Diverso

21 pinturas notables en el Musée d'Orsay de París


  • El estudio del artista (1854-1855)

    Gustave Courbet fue el fundador y líder del Realismo, el influyente movimiento literario y artístico del siglo XIX que se centró en la gente común, los temas cotidianos y la verosimilitud visual. Courbet estaba particularmente interesado en el campesinado francés y pintó muchos de sus cuadros más importantes en su ciudad natal de Ornans. El estudio del artistadifiere significativamente en tono y tema de las representaciones de Courbet de dramas domésticos rurales y paisajes radiantes, sin embargo, su pintura más visualmente elaborada y densamente narrativa todavía se considera una de sus mayores obras maestras. El título de la pintura es un juego de palabras inteligente, ya que es tanto una alegoría genuina como la alegoría de Courbet de la filosofía detrás del realismo. En el centro de la composición, Courbet se sienta pintando uno de sus lienzos más típicos, que representa simbólicamente su espíritu de "verdad" en la pintura. La modelo desnuda que lo ve pintar actúa como la encarnación de la belleza no idealizada. A su alrededor hay imágenes del estudio de un artista, como una calavera, un modelo contorsionado en una pose compleja y otro vestido con un traje tradicional chino y esperando ser llamado a la plataforma. Entre la multitud también hay retratos de los amigos de Courbet, coleccionistas y patrocinadores. Sin embargo, Courbet dirige su atención a un niño campesino, cuya opinión parece importar más al artista que las de los estudiosos y coleccionistas bien vestidos que lo observan, lo que demuestra la importancia de que los artistas observen y representen la belleza de su realidad contemporánea. (Ana Finel Honigman)

  • L'Angélus (1857-1859)

    Este célebre cuadro fue una de las imágenes más reproducidas del siglo XIX. Se exhibieron impresiones en miles de hogares cristianos, aunque fue igualmente popular entre los dibujantes, a quienes les encantaba satirizar su enfoque sentimental. El Ángelus es una oración que tradicionalmente se recitaba tres veces al día en los países católicos romanos, por la mañana, al mediodía y, como aquí, al atardecer. El nombre proviene de las palabras iniciales de un pasaje relacionado con la Anunciación: Angelus Domini nuntiavit Mariae , o "El ángel del Señor anunciado a María". Jean-François Milletno se sintió incitado a pintar la escena por fervor religioso. No era un feligrés, y su vida privada ciertamente habría sido mal vista por las autoridades (vivía con una esposa de hecho con quien tenía varios hijos). Más bien, se inspiró en la nostalgia. Él mismo procedía de un linaje campesino y recordaba el Ángelus de su infancia. Al son de la campana de la iglesia, su abuela siempre había dado instrucciones a la familia para que dejaran de trabajar, para recordar a "esos pobres muertos". También recordó cómo las campesinas parecían mucho más devotas que sus hombres; no es casualidad que, en esta imagen, la mujer tenga la cabeza inclinada y las manos entrelazadas en una actitud formal de oración, mientras que su esposo simplemente sostiene su sombrero. L'Angélusescapó de la controversia que rodeó algunas de las otras pinturas de Millet y rápidamente se convirtió en su obra más famosa. Se vendió en la década de 1890 por una gran suma y su destino fue noticia nacional en Francia. (Iain Zaczek)

  • Le Déjeuner sur l'Herbe (1863)

