Divers

29 pintures que només podeu visitar al Louvre


  • Retrat de dona (segle III)

    Aquest retrat de sarcòfag és de la regió de Fayum i es va pintar en el període grecoromà. La paraula Fayum fa referència a una regió molt fèrtil al sud-oest del Caire. Es va centrar al voltant d’un llac artificial, el llac Qaroun, un ambiciós projecte d’enginyeria que data de la XII dinastia, construït en una vall natural. La gent de la vall de Fayum provenia d’Egipte, Grècia, Síria, Líbia i altres zones de l’Imperi Romà. Van conrear cultius, inclòs blat i ordi; el peix del llac es considerava una gran delícia a tot Egipte; i, sota el govern d’ Amenemhet III(12a dinastia), la zona es va fer famosa per frondosos jardins i abundants arbres fruiters. Avui, la regió és coneguda pel nombre de documents de papirs desenterrats durant els segles XIX i XX, així com pels nombrosos "retrats de Fayum" descoberts pels arqueòlegs. Aquests retrats a mida real aparentment s’utilitzaven per decorar cases, a més d’utilitzar-se amb finalitats funeràries. La tècnica encàustica consistia en fondre la cera i barrejar-la amb pigmentació i potser oli de llinosa o ou, i després aplicar-la com a pintura sobre fusta o lli. Aquest retrat pintatsembla sorprenentment modern. Els ulls clars de la dona i el nas destacat i la descripció acurada de l'artista de les joies suggereixen que es va pintar com un retrat reconeixible. Els historiadors de l’art sovint acrediten la regió de Fayum amb el naixement d’un retrat realista, i els nombrosos retrats descoberts en aquesta regió representen un moment d’experimentació artística innovadora. (Lucinda Hawksley)

  • Estiu (1573)

    Giuseppe Arcimboldo va tenir un gran èxit durant la seva vida, però després de la seva mort, la seva obra va passar de moda ràpidament i l’interès per ella no es va recuperar fins a finals del segle XIX. Estilísticament, les seves pintures fantàstiques i imaginatives s’adapten al món popular de l’art manierista. Durant els segles XVI, els tribunals de tota Europa van afavorir especialment aquest tipus de pintura il·lusionant enginyosa i intel·ligent, i testimoni d'això va ser la llarga assignació d'Arcimboldo com a pintor a la cort dels Habsburg entre 1562 i 1587. L' estiu forma part de la sèrie Four Seasons que l'artista pintat per a l'emperador Maximilià IIel 1573. Aquest va ser un tema que Arcimboldo va pintar diverses vegades durant la seva carrera i que va esdevenir extremadament popular. Va pintar per primera vegada una sèrie de Quatre estacions el 1562 i el seu concepte imaginatiu de crear un cap a partir d’una col·lecció de fruites i verdures va ser rebut amb molt d’entusiasme. Les funcions cortesanes d'Arcimboldo per a Maximilià no es limitaven a la pintura; l'artista també va ser cridat com a escenògraf, arquitecte i enginyer. Més tard, mentre treballava per a l'emperador Rudolph II , també va ser acusat de trobar antiguitats i objectes d'art rars per a la col·lecció de l'emperador. Les pintures d’Arcimboldo creen un efecte profundament surrealista i, sens dubte, es troben entre les més imaginatives i intel·ligents del seu temps. (Tamsin Pickeral)

  • Pesca (cap al 1588)

    Annibale Carracci va néixer a la zona de Bolonya i, juntament amb el seu germà i cosí, va ser reconegut com un dels principals pintors de l’Escola Bolonyesa. Era un dibuixant especialment hàbil i posava un gran èmfasi en el dibuix correcte, sovint representant escenes de la vida i situant-les dins d’un paisatge imaginari o idealitzat. Els temes de la caça i la pesca eren populars en la decoració de les vil·les a Bolonya en aquest moment. La pesca es va pintar com a peça complementària d’una altra obra de Carracci, Hunting. Basant-se en les seves dimensions, ambdues van ser probablement dissenyades per penjar sobre les portes d’una vil·la domèstica. Les dues obres van ser pintades a principis de la carrera de Carracci, i abans del seu trasllat a Roma el 1584, però ja mostren l'estil molt aconseguit de l'artista. En aquesta obra ha combinat diverses escenes diferents dins d’una pintura i ha ideat intel·ligentment la seva composició de manera que l’ull sigui dirigit des del primer pla a cada grup de persones i cap al fons, sense perdre cap detall. Les xifres probablement es basaven en estudis directes de la natura i després combinats amb el paisatge. Aquest quadre és intrigant perquè mostra a Carracci desenvolupant el seu ús del gest, que es veu a la figura apuntant de la dreta. L’ús d’un gest convincent i articulat va ser una de les habilitats particulars de Carracci, que va influir en els pintors posteriors del període barroc. També és evident l’ús convincent del paisatge de Carracci, que està bellament compost amb una clara llum translúcida. (Tamsin Pickeral)

