάρκα, αποδίδονται υπέροχα. Η ώθηση της σύνθεσης στο μπροστινό μέρος του επιπέδου εικόνας έχει ως αποτέλεσμα να τοποθετήσει τον θεατή ανάμεσα στις άλλες εικόνες. Ο Van Leyden ήταν διάσημος κατά τη διάρκεια της ζωής του και παρόλο που δεν είχε άμεσους μαθητές, η επιρροή του ήταν βαθιά στην ανάπτυξη της τέχνης των Κάτω Χωρών, ανοίγοντας το δρόμο για την ολλανδική παράδοση της ζωγραφικής του είδους. Το έργο του πιστεύεται επίσης ότι είχε επιπτώσειςΡέμπραντ . (Tamsin Pickeral)

  • Θρίαμβος του Τίτου και της Βεσπασίας (περ. 1537)

    Γεννημένος Giulio Pippi, ο καλλιτέχνης αυτού του πίνακα έγινε αργότερα γνωστός ως Giulio Romano μετά την πόλη της γέννησής του. Σε νεαρή ηλικία, πήγε να σπουδάσει με τον Ραφαήλ, στη συνέχεια έγινε επικεφαλής βοηθός του, και μετά το θάνατο του Ραφαήλ ολοκλήρωσε διάφορα έργα του καλλιτέχνη. Η ζωντανή παλέτα του Romano και το τολμηρό εικονιστικό στυλ ήταν σε αντίθεση με την λεπτότητα του δασκάλου του, αλλά, όσον αφορά την καθαρή φαντασία και το δραματικό ψευδαίσιο αποτέλεσμα που επιτεύχθηκε μέσω της χειραγώγησης της προοπτικής, ο Romano ήταν ηγέτης στον τομέα του. Εκτός από τα ζωγραφικά του επιτεύγματα, ο καλλιτέχνης ήταν επίσης αρχιτέκτονας και μηχανικός. Περίπου το 1524 ο Romano απασχολήθηκε από τον Frederico Gonzaga, κυβερνήτη της Mantua, και ξεκίνησε ένα τεράστιο έργο σχεδιασμού και ανοικοδόμησης ορισμένων από τα κτίρια της πόλης, καθώς και μια σειρά διακοσμητικών σχεδίων. Ο θρίαμβος του Τίτου και της Βεσπασίαςανατέθηκε από τον Γκονζάγκα για το δωμάτιο των Καισάρων στο Palazzo Ducale. Απεικονίζει τον αυτοκράτορα Τίτο να κάνει παρέλαση στη Ρώμη μετά από μια νίκη επί των Εβραίων. Η σύνθεση βασίζεται σε μια σκηνή στο εσωτερικό της αρχαίας αψίδας του Τίτου στη Ρώμη και διατηρεί μεγάλο μέρος της γλυπτικής ποιότητας του πρωτότυπου, ιδιαίτερα στα άκαμπτα άλογα του Romano. Τα λαμπερά χρώματα και το κλασικό θέμα που αποδίδεται στο χέρι του Romano Mannerist έκανε αυτό το έργο πολύ δημοφιλές στην εποχή του. Ιδιαίτερη σημασία έχει η μεταχείριση του τοπίου - η οποία είναι όμορφα λεπτομερής και λουσμένη σε ένα λαμπερό ημιδιαφανές φως -. (Tamsin Pickeral)

  • Η Παναγία και το Παιδί με την Αγία Άννα (περ. 1510)

    Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι μαθητεύτηκε υπό τον κύριο γλύπτη Andrea del Verrocchio , μετά τον οποίο εργάστηκε για μερικούς από τους πλουσιότερους προστάτες στη Γαλλία και την Ιταλία, συμπεριλαμβανομένης της οικογένειας Sforza του Μιλάνου, του βασιλιά της Γαλλίας και του Βατικανού στη Ρώμη. Αν ο Verrocchio δεν είχε αλλάξει στη ζωγραφική για να ανταγωνιστεί τους αντιπάλους του τη στιγμή που ο Λεονάρντο ήταν στο εργαστήριό του, ορισμένοι μελετητές πιστεύουν ότι είναι πιθανό ότι ο Λεονάρντο δεν θα ανέβαινε απαραίτητα ποτέ μια βούρτσα. Αν και η ζωή και το έργο του είναι εξαιρετικά σημαντικά για την ιστορία της τέχνης, σήμερα υπάρχουν περίπου 20 πίνακες ζωγραφικής με ασφάλεια. Η Παναγία, η μητέρα της Άννα και το βρέφος Ιησού, το αντικείμενο αυτής της ζωγραφικής, είναι μαζί ένα από τα πιο δημοφιλή θέματα του Λεονάρντο, όπως αποδεικνύεται από πολλά σχέδια και πίνακες. Σε αυτά περιλαμβάνονται ένα χαμένο καρτούν του 1501 και η Παναγία και το Παιδί με την Αγία Άννα και τον Άγιο Ιωάννη τον Βαπτιστή (περ. 1508, γνωστά ως Burlington House Cartoon). Μπορεί να υποτεθεί ότι το τελευταίο γελοιογραφία προοριζόταν να εξελιχθεί σε ένα μεγάλο, πλήρως βαμμένο έργο, αλλά δεν υπάρχουν ενδείξεις ότι μια τέτοια ζωγραφική επιχειρήθηκε ποτέ. Εδώ, ωστόσο, η Παναγία στηρίζεται στην αγκαλιά της Αγίας Άννας, ενώ το Χριστό παιδί χαϊδεύει παιχνιδιάρικα ένα νεαρό αρνί θυσίας, μια προφανής ενσάρκωση της μοίρας του βρέφους. Ένα σχέδιο στυλό και μελανιού μικρής κλίμακας για την Παναγία και το Παιδί με την Αγία Άνναυπάρχει στη συλλογή της Accademia, Βενετία. Οι άτυπες στάσεις και η τρυφερή ψυχολογική δέσμευση μεταξύ των καθιστών αποτελούν ένα υψηλό όλων των εποχών θρησκευτικό έργο ζωγραφικής. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Σε αυτό που έχει γίνει ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Antonello da Messina, ο καλλιτέχνης απεικονίζει έναν στρατιωτικό ηγέτη της Ιταλίας, γνωστός ως προαγωγός. (Η πραγματική ταυτότητα του άνδρα, ωστόσο, είναι άγνωστη.) Μέχρι τον 19ο αιώνα, η Ιταλία αποτελούταν από ένα σύνολο ανεξάρτητων κρατών της πόλης, και οι condottieri είχαν μεγάλη ζήτηση να πολεμήσουν σε μάχες μεταξύ συγκρουόμενων κρατών. Ο Antonello ενδιαφέρεται να δείξει την τάξη του sitter του: κάθεται μπροστά σε μαύρο φόντο με βασικά ρούχα και καπέλα με καλή στάση, αυξάνοντας έτσι την κατάστασή του πάνω από εκείνη ενός απλού πολεμιστή. Πράγματι, το θέμα του Antonello πιθανότατα είχε τον πλούτο να αποκτήσει έναν τίτλο πιο κοντά σε αυτόν ενός κυρίου, και θα είχε αναθέσει αυτό το πορτρέτο για να τονίσει την κοινωνική του θέση. Ωστόσο, ο Antonello υπενθυμίζει στον θεατή ότι αυτός ο άνθρωπος είναι ένας αδίστακτος μαχητής. Μια πιο προσεκτική επιθεώρηση του Condottieroαποκαλύπτει λεπτομέρειες όπως η πληγή του πολέμου στο πάνω χείλος του sitter. (Γουίλιαμ Ντέιβις)

  • Μόνα Λίζα (περ. 1503-09)

    Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι ξεκίνησε τη ζωή ως παράνομος γιος συμβολαιογράφου της Τοσκάνης και αναμφισβήτητα έγινε ο πιο συζητημένος ζωγράφος στον κόσμο. Ατελείωτη γοητεία εκ μέρους των μελετητών και του κοινού ακολούθησε σχεδόν από την ημέρα που άρχισε να γράφει και να ζωγραφίζει. Ήταν επίσης ένας άνθρωπος με ελαττώματα και περιορισμούς. Γεννήθηκε στην πόλη Anchiano στην πλαγιά του λόφου της Τοσκάνης κοντά στο Vinci και μετακόμισε στη Φλωρεντία σε νεαρή ηλικία για να εκπαιδεύσει ως μαθητευόμενος στην Andrea del Verrocchio, ένας διάσημος γλύπτης της ημέρας. Από αυτά τα πρώτα μαθήματα, ο Λεονάρντο κέρδισε μια βαθιά εκτίμηση του τρισδιάστατου χώρου, μιας έννοιας που τον εξυπηρετούσε καθ 'όλη τη διάρκεια της καριέρας του, είτε ζωγράφισε είτε σχεδίαζε τις περιπλοκές φυτών ή τμημάτων του ανθρώπινου σώματος, πολεμικές μηχανές ή δημόσια έργα νερού, μαθηματική γεωμετρία ή τοπική γεωλογία. Το όνομα αυτής της ζωγραφικής , που δεν χρησιμοποιήθηκε μέχρι τον 19ο αιώνα, προήλθε από έναν πρώιμο απολογισμό του Γιώργιου Βασαρίου , ο οποίος παρέχει επίσης τη μόνη ταυτοποίηση του sitter. Η Μόνα Λίζα, γνωστή και ως Λίζα Γκεραρντίνι, ζωγραφίστηκε στα μέσα της δεκαετίας του '20 αφού παντρεύτηκε έναν μεταξωτό έμπορο με την ονομασία Francesco del Giocondo, τον άντρα που μπορεί να ανέθεσε το πορτρέτο. Μέχρι σήμερα, οι Ιταλοί την γνωρίζουν ως La Gioconda και ΓαλλικάLa Joconde , που κυριολεκτικά μεταφράζεται ως «το jocund (ή παιχνιδιάρικο)». Στην πιο πρόσφατη ιστορία, η φήμη του πίνακα μπορεί επίσης να προέρχεται εν μέρει από το γεγονός ότι κλαπεί από το Λούβρο στο Παρίσι σε μια συγκλονιστική ληστεία το 1911 από έναν Ιταλό εθνικιστή, αλλά ευτυχώς επέστρεψε δύο χρόνια αργότερα. (Steven Pulimood)

    [Θέλετε να μάθετε περισσότερα για το γιατί η Mona Lisa είναι τόσο διάσημη; Διαβάστε αυτό το Demystified από την Britannica.]