    Mucho antes de su asociación con los impresionistas, Édouard Manet era una figura controvertida en el mundo del arte francés. Esta fue la primera de sus imágenes en crear un escándalo, cuando se exhibió en 1863. Un año antes, el gusto de Manet por la experimentación había recibido un impulso inesperado. Su padre había muerto, proporcionándole una herencia considerable, lo que significaba que su arte no necesitaba ser comercialmente viable. Tampoco tenía que preocuparse por molestar a su familia, ya que Manet sabía que Le Déjeuner sur l'Herbe ( Almuerzo sobre la hierba ) causaría revuelo. La mayoría de los críticos reconocieron que Manet era un pintor talentoso, pero el tema los desconcertó. Sabían que estaba vagamente basado en el Concierto Pastoral, una famosa pintura del siglo XVI en el Louvre. Sin embargo, mientras que el original era claramente una fantasía, ambientada en un pasado imaginario, la ropa en la imagen de Manet era real y moderna. Esto planteó cuestiones de moralidad. ¿Por qué dos caballeros estaban sentados al lado de una mujer desnuda? La imagen de Manet también resultaba desconcertante en otros aspectos. La pose de la figura de la derecha, por ejemplo, fue copiada de un grabado de Marcantonio Raimondi . En su contexto original, el gesto del hombre tenía perfecto sentido, pero en Le Déjeuner sur l'Herbeno tenía ningún propósito obvio. La figura del fondo resultaba igualmente desconcertante. Era obvio que era demasiado grande, sobre todo en comparación con el barco cercano. Al parecer, Manet estaba desobedeciendo deliberadamente las leyes de la perspectiva, así como las convenciones de composición. (Iain Zaczek)

  • Olimpia (1863)

    Durante la década de 1860, Édouard Manet fue el artista más famoso de Francia. En 1865, dos años después del furor que rodeó a su Le Déjeuner sur l'Herbe , volvió a escandalizar al público al exhibir la provocadora Olimpia . En ambas imágenes, Manet estaba reinventando una pintura del Viejo Maestro, traduciéndola a un idioma moderno. Al hacerlo, era muy consciente de que estaba cruzando los límites del gusto contemporáneo. Entonces, cuando Olympiase mostró en el Salón de 1865, el modelo fue ridiculizado como "la Reina de Picas saliendo del baño". La controversia se originó en las actitudes del siglo XIX hacia el desnudo. Aquí, el problema no radica en la desnudez del modelo, sino en su contexto. La fuente de Manet, por ejemplo, fue una famosa pintura renacentista, la Venus de Urbino (1538) de Tiziano., que se consideró perfectamente respetable. Del mismo modo, muchos artistas del siglo XIX pudieron exhibir imágenes altamente eróticas de Venus o Diana sin censura. Siempre que el sujeto se presentara como una diosa o ninfa clásica, por delgado que fuera el disfraz, la desnudez no era un problema. La foto de Manet fue impactante, porque el desnudo era moderno. Como resultado, muchos críticos la interpretaron como una prostituta. Peor aún, su mirada directa colocó al espectador en el papel de cliente de la prostituta. Manet no hizo nada para contrarrestar esta interpretación. La mujer lleva una sola zapatilla, que era un símbolo convencional de la pérdida de la inocencia, mientras que se creía que la orquídea en su cabello tenía las cualidades de un afrodisíaco. (Iain Zaczek)

  • Orfeo (1865)

    Gustave Moreau fue uno de los pioneros del movimiento simbolista, que jugó un papel importante en el arte francés de la última parte del siglo XIX. Orfeofue uno de sus primeros éxitos, que le valió el reconocimiento oficial. Durante este período, los rebeldes artísticos más destacados (los realistas, los impresionistas) reaccionaron contra el arte académico, con sus representaciones cliché de mitos clásicos y escenas históricas. Sin embargo, artistas como Moreau prefirieron reinventar este enfoque en lugar de suplantarlo. Orfeo fue un poeta tracio mítico famoso por su habilidad musical, que podía encantar no solo a los humanos sino también a los animales, los árboles e incluso las rocas. Murió cuando rechazó a las Ménades, las locas seguidoras del dios del vino Dioniso. Enfurecidos, lo desgarraron miembro por miembro y arrojaron sus restos al río Hebrón. Pero su cabeza siguió cantando lastimeramente mientras se alejaba flotando. Moreau reinventó esta escena como un medio para estimular la imaginación del espectador. En un escenario de ensueño, la cabeza del músico, recuperado por una mujer joven, se ha fusionado con su instrumento. Para algunos, esto representó una imagen atemporal del artista mártir, infravalorado cuando estaba vivo pero venerado después de su muerte, aunque Moreau negó tal significado específico. Las imágenes provocativas que desarrolló —cabezas cortadas, poetas apáticos, hombres andróginos y siniestras femmes fatale— se repiten con frecuencia en sus obras y atraen tanto a los simbolistas como a los surrealistas. (Iain Zaczek) y siniestras femmes fatale —recurren con frecuencia en sus obras y atraen tanto a los simbolistas como a los surrealistas. (Iain Zaczek) y siniestras femmes fatale —recurren con frecuencia en sus obras y atraen tanto a los simbolistas como a los surrealistas. (Iain Zaczek)

