Verschiedenes

Malerei - Elemente des Designs

Elemente des Designs

Linie

Jedes der Designelemente hat besondere Ausdrucksqualitäten. Linie ist zum Beispiel eine intuitive, urzeitliche Konvention zur Darstellung von Dingen; Die einfache lineare Bildsprache von Kinderzeichnungen und prähistorischen Felsmalereien ist allgemein bekannt. Die formalen Beziehungen von dicken mit dünnen Linien, von gebrochenen mit kontinuierlichen und von gewundenen mit gezackten Linien sind Kräfte des Kontrasts und der Wiederholung bei der Gestaltung vieler Gemälde in allen Epochen der Geschichte. Variationen in den gemalten Konturen von Bildern bieten auch eine direkte Methode zur Beschreibung des Volumens, des Gewichts, der räumlichen Position, des Lichts und der strukturellen Eigenschaften von Dingen. Die besten Beispiele für diese bildliche Kurzschrift finden sich in japanischer Tinte Malerei, in der eine ausdrucksstarke Ökonomie und Vitalität der Linie eng mit einer traditionellen Beherrschung der Kalligraphie verbunden sind.

Zusätzlich zu den gemalten Konturen besteht ein lineares Design aus allen Kanten von Ton- und Farbmassen, den axialen Richtungen von Bildern und den Linien, die durch die Ausrichtung von Formen über das Bild impliziert werden. Die Art und Weise, wie diese verschiedenen Arten von Linien wiedergegeben und wiederholt werden, animiert das Design. Der Künstler, ob bewusst oder intuitiv, setzt sie auch über das Bild hinweg in Beziehung zueinander, so dass sie im gesamten Gemälde ein einheitliches rhythmisches Netzwerk bilden.

Abgesehen von den offensichtlichen Assoziationen einiger linearer Muster mit bestimmten Aktionen - beispielsweise wellenförmige Linien, die auf eine Auftriebsbewegung hindeuten - werden durch bestimmte lineare Beziehungen emotionale Empfindungen erzeugt. Linien, die sich nach oben bewegen, drücken Gefühle der Freude und des Strebens aus , während diejenigen, die das Auge nach unten lenken, Stimmungen der Traurigkeit oder Niederlage hervorrufen.

Form und Masse

Form und Masse umfassen als Gestaltungselemente alle Bereiche unterschiedlicher Farbe, Ton und Textur sowie einzelne und gruppierte Bilder.

Kinder repräsentieren instinktiv die Dinge, die sie sehen, durch geometrische Symbole. Nicht nur anspruchsvolle moderne Künstler wie Paul Klee und Jean Dubuffet haben diese ungeschulten Bilder ausgeliehen, sondern auch die fesselnderen und ausdrucksstärkeren Formen und Massen in den meisten Malstilen und denjenigen, auf die die meisten Menschen intuitiv reagieren, werden sich im Allgemeinen als klar herausstellen basierend auf solchen archetypischen Formen. Ein Quadrat oder ein Kreis wird dazu neigen , ein Design zu dominieren und wird daher oft an seinem Brennpunkt-Quadrat Fensterrahmen Christus gefunden wird in Leonardo da Vinci ‚s letzten Abendmahl , zum Beispiel des Schwebens‚Sonne‘in einem Adolph Gottliebabstrakt oder der Heiligenschein, der eine christliche oder buddhistische Gottheit umgibt. Ein festes dreieckiges Bild oder eine Gruppe von Formen scheint beruhigend oder sogar erhebend zu sein, während das prekäre Gleichgewicht, das durch eine umgekehrte dreieckige Form oder Masse impliziert wird, Spannungsgefühle erzeugt . Ovale, rautenförmige und rechteckige Formen weisen auf Stabilität und Schutz hin und umgeben oft verletzliche Figuren in narrativen Gemälden.

Es gibt im Allgemeinen eine zelluläre Einheit oder „Familienähnlichkeit“ zwischen den Formen und Massen in einem Design, das der visuellen Harmonie aller Einheiten mit dem Ganzen ähnelt, die in natürlichen Formen beobachtet werden - die Kiemen, Flossen und Schuppen im Charakter mit der Gesamtform von einem Fisch zum Beispiel.

Das Negative Räume zwischen Formen und Massen werden vom Künstler ebenfalls sorgfältig geprüft, da sie so angepasst werden können, dass die Aktion und der Charakter der positiven Bilder verbessert werden. Sie können für das Design genauso wichtig sein wie Zeitintervalle in der Musik oder die Hohlräume einer architektonischen Fassade.

Farbe

In vielen Stilen und Perioden der Malerei sind die Funktionen der Farbe in erster Linie dekorativ und beschreibend und dienen oft nur dazu, den Ausdruck einer Idee oder eines Themas zu verstärken, die im Wesentlichen in Bezug auf Linie und Ton kommuniziert werden. In weiten Teilen der modernen Malerei hat jedoch das gesamte Spektrum der verfügbaren Pigmente dazu geführt, dass Farbe das primäre Ausdruckselement ist.