  • Φιλανθρωπία (1518–19)

    Το 1518 ο Φραγκίσκος Α της Γαλλίας κάλεσε τον ζωγράφο Φλωρεντίας Αντρέα ντελ Σάρτο στο γαλλικό δικαστήριο του, όπου ο Ιταλός καλλιτέχνης έζησε για ένα χρόνο. Η φιλανθρωπία είναι η μόνη επιζών ζωγραφική από τη γαλλική του διαμονή. ζωγραφίστηκε για το Château d'Amboise. Το έργο είναι χαρακτηριστικό των έργων που προτιμούν οι Γάλλοι βασιλείς αυτή τη στιγμή. Απεικονίζει τη φιλανθρωπική φιγούρα που περιβάλλεται από παιδιά τα οποία φροντίζει και προστατεύει. Ήταν μια αλληγορική αναπαράσταση της γαλλικής βασιλικής οικογένειας, και γιόρτασε τη γέννηση του Dauphin, ο οποίος συμβολίζεται από το μωρό που θηλάζει, ενώ η φιλανθρωπία έχει κάποια ομοιότητα με τη βασίλισσα. Η πυραμιδική δομή της σύνθεσης είναι χαρακτηριστική της παραδοσιακής μορφής για αυτόν τον τύπο ζωγραφικής και είναι επίσης μια αντανάκλαση της επιρροής τουΛεονάρντο ντα Βίντσι για την Αντρέα ντελ Σάρτο. Συγκεκριμένα, ο καλλιτέχνης θαύμαζε το Leonardo's The Virgin and Child με την Αγία Άννα . (Tamsin Pickeral)

  • Ο Αποκεφαλισμός του Αγίου Γεωργίου (περ. 1432–34)

    Ο Μπερνάρντο Μαρτόρελ εργάστηκε στη Βαρκελώνη και πιθανότατα διδάχθηκε από τον Λουίς Μποράρα, τον πιο παραγωγικό καταλανικό ζωγράφο της εποχής. Μόνο ένα σωζόμενο έργο αποδίδεται σίγουρα στον Martorell - το Altarpiece του Αγίου Πέτρου του Pubol (1437), το οποίο βρίσκεται στο Μουσείο της Χιρόνας, στην Ιταλία. Ωστόσο, το Altarpiece του Αγίου Γεωργίου είναι τόσο ξεχωριστό στο στυλ του Martorell που οι περισσότεροι ειδικοί πιστεύουν ότι ήταν ο καλλιτέχνης. Το υψόμετρο δημιουργήθηκε για το εκκλησάκι του Αγίου Γεωργίου στο Παλάτι της Βαρκελώνης. Αποτελείται από ένα κεντρικό πάνελ που δείχνει τον Άγιο Γεώργιο να σκοτώνει τον δράκο , ο οποίος τώρα στεγάζεται στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγου, και τέσσερις πλευρικές πλάκες, που βρίσκονται στο Λούβρο της Γαλλίας. Αυτό το πλαϊνό πλαίσιοαποτελεί το τελευταίο μέρος της αφήγησης και απεικονίζει το μαρτύριο του Αγίου Γεωργίου. Ο μύθος του Αγίου Γεωργίου φαίνεται να προέρχεται από γραπτά του Eusebius της Καισάρειας, που χρονολογείται στον τέταρτο αιώνα μ.Χ. Φημολογήθηκε ότι ήταν Ρωμαίος στρατιώτης ευγενής γέννησης, ο οποίος δολοφονήθηκε το 303 μ.Χ. για διαμαρτυρία ενάντια στη δίωξη των Χριστιανών. Ήταν κανονικοποιημένος τον 10ο αιώνα και έγινε προστάτης άγιος των στρατιωτών. Ο θρύλος του Αγίου Γεωργίου ήταν διαδεδομένος σε όλη την Ευρώπη τον Μεσαίωνα και, παρόλο που η ιστορία του αγίου που σκοτώνει έναν δράκο φαίνεται πιο μυθολογική παρά θαυματουργή, επαναλαμβάνεται σε πολλούς μεσαιωνικούς πίνακες. Σε αυτήν την τελευταία σκηνή του θρύλου, καθώς ο Άγιος Γεώργιος αποκεφαλίζεται, αστραπή πέφτει από έναν φλογερό κόκκινο και χρυσό ουρανό. Το στυλ μπορεί να είναι διεθνές γοτθικό, αλλά τα τρομακτικά πρόσωπα, τα άλογα εκτροφής, τα πτώματα, και ο ειδικός χειρισμός του φωτός ανήκει στη Martorell. (Mary Cooch)