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elektronische Musik | Definition, Geschichte & Fakten

Elektronische Musik : Musik, die eine elektronische Verarbeitung umfasst, z. B. das Aufnehmen und Bearbeiten auf Band, und deren Wiedergabe die Verwendung von Lautsprechern umfasst .

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Obwohl jede Musik, die mit elektrischen, elektromechanischen oder elektronischen Mitteln erzeugt oder modifiziert wird, als elektronische Musik bezeichnet werden kann, muss der Komponist für ein elektronisches Musikstück die elektronische Verarbeitung vorwegnehmen, die später auf sein Musical angewendet wird Konzept, so dass das Endprodukt in gewisser Weise die Interaktion des Komponisten mit dem Medium widerspiegelt. Dies unterscheidet sich nicht von selbst , dass ein Komponist im Sinne eines haben sollte Orchester als eine Symphonie und ein Klavier zu komponieren , wenn eine Komposition Klaviersonate . Ein herkömmliches populäres Musikstück wird weder zu elektronischer Musik, wenn es auf einer elektronisch verstärkten Gitarre gespielt wird , noch zu einer Bach- Fuge wird elektronische Musik , wenn sie auf einer gespielte elektronischen Orgel anstelle einem Rohr Orgel . Einige experimentelle Kompositionen , die oft zufällige Elemente enthalten und möglicherweise eine unbestimmte Bewertung aufweisen, erlauben eine elektronische Realisierung, erfordern diese jedoch nicht unbedingt, aber dies ist eine spezielle Situation.

Elektronische Musik wird aus einer Vielzahl von Klangressourcen erzeugt - von Klängen, die von Mikrofonen aufgenommen werden, bis zu Klängen, die von elektronischen Oszillatoren (die grundlegende akustische Wellenformen wie Sinuswellen, Rechteckwellen und Sägezahnwellen erzeugen), komplexen Computerinstallationen und Mikroprozessoren erzeugt werden werden auf Band aufgezeichnet und dann in eine dauerhafte Form gebracht. Im Allgemeinen wird elektronische Musik mit Ausnahme einer Art von gespielter Musik, die als „elektronische Live-Musik“ bezeichnet wird ( siehe unten ), entweder allein oder in Kombination mit gewöhnlicher Musik über Lautsprecher wiedergegebenMusikinstrumente .

Dieser Artikel behandelt sowohl frühe Experimente mit elektronischen Klangerzeugungsgeräten als auch die spätere Nutzung elektronischer Geräte als Kompositionstechnik durch Komponisten . Während der gesamten Diskussion sollte klar sein, dass elektronische Musik kein Stil ist, sondern eine Technik, die in den Händen verschiedener Komponisten zu unterschiedlichen Ergebnissen führt.

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Historisch gesehen ist elektronische Musik ein Aspekt der größeren Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts, die stark von der Suche nach neuen technischen Ressourcen und Ausdrucksformen geprägt ist. Vor 1945 versuchten Komponisten, sich von der klassisch-romantischen Haupttradition des tonalen Denkens zu befreien und ihr Denken nach neuen Grundsätzen zu rekonstruieren, größtenteils entweder neoklassisch oder atonal und 12-Ton, wobei eine Komposition vollständig aus einem Ton aufgebaut ist Reihe bestehend aus allen 12 Noten der gewöhnlichen chromatischen Skala.

Diese Zeit vor dem Zweiten Weltkrieg wurde von umfangreichen Experimenten mit elektrischen und elektronischen Geräten begleitet. Das wichtigste Ergebnis für den Komponisten war die Entwicklung einer Reihe elektronischer Musikinstrumente (wie der Hammond-Orgel und des Theremins ), die neue Klangfarben lieferten und die technischen Grundlagen für die künftige Entwicklung der eigentlichen elektronischen Musik ab etwa 1948 legten. Die rasante Entwicklung der Computertechnologie hat auch seine Wirkung in der Musik hatte, so sehr, dass der Begriff Computermusik ersetzt elektronische Musik als eine genauere Beschreibung der wichtigsten Wechselwirkung zwischen dem Komponisten und dem elektronischen Medium.

