Tanzen

Japanische darstellende Kunst

Japanische darstellende Kunst , die abwechslungsreiche und technisch komplexe Tanz- und Theaterkunst Japans . Zu den wichtigsten gehören Noh Theater oder Tanzdrama , Kabuki und Bunraku .

Mt.  Fuji aus dem Westen, nahe der Grenze zwischen den Präfekturen Yamanashi und Shizuoka, Japan.
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Ausbildungszeit

Seit prähistorischen Zeiten haben Tänze in Japan als Vermittler zwischen Menschen und Göttern gedient. Kagura- Tänze, die einheimischen Gottheiten gewidmet sind und am kaiserlichen Hof oder in Dörfern vor den örtlichen Shintō- Schreinen aufgeführt werden, sind im Wesentlichen eine symbolische Nachstellung des Versöhnungstanzes, der die Sonnengöttin Amaterasu im alten Mythos aus der Höhlelockte. Obwohl kagura Tanz wird von später komplizierteren Tanzformen beeinflusst worden, wird es noch viel durchgeführtwie es vor 1500 Jahren war, auf religiöse begleitetGesängen Trommeln , Messing Gong und Flöten. Zur gleichen Zeit hatten die Dorfbewohner ihre Reispflanztänze, die entweder zu Neujahr als Gebet für gutes Pflanzen oder während der Pflanzsaison im Frühsommer aufgeführt wurden. Diese lebhaften Tänze wurden später, im 14. Jahrhundert, in die Städte gebracht und als Hofunterhaltung aufgeführt und aufgerufenDengaku ("Feldmusik").

7. bis 16. Jahrhundert

Zwischen dem 6. und 10. Jahrhundert kam es zu einem massiven Zustrom chinesischer und koreanischer Kunst und Kultur nach Japan . Ein koreanischer Künstler,Mimaji (Mimashi auf Japanisch) soll den Buddhisten mitgebracht haben612 Gigaku- Prozessionstanzspiel vor dem japanischen Hof. Mimashi gründete eine offizielle Schule, um japanische Tänzer und Musiker in Gigaku auszubilden. Weitere koreanische und chinesische Künstler aus Paekche und Koguryŏ wurden in den folgenden Jahren eingeladen.Gigaku- Masken bedecken den gesamten Kopf (wie heutige koreanische Volksmasken ). Die 223 erhaltenen Masken (die meisten im Shōsō-Depot in Nara ) stammen aus demHolz und sind mit Lack bemalt. Siestammen aus dem 7. Jahrhundert. Sie sind hervorragende Beispiele für die Kunst der Maskenherstellung, stark ausgeprägt und wunderschön konzipiert. Nach einer Beschreibung einer Aufführung aus dem 13. Jahrhundert bestand Gigaku anscheinend aus einer Abfolge von Szenen, die als vorbeigehende Charaktere aufgeführt wurden. Masken charakterisierten einen Würdenträger mit arischem Charakter namens Baramon (oder Brahman, was auf indische Herkunft hinweist), einen erbitterten Wrestler, einen buddhistischen Mönch, eine Prinzessin des Staates Wu in China , einen Tyrannen, einen wehmütigenalter Mann und andere. Einige Szenen waren ernst, andere waren erdiger Slapstick.