Die Hauptdimensionen der Farbe in der Malerei sind die Variablen oder Attribute von Farbton ,Ton und Intensität. Rot, Gelb und Blau sind die Grundtöne, aus denen alle anderen auf der chromatischen Skala durch Mischungen hergestellt werden können. Diese drei undurchsichtigen Farbtöne sind das subtraktive PigmentPrimärfarben und sollte nicht mit dem Verhalten der additiven Triaden und Mischungen von transparentem, farbigem Licht verwechselt werden. Mischungen von Primärpaaren erzeugen die Sekundärfarben Orange, Violett und Grün. Durch Erhöhen der Menge eines Primärteils in jeder dieser Mischungen werden die Tertiärfarben Gelb-Orange, Orange-Rot, Rot-Violett, Violett-Blau, Blaugrün bzw. Grün-Gelb hergestellt. Die Primärfarben mit ihren grundlegenden Sekundär- und Tertiärmischungen können sinnvollerweise als die 12 Kreissegmente notiert werden. Die sekundären und tertiären Farbsegmente zwischen einem Paar übergeordneter Primärfarben teilen dann eine harmonische Familienbeziehung miteinander - beispielsweise die gelb-orange, orange und orange-roten Farbtöne, die beispielsweise zwischen gelb und rot liegen.

Lokale Farbtöne sind die inhärenten und assoziativen Farben der Dinge. Im Alltag werden vertraute Dinge durch bestimmte Farben beschrieben, und diese werden oft durch Bezugnahme auf vertraute Dinge identifiziert; Zum Beispiel das Grün des Grases und das Grasgrün der Farbe . Obwohl, wie die Impressionisten zeigten, die inhärenten Farben von Formen in der realen Welt normalerweise durch Licht- und Atmosphäreffekte verändert werden, werden viele der frühen und klassischen Stile der gegenständlichen Malerei in lokalen Farbtönen ausgedrückt.

Der Ton ist der relative Grad oder Wert einer Farbe für Helligkeit oder Dunkelheit. Das Tonmuster eines Gemäldes wird in einer monochromen Reproduktion gezeigt. Ein Gemälde, das von dunklen Farben dominiert wird, wie ein Rembrandt , hat eine tiefe Tonart, während ein Gemälde, das im blassen Bereich eines verstorbenen Claude Monet gemalt wurde , eine hohe Tonart haben soll. Der Farbtonbereich der Pigmente ist zu eng, als dass der Maler mit den hellsten Lichtern und tiefsten Dunkelheiten der Natur mithalten könnte. Um die Auswirkungen von Beleuchtung und dichtem Schatten auszudrücken, muss der Künstler daher den gesamten Tonwert des Designs senken und so den Helligkeitswert der hellsten Pigmentfarben erhöhen.

Die griechisch-römische, Renaissance- und neoklassische Methode zur Darstellung von Volumen und Raum in der Malerei bestand aus einem System notierter Tonwerte, wobei die Richtung jeder Ebene im Entwurf durch einen bestimmten Grad an Helligkeit oder Dunkelheit angezeigt wurde. Jeder Tonwert wurde durch den Winkel bestimmt, unter dem sich eine Ebene von einer imaginären Lichtquelle abzuwenden schien. Die tonale Modellierung oder Schattierung von Formen wurde häufig zuerst in einer monochromen Untermalung abgeschlossen. Dies wurde dann mit transparenten Waschungen lokaler Farbtöne gefärbt, eine Technik ähnlich der Farbtönung eines Schwarzweißfotos.

Jeder Farbton hat einen intrinsischen Tonwert im Verhältnis zu anderen auf der chromatischen Skala; Orange ist beispielsweise von Natur aus heller als Rot und Violett ist dunkler als Grün. Jede Umkehrung dieser natürlichen Tonordnung erzeugt eine Farbdiskordanz . Ein optischer Schock entsteht daher, wenn Orange neben Pink (ein hellerer Rotton) oder Hellviolett gegen Dunkelgrün gestellt wird. Eine solcheKontraste wie diese werden bewusst in Gemälden erzeugt, um diese dramatischen und störenden Effekte zu erzielen.

Die Intensität einer Farbe ist ihr Reinheitsgrad oder ihre Farbsättigung. Die Farbe einer Geranie soll daher intensiver und mit reinem Orangerot stärker gesättigt sein als Mahagoni. Das Pigment Zinnoberrot ist bei maximaler Intensität orangerot; Das braune Erdpigment gebrannte Siena ist grauer und hat einen geringeren Grad an orangeroter Sättigung.

Intensive Farbtöne werden als chromatische Farben bezeichnet. Der achromatische Bereich besteht aus Farbtönen, deren Intensität durch Zugabe von Weiß verringert wirdFarbtöne oder Pastellfarben wie Creme und Rosa; oder von Schwarz, das produziertSchattierungen oder Erdfarben wie Senf und Moosgrün; oder sowohl aus Weiß als auch aus Schwarz, wodurch neutralisierte Farbtöne oder farbige Grautöne wie Haferflocken und Holzkohle entstehen.