  • La familia Bellelli (1858-1867)

    Edgar Degas comenzó su carrera pintando retratos de aspecto relativamente tradicional, pero mientras The Bellelli FamilyParece un trabajo así, tiene claros signos de su estilo maduro y es extremadamente inusual y logrado para un artista más joven. Algunos de los parientes de Degas vivían en Italia, y esta imagen muestra a su tía Laure, su esposo, el barón Bellelli, y sus dos hijas, Giula y Giovanna. Fue pintado mientras Degas estuvo en Italia durante algunos años, estudiando a los maestros. Hay un eco de retratos flamencos como los de Anthony van Dyck en esta obra, pero Degas ha añadido su característico enfoque de “fotograma congelado”. Todos miran en diferentes direcciones, y solo uno de ellos hacia el espectador, mientras que el barón se gira en su asiento pero esencialmente nos da la espalda. Una de las niñas tiene la pierna cruzada debajo de ella y el perrito de la familia desaparece parcialmente fuera de cuadro. Este es, por un lado, un momento fugaz, pero también es un retrato de familia muy veraz. Cada miembro de la familia permanece estoicamente aislado en su propio espacio. Laure está de luto por la reciente muerte de su padre, cuyo retrato cuelga en la pared del fondo, mientras su esposo, un patriota italiano que vive exiliado en Florencia, se sienta de perfil. Los cuadros, los espejos, los reflejos y la entrada, además de los colores sombríos bastante restringidos, realzan el estado de ánimo claustrofóbico. Degas ya ha establecido el núcleo de su enfoque, donde ciertas cosas parecen casuales y otras se estudian y construyen con mucho cuidado. Dijo de sí mismo: "Ningún arte ha sido menos espontáneo que el mío". (Ann Kay) los reflejos y la entrada, además de los colores sombríos bastante restringidos, realzan el estado de ánimo claustrofóbico. Degas ya ha establecido el núcleo de su enfoque, donde ciertas cosas parecen casuales y otras se estudian y construyen con mucho cuidado. Dijo de sí mismo: "Ningún arte ha sido menos espontáneo que el mío". (Ann Kay) los reflejos y la entrada, además de los colores sombríos bastante restringidos, realzan el estado de ánimo claustrofóbico. Degas ya ha establecido el núcleo de su enfoque, donde ciertas cosas parecen casuales y otras se estudian y construyen con mucho cuidado. Dijo de sí mismo: "Ningún arte ha sido menos espontáneo que el mío". (Ann Kay)

  • Un estudio en Batignolles (1870)

    A medida que el siglo XIX llegaba a su fin, la poderosa élite de tradicionalistas que controlaba las galerías y salones de París despreciaba la obra de los artistas representados en esta pintura. Amenazado por el cambio acelerado hacia el impresionismo, el establishment rechazó cada vez más obras nuevas. Cada exposición provocó exposiciones alternativas que presentaban el trabajo de las vanguardias, para la furia del público y de la crítica. Édouard Manet , quien está sentado en el centro de la composición mirando desafiante al espectador, fue una figura decorativa para este nuevo movimiento y soportó la peor parte de muchas críticas reaccionarias. Para Henri Fantin-Latour , su amigo y admirador, la decisión de pintar Un estudio en Batignollesconstituyó una petición personal a favor del genio de Manet y el deseo de capturar un momento de revolución en la historia del arte. Tiene la sensación de un daguerrotipo temprano, gracias a la calidad de la luz y la postura cuidadosamente planteada de cada sujeto. Aunque estaba estrechamente aliado con los revolucionarios representados aquí, incluidos Auguste Renoir y Claude MonetFantin-Latour fue de hecho un pintor mucho más tradicional que cualquiera de ellos y, por lo tanto, esta obra es una valiente declaración de apoyo. Hacia el final de su vida, Fantin-Latour se absorbió cada vez más en la música y desarrolló una pasión por Richard Wagner. El compositor inspiró las obras más imaginativas de Fantin-Latour que, tanto en tema como en estilo, iban a ejercer una influencia significativa en el movimiento simbolista. (Roger Wilson)

