Bildende Kunst

Entdecken Sie die Schönheit von Ölgemälden mit diesen 5 Werken von Rembrandt


  • Anatomie-Lektion von Dr. Nicolaes Tulp (1632)

    Im Januar 1632 führte der Anatom und Dozent Dr. Nicolaes Tulp seine zweite öffentliche Autopsie vor sieben Mitgliedern der Gilde der Chirurgen in Amsterdam durch. Rembrandt van Rijn war noch ein junger Mann, als er diesen wichtigen Auftrag von der Gilde erhielt, und es war sein erstes Gruppenporträt. Das Thema der Dissektion und des Schwerpunkts ist ein gewöhnlicher Verbrecher. Die Anordnung der sechs Köpfe auf der linken Seite bildet einen Pfeil, der auf Tulps rechte Hand zeigt. Der siebte Mann hält eine Liste der Teilnehmer und verknüpft Tulp kompositorisch mit der Gruppe. Rembrandt wählte den Moment, in dem Dr. Tulp den Unterarm der Leiche sezierte, um die Muskelstruktur zu veranschaulichen. Das Gemälde ist anatomisch falsch, aber Rembrandt konzentriert sich stattdessen auf die Darstellung psychologischer Intensität. Auffällig ist die eifrige Neugier der Zuschauer. ebenso wie ihre Nähe zur Leiche angesichts des Gestankes, der solche Präparationen begleitet haben muss. Rembrandts Verwendung vonHelldunkel wird oft mit Caravaggio verglichen, obwohl es unwahrscheinlich ist, dass Rembrandt ein Gemälde von ihm gesehen hat. Er lernte die Technik wahrscheinlich durch niederländische Künstler, die Italien besucht hatten und von Caravaggio beeinflusst worden waren. Die Inszenierung dieses Gemäldes lässt darauf schließen, dass öffentliche Dissektionen als „Performances“ angesehen wurden. Es gibt auch eine moralische Botschaft, die Kriminalität und Sünde mit Dissektion verbindet, und eine implizite Warnung, dass der Tod auf alle wartet. 1656 wurde Rembrandt beauftragt, eine weitere Präparation zu malen, und etablierte dieses Genre fest. Die Anatomie-Lektion von Dr. Nicolaes Tulp befindet sich in der Sammlung des Mauritshuis in Den Haag. (Wendy Osgerby)

  • Zwei alte Männer streiten sich (1628)

    Die narrative Malerei kommt bei Rembrandt van Rijn besonders gut zur Geltung, der sich darin auszeichnet, einen Moment in einer fortlaufenden Abfolge von Ereignissen zu vermitteln. Dieses Gemälde in der National Gallery of Victoria in Australien ist auch eine spannende Studie über das Alter, ein Thema, auf das Rembrandt in seinen späteren Selbstporträts zurückkam. Es wurde im Laufe der Jahre unter verschiedenen Titeln bekannt, aber eine mehr als plausible Interpretation ist, dass die Themen der Erzählung die Apostel Petrus und Paulus sindEinen Punkt in der Bibel bestreiten, der im Kontext des damaligen Protestantismus in den Niederlanden eine spezifische theologische Bedeutung haben könnte. Das Licht trifft Paulus 'Gesicht, als er auf eine Seite in der Bibel zeigt, während der obdurate Petrus in der Dunkelheit ist. Er sitzt wie ein Felsen, wie Jesus ihn beschrieben hatte ("Du bist Petrus; und auf diesem Felsen werde ich meine Kirche bauen"; Matthäus 16,18) und hört Paulus aufmerksam zu. Aber seine Finger markieren auch eine Seite in der riesigen Bibel auf seinem Schoß, was darauf hindeutet, dass er einen weiteren Punkt zu machen hat, sobald Paulus aufhört zu sprechen. Auf diese Weise schlägt Rembrandt die Fortsetzung der Zeit vor. Das kontrastierende Licht in diesem Gemälde zeigt den niederländischen Meister in seiner karawagischsten Form. Rembrandt benutzt es nicht nur, um die Form abzugrenzen, sondern auch, um den Charakter eines jeden Mannes zu suggerieren. Paulus ist im Lichte der Vernunft gelehrt und rational. (Rembrandt identifizierte sich so eng mit Paulus, dass er sich 1661 als Heiliger malte.) Peter im Schatten, bullisch und eigensinnig, denkt intuitiv. Es ist erstaunlich, dass Rembrandt im Alter von 22 Jahren diese alten Männer mit solch durchdringenden psychologischen Einsichten malen konnte. (Wendy Osgerby)