  • La criança de Llàtzer (vers 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri, sobrenomenat Il Guercino, va néixer en la pobresa a la petita ciutat de Cento, entre Ferrara i Bolonya, a Itàlia. Va ser en gran part autodidacta com a artista. Es va convertir en un dels principals pintors de l’escola bolonyesa, prenent l’ocupat estudi de Guido Reni a la seva mort (irònic, ja que els relats indiquen que Guercino era considerat amb ambivalència per Reni). L’estil de Guercino va canviar força dramàticament durant la seva vida, amb obres com aquesta des de principis de la seva carrera que mostraven un enfocament altament barroc amb un ús dramàtic de llums i negres contrastants. Típica de les pintures del barroc, la composició és complicada i plena de gest dramàtic, energia i sentiment. Les figures s’amunteguen en primer pla, gairebé com si fossin part d’un fris, mentre que el mig i el fons són pràcticament indiscernibles. Aquesta tècnica situa l’espectador gairebé en el mateix pla espacial que les figures del quadre, evocant així una potent resposta emocional. L’esdeveniment és el fet que el mort Làtzer fos ressuscitat per Jesús. Guercino impregna l’escena d’una intensitat ràpida i d’un fervor espiritual que hauria estat molt admirat durant la seva etapa. Uns anys abans d’executar aquest quadre, Guercino havia conegut l’artistaLudovico Carracci i es va inspirar en el maneig del color i les emocions de Carracci. La influència de Carracci es distingeix a Raising of Lazarus de Guercino , tot i que aquesta obra té un estil més enèrgic. Artista prolífic i sol·licitat, Guercino va morir com un home ric. (Tamsin Pickeral)

  • Sant Josep el Fuster (1635–40)

    La història de la vida i les obres de Georges de La Tour és irregular. Tot i que va tenir èxit durant la seva vida, La Tour va ser oblidada durant diversos segles; la seva obra va ser redescoberta a principis del segle XX. Pintor francès, sovint es diu que va ser influït per les pintures de Caravaggio . Tanmateix, pot ser que La Tour no conegués l’obra de Caravaggio i que explorés independentment els efectes de l’ombra i la llum que feia una sola espelma. Devota catòlica romana, La Tour sovint pintava escenes religioses. Va tornar diverses vegades al tema del penediment de Maria Magdalena i va pintar aquesta commovedora escenade Josep ensenyant Jesús a la fusteria. L’estil és realista, detallat i acuradament planificat: Jesús sosté l’espelma perquè, segons la creença cristiana, és la llum del món que il·lumina la foscor del món. (Lucinda Hawksley)

  • El peu de porra (1642)

    Poques persones podrien deixar d’estar intrigats per aquesta imatge de gènere d’un captaire evidentment discapacitat de Nàpols que els mirava descaradament amb un somriure de dents. José de Ribera, d' origen espanyolVa passar la major part de la seva carrera a Nàpols, que llavors era controlada per Espanya, i es va convertir en el principal artista de la ciutat. Probablement tenia la intenció de retratar un nen captaire napolità, ja que tenia un gran interès per la gent normal. No obstant això, la manera com ha barrejat el realisme amb la tradició va anunciar una nova direcció en l'art. La vida no li va somriure a aquest captaire, però és un alegre desafiant. Porta la crossa bruscament per sobre l’espatlla i, casualment, en lloc de desesperadament, estén el paper que li dóna permís per demanar petició, que era obligatori a Nàpols en aquell moment. Es diu en llatí: "Dóna'm almoina per l'amor de Déu". En lloc de mostrar-se ajupit en un carrer lateral brut, s’alça contra un paisatge serè que recorda obres històriques, mitològiques i religioses pintades a l’estil clàssic. Ribera li dóna una alçada impressionant, fet més gran pel baix punt de vista i per una dignitat humana. El seu captaire gairebé podria ser un petit príncep. La pinzellada fluixa es torna més suau al paisatge, cosa que fa que el noi destaqui encara més. La capacitat de Ribera per transmetre un sentiment d’individualitat de la gent amb realisme i humanitat va tenir un gran impacte en l’art occidental i en l’escola espanyola en particular. (Ann Kay)

  • Vista d'un interior ( Les sabatilles ) (1654–62)

    Samuel van Hoogstraten era un hàbil pintor de retrats i interiors que es preocupava per l’ús correcte de la perspectiva. Vista d'un interior , tradicionalment anomenat The Slippers, exemplifica l'ús característic de l'artista de terres de rajoles holandesos per accentuar la profunditat del quadre. Això es ressalta en els diferents plans retractius, marcats pel marc del quadre, les carcasses de la porta i, finalment, els dos quadres a la part posterior de la pintura. En mostrar part de la porta oberta en primer pla, l’artista col·loca l’espectador a la porta, cosa que augmenta l’efecte il·lusori de la pintura. Els detalls subtils al·ludeixen al tema de Hoogstraten. L’escombra rebutjada, les sabatilles de la casa i el llibre tancat (la lectura s’ha interromput) indiquen que s’està produint un enllaç amorós poc més enllà de la vista. El to suaument moralitzador de la pintura va ser el que va tornar Hoogstraten diverses vegades. (Tamsin Pickeral)

  • El pelegrinatge a Citera (1717)

    El 1717 Jean-Antoine Watteau va presentar aquesta imatge a l'Acadèmia Francesa com a diploma. Va ser aclamat com el seu millor treball i es va convertir en una influència clau en l'estil rococó emergent. El tema va començar com una il·lustració d’una obra menor. A Les Trois Cousines de Florence Dancourt, una noia vestida de pelegrí surt de la línia del cor i convida el públic a unir-se a ella en un viatge a Citera, l’illa de l’amor, on tothom coneixerà la seva parella ideal. La primera versió del tema de Watteau, que data del 1709, era una representació molt literal, però aquí ha prescindit del marc teatral i ha convertit l’incident en una fantasia somiadora i romàntica. De manera significativa, ha optat per retratar el final del viatge i no el començament. Els amants s’han emparellat i han guarnit l’estàtua de Venus a la dreta amb flors, i estan a punt de tornar a casa. En centrar-se en aquest moment, l’artista va ser capaç de crear l’aire de suau malenconia tan característica de la seva obra. Mentre la majoria de les parelles es preparen per marxar, dos amants s’han quedat al santuari de la deessa, encantat per l’amor i cec a tota la resta. Una de les dones que marxen es gira i les torna a mirar tristament, conscient que aquesta part de l’amor és la més fugaç. Després de la mort de Watteau, el seu art va caure dràsticament de moda. Per a molts, les seves representacions d’escapades amoroses semblaven massa lligades als vells temps de la monarquia. Durant el període revolucionari, els estudiants d’art van utilitzar el seuCitera per a la pràctica de blancs, llançant-hi pastilles de pa. (Iain Zaczek)