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  • Estudio de Bazille (1870)

    Un talentoso primer impresionista, el trabajo de Jean-Frédéric Bazille es poco conocido debido a su prematura muerte: fue asesinado en la guerra franco-prusiana, a la edad de 29 años. Sus obras exhiben un estilo distinto pero a menudo variado, como Bazille buscaba. para crear su propia identidad artística. Sus pinturas muestran frescura, gran atención al detalle, comprensión de la anatomía y expresión facial realista. Si hubiera vivido más tiempo, es probable que su nombre fuera tan conocido hoy como el de los principales contemporáneos. Nacido en Montpellier, Bazille se trasladó a París cuando era joven, donde estudió en el estudio del pintor suizo Charles Gleyre. Sus compañeros de estudios incluyeron a Auguste Renoir , Claude Monet y Alfred Sisley . Gleyre fue un exponente de plein-airpintura, y Bazille adoptó este concepto de pintura al aire libre, en lugar de un estudio. Bazille provenía de una familia adinerada y estaba estudiando para ser médico. Le dio una gran cantidad de ayuda financiera a Monet. Durante la década de 1860, abandonó sus estudios de medicina en favor del arte. Compartió estudios con Monet y Renoir, y expuso en el Salón de París desde 1866 en adelante. Entre sus mejores pinturas se encuentran Toilette (1869-1870), Después del baño (1870) y The Improvised Field Hospital (1865), en realidad un retrato de Monet recuperándose de una lesión en la pierna. Las obras posteriores de Bazille fueron fuertemente influenciadas por Édouard Manet . Estudio de Bazillerepresenta el propio estudio de Bazille. Entre las figuras de esta escena se encuentran Manet, Monet, Renoir y el escritor Émile Zola . La figura más alta es el propio Bazille, agregado por Manet después de la muerte de Bazille. (Lucinda Hawksley)

  • Arreglo en gris y negro No 1 (también llamado Retrato de la madre del artista ) (1871)

    La singular visión que James McNeill Whistler aportó a sus Nocturnes , la serie de pinturas que consistía en gran parte en vistas del río Támesis, también la aplicó al género del retrato. Además, lo que conectaba las dos series era una convicción indudable de que era tarea del artista revelar lo que residía debajo de la apariencia superficial de la realidad empírica observada. Exhibido por primera vez en la Royal Academy en 1872, Arreglo en gris y negro No. 1 (también llamado Retrato de la madre del artista) fue adquirida por el estado francés en 1891. Whistler presenta un estudio analítico reducido organizado en torno a una serie de ejes discretos y superpuestos, tanto verticales como horizontales. De hecho, es solo el contorno del cuerpo de Anna Whistler lo que proporciona cualquier forma de contraste visual y un respiro visual de la angulosidad general de la pintura. Aunque las cualidades formales de la pintura brindan alguna forma de contrapunto visual, la apariencia real de Anna Whistler, vista de perfil, permanece en consonancia con el estilo pictórico general de la pintura; ambas están en primer plano por una austeridad y economía de medios, y ambas, en efecto , carecen de cualquier detalle o adorno superfluo e innecesario. ArregloNo tiene precedentes y es notable si se considera que la pintura también funciona como retrato. Si la serie Nocturne del artista anticipó los experimentos llevados a cabo bajo la rúbrica de la abstracción lírica, entonces Arrangement es anterior a un movimiento relacionado, Geo-abstracción, en al menos medio siglo. (Bastón de Craig)

  • La clase de danza (1871-1874)

