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Filmgeschichte - Europäisches Kino

Europäisches Kino

Am Ende des 20. Jahrhunderts hatte der Begriff der nationalen Kinos problematisch wurde in viele der traditionellen Filmkulturen von Westeuropa. Dies bedeutet nicht, dass die nationalen Kinos aufgehört hatten zu existieren - die Situation Frankreichs würde einer solchen Behauptung widersprechen -, sondern dass die Tendenzen zur internationalen Koproduktion sowie zu Filmemachern und Darstellern, die in verschiedenen Ländern und Sprachen arbeiten, ein Stadium erreicht hatten, in dem kohärente Filmbewegungen identifiziert wurden Mit einer bestimmten nationalen Kultur wie dem italienischen Neorealismus war es schwierig geworden, die französische Neue Welle oder das Neue Deutsche Kino zu identifizieren oder aufrechtzuerhalten. Ein Film wie Heaven (2002), geschrieben vom polnischen Filmemacher Krzysztof Kieślowski , mit Tom Tykwer aus Deutschland als Regisseur, in Italien angesiedelt und von amerikanischen und australischen Hauptdarstellern auf Italienisch und Englisch gesprochen, schien eher die Regel als die Ausnahme zu sein. Auch wenn viele Länder eine beträchtliche Anzahl von Filmen produzierten, wurde die Idee der Nationalität eher durch einzelne Personen als durch breitere Gruppierungen veranschaulicht.

Zu den herausragenden Persönlichkeiten des europäischen Kinos gehörten Pedro Almodóvar aus Spanien,Manoel de Oliveira aus Portugal,Théo Angelopoulos aus Griechenland, Aki Kaurismäki aus Finnland und Nanni Moretti aus Italien. Almodóvar, der in seinen frühen Arbeiten gegen sexuelle Tabus verstoßen hatte, trat in den 1990er und 2000er Jahren mit Werken wie La flor de mi secreto (1995) in eine reife Phase großer menschlicher Subtilität und Komplexität ein .Die Blume meines Geheimnisses ), Carne trémula (1997;Live Flesh ), Todo sobre mi madre (1999;Alles über meine Mutter ) und Habla con ella (2002;Sprich mit ihr ). Oliveira, der 1908 geboren wurde, seine ersten Filme in den 1930er Jahren drehte und jahrelang von der portugiesischen Diktatur künstlerisch eingeschränkt wurde, führte nochim Alter von 100 Jahren Regie. Nach 1990 hatte er vielleicht seine produktivste Zeit mit Filmen wie Vale Abraão (1993; Abraham's Valley ) und Viagem ao princípio do mundo (1997; Reise zum Beginn der Welt ), letzterer mit dem italienischen Schauspieler Marcello Mastroianni in seiner letzten Filmrolle. Angelopoulos, seit seinem ersten Spielfilm 1970 ein Meister des griechischen Kinos, schuf mehrere ehrgeizige Werke, die das Persönliche mit dem Historischen verbinden: To Vlemma tou Odyssea (1995;Ulysses ' Blick ) und Mia aeoniotita ke mia mera (1998; Ewigkeit und ein Tag ). Kaurismäki, einer der kosmopolitischsten Filmemacher Europas , kehrte in Kauas pilvet karkaavat (1996; Drifting Clouds ) und Mies vailla menneisyyttä (2002; Der Mann ohne Vergangenheit ) zu finnischen Themen zurück . Moretti wurde eine beliebte Figur in Italien, indem er in seinen eigenen Filmen schrieb, Regie führte und auftrat, von denen Caro diario (1993; Dear Diary ) beispielhaft war .

Die eine konzertierte Anstrengung , eine Filmbewegung in Europa zu starten , kam von einem Filmemacher Kollektiv in Dänemark, das eine Lehre enthüllt genanntDogme 95 (Dogma 95) bei den Filmfestspielen von Cannes im Jahr 1998. Die 10 Regeln des Dogme- Manifests sprachen sich gegen technologische Spielereien im Kino und für einen geradlinigen Realismus in Stil und Inhalt aus. Ein Anführer der Gruppe warLars von Trier , ein dänischer Regisseur, zu dessen Filmen das englischsprachige Breaking the Waves (1996) gehört. Das erste Dogme-Werk, Festen (1998; The Celebration ), unter der Regie von Thomas Vinterberg, wurde gut aufgenommen, und Dutzende von Filmen wurden anschließend unter dem Banner der Bewegung veröffentlicht, darunter Werke amerikanischer und französischer Regisseure sowie Dänen.