Elektronische Musik wird nicht nur durch eine Vielzahl von Werken des 20. Jahrhunderts und nicht nur durch ernsthafte Konzertstücke repräsentiert, sondern auch durch eine umfangreiche Literatur zu Theater- , Film- und Fernsehpartituren sowie durch Multimedia-Werke, die alle Arten von audiovisuellen Techniken verwenden. Elektronische Musik für Theater und Filme scheint ein besonders geeigneter Ersatz für ein körperloses, nicht existierendes Orchester zu sein, das von einem Band oder einer Tonspur gehört wird. Elektronische Popmusik hat auch Anhänger gewonnen. Dies bestand hauptsächlich aus Arrangements von populärer Standardmusik für elektronische Synthesizer, der vorläufigen Verwendung elektronischer Änderungen durch einige der ehrgeizigeren und experimentelleren Rockgruppen und der Vorbereitung von Aufnahmen durch innovative Studiotechniken.

Geschichte und stilistische Entwicklung

Anfänge

Während des 19. Jahrhunderts wurde versucht, Klänge mechanisch oder elektromechanisch zu erzeugen und aufzunehmen. Zum Beispiel hat der deutsche Wissenschaftler Hermann von Helmholtz Wellenformen regulärer Geräusche verfolgt, um die Ergebnisse seiner akustischen Untersuchungen zu überprüfen. Ein wichtiges Ereignis war die Erfindung derPhonograph von Thomas Edison und Emile Berliner in den 1870er und 1880er Jahren. Diese Erfindung markierte nicht nur den Beginn der Aufnahmeindustrie, sondern zeigte auch, dass der gesamte akustische Inhalt von Musikklängen erfasst werden konnte (im Prinzip, wenn nicht zu diesem Zeitpunkt tatsächlich) und für die zukünftige Verwendung getreu aufbewahrt werden konnte.

Der erste große Versuch, Musikklänge elektrisch zu erzeugen, wurde über viele Jahre von einem Amerikaner durchgeführt. Thaddeus Cahill , der eine beeindruckende Baugruppe aus Rotationsgeneratoren und Telefonempfängern baute, um elektrische Signale in Schall umzuwandeln. Cahill nannte seine bemerkenswerte Erfindung dieTelharmonium , das er um 1895 zu bauen begann und sich danach jahrelang weiter verbesserte. Das Instrument versagte, weil es komplex und unpraktisch war und keine Geräusche jeglicher Größenordnung erzeugen konnte, da Verstärker und Lautsprecher noch nicht erfunden worden waren. Trotzdem waren Cahills Konzepte im Grunde genommen solide. Er war ein Visionär, der seiner Zeit voraus war, und sein Instrument war der Vorfahr der heutigen Synthesizer für elektronische Musik.

Der italienische futuristische Maler Luigi Russolo was another early exponent of synthesized music. As early as 1913 Russolo proposed that all music be destroyed and that new instruments reflecting current technology be built to perform a music expressive of industrialized society. Russolo subsequently did build a number of mechanically activated intonarumori (noise instruments) that grated, hissed, scratched, rumbled, and shrieked. Russolo’s instruments and most of his music apparently vanished during World War II.

Impact of technological developments

Between World War I and World War II, developments occurred that led more directly to modern electronic music, although most of them were technically, rather than musically, important. First was the development of audio-frequency technology. By the early 1920s basic circuits for sine-, square-, and sawtooth-wave generators had been invented, as had amplifiers, filter circuits, and, most importantly, loudspeakers. (Sine waves are signals consisting of “pure tones”—i.e., without overtones; sawtooth waves comprise fundamental tones and all related overtones; square waves consist only of the odd-numbered partials, or component tones, of the natural harmonic series.) Also, mechanical acoustical recording was replaced by electrical recording in the late 1920s.