    La primera parte de la década de 1870 vio a Edgar Degas definir su estilo, y los cuadros de danza que pintó en ese momento, a menudo vislumbres de la vida entre bastidores "a través del ojo de la cerradura", fueron radicales para la época. Compartiendo la pasión de los impresionistas por la temática contemporánea, la descripción de Degas del mundo dramático del ballet y el teatro agregó cierta excitación. Pero también fue un dibujante destacado que tenía una gran admiración por los viejos maestros y la obra de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Esto ayudó a fomentar la fascinación por las formas humanas que está tan claramente presente aquí. Esta pintura, uno de dos de la misma escena, muestra a bailarines esperando ser evaluados por el maestro de ballet Jules Perrot. Degas se preparó asiduamente realizando numerosos dibujos de bailarines posando para él en su estudio. Su pincelada vivaz y colores claros y brillantes eran típicos de los impresionistas. Su uso del color fue influenciado en parte por los grabados japoneses, que también hicieron un uso dramático de la composición de "corte", donde el sujeto se corta en el marco, que Degas despliega tan inteligentemente aquí y en toda su obra. Degas estuvo fuertemente influenciado por la fotografía y por la revocación de las reglas de composición tradicionales. Este trabajo parece una instantánea, pero está meticulosamente planeado, con el ojo atraído instantáneamente hacia el deslumbrante grupo de dos bailarines en primer plano antes de ser llevado a la imagen por las tablas del piso que se alejan. Degas admiraba la escuela holandesa y aquí muestra la misma capacidad de combinar enfoques tradicionales y modernos para dar un nuevo estatus a la vida cotidiana. (Ann Kay)

  • En un café (también llamado Absenta ) (1875-1876)

    Bailarines, teatro, circo, carreras de caballos y aquí un bar: todo el tipo de temas potencialmente sórdidos que pintó Edgar Degas . Esta visión de la vida real y moderna fue demasiado moderna y real para muchos. Originalmente llamado In a Café , adquirió el título Absinthe(que se refiere tanto a una bebida altamente alcohólica como a quienes la beben) cuando se mostró en la Grafton Gallery, Londres, en 1893, donde causó un gran revuelo. Para algunos, esto fue una espantosa afrenta a la moral victoriana. ¿Cómo era posible que lo que obviamente era una trabajadora sexual (bebiendo absenta) y su igualmente depravado compañero (bebiendo una cura para la resaca) en un bar de París fuera un tema apropiado para una pintura? Aún más escandaloso, la pareja era muy conocida: la actriz Ellen André y el artista bohemio Marcellin Désboutin. Otros pensaron que era una obra maestra radical. ¿Cuál fue la motivación de Degas? Algunos ven los hombros caídos y los ojos vidriosos de la adicción aquí, otros un momento desprevenido de compañía pensativa. Es poco probable que Degas estuviera advirtiendo sobre los horrores del alcoholismo y más probable que estuviera capturando una instantánea veraz de la vida moderna. El artista produce una composición poderosa colocando su tema principal descentrado con una gran área de espacio "en blanco" en primer plano, algo que hacía a menudo. Los tonos son sombríos pero equilibrados armoniosamente a lo largo del lienzo, con un uso dramático de la sombra. Aquellos que juzgaron que se trataba de una pequeña imagen rudimentaria de la vida en la calle no la vieron como la pieza de retrato y reportaje técnicamente hábil que sin duda es. (Ann Kay)

  • Los tejados rojos (1877)

    Esta escena muestra edificios agrícolas en una ladera llamada La Côte des Boeufs, cerca de Pontoise. Fue pintado cuando Camille Pissarro , a menudo considerado el padre del impresionismo francés, pasaba gran parte de su tiempo en esta zona rural, al noroeste de París. Pintó muchos paisajes aquí, a menudo en compañía de Paul Cézanne., y los dos tuvieron una profunda influencia el uno en el otro. Lo que puede parecer una escena campestre encantadora está lejos de ser sencillo desde un punto de vista artístico. Pissarro elige mostrar las casas que se vislumbran a través de una pantalla de árboles, una tarea difícil, pero la pantalla hace que el ojo del espectador se mueva rápidamente más allá de ella, hacia el corazón de la pintura para tratar de distinguir las muchas capas de color. El artista ha construido la pintura a partir de muchas pinceladas cortas, a veces en capas gruesas, en una amplia gama de colores. Desde la distancia, los colores se armonizan, muchas de las pinceladas individuales desaparecen y la escena se llena de vida. El centro de la composición es fuertemente horizontal, gracias a los techos y la forma de la ladera, mientras que a la derecha los edificios están en ángulo con la superficie del cuadro y la colina se inclina hacia abajo. Esto le da movimiento a la imagen, ayudando al ojo a seleccionar objetos del patrón de trazos. Pissarro estaba reconsiderando su estilo en el momento de esta pintura. Experimentó con muchos enfoques a lo largo de su carrera, pero lo que está claro enThe Red Roofs es su devoción por hacer arte que fue una reacción casi subconsciente a la escena que tenía ante él, y por registrar los efectos puros del color y el tono en la naturaleza, un tema central del Impresionismo. (Ann Kay)