Bugaku Hoftänzen aus eingeführt Korea wurden auch bevormundet durch das Gericht. Sie verdrängten Gigaku als offizielle Gerichtsunterhaltung, und Gigaku verschwand im 12. Jahrhundert als darstellende Kunst. Es war Brauch, Bugaku- Darstelleraus den Umkleidekabinen rechts und links von der erhöhten Plattformbühne hereinzulassen : „rechte“ Tänze, in Orange oder Rot gekleidet , stammten aus Indien , Zentralasien oder China; "Linke" Tänze, blau-grün gekleidet, waren solche aus Korea und der Mandschurei. Bugakuwird normalerweise von Gruppen von vier, sechs oder acht männlichen Tänzern ausgeführt, die sich in absichtlichen, stattlichen Schritten bewegen und Bewegungen in den vier Hauptrichtungen wiederholen. Musikalische Begleitung erfolgt durch Schlagzeug, Glocken, Flöte, Laute und Shō (Panflöte). Eine Komposition besteht aus drei Abschnitten: Einführung, Entwicklung oder „Streuung“ und Beschleunigung ( jo-ha-kyū ). Japanische Künstler und Höflinge schufen im 10. und 11. Jahrhundert neue Kompositionen im alten Stil. Immer noch,Bugaku ist eine bemerkenswerte Erhaltung der alten chinesischen, indischen und koreanischen Musik und des Tanzes, die in ihren Herkunftsländern längst verschwunden sind. Bugaku wurde von Musikern aufgeführt, die dem kaiserlichen Hof und den großen Shintō-Schreinen vom 7. Jahrhundert bis heute ohne Unterbrechung angegliedert waren.

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Jonglieren, Akrobatik, Seilen, Possenreißer und Puppenspiel - die "hundert Unterhaltungen" Chinas und genannt Sangaku , „Varieté Arts“ in Japan, wurde ebenfalls weit verbreitet. Während derIn der Heian-Zeit (794–1185) kombinierten professionelle Truppen, die angeblich an Tempeln und Schreinen befestigt waren, um die Menschenmenge für Festivaltage anzuziehen, diese lebhaften Bühnenkünste, die heute als „Truppen“ bezeichnet werdenSarugaku (wörtlich: Affen- oder Mimikmusik ) tanzte zu Trommeln aus Dengaku und begann kurze Stücke zu spielen, die aus abwechselnden Abschnitten von Dialog , Mimikry, Gesang und Tanz bestanden. Irgendwann im 14. Jahrhundert wurde ein Sarugaku- Schauspieler aus Nara benanntKan'ami hat in seine Stücke einen gesungenen Tanz ( kuse-mai oder kōwaka-mai ) aufgenommen, der zum ersten Mal die Möglichkeit eines dramatischen Tanzes schafft, der eine Geschichte vorantreiben kann. Diese Verschmelzung von Tanz, Drama und Gesang, die bald als Sarugaku-no-nō oder einfach bekannt wurdeNoh ( ) war ein revolutionärer Fortschritt in der japanischen Theaterkunst. Kan'amis Sohn,Zeami verfeinerte den Stil der Aufführung, komponierte 50 oder mehr der besten Noh-Stücke des Repertoires und verfasste grundlegende Abhandlungen über die Kunst des Schauspielens und der Dramaturgie.

Als Zeami 11 Jahre alt war, war der Militärherrscher Japans der Shogun Ashikaga Yoshimitsu sah ihn auftreten, verliebte sich in die Schönheit des Jungen und nahm ihn als Begleiter in seine Residenz in Kyōto mit. Zeami profitierte den größten Teil seines Lebens von der Schirmherrschaft und dem raffinierten Publikum, das sich aus diesem Umstand ergab. Die Sarugaku- Truppe, die Kan'ami und später Zeami anführten , war eine von vier in Nara; Die anderen übernahmen bald die Veränderungen im Aufführungsstil und die von Vater und Sohn geschaffenen Stücke.