Frankreich

In Frankreich blieb das Kino an der Spitze des kulturellen und intellektuellen Lebens, und es gelang französischen Film- und Fernsehunternehmen, eine reiche und vielfältige Gruppe von Filmemachern zu finanzieren und gleichzeitig die Produktion in anderen Regionen wie Osteuropa und Afrika zu unterstützen. Alain Resnais und Agnès Varda blieben nach fast einem halben Jahrhundert als Regisseure aktiv, und französische New-Wave-Figuren wie Jean-Luc Godard , Jacques Rivette , Claude Chabrol und Eric Rohmer machten weiterhin Filme. Allein im Jahr 2001 gehörten Rohmers L'Anglaise et le duc ( Die Dame und der Herzog) zu den innovativsten und herausforderndsten Filmen des Jahres), Rivettes Va savoir ( Wer weiß? ) Und Godards Éloge de l'amour ( In Lob der Liebe ).

Neue Werke reifer und aufstrebender französischer Filmemacher spielten um die Wende des 21. Jahrhunderts eine zentrale Rolle im internationalen Kunstkino. Eine unvollständige Liste prominenter Namen mit ihren Filmen würde Olivier Assayas, Regisseur von L'Eau froide (1994; Cold Water ), Irma Vep (1996), und Fin août, Debüt im September (1998; Ende August, Anfang September ) umfassen. ;; Claire Denis mit Nénette et Boni (1996; Nenette und Boni ) und Beau travail (1999; Good Work ); Bruno Dumont, der La Vie de Jésus (1997; Das Leben Jesu ) und L'Humanité machte(1999); Catherine Breillat, Regisseurin von Romance (1999) und Sex Is Comedy (2002); und Raúl Ruiz, der 1973 nach seinem Exil aus Chile in Frankreich arbeitete, mit Trois vies et une seule mort (1996; Drei Leben und nur ein Tod ) und Le Temps retrouvé (1999; Time Regained ). Im französischsprachigen Kino entstanden in Belgien auch die Brüder Dardenne , Jean-Pierre und Luc, deren Filme La Promesse (1996; The Promise ), Rosetta (1999), Le Fils (2002; The Son ) und L'Enfant (2005;Das Kind ) untersuchte die moralischen Probleme, die mit Fragen der Beschäftigung und Arbeitslosigkeit im heutigen Europa verbunden sind.

Großbritannien

Nach einer Zeit, in der das Filmemachen der Fernsehproduktion untergeordnet zu sein schien, erlebte das britische Kino in den neunziger Jahren eine Wiederbelebung. Zwei Hauptfiguren, deren Karriere diesem Muster folgte, warenMike Leigh undKen Loach , der seine Karriere als Filmregisseur begann, arbeitete in den 1970er und 1980er Jahren hauptsächlich im Fernsehen und nahm dann die Filmproduktion wieder auf. Zu Leighs Werken gehören High Hopes (1988), Life Is Sweet (1991), Naked (1993), Secrets & Lies (1996) und Topsy-Turvy (1999). Loach führte unter anderem Regie bei Riff-Raff (1991), Raining Stones (1993), Ladybird Ladybird (1994), Land and Freedom (1995) und My Name Is Joe (1998), die sich alle auf Arbeitsthemen konzentrierten. Klassenleben. Loach drehte mehrere seiner Filme in Schottland; andere Arbeiten zu schottischen Themen enthaltenTrainspotting (1996) unter der Regie von Danny Boyle und Lynne Ramsays Ratcatcher (1999) und Morvern Callar (2002).

Britische Filmemacher waren auch in alternativen Kinopraktiken aktiv. Ein Gründer der schwarzen britischen Sankofa-Werkstatt,Isaac Julien drehte Dokumentar- und Spielfilme, darunter Looking for Langston (1989), Young Soul Rebels (1991), Frantz Fanon: Black Skin, White Mask (1996) und BaadAsssss Cinema (2002), letzterer Dokumentarfilm über amerikanische Blaxploitation-Filme der 1970er Jahre .Derek Jarman’s films dealt with the subject of male homosexuality; his Blue (1993) was a remarkable work showing only a monochrome blue screen while on the sound track he discussed the failure of his eyesight as a result of AIDS.

Eastern Europe and Russia

With the fall of the Berlin Wall in 1989 and the collapse of the Soviet Union two years later, the film cultures of Russia and the former Soviet-bloc countries of eastern Europe experienced dramatic transformations. Formerly controlled and supported by the state, film production shifted into private hands. With the boundaries that previously had divided eastern from western Europe now torn down, filmmakers were freed to work where they pleased or where opportunities existed. A prominent example was the Polish director Krzysztof Kieślowski, who in 1991 made La Double Vie de Véronique (The Double Life of Veronique), was auf eine mysteriöse Symmetrie zwischen zwei Frauen hinweist, von denen eine in Polen und die andere in Frankreich lebt. Kieślowski verlegte seine Filmarbeit nach Frankreich, wo er vor seinem Tod 1996 die wichtige Trilogie von Trois couleurs („Drei Farben“) - Bleu (1993; Blau ), Rouge (1994; Rot ) und Blanc (1994; Weiß ) - drehte .

In Russia a significant figure to emerge was Aleksandr Sokurov, whose early films had been “shelved,” or prohibited from public screening, until 1987. Sokurov’s first film to be widely seen internationally was Mat’ i syn (1997; Mother and Son). In 2002 he made Russki kovcheg (Russian Ark), a 96-minute tour of the Hermitage museum in St. Petersburg, in a single take without cuts, the longest Steadicam shot ever recorded. Aleksey Balabanov directed both crime dramas—Brat (1997; Brother) and a sequel, Brat II (2000; Brother II)—and meditative historical works, including Pro ourodov I lioudiei (1998; Of Freaks and Men).

Filmmaking was inevitably affected by the prolonged, bitter, and brutal breakup of Yugoslavia during the 1990s. Under the circumstances, every film from the region was likely to come under attack from some group as a work of propaganda. This was the case for the work of Emir Kusturica, who had gained wide recognition for his films in the 1980s but caused controversy in the 1990s with Underground (1995) and Crna macka, beli macor (1998; Black Cat, White Cat).

Australia, New Zealand, and Canada

In the late 20th century it sometimes seemed that Australian and New Zealand filmmakers were more active in Hollywood than in their home countries. Many Hollywood blockbusters, with leading actors such as Mel Gibson and prominent directors such as Phillip Noyce, had a strong Australian influence. The most prominent figure to remain outside the Hollywood orbit was Jane Campion, born in New Zealand and based in Australia, whose films include Sweetie (1989), An Angel at My Table (1990), The Piano (1993), The Portrait of a Lady (1996), and Holy Smoke (1999). In New Zealand Peter Jackson made his mark with the horror comedies Bad Taste (1987), Meet the Feebles (1990), Braindead (1992; released in the United States as Dead Alive), and The Frighteners (1996), along with an impressive art film about a 1950s murder case, Heavenly Creatures (1994). He directed one of the most extensive projects in Hollywood’s history, an adaptation of the classic fantasy novel The Lord of the Rings by English author J.R.R. Tolkien. All three parts of Tolkien’s trilogy were shot at the same time in New Zealand and later released as The Fellowship of the Ring (2001), The Two Towers (2002), and The Return of the King (2003). He also cowrote and directed a remake of King Kong (2005).

The situation was the same for English-language filmmakers in Canada, although Hollywood’s lure affected Canadian performers more than directors. Canadian filmmakers of note included Atom Egoyan, whose work in the 1990s included The Adjuster (1991), Exotica (1994), The Sweet Hereafter (1997), and Felicia’s Journey (1999), and David Cronenberg, who in the same period made Naked Lunch (1991), M. Butterfly (1993), Crash (1996), and eXistenZ (1999). Filmmaking in Quebec, which had gone through a strong period in the 1970s and ’80s, made a lesser impression in the 1990s. Denys Arcand, a key figure of the earlier period with such works as Le Déclin de l’empire américain (1986; The Decline of the American Empire) and Jésus de Montréal (1989; Jesus of Montreal), made Love and Human Remains (1993) and Stardom (2000) in English. His Les Invasions barbares (2003; The Barbarian Invasions) won an Academy Award for best foreign-language film.

Mexico

Mexican cinema was representative of many national film cultures that had, as it were, one foot in its own language and film traditions and the other connected to influences from and opportunities in Hollywood. The actor Alfonso Arau directed a highly popular film based on a novel written by his wife, Laura Esquivel, Como agua para chocolate (1992; Like Water for Chocolate). He then went on to be a director in American film and television. Alfonso Cuarón, who had been working in Hollywood, returned to Mexico to direct the acclaimed Y tu mamá también (2001; „Und deine Mutter auch“). Andere prominente mexikanische Regisseure waren Arturo Ripstein, zu dessen Werken Profundo carmesi (1996; Deep Crimson ) und El coronel no tiene quien le escriba (1999; Niemand schreibt an den Oberst ) gehörten, und Alejandro González Iñárritu , der Amores perros (2000) herstellte. und Babel (2006). Der Erfolg fast aller dieser Werke als internationale Kunstfilme war ein Zeichen dafür, dass es trotz Hollywoods Dominanz auf dem Weltfilmmarkt um die Wende des 21. Jahrhunderts immer noch einen Platz für unverwechselbare nationale Visionen im Kino gab.