  • La doncella en apuros (1882)

    A principios de la década de 1880, el artista belga James Ensor trabajó en temas tradicionales, como retratos, naturalezas muertas y paisajes marinos. Su trabajo fue descrito como "basura" por un crítico. Con un rechazo constante, su personalidad insegura se volvió más introvertida y mezcló cada vez más la realidad con los sueños. Sus pinturas de interiores de la época muestran esta transición. Evocan estados de ánimo inquietantes mediante el uso de colores claros y sutiles. Este trabajorepresenta una habitación en la casa de sus padres. Pesadas cortinas protegen la luz del sol, excluyendo el mundo exterior y la atmósfera es espeluznante y opresiva. Una luz apagada, casi imaginaria, impregna la oscuridad, dando una sensación de dramatismo a la atmósfera lúgubre. La luz aliena objetos como los lazos de tela que sujetan las cortinas, transformándolas en extrañas figuras parecidas a pájaros que parecen vigilar a la silenciosa joven en la cama. (Susie Hodge)

  • Rosas en un plato (1882)

    Henri Fantin-Latour fue un pintor de temas de figuras románticas, grupos de retratos y naturalezas muertas. Recibió su primera formación de su padre, retratista, y en 1850 entró en el estudio de Lecoq de Boisbaudran. Posteriormente estudió con Gustave Courbet en la Ecole des Beaux-Arts. Fantin-Latour fue conocido por su asistencia regular al Louvre, donde realizó innumerables estudios de las obras de los grandes maestros. En esta pinturael artista retrata un tema simple, rosas en un plato, y encuentra en él una delicadeza y una belleza efímera. Pintó con una elegante moderación que atrajo enormemente a su creciente número de seguidores y coleccionistas en Inglaterra. Fantin-Latour era un hombre de contradicciones, ya que, si bien su propio trabajo estaba muy en deuda con los Viejos Maestros, socializó con los jóvenes y atrevidos nuevos artistas de la época. Además, a pesar del deseo de Fantin-Latour de pintar imágenes de fantasía y ensueño inspiradas en la música, fueron sus pinturas de flores las que se convirtieron en su tema característico. Muy admirado por sus contemporáneos, Jacques Emile Blanche escribió: "Fantin estudió cada flor, cada pétalo, su grano, su tejido, como si fuera un rostro humano ...". Fantin-Latour comenzó a sentirse frustrado y constreñido por el enfoque en lo que él consideraba una faceta menor de su práctica artística, y las pinturas de flores, que casi estaba creando bajo presión, delataban su aburrimiento con el tema. Sin embargo, no pudo renunciar económicamente al lucrativo mercado de estas obras durante muchos años. (Roger Wilson)

  • Louis Pasteur (1885)

    El pintor finlandés Albert Edelfelt estudió en Helsinki y Amberes antes de ser atraído a París por la perspectiva de la fama. La mayoría de sus pinturas eran retratos, y sus lienzos brillantes, informales e impresionistas muestran la influencia de la moda contemporánea del realismo en su arte. Su retrato del científico Louis Pasteuren su laboratorio es su obra más conocida. Edelfelt estaba fascinado por Pasteur y pasó varios meses estudiando su trabajo antes de comenzar a pintar el retrato del químico. Aquí, se ve al científico vestido para salir por la noche pero todavía absorto en un experimento. Su elegancia y dedicación se convierten en cualidades deseables. Este retrato demuestra de manera experta cómo un artista puede equilibrar las demandas de representar a su modelo y al mismo tiempo crear una imagen deslumbrante independientemente del contexto biográfico. (Ana Finel Honigman)

  • El dormitorio de Van Gogh en Arles (1889)

