Bildende Kunst

Japanische Kunst - Malerei im japanischen Stil

Japanischer Stil Malerei

Parallel zur intensiven und systematischen Erforschung westlicher Malmethoden fand im Bereich der traditionellen Malerei ein stetiger Erneuerungsprozess statt. Fenollosa war besonders maßgeblich an der Umleitung und Rettung der Karrieren zweier bedeutender Maler des späten 19. Jahrhunderts beteiligt.Kanō Hōgai undHashimoto Gahō . Fenollosa hatte besondere Vorstellungen darüber, wie diese traditionellen Kanō- Schulmaler ihre Techniken anpassen könnten, um ein aufregenderes und für westliche Augen vielleicht marktfähigeres Produkt zu schaffen. Er ermutigte die Verwendung von Helldunkel, brillanten Paletten, westlicher räumlicher Perspektive und dramatischer Atmosphäre, und diese Techniken waren in der Tat wirksam, um neues Interesse an den zuvor sterbenden Formen der traditionellen Kanō-Malerei zu wecken.

Eine Generation von Malern, die vom Erfolg von Hōgai und Gahō inspiriert war, versuchte, die technischen Anpassungen dieser Meister zu erweitern.Shimomura Kanzan ,Yokoyama Taikan undHishida Shunsō steht am Anfang desNihonga- Bewegung („japanische Malerei“), in der traditionelle japanische Pigmente verwendet wurden, deren thematisches Repertoire jedoch stark erweitert wurde. Das Format war nicht mehr auf Schriftrollen oder Bildschirme beschränkt und umfasste gelegentlich Bilder mit westlichem Rahmen. Shimomuras Porträt vonOkakura Kakuzō ist eine Hommage an Okakuras Rolle als Mentor der Bewegung. Dies ist eine vorbereitende Skizze für ein fertiges Porträt, das leider beim großen Kantō-Erdbeben von 1923 zerstört wurde . Yokoyama und Hishida suchten nach internationaleren, oft asiatischen Themen. Ihr Nihonga verwendete die Materialien der traditionellen Yamato-e- Malerei, enthielt jedoch wie die späteren Kanō-Gemälde erhöhte dramatische und atmosphärische Effekte.

Maeda Seison, bekannt in der nächsten Generation von Nihonga- Künstlern, zu denen auch Imamura Shikō, Yasuda Yukihiko , Kobayashi Kokei und Hayami Gyoshū gehörten, verwendete eine vielseitige Auswahl früherer japanischer Maltechniken. Auf Okakuras Vorschlag hin studierte errinpa . Seine Verwendung vontarashikomi , eine klassische Rinpa- Technik, die durch Bündelung aufeinanderfolgender Schichten teilweise getrockneter Pigmente eine Schattierung erzielt, unterstreicht deutlich seine weitreichende Anpassung traditioneller Techniken. Seison und andere seiner Zeit mochten besonders historische Themen.

In Kyōto entwickelte sich eine etwas ausgeprägte Tradition des Nihonga , die natürliche Präzedenzfälle im lyrischen Realismus des Maruyama fand.Shijō Malerschule.Takeuchi Seihō war der erfolgreichste Befürworter dieser Linie. Interessanterweise war sein angesehenster SchülerUemura Shōen, eine Frau, die einen Stil wiederbelebte, der an Ukiyo-e- Schönheitsporträts erinnert, aber stattdessen Frauen in häuslichen Umgebungen idealisierte.

Nihonga blühte nach dem Zweiten Weltkrieg weiter . Dieser im Wesentlichen traditionelle Stil wurde wie andere japanische Kunstformen durch die Offenheit der Nachkriegsjahre angeregt. Zu den traditionellen Themen Flora, Fauna und Landschaft gesellten sich Abstraktionen sowie moderne Stadt- und Industrieszenen. Die resultierenden Arbeiten, die traditionelle Pigmente und Pinsel verwenden, bieten eine merkwürdige japanische Version der Moderne.

Die Literatenbewegung schien mit der geringsten Störung einer der traditionellen Linien fortzufahren. Tomioka Tessai (1837–1924) ist vielleicht der neueste Literatenmeister. Seine Kreationen waren lebhafte, fröhliche Anspielungen auf die Poesie der Song-Dynastie .