Die Anleihen von Noh aus anderen Künsten gibt es viele. Die exquisiten Masken, für die das Noh-Theater berühmt ist, haben eine Qualität der Gelassenheit, eine Neutralität des Ausdrucks, die sie in einen Rang bringt, der in der Welt vielleicht unerreicht ist. Historisch gesehen besteht jedoch kein Zweifel daran, dass sie von früher abgeleitet sindBugaku- und Gigaku- Masken und daher, wenn auch entfernt, mit den Masken von Korea, China und Indien verwandt. Ein Beweis für die besondere Entwicklung von Noh-Masken ist, dass sie kleiner als frühere Masken sind. Sie bedecken nur das eigentliche Gesicht. Aus der Bugaku- Musik übernahm Zeami die dreiteilige Struktur des Noh-Dramas. Ein normales Noh-Programm besteht aus fünf Stücken, die in drei dramatische Einheiten unterteilt sind: die Einführung, die Entwicklung und den Abschluss. Das erste Stück, ein "Gott" -Spiel, bildetdie Einleitung; Das zweite Drama oder "Krieger" -Spiel ist die Einführung des Entwicklungsabschnitts. Das dritte oder „weibliche“ Spiel ist die Entwicklung der Entwicklung. Das vierte oder "lebende" Spiel ist der Abschluss der Entwicklung. und das fünfte oder "Dämon" -Spiel ist die Schlussfolgerung. Schlagzeug und Flöte wurden von früheren Musikformen übernommen, und Noh-Gesang entstand aus buddhistischen Gebetsgesängen. Der poetische Meter der Lieder mit abwechselnden Phrasen von sieben und fünf Silben stammte sechs Jahrhunderte zuvor aus China und war die übliche poetische Form Japans. Auf der anderen Seite die NohDie Bühne repräsentiert einen Fortschritt auf der einfachen quadratischen Plattform von Bugaku. Ein scharfes Dach über der Bühne wird von vier Säulen getragen - damit sich der Darsteller besser orientieren kann, wenn er durch winzige Augenlöcher in der Maske schaut - und eine lange Rampe, Hashigakari , betont den Eingang der Hauptfiguren.

Typisch für eine Reihe von Noh-Stücken, die Dramatisierungen der chinesischen Geschichte und Legenden sind, ist das 15. JahrhundertYokihi durchKomparu Zenchiku , basierend auf dem Erzählgedicht aus dem 9. JahrhundertChang hen ge („Das Lied der ewigen Trauer“) vonBai Juyi. The original describes Emperor Xuanzong’s love for his concubine Yang Guifei (Yōkihi in Japanese). The Noh play emphasizes the Buddhist sentiment of the evanescence of mortal life and the inevitability of pain and sadness. Every Noh play contains Chinese poems, quoted verbatim or paraphrased so as to appeal to the educated spectator. It was a first principle of dramatic writing, said Zeami, to base a play on a well-known incident in which the central character was familiar to the audience. Zeami’s plays emphasized the quality of restrained beauty (yūgen), a concept derived in part from Zen Buddhism. Later plays, especially those by Kanze Kojirō Nobumitsu (1435–1516), such as Momijigari (The Maple Viewing) and Ataka (The Ataka Barrier), emphasize action and spectacle (fūryū).

On the usual Noh program, each play was followed by a kyōgen farce comedy, performed not by the chief (shite) or supporting (waki) actors of Noh but by kyōgen actors, who also acted the roles of villagers or fishermen in Noh plays. The antecedents of kyōgen cannot be described with certainty, but it is probable that kyōgen’s short sketches of master-servant quarrels, husband-wife arguments, animal fables, and scenes of rustic life derive from early sangaku entertainments. A few kyōgen plays are accompanied by the drums and flute of Noh. The ritual play Okina, performed as an auspicious prayer for longevity at the beginning of a Noh-kyōgen program, is in both repertoires, and some suggest that the kyōgen version is the older. The style of kyōgen music (koutai) is distinct from that of Noh music; it is derived directly from popular songs. Kyōgen plays with music are, however, a rarity. The usual play is a straight dialogue drama, making it perhaps the oldest developed form of nonmusical play in East Asia. Dialogue is composed in colloquial language of the 15th century, in short phrases suitable for comedy. Movement is highly stylized, again for comic effect. Masks may be worn for the roles of animals and demons, but most roles are played unmasked. Kyōgen texts do not seem to have been committed to writing until the 16th century, suggesting that actors traditionally ad-libbed their parts. Today kyōgen actors commit lines to memory.