    Vincent van Gogh hizo la primera versión de este cuadro en el otoño de 1888, durante uno de los interludios más felices de su vida. Creía que su traslado a Arles marcaría un nuevo capítulo en su arte. Le pidió a su hermano, Theo, que convenciera a Paul Gauguin de que se uniera a él y rápidamente pintó una serie de cuadros para colgar en las paredes y crear un ambiente acogedor para su nuevo invitado. En gran medida, estas pinturas fueron diseñadas simplemente como decoración para la casa, pero Van Gogh también quiso mostrar que sus propias obras podían compararse con las de Gauguin, cuyo talento estaba asombrado. En el dormitorio de Van Gogh en Arles, muchos de los elementos se muestran en pares (dos sillas, dos almohadas, dos pares de imágenes), lo que indica su expectativa de compañía. Sin embargo, su amistad con Gauguin se agrió solo dos meses después de su llegada, y Van Gogh tuvo un colapso mental. Recuperado en un manicomio en St. Rémy, pintó esta tercera versión del cuadro; fue para su madre. Aunque estructuralmente muy similar a los dos primeros, ciertos detalles son significativamente diferentes. En la primera versión, van Gogh pintó el suelo de un rosa rosado; aquí es de un color gris pardusco, lo que refleja su estado de ánimo más deprimido. Las dos pinturas de la parte superior derecha también son diferentes en cada versión. En las dos primeras versiones, los retratos son indistintos y cortados. En esta versión, sin embargo, son muy perceptibles: el de la izquierda es el mismo Van Gogh y el de la derecha es de su hermana, Wil. Diez meses después de pintar este cuadro, Van Gogh se suicidó. (Iain Zaczek)

  • El circo (1890-1891)

    El último cuadro que pintó Georges Seurat fue esta representación inconclusa y estilizada del circo de espectáculos parisino Fernando. Seurat lo consideró lo suficientemente bueno como para exhibirlo en 1891, y se mostró cuando murió repentinamente de difteria ese año. Cuando pintó El circo , Seurat había abandonado su temprano interés por el naturalismo. Considerando que su adopción del puntillistaEl estilo de la pintura de puntos se había inspirado en la ciencia de la óptica, aquí explora las cualidades emocionales del color y la línea. Los guiones de rojo, azul y amarillo primarios no se despliegan para crear una ilusión de iluminación artificial sino con una intención expresiva. Donde las primeras obras a gran escala de Seurat habían sido estáticas, aquí todo es movimiento. El arco del ring y la serpentina o cortina curva del payaso en primer plano configuran un movimiento vertiginoso continuado por el jinete acrobático a pelo y el payaso saltarín. (Subsidio de registro)

  • Las niñas al piano (1892)

    El pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir describió la vida cotidiana parisina con el toque plumoso de su pincel y una paleta cargada de pasteles. Sus pinturas exuberantes de multitudes alegres coqueteando y bebiendo, niños angelicales jugando, mujeres voluptuosas bañándose y madres abrazando a sus bebés siguen siendo asombrosamente populares. Chicas jóvenes al pianoes una de las imágenes más perdurables de Renoir y un excelente ejemplo de su técnica, conocida durante este tiempo como su período “nacarado”, en el que reemplazó sus técnicas de dibujo lineal por una pincelada más fluida. A finales de 1891 o principios de 1892, el gobierno francés lo invitó a contribuir a un nuevo museo en París, el Musée du Luxembourg, dedicado a la obra de artistas vivos. Realizó cinco lienzos en un intento de perfeccionar su visión de la intimidad de la vida doméstica burguesa. (Ana Finel Honigman)

  • Interior (1896)