  • Selbstporträt im Alter von 34 Jahren (1640)

    Rembrandt van Rijn kaufte 1639 ein großes Haus, was später zu ernsthaften finanziellen Problemen führte, obwohl er der erfolgreichste Maler in Amsterdam war. Dieses Porträt zeigt einen noch jungen Mann auf dem Höhepunkt seiner Kräfte, der in seinem Selbstporträt von 1498 bewusst einen Vergleich zwischen sich und Albrecht Dürer zieht . Es ist eine Erklärung der Bekanntheit sowie eine Demonstration von Rembrandts Kenntnis von Italienische Kunst. Er hatte Italien nicht besucht, kannte und bewunderte jedoch insbesondere zwei Porträts, Raphaels Porträt von Baldassare Castiglione (1514–15) und Tizians Porträt eines Mannes(1510). Eine Radierung des Vorjahres zeigt, dass er schon seit einiger Zeit über diese Art von Komposition nachgedacht hat. Sein Arm ruht auf einer Steinbalustrade und er dreht sich zum Betrachter um. Trotz der Tatsache, dass er mit seinen Hinweisen auf andere Meister beeindrucken will, ist es eine ehrliche Darstellung. Er ist rundlich und pastös mit einem wuscheligen Schnurrbart und einem ungepflegten Bart. Es gibt jedoch eine würdevolle Atmosphäre des Ernstes, die durch die Furche zwischen den Brauen verstärkt wird, und die Kleidung ist zwar teuer, hat aber nichts von der Extravaganz der Kleidung des Dargestellten im Tizian - dem berühmten blauen Ärmel, der über die Schwelle in unseren Raum fällt . Einige der vielen existierenden Rembrandt-Selbstporträts (Schätzungen zufolge 50 Ölgemälde, 30 oder mehr Radierungen und unzählige Zeichnungen) zeigen ihn in Kostümen, spielen mit Identitäten,Das Selbstporträt im Alter von 34 Jahren befindet sich in der Sammlung der National Gallery in London. (Wendy Osgerby)

  • Frau, die in einem Strom badet (1654)

    Rembrandt van Rijn nahm durch niederländische Anhänger von Caravaggio Einflüsse aus dem italienischen Barock auf. Er malte diese kleine Eichentafel in dem Jahr, in dem seine Haushälterin Hendrickje Stoffels sieben Jahre nach dem Tod seiner Frau Saskia seine Geliebte wurde. Die Wärme und Intimität legen nahe, dass Hendrickje das Modell war. Sie ist völlig in das Gefühl von kaltem Wasser an ihren Beinen und Füßen versunken. Rembrandt arbeitete mit einer begrenzten Palette auf einem dunkelbraunen Hintergrund, so dass das Bild von dunkel nach hell zu erscheinen scheint. Die Pinselstriche sind schnell und frei, insbesondere im zerknitterten Leinen, das einen starken Kontrast zur glatteren Hautstruktur bildet. Die Beleuchtung ist in der Regel theatralisch, beleuchtet die Figur von oben links und nimmt nur das rote Gewand am Ufer auf, doch der Betrachter ist emotional nicht von der Figur distanziert. Das Gemälde befindet sich in der National Gallery in London. (Wendy Osgerby)

  • Die Nachtwache (1642)

    The Night Watch, originally known as The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch (the painting’s famous title was erroneously given to it due to its thick, dark yellow varnish), is ostensibly a genre scene out of the 17th-century Dutch Baroque. Painted in 1642, at the height of Rembrandt van Rijn’s career, the colossal painting is a commissioned group portrait of a militia company. Such portraits traditionally depicted their members in neat rows or at a banquet. Rembrandt’s version, however, makes the prosaic subject into a dynamic work of art; with its masterful chiaroscuro and dramatic action, the conventions of traditional portraiture are overturned. The Night Watch depicts the captain of the guard as he leads his yellow-clad lieutenant in rounding up the uniformed ranks. Only 18 of the 34 characters in the scene are portraits; the remaining figures are symbolic, such as the young girl in yellow as the allegorical emblem of the guard. The brilliant illusionism and the sense of theatricality and movement in the painting are enforced by the choreography of gestures, glances, muskets, and banners, and by the building up of pigment in the foreground that flattens as the perspective recedes. The painting, which is in the collection of the Rijksmuseum in Amsterdam, was originally even larger, but it was cut down in the 18th century. By mixing charged symbolism and reality, action and allegory, Rembrandt takes a subject steeped in tradition and creates a masterpiece transcending time and genre. (João Ribas)