  • Pierrot (abans conegut com a Gilles ) (vers 1718-19)

    Aquest és un dels darrers quadres que Jean-Antoine Watteau va produir en la seva breu carrera. Mostra un pallasso que mira el seu públic, amb una expressió melancòlica que pot fer-se ressò de l’estat melancòlic de l’artista. Gilles era un nom genèric per a un pallasso a França, probablement procedent de Gilles le Niais, un acròbata i comediant del segle XVII. A l’època de Watteau, hi havia una superposició considerable entre aquest personatge i Pierrot, el pallasso més important de la commedia dell’arte, una tradició teatral italiana molt popular a França. Ambdues figures van interpretar a l’innocent ximple que es va convertir en el favorit del públic: un prototip de Charlie Chaplin i Buster Keaton. Aquesta pinturaprobablement es va produir com un rètol teatral dissenyat per atreure els vianants a un espectacle. Potser s’ha creat per a l’estrena de Danaë , una comèdia en què un dels personatges es convertia en cul. Com a alternativa, pot ser que hagués anunciat les desfilades , els breus esbossos farsats abans de l’actuació principal. En aquestes, sovint es conduïa un ruc per l'escenari per simbolitzar la pura estupidesa de Gilles. Watteau va utilitzar una versió més petita d’aquest pallasso com a figura principal de The Italian Comedians , una imatge que va produir per al seu metge cap al 1720. En ambdós casos, la trista figura de Gilles recordava a un Ecce Homo.("Heus aquí l'home") pintant. Aquest popular tema religiós representava un episodi de la Passió de Crist, quan Ponç Pilat va presentar Jesús davant la gent, amb l'esperança que demanessin la seva llibertat. En canvi, la multitud va demanar la seva crucifixió. (Iain Zaczek)

  • Natura morta amb ampolla d’olives (1760)

    Jean-Baptiste Siméon Chardin , nascut a París, va resistir els desitjos del seu pare, ebenista, de seguir els seus passos i es va convertir en aprenent a l'estudi de Pierre-Jacques Cazes i Noel- Noël Coypelel 1719. Durant tota la seva vida, Chardin va romandre fidel membre de l'Acadèmia Francesa, però, malgrat el seu èxit, se li va impedir convertir-se en professor perquè va ser nomenat pintor "en el camp dels animals i la fruita". Les primeres natures mortes per les quals és més conegut es van completar en poc temps, demostrant la velocitat amb què va adquirir la seva tècnica magistral. S’ha estimat que una quarta part de la seva producció total va ser produïda abans del 1732. El seu estil es caracteritza per una pinzellada amb textures riques que tenia un deute considerable amb la pintura holandesa, en particular la influència de Rembrandt en la manipulació de la pintura. Això separa la seva obra de l’estil més familiar de la pintura francesa del segle XVIII. Chardin va pintar escenes domèstiques senzilles i articles familiars familiars. Malgrat això,La natura morta amb ampolla d’olives és típica del seu estat d’ànim moderat, una il·luminació suau i un realisme estrany que dóna als objectes i escenes quotidians una aura màgica. No és d’estranyar que els seus admiradors l’anomenessin “el gran mag”. El seu talent rau en la producció de quadres de perfecta integritat amb una destresa tècnica no afectada però suprema. (Roger Wilson)

  • The Bolt (vers 1777)

    Jean-Honoré Fragonard va ser un dels principals pintors de l’estil rococó. Els seus quadres eren frívols però sensuals, que caracteritzaven l'elegància de la vida cortesana francesa, en els anys previs a la revolució de 1789. Per als seus contemporanis, Fragonard era conegut sobretot com a mestre dels sujets légers . Aquests temes eren obertament eròtics, però es tractaven amb un grau de gust i delicadesa que els feien acceptables, fins i tot en cercles reials. De fet, parla molt de les modes del dia en què aquesta imatge sembla haver estat encarregada com a peça de companyia per a una pintura religiosa. Segons una font primerenca, el marquès de Véri es va apropar a l'artista buscant una imatge per penjar al costat d'una de les rares imatges devocionals de Fragonard: L'adoració dels pastors.. Per als ulls moderns, això pot semblar una juxtaposició estranya, però Véri probablement pretenia que la combinació representés l’amor sagrat i profà, un tema artístic popular des del Renaixement. Normalment, els artistes transmetien aquesta idea en una sola imatge, però de vegades emparellaven una pintura d’Eva amb un tema relacionat amb la Mare de Déu (que sovint es veia com la nova Eva). Aquí, la poma, que es mostra de manera destacada sobre la taula, és una referència convencional a la temptació d’Eva al jardí de l’Edèn. El Bolt es va pintar quan l’estil rococó començava a passar de moda, tot i que la il·luminació dramàtica i l’alt grau d’acabat mostren que Fragonard s’adaptava a l’estil neoclàssic, que estava entrant en voga. (Iain Zaczek)

  • Jurament dels Horatius (1784)