Second was the development of electromechanical and electronic musical instruments designed to replace existing musical instruments—specifically, the invention of electronic organs. This was a remarkable achievement and one that absorbed the attention of many ingenious inventors and circuit designers. It should be stressed, however, that it was the objective of these organ builders to simulate and replace pipe organs and harmoniums, not to provide novel instruments that would stimulate the imaginations of avant-garde composers.

Most electromechanical and electronic organs employ subtractive synthesis, as do pipe organs. Signals rich in harmonic partials (such as sawtooth waves) are selected by the performer at the keyboard and combined and shaped acoustically by filter circuits that simulate the formant, or resonant-frequency, spectra—i.e., the acoustical components—of conventional organ stops. The formant depends on the filter circuit and does not relate to the frequency of a tone being produced. A low tone shaped by a given formant (a given stop) is normally rich in harmonics, while a high tone normally is poor in them. Psychologically, one expects this from all musical instruments, not only organs but also orchestral instruments.

Some electronic organs operate on the opposing principle of additive synthesis, whereby individually generated sine waves are added together in varying proportions to yield a complex waveform. The most successful of these is the Hammond organ, patented by Laurens Hammond in 1934. The Hammond organ has odd qualities because the richness of its harmonic content does not diminish as the player goes up the keyboard. The German composer Karlheinz Stockhausen (in Momente, 1961–62), the Norwegian composer Arne Nordheim (in Colorazione, 1968), and a few others have scored specifically for this instrument.

Third was the development of novel electronic musical instruments designed to supply timbres not provided by ordinary musical instruments. During the 1920s there was a burst of interest in building an extraordinary variety of such instruments, ranging from practical to absurd. The most successful of these were relatively few in number, were monophonic (i.e., could play only one melodic line at a time), and survive chiefly because some important music has been scored for them. These are the theremin, invented in 1920 by a Russian scientist, Leon Theremin; the Ondes martenot, first built in 1928 by a French musician and scientist, Maurice Martenot; and the trautonium, designed by a German, Friedrich Trautwein, in 1930.

The theremin is a beat-frequency audio oscillator (sine-wave generator) that has two condensers placed not inside the circuit chassis but, rather, outside, as antennas. Because these antennas respond to the presence of nearby objects, the pitch and amplitude of the output signal of the theremin can be controlled by the manner in which a performer moves his hands in its vicinity. A skilled performer can produce all sorts of effects, including scales, glissandi, and flutters. A number of compositions have been written for this instrument since the 1920s.

The Ondes martenot consists of a touch-sensitive keyboard and a slide-wire glissando generator that are both controlled by the performer’s right hand, as well as some stops controlled by the left hand. These, in turn, activate a sawtooth-wave generator that delivers a signal to one or more output transducers. The instrument has been used extensively by several French composers, including Olivier Messiaen and Pierre Boulez, and by the French-American composer Edgard Varèse.

Das Trautonium verwendet wie der Ondes-Martenot einen Sägezahnwellengenerator als Signalquelle und eine Tastatur von neuartigem Design, die nicht nur gewöhnliches Stimmen, sondern auch ungewöhnliche Skalen ermöglicht. Der größte Teil der für dieses Instrument komponierten Musik ist deutschen Ursprungs, beispielsweise das Concertino für Trautonium und Streicher (1931) von Paul Hindemith . Um 1950 wurde von Oskar Sala, einem ehemaligen Schüler von Trautwein und Hindemith, eine polyphone Version (die mehrere Stimmen oder Stimmen gleichzeitig spielen kann) dieses Instruments für die Vorbereitung von Tonspuren in einem Berliner Filmstudio gebaut. Diese Instrumente sind jedoch praktisch veraltet, da alle von ihnen erzeugten Klänge leicht von Synthesizern für elektronische Musik dupliziert werden können.