Eine achromatische Farbe erscheint intensiver, wenn sie von neutralisierten Farbtönen umgeben ist oder nebeneinander steht Komplementärfarbe . Komplementäre sind Farbgegensätze. Die Komplementärfarbe zu einem der Haupttöne ist die Mischung der beiden anderen; Das Komplementär zu rotem Pigment ist beispielsweise Grün, dh Blau gemischt mit Gelb. Das Farbrad zeigt, dass die Tertiäre auch ihre Farbgegensätze haben, wobei die zu Orange-Rot komplementären beispielsweise Blaugrün sind. Bei klarem Licht kann die Ergänzung zu jeder Farbsättigung, jedem Farbton oder jeder Tönung gesehen werden, wenn man eine Farbe einige Sekunden lang „fixiert“ oder anstarrt und dann auf eine neutrale, vorzugsweise weiße Oberfläche schaut. Die FarbeDas Nachbild scheint auf der neutralen Oberfläche zu leuchten. Die gegenseitige Verbesserung der Farbintensität resultiert aus der Gegenüberstellung eines komplementären Paares, wobei beispielsweise Rot intensiver rot und Grün stärker grün wird, wenn diese zusammenhängend sind, als dies bei harmonischen Farbtönen der Fall wäre. Der Physiker des 19. JahrhundertsMichel-Eugène Chevreul bezeichnete diese gegenseitige Erhöhung der Gegensätze als dieGesetz des gleichzeitigen Kontrasts. Chevreuls zweites Gesetz vonsukzessiver Kontrast , bezogen auf das optische Gefühl, dass ein komplementärer Farbhalo allmählich einen intensiven Farbton umgibt. Dieses komplementäre Leuchten überlagert die umgebenden schwächeren Farben, wobei ein Grau grünlich wird, wenn es rot gegenübergestellt wird, rötlich in enger Beziehung zu grün, gelblich gegen violett und so weiter.

Farbtöne mit einem hohen Anteil an Blau (Bereich von Violett bis Grün) erscheinen kühler als solche mit einem hohen Gehalt an Gelb oder Rot (der grün-gelbe bis rot-violette Bereich). Dieser Unterschied in der Temperatur der Farbtöne in einem bestimmten Gemälde hängt natürlich vom Bereich und der Gegenüberstellung der Farben im Design ab. Ein Grün erscheint kühl, wenn es von intensivem Gelb umgeben ist, während es warm gegen Blaugrün erscheint. DasDie optische Tendenz, dass warme Farben vor Kälte fortschreiten, wurde von europäischen und asiatischen Malern lange Zeit als Methode zur Andeutung der räumlichen Tiefe (als atmosphärische oder Luftperspektive bezeichnet ) genutzt. Änderungen der Temperatur und Intensität können in den atmosphärischen Effekten der Natur beobachtet werden, wo die Farben entfernter Formen kühler, grauer und bläulicher werden, während Vordergrundebenen und Merkmale intensiver und normalerweise wärmer erscheinen.

Die offensichtlichen Änderungen eines Farbtons beim Durchlaufen von Zonen unterschiedlicher Farbe haben es Malern in vielen Zeiträumen ermöglicht, die Illusion zu erzeugen , eine breite Palette von Pigmenttönen verwendet zu haben, wobei tatsächlich nur sehr wenige verwendet wurden. Und obwohl Maler in der Vergangenheit viele der optischen Prinzipien des Farbverhaltens intuitiv angewendet hatten, regte die Veröffentlichung von Forschungsergebnissen von Chevreul und anderen die Neoimpressionisten und Postimpressionisten sowie die späteren Orphisten- und Op-Art- Maler an, den Ausdruck systematisch zu erweitern Möglichkeiten dieser Prinzipien, um Illusionen von Volumen und Raum und vibrierende Empfindungen von Licht und Bewegung zu erzeugen .Paul Cézanne hat zum Beispiel gezeigt, dass subtile Veränderungen in der Oberfläche einer Form und in ihrer räumlichen Beziehung zu anderen hauptsächlich in Facetten der Farbe ausgedrückt werden können, die durch unterschiedliche Grade von Ton, Intensität und Temperatur sowie durch die Einführung von Komplementärfarben moduliert werden Akzente.

Während die oft komplexen religiösen und kulturellen Farbsymbologien von sehr wenigen verstanden werden können, scheint die emotionale Reaktion auf bestimmte Farbkombinationen nahezu universell zu sein. Optische Harmonien und Zwietracht scheinen alle gleich zu beeinflussen, wenn auch in unterschiedlichem Maße. Somit drückt ein Bild, das in verschiedenen Farbschemata wiederholt wird, bei jeder Änderung eine andere Stimmung aus.