    Sens dubte, Jacques-Louis David és el pintor de propaganda política més extraordinari de la història. Pintor de cort per a Napoleó, gran part del que sabem de la personalitat mítica de l’emperador i de la iconografia de la Revolució Francesa prové de les pintures teatrals i al·legòriques de David. David va ser el pare del moviment d'art neoclàssic, que representava els mites clàssics i la història com a anàlegs a la política contemporània. Jurament dels Horatiusexplica la història, enregistrada cap al 59 aC per l'historiador romà Livi, de fills de dues famílies, els tres germans Horatii i els tres germans Curiatii, que van lluitar en les guerres entre Roma i Alba cap al 669 aC. Els homes han de lluitar, però una de les dones de la família Curiatii està casada amb un dels germans Horatii i una germana Horatii està promesa amb un germà de la família Curiatii. Malgrat aquests llaços, Horatii exhorta els seus fills a lluitar contra els Curiatii i obeeixen, malgrat les lamentacions de les seves germanes afectades. En representar el moment en què els homes van triar ideals polítics per sobre de motius personals, David demana als espectadors que considerin aquests homes com a models durant el seu propi moment políticament tumultuós. Tan preocupat pel realisme en la pintura com amb l’idealisme en la política, David va viatjar a Roma per copiar l'arquitectura de la vida. El resultat va ser un enorme èxit quan la pintura es va exposar al Saló de París de 1785. Les pintures de David encara ressonen poderosament entre els espectadors perquè la força de la seva habilitat era prou eminent com per articular les seves fortes creences. (Ana Finel Honigman)

  • Madame Récamier (1800)

    Això és àmpliament reconegut com Jacques-Louis David 's més fi retrat. Amb la seva gràcia, simplicitat i economia, també es considera un dels exemples més reeixits d’art neoclàssic. El model de David, Juliette Récamier, era l’amor de la societat parisenca. Era l'esposa d'un ric banquer de Lió, tot i que va rebre l'atenció d'altres homes, tots ells modestament rebutjats. David es va inspirar en la virtuosa reputació de Récamier. Amb els peus descalços, el vestit blanc i els accessoris antics, s’assembla a una verge vestal dels darrers dies. Això es veu reforçat per la postura. La mirada de la dona és sincera i directa, però el seu cos es desvia, inabordable. Les sessions de retrats no van funcionar sense problemes: la pintora estava irritada per la persistent impuntualitat de Juliette, mentre que s'oposava a algunes de les llibertats artístiques preses. En particular, li va molestar el fet que David li aclarís l’ombra dels cabells, perquè no s’adequava al seu esquema de colors. Com a resultat, va encarregar un altre retrat a un dels alumnes de l'artista. Quan es va assabentar d'això, David es va negar a continuar: "Senyora", es diu que va declarar, "les senyores tenen els seus capricis; també ho fan els pintors. Permeteu-me satisfer la meva. Mantindré el vostre retrat en el seu estat actual ”. Aquesta decisió pot haver estat beneficiosa, ja que la severitat de la imatge li dóna gran part del seu impacte. Es diu que el llum i alguns altres detalls van ser pintats per l’alumne de David Mantindré el vostre retrat en el seu estat actual ”. Aquesta decisió pot haver estat beneficiosa, ja que la severitat de la imatge li dóna gran part del seu impacte. Es diu que el llum i alguns altres detalls van ser pintats per l’alumne de David Mantindré el vostre retrat en el seu estat actual ”. Aquesta decisió pot haver estat beneficiosa, ja que la severitat de la imatge li dóna gran part del seu impacte. Es diu que el llum i alguns altres detalls van ser pintats per l’alumne de DavidJean-Auguste-Dominique Ingres . Aquest últim va quedar sens dubte impressionat per la imatge, ja que va prendre prestat el posat de Récamier per a una de les seves obres més famoses, La Grande Odalisque . (Iain Zaczek)

  • El banyista ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    El 1801, després d’estudiar amb Jacques-Louis David , l’artista francès Jean-Auguste-Dominique Ingres va guanyar el prestigiós Prix de Rome. Aquest va ser un premi atorgat per la francesa Academie Royale, que va pagar els seus millors artistes per visitar Roma durant quatre anys i estudiar els mestres italians del passat. Malauradament, l’Estat no es podia permetre el luxe d’enviar artistes a Itàlia en aquest moment a causa de la fallida economia de França. Ingres finalment va anar a Roma el 1808. El banyistava ser una de les primeres pintures d'Ingres executades a Itàlia i, tot i que l'artista va estar envoltat de segles d'important art renaixentista, trenca amb la tradició. En lloc de revelar la identitat del seu subjecte, Ingres ha presentat el seu tema gairebé monumental mirant cap a l’espectador amb el tors torçat lleugerament per obrir-li l’esquena. Això permet a l’espectador admirar (i objectivar) el banyista sense que ella ens interpel·li; continua sent anònima, indeterminada, el seu personatge indesxifrable. Els darrers treballs de nus femenins d'Ingres sovint van adoptar postures més frontals. És interessant assenyalar que la limitada paleta de verds, cremes i marrons d'Ingres passa dels tons foscos de la cortina a l'esquerra als tons clars del teló de fons i de la coberta del llit a la dreta. Aquesta gradació de to es fa ressò de la naturalesa simbòlica del bany, un acte que neteja i purifica l’ànima: a mesura que l’assistent s’allunya del bany, es torna més blanca i, per tant, més pura. (William Davies)

  • La Balsa de la Medusa (1819)