    Peter Vilhelm Ilsted fue uno de los artistas más destacados de Dinamarca a finales del siglo XIX y principios del XX. Su trabajo expresa la esencia de la vida contemporánea en Copenhague, y sus figuras están alejadas de la agitación política y social que afectó al sur de Dinamarca en ese momento. Tranquilidad, pulcritud, alegría y paz son los temas principales de su obra, y sus figuras sólo parecen enfatizarlo. Fuertemente influenciado por la pintura de género holandesa del siglo XVII, Ilsted perteneció a la escuela de interiores de Copenhague, que se concentró en pintar interiores bañados por una luz sutil. El estilo logrado y el uso del color de Ilsted articulan la gradación tonal y los reflejos brillantes de este interior silencioso. La habitación escasamente amueblada está delicadamente iluminada por la luz solar difusa que se filtra a través de la ventana. El frescor de la habitación, el destello de luz sobre las paredes, los muebles y los pisos, y el atractivo táctil de las telas y el vidrio juntos crean ecuanimidad y tranquilidad. La pintura aplicada con sensibilidad en colores apagados y discretos enfatiza la sencillez del interior, mientras que los muebles mínimos y algunos objetos hogareños contribuyen a la composición simplista. Nada dramático o asertivo interrumpe la atmósfera de serenidad pacífica mientras la niña reemplaza silenciosamente una jarra en un tocador, y se ocupa de sus asuntos diarios. La figura femenina a menudo juega un papel importante en el trabajo de Ilsted. Este estilo íntimo y voyeurista se hace eco de las obras de Edgar Degas y surgió a medida que la fotografía se volvió más accesible. (Susie Hodge)

  • La cama (1892)

    Aunque Henri de Toulouse-LautrecSe crió en el campo, en la década de 1880 estaba inmerso en la escena parisina y se había convertido en un verdadero habitante de la ciudad. Durante este período, Lautrec estaba fascinado por la "vida bajo la superficie" de París después del anochecer. Se inspiró en los cafés, el circo, los burdeles, los salones de baile y la gente, especialmente las mujeres cuyas formas de colores arremolinados fueron recreadas a través de sus pinturas y lápices. Lautrec a veces se alojaba en burdeles durante semanas y las trabajadoras sexuales lo consideraban un amigo. Se concentró en describir los aspectos cotidianos de sus vidas y fue particularmente sensible al describir las relaciones lésbicas que a menudo se desarrollaban entre ellas. A principios de la década de 1890, Lautrec realizó una serie de dibujos y pinturas de lesbianas en su entorno íntimo, y The Bedes parte de esta serie. Aquí ha creado una imagen de infinita facilidad y ternura mientras las dos mujeres se hablan, y él representa sus vidas sin ningún intento de moralizar o glamorizar. También establece una dinámica divergente entre el voyeur y el simpatizante. Lautrec fue principalmente un documentalista de personajes, y su trabajo está lleno de simpatía humana: a menudo capturaba la fatiga enmascarada por los rostros empolvados o el cansancio de la trabajadora sexual al final de la velada. Hay pocos artistas que igualaron a Lautrec en términos de sensibilidad al tema combinada con un uso estridente y audaz del color, la línea y el movimiento. (Tamsin Pickeral)

  • La tina (1886)

    En la década de 1880, la vista de Edgar Degas comenzó a deteriorarse y se dedicó cada vez más a trabajar con pasteles, un medio que disfrutaba. Las mujeres siempre habían sido un tema favorito, y su trabajo posterior incluyó numerosos estudios de mujeres en momentos muy íntimos, bañándose y haciendo su aseo, como en esta pieza en colores pastel. Este trabajoapareció en la octava exposición impresionista, en 1886, y como antes, algunas personas se sorprendieron. Esta no es una feminidad romántica e idealizada, sino una representación más veraz del cuerpo de una mujer, en una pose que algunos consideraron vulgar y voyeurista. Sin embargo, hay una delicadeza y una belleza vulnerable en la forma en que esta imagen comparte un momento muy privado. Lejos de ser animal, como dicen algunos críticos, la posición agachada se basó en la pose de “Afrodita agachada” de la escultura clásica, y las líneas del cuerpo se hacen eco del clasicismo del entrenamiento temprano de Degas. Fiel a la forma, la imagen de Degas busca congelar un momento veraz en la vida moderna, con el punto de vista poco ortodoxo, la composición cortada y la perspectiva extraña de los grabados japoneses. En sus últimos años, su trabajo se acercó a los impresionistas de alguna manera, visto aquí en la coloración más pura, iluminación natural brillante y texturas interesantes. Aquí hay un desnudo clásico atemporal y una naturaleza muerta tradicional tan perfectamente combinada con un enfoque moderno que se erige como una de las obras más finas y valientes del artista. No es de extrañar queCamille Pissarro lo consideró el "mejor artista de nuestra época". (Ann Kay)