Holzblockdrucke

Die Welt der Holzschnitte war stark von den Veränderungen betroffen, die während der Meiji- Zeit. Das Printmedium hatte lange Zeit sowohl Kennern als auch dem allgemeinen Publikum gedient . Mit dem Aufkommen von Massenzeitungen wurde jedoch die letztere Gruppe kooptiert. Illustratoren und Designer produzierten Reportagenbilder und Cartoons für Zeitungen, um die öffentliche Nachfrage nach Illustrationen zu befriedigen, aber den traditionellen Druckverlagen einen großen Block wirtschaftlicher Unterstützung zu nehmen. Trotzdem dokumentierten die Printkünstler weiterhin die bemerkenswert unterschiedlichen Stimmungen dieser Zeit. Zum Beispiel eine Art von Druck, bekannt alsYokohama-e, benannt nach der japanischen Hafenstadt mit einer großen ausländischen Wohnbevölkerung, bot Einblicke in die Bräuche und das Aussehen der kürzlich angekommenen Besucher. Brutale, groteske und dunkel gelaunte Visionen von Künstlern wie Kawanabe Gyōsai und Tsukioka Yoshitoshi deuteten darauf hin, dass die Assimilation mit dem Westen ein sozial und psychisch traumatischer Prozess war. Kobayashi Kiyochika , ein Schüler vonCharles Wirgman sowie Gyōsai sind bekannt für seine Drucke, die den chinesisch-japanischen Krieg illustrieren, und für seine äußerst erfolgreichen Visionen des zeitgenössischen Tokio .

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts bewegten zwei allgemeine Strömungen die Druckwelt. DasDie Shin Hanga- Bewegung („neuer Druck“) versuchte, die klassischen Ukiyo-e-Drucke in einem zeitgemäßen und stark romantisierten Modus wiederzubeleben. Landschaften und Frauen waren die Hauptthemen. Watanabe Shōsaburō war der in dieser Bewegung aktivste Verlag. Zu seinen beitragenden Künstlern gehörten Kawase Hasui,Hashiguchi Goyō , Yoshida Hiroshi und Itō Shinsui. Hashiguchi war entschlossen, die vollständige Kontrolle über sein künstlerisches Schaffen zu haben, und seine Amtszeit als Watanabe-Künstler war kurz. Seine Drucke waren nur 16 und waren hauptsächlich Studien von Taishō-Frauen in einer Weise, die in Technik und Komposition an Utamaro erinnert .

Der andere Trend im Holzschnittdruck warsōsaku hanga oder „kreativer Druck“, eine Bewegung, die sich an europäischen Ansätzen zur Druckproduktion orientiert. Anstatt seine Entwürfe den vom Verlag beschäftigten Schnitzern und Druckern zu überlassen, führte der Künstler alle Aspekte der Produktion aus. Dies war eine Philosophie der totalen Auseinandersetzung mit der Arbeit. Der Anführer dieser Bewegung warOnchi Kōshirō . Ebenfalls prominent warYamamoto Kanae. Ein bemerkenswertes Merkmal der Sōsaku-Hanga- Arbeiten war die Tendenz , Formen eher mit Farbe als mit Umrissen zu definieren, wie dies bei traditionellen Holzschnitten der Fall ist .

The print medium continues to be a particularly fertile arena of development in the Japanese visual arts. The use of the wood-block print has largely been usurped by lithography and other techniques, although there are periodic resurgences of interest in wood-block. Themes vary widely from traditional representational to abstract. The relatively inexpensive and easily portable format has made the modern Japanese print, and thus Japanese visions of modernity, widely available to international collectors.

Sculpture

Sculpture in the modern period was most productive in the bronze medium. The Italian Vincenzo Ragusa, along with other foreign technical experts recruited in the late 1870s, was a major influence in instructing young Japanese artists in bronze casting, although he privately despaired of their abilities at three-dimensional conceptualization. Japanese sculptors applied the new format to nonreligious subjects, including portraits and studies of anonymous subjects in a celebration of Japanese physical types. Takamura Kōtarō was particularly influenced by Auguste Rodin, as was Ogiwara Morie, who produced notably fine heroic figures.

In the postwar period, Japanese sculptors and their works became more visible at international art fairs and competitions. As in other media, traditional formats fell from favour. Abstract forms have dominated the contemporary sculptural field, which has also been marked by experimentation with diverse materials. Installation art has joined the larger sculptural repertoire, and outdoor sitings—both in open natural spaces and in urban environments—attracted much interest. Massive creations in bamboo and other works that interact with the environment are especially popular.

Ceramics

In addition to the continuation of various traditional lineages, the most significant development in ceramics of the modern period was the return to folk tastes. Yanagi Sōetsu espoused anonymity, functionality, and simplicity as a corrective to the industrialism and self-aggrandizement characteristic of the age. In league with potters such as the British artist Bernard Leach, Hamada Shōji, and Kawai Kanjirō, Yanagi engendered a robust, charming type of ceramic which recalled the wares that appealed to tea masters of the Muromachi and Momoyama periods. Kitaōji Rosanjin was the major exponent of highly decorated work in the Kutani and later kyōyaki traditions. His role was largely as designer and production manager. Long associated with a well-known restaurant in Tokyo, he was most conscious of the choreography of a total sensory experience in which his wares were an essential element.

Die zeitgenössische japanische Keramik folgt sowohl traditionellen als auch abstrakten Linien. Die Entwicklungen waren geprägt von umfangreichen Experimenten in der Form und einer allgemeinen Bewegung von traditionellen, funktionalen Stücken zu „Kunst“ oder skulpturalen Werken. Die Grenze zwischen Bildhauer und Keramiker verschwamm zunehmend.