    Poques persones podrien veure aquesta pintura i no deixar-se desbordar per la seva passió i poder. Pintat pel principal impulsor del romanticisme francès, Théodore Géricault , ara es veu com l’enunciat definitori d’aquest moviment. Els romàntics es van separar de l'art clàssic del segle XVIII per posar èmfasi en el realisme i l'emoció. Aquesta pintura és especialment interessant perquè tan clarament uneix el classicisme i el romanticisme. Quan La Balsa de la Medusa va aparèixer a l'exposició del Saló de 1819, va provocar un escàndol important, que va horroritzar l'establiment. L’escena explica la història real de la fragata del govern francès nàufrag La Méduse, el capità i els oficials incompetents de la qual van agafar els únics vaixells salvavides per a si mateixos i van deixar que tots els tripulants i passatgers de menys de 15 de 150 morissin en una bassa improvisada, enfonsant-se en la desesperació, la salvatgisme i el canibalisme. Géricault es va atrevir a mostrar un episodi sòrdid i inquietant de la història contemporània (el naufragi es va produir el 1816) que va reflectir malament tots els implicats, de manera que s’assemblava a les enormes pintures d’història heroica molt estimades pels tradicionalistes. D’una banda, aquí hi ha un nivell macabre de realisme (Géricault va estudiar els cadàvers per obtenir els detalls adequats), amb pinzellades extraordinàriament energètiques que augmentaven el moviment i l’emoció remolinants. D’altra banda, els cossos i la composició en forma de piràmide tenen un estil clàssic. Tot i la indignació, la imatge va obtenir l’aprovació artística de Géricault i va tenir una enorme influència en altres artistes,Eugène Delacroix . (Ann Kay)

  • La mort de Sardanàpal (1827)

    Sovint es diu que era el més gran dels romàntics francesos, Eugène Delacroix era realment un pintor del seu temps. Igual que el seu amic Théodore Géricault , Delacroix va conservar certs elements clàssics de la seva formació inicial, però va mostrar una energia agosarada, un ús ric i individualista del color i un amor per l’exòtic que el va convertir en un pioner. El llenç massiu La mort de Sardanàpalesclata als sentits amb un moviment salvatge i un color sumptuós, una orgia d’exotisme indulgent. Sardanapalus era un governant assiri d’antigues llegendes amb gust per la decadència extrema. En resposta a la vergonya d'una gran derrota militar, Sardanapalus va fer una enorme pira sobre la qual es va cremar a si mateix juntament amb tots els seus tresors del palau, mestresses i persones esclavitzades. Delacroix es delectava amb aquest drama Byronic. Sembla que va abandonar qualsevol intent de perspectiva realista o coherència compositiva. Cossos i objectes distorsionats remolinen al voltant d’un món de malson ofegat amb un color intens i una ombra calenta i invasora. La detallada pintura de brillants joies i teixits rics transmet clarament el món extravagant que s’està representant, mentre que el fresc despreniment amb què Sardanapalus examina el caos que l’envolta crea un estat d’ànim sinistre. Delacroix experimenta amb tons grisos i blaus sobre la pell humana per donar forma al seu modelatge no convencional dels cossos. És fàcil veure com l’exploració desinhibida de la violència, juntament amb l’energia frenètica i les tècniques de coloració atrevides, van parlar moltíssim dels artistes posteriors. (Ann Kay)

  • Homer Deified ( L'apoteosi d'Homer ) (1827)

    Quan Homer Deified va ser pintat, Jean-Auguste-Dominique Ingres era un autoproclamat líder de la pintura tradicional i clàssica, enfrontant-se a l'art obstinat dels romàntics francesos com Eugène Delacroix . Aquesta pintura en particular difícilment podria ser un millor exemple de l'enfocament acadèmic d'Ingres i, de fet, la pretenia com un himne de lloança al classicisme. Tot i que tenia un vessant més sensual (per exemple, el seu banyista ), aquí s’ha suprimit totalment. També coneguda com L’apoteosi d’Homer , aquesta obra mostra el famós poeta de l’antiga Grècia com un déu coronat amb llorers per la figura mitològica Victory. Dues dones als seus peus representen les grans obres èpiques d'Homer,La Ilíada i l’Odissea. Al seu voltant s’agrupa una adorant multitud de gegants artístics d’època antiga i moderna, inclosos companys grecs: el dramaturg Esquil ofereix un pergamí a l’esquerra d’Homer, mentre que l’escultor atenès Phidias tendeix un martell a la dreta. Les figures més modernes estan dominades per artistes del període clàssic del segle XVII de França, com el dramaturg Molière i el pintor Nicolas Poussin. La composició triangular i simètrica desprèn un idealisme clàssic, amb Homer situat contra un temple antic que porta el seu nom. Aquesta pintura va ser mal rebuda en el moment de la seva creació. Ingres es va retirar a Roma durant uns quants anys, però va tornar a la dècada de 1840 per tornar a ser aclamat com a principal classicista. Es va posar de moda maleir el tradicionalisme d’Ingres, però ara se’l veu com un artista molt influent i de considerable destresa tècnica. (Ann Kay)

  • La llibertat al capdavant del poble (1830)

    Aquesta obra pertany al període comprès entre 1827 i 1832 durant el qual Eugène Delacroixva produir una obra mestra rere l’altra. Això no és una excepció. Pintada per commemorar la revolució de juliol de 1830 que va portar Louis-Philippe al poder, la imatge ha arribat a simbolitzar l’esperit revolucionari. Va causar sensació al Saló de París de 1831 i, tot i que Louis-Philippe va comprar l'obra per marcar la seva adhesió, la va mantenir allunyada de la vista pública perquè es considerava potencialment inflamatòria. La imatge combina de manera monumental el reportatge contemporani amb l’al·legoria. El lloc i l’hora són clars: Notre Dame és visible a la llunyania i la gent es vesteix d’acord amb la seva classe, amb el noi descarnat a la dreta que simbolitza el poder de la gent normal. La figura al·legòrica de la Llibertat que guia l’escena, tricolor aixecada sobre ella, va causar indignació perquè en lloc de personificar la bellesa idealitzada, la vibrant pinzellada mostra una dona molt real: mig nua, bruta i trepitjant cadàvers d'una manera que pugui suggerir com la llibertat podria comportar certa opressió. Aquesta pintura també mostra a Delacroix girant cap a l'enfocament més moderat de la seva obra posterior, en la qual va fer incursions cada vegada més subtils en la forma en què els colors funcionaven l'un al costat de l'altre per transmetre un sentit de la realitat o expressar veritats. Aquest ús del color tindria una gran influència entre els impressionistes i modernistes que vindrien en què va fer incursions cada vegada més subtils sobre les maneres en què els colors funcionaven l'un al costat de l'altre per transmetre un sentit de la realitat o expressar veritats. Aquest ús del color tindria una gran influència entre els impressionistes i modernistes que vindrien en què va fer incursions cada vegada més subtils sobre les maneres en què els colors funcionaven l'un al costat de l'altre per transmetre un sentit de la realitat o expressar veritats. Aquest ús del color tindria una gran influència entre els impressionistes i modernistes que vindrienPierre-Auguste Renoir i Georges Seurat a Pablo Picasso . (Ann Kay)

  • Vista de la Gran Galeria del Louvre (1841)

    Fill d’un comerciant de teixidors d’èxit, Patrick Allan-Fraser va rebutjar l’oportunitat de seguir el seu pare en una carrera comercial a favor de seguir la seva tendència artística. Els estudis van portar Allan-Fraser a Edimburg, Roma, Londres i finalment París, on es va trobar amb la magnífica Grande Galerie del Louvre. Quan pintava Vista de la gran galeria del Louvre, l'artista es va inspirar en un grup d'artistes victorians coneguts com The Clique, amb qui s'havia trobat a Londres. La Clique va desestimar l’alt art acadèmic a favor de la pintura de gènere. L’aparentment infinita Grande Galerie, que s’estenia durant un quart de quilòmetre, era un lloc on sovint es reunien artistes i artesans, tot i que aquí trobem una atmosfera serena d’apreciació i reflexió. En els anys posteriors, Allan-Fraser es submergiria en la restauració i construcció de bells edificis, i la seva admiració per la Grande Galerie fou fonamental a l’hora d’emprendre-ho. Els esporàdics raigs de llum no només permeten a l’espectador contemplar l’activitat interior, sinó que també revelen la magnitud i elegància de la sala. Allan-Fraser va ser elegit per a la Royal Scottish Academy el 1874 i va encarregar els retrats de membres de The Clique, en respecte a aquells que l'havien inspirat. (Simon Gray)

  • Souvenir de Mortefontaine (1864)

    Camille Corot va començar la seva carrera com a draper abans de decidir seguir la formació artística. Amb el suport del seu pare, va estudiar primer amb Achille Etna Michallon i després amb Jean-Victor Bertin, tot i que després Corot va negar que la seva formació hagués afectat el seu art. Va viatjar molt al llarg de la seva vida, passant diversos anys a Itàlia, explorant Suïssa i recorrent gran part del camp francès. En els seus viatges va fer nombrosos esbossos a l'oli i pintures a l' aire lliure que capturaven la immediatesa de la llum i de l'atmosfera; també va treballar en pintures d’exposició dins l’estudi. Souvenir de Mortefontaineés un dels millors quadres de la seva última carrera. Està banyat per una llum suau i difusa, i és una obra d’una tranquil·litat absoluta, epítome d’una assimilació lírica i poètica del món de l’artista. L’escena no està extreta de la natura, però combina elements clau de l’entorn natural per crear la imatge perfecta i harmoniosa. L’arbre elegant en primer pla, l’extensió d’aigua quieta darrere i les figures tranquil·les escollides amb un color suau eren motius que sovint feia servir l’artista per representar una obra de bell i tranquil reflex. Treballant al principi en la línia dels realistes, l’estil de Corot es va desenvolupar per englobar una percepció romàntica i onírica. Com a tal, la seva obra es pot considerar com un pont entre els realistes i els impressionistes i, de fet, se’l coneix sovint com el pare de l’impressionisme.Les vistes de Claude Monet sobre el Sena a la llum del matí pintades durant la dècada de 1890. (Tamsin Pickeral)

  • La flagel·lació de Crist (1455–60)

    Les terres de Catalunya, centrades a la ciutat de Barcelona, ​​van viure una gran època daurada de l’art a la dècada del 1400 i va situar-se al capdavant d’aquest revifament Jaume Huguet . Huguet és famós pels impressionants retaules que caracteritzen l’art religiós bellament decoratiu produït per l’escola catalana en aquest moment. Al centre d’ aquest retaule, Crist és colpejat abans de rebre una sentència de mort per crucifixió. L’home que va dictar la sentència —el governador romà de Judea, Ponç Pilat— està assegut en un gran tron ​​a la dreta. La imatge de Huguet està plena de colors preciosos i plena de detalls fins, des de les rajoles fins al tron ​​i la roba de Pilat. Hi ha una simetria ben construïda a la composició: la posició central de Crist, flanquejada per dos homes que donaven la pallissa i dos petits àngels als seus peus, les rajoles del terra, la filera d’arcs darrere de Crist i la vista llunyana d’un paisatge amb cims de mida uniforme. Tot l’efecte és molt decoratiu, gairebé com un tapís. Aquesta peça va ser encarregada pel gremi de sabaters per a la capella Saint-Marc de la catedral de Barcelona, ​​motiu pel qual apareixen sabates a la vora decorativa. Les vores també inclouen imatges d'àguila, lleó, àngel i bou: símbols dels evangelistes Sant Joan, Sant Marc, Sant Mateu i Sant Lluc, respectivament. L'obra de Huguet es troba en general en el marc de mestres catalans del segle XV com Bernardo Martorell, i el seu estil personal va ajudar a definir l'estil català. (Ann Kay)

  • Home vell amb un noi petit (vers 1490)

    Domenico Ghirlandaio va ser un artista florentí reconegut pels seus frescos i retrats. Old Man with a Young Boy és la seva imatge més reconeguda. Un dibuix al Museu Nacional d’Estocolm proporciona proves que Ghirlandaio va fer estudis sobre el vell, inclòs el defecte de la pell al nas. Es creu que l’home va patir l’afecció desfigurant rinofima com a conseqüència de l’acne rosàcia. Però el realisme del retrat és inusual per al seu temps. Es creu que la inclusió d’aquest defecte de Ghirlandaio va influir en artistes posteriors, com Leonardo da Vinci, per pintar els seus temes tal com eren. Sens dubte, l’espectador està commogut per aquesta escena. La cara envellida del vell contrasta amb la pell suau i jove del nen. A mesura que la mà del nen arriba fins al vell, els seus ulls es troben en una mostra oberta d’afecte. Els vermells càlids emfatitzen aquest vincle amorós. (Mary Cooch)

  • L' endeví (vers 1508-10)

    La fama principal de Lucas van Leyden es basa en les seves extraordinàries habilitats com a gravador, però també va ser un pintor experimentat que va acreditar ser un dels primers a introduir la pintura de gènere holandesa. Nascut a Leiden, on va passar la major part de la seva vida, es creu que es va formar amb el seu pare i més tard amb Cornelis Engebrechtsz. Va viatjar a Anvers el 1521, on va conèixer Albrecht Dürer , que va enregistrar aquest esdeveniment al seu diari. Sembla que l’obra de Durer va influir més en ell, tot i que van Leyden va abordar els temes amb una animació més gran, concentrant-se més en el caràcter de les figures individuals. L'endeví,que és una al·lusió a la vanitat de l’amor i dels jocs, es va pintar a principis de la carrera de van Leyden, però ja mostra el seu dibuix i habilitat com a colorista. És un estudi del caràcter, amb cada individu retratat amb una sensibilitat viva. L’home de barba fosca del fons és especialment captivador, amb una mirada penetrant i un rostre sinistre que contrasta amb la pàl·lida figura de l’endeví. La superfície de la imatge té un patró ric i les diferents textures, des de pell i seda fins a vidre i carn, estan excel·lentment representades. Empènyer la composició a la part frontal del pla de la imatge té l’efecte de situar l’espectador entre les altres figures. Van Leyden va ser famós durant la seva vida i, tot i que no tenia alumnes directes, la seva influència va ser profunda en el desenvolupament de l’art holandès, obrint el camí a la tradició holandesa de la pintura de gènere. Es creu que la seva obra també va tenir un efecteRembrandt . (Tamsin Pickeral)

  • Triomf de Tito i Vespàsia (vers 1537)

    Nascut en Giulio Pippi, l’artista d’aquest quadre es va conèixer més tard com Giulio Romano després de la ciutat del seu naixement. De ben jove, va anar a estudiar amb Rafael, convertint-se posteriorment en el seu ajudant en cap, i a la mort de Rafael va completar diverses obres de l'artista. La vibrant paleta i l’atrevit estil figuratiu de Romano contrastaven amb la subtilesa del seu professor, però, en termes d’imaginació pura i efecte dramàtic il·lusionant aconseguit mitjançant la manipulació de la perspectiva, Romano era un líder en el seu camp. A part dels seus èxits pictòrics, l'artista també era arquitecte i enginyer. Cap al 1524 Romano va ser emprat per Frederico Gonzaga, governant de Màntua, i es va embarcar en un enorme projecte de disseny i reconstrucció d'alguns edificis de la ciutat, així com diversos esquemes decoratius. Triomf de Tito i Vespàsiafou encarregat per Gonzaga per a la Sala dels Cèsars al Palazzo Ducale. Representa l’emperador Tito desfilant per Roma després d’una victòria sobre els jueus. La composició es basa en una escena situada a l'interior de l'antic arc de Tit a Roma, i conserva gran part de la qualitat escultòrica de l'original, particularment en els estridents cavalls de carro de Romano. Els colors brillants i el tema clàssic interpretats a la mà manierista de Romano van fer que aquesta obra fos molt popular en el seu temps. Destaca especialment el seu tractament del paisatge, que és bellament detallat i banyat en una brillant llum translúcida. (Tamsin Pickeral)

  • La Mare de Déu i el Nen amb Santa Anna (vers 1510)

    Leonardo da Vinci va ser aprenent del mestre escultor Andrea del Verrocchio , després del qual va treballar per a alguns dels mecenes més rics de França i Itàlia, inclosa la família Sforza de Milà, el rei de França i el Vaticà a Roma. Si Verrocchio no hagués canviat a pintar per competir amb els seus rivals en el moment en què Leonardo era al seu taller, alguns estudiosos creuen que és concebible que Leonardo no hagués necessàriament aixecat mai un pinzell. Tot i que la seva vida i la seva obra són immensament importants per a la història de l’art, avui hi ha aproximadament vint quadres atribuïts de manera segura a la seva obra. La Verge, la seva mare Anna i l’infant Jesús, objecte d’ aquest quadre, són junts un dels temes més populars de Leonardo, com demostren diversos dibuixos i pintures. Aquests inclouen un dibuix perdut de 1501 i La Mare de Déu amb el Nen amb Santa Anna i Sant Joan Baptista (vers 1508, conegut com el dibuix de Burlington House); es pot suposar que aquest darrer dibuix estava destinat a desenvolupar-se en una obra gran i totalment pintada, però no hi ha evidències que s'hagi intentat mai una pintura així. Aquí, però, la Mare de Déu descansa a la falda de Santa Anna, mentre el nen Crist acarona de manera alegre un jove sacrificial, una presagia de la destinació del nadó. Un dibuix a petita escala a ploma i tinta per a La Mare de Déu i el Nen amb Santa Annaexisteix a la col·lecció de l'Accademia de Venècia. Les postures informals i el tendre compromís psicològic entre els seients constitueixen un màxim històric en la pintura religiosa. (Steven Pulimood)

  • Condottiero (1475)

    Pel que s'ha convertit en un Antonello dóna Messina 's la majoria de les pintures famoses, l'artista representa un líder militar d'Itàlia, conegut com a condottier. (Tanmateix, es desconeix la veritable identitat de l'home.) Fins al segle XIX, Itàlia estava composta per un conjunt de ciutats estats independents i els condottieri tenien una gran demanda per lluitar en batalles entre estats en conflicte. Antonello s’interessa per mostrar el rang del seu assegut: està assegut davant d’un fons negre amb roba bàsica i barrets amb bona postura, elevant així el seu estatus per sobre del de simple guerrer. De fet, el tema d'Antonello probablement tenia la riquesa per permetre's un títol més proper al d'un cavaller i hauria encarregat aquest retrat per ressaltar la seva posició social. Tot i això, Antonello recorda a l’espectador que aquest home és un lluitador despietat. Una inspecció més detallada de Condottierorevela detalls com la ferida de guerra al llavi superior del vigilant. (William Davies)

  • Mona Lisa (c. 1503-09)

    Leonardo da Vinci va començar la seva vida com a fill il·legítim d’un notari toscà i, sens dubte, es va convertir en el pintor més discutit del món. La fascinació interminable tant dels estudiosos com del públic va sorgir pràcticament des del dia que va començar a escriure i pintar. També era un home amb defectes i limitacions. Va néixer a la ciutat turística d'Anchiano, a la costa de Toscana, a prop de Vinci, i es va traslladar a Florència a una edat primerenca per formar-se com a aprenent d' Andrea del Verrocchio., un famós escultor del dia. A partir d’aquelles primeres lliçons, Leonardo va obtenir una profunda apreciació de l’espai tridimensional, un concepte que li va servir durant tota la seva carrera, ja sigui que pintava o dibuixava les complexitats de plantes o parts del cos humà, màquines de guerra o obres d’aigua públiques, geometria matemàtica o geologia local. El nom d’ aquesta pintura , que no es va fer servir fins al segle XIX, va ser derivat d’un primer relat de Giorgio Vasari , que també proporciona l’única identificació de l’assistent. La Mona Lisa, també coneguda com Lisa Gherardini, va ser pintada a mitjan anys vint després de casar-se amb un comerciant de seda anomenat Francesco del Giocondo, l’home que potser va encarregar el retrat. Fins avui, els italians la coneixen com La Gioconda i la francesaLa Joconde , que literalment es tradueix com "el jocund (o lúdic)". En la història més recent, la fama de la pintura també pot derivar en part del fet que va ser robada al Louvre de París en un atracament sensacional el 1911 per un nacionalista italià, però va ser retornada afortunadament dos anys després. (Steven Pulimood)

    [Voleu saber més sobre per què la Mona Lisa és tan famosa? Llegiu això desmitificat per Britannica.]

  • Caritat (1518-19)

    El 1518 Francesc I de França va convocar el pintor florentí Andrea del Sarto a la seva cort francesa, on va viure l’artista italià durant un any. La caritat és l'únic quadre que es conserva de la seva estada francesa; es va pintar per al castell d'Amboise. L'obra és típica de les pintures afavorides per la reialesa francesa en aquest moment. Representa la figura de la Caritat envoltada de nens que ella nodreix i protegeix. Era una representació al·legòrica de la família reial francesa i celebrava el naixement del Dauphin, que és simbolitzat pel lactant, mentre que la figura de la Caritat té alguna similitud amb la reina. L’estructura piramidal de la composició és típica de la forma tradicional d’aquest tipus de pintura i també és un reflex de la influència deLeonardo da Vinci a Andrea del Sarto. En particular, l'artista admirava La Verge i el Nen amb Santa Anna de Leonardo . (Tamsin Pickeral)

  • La Decapitació de Sant Jordi (vers 1432–34)

    Bernardo Martorell va treballar a Barcelona i probablement va ser impartit per Luis Borrassá, el pintor català més prolífic de l’època. A Martorell, el retaule de Sant Pere de Pubol (1437), que es troba al museu de Girona, Itàlia, només s’hi atribueix definitivament una obra que es conserva . Tanmateix, el retaule de Sant Jordi és tan distintiu a l'estil de Martorell que la majoria dels experts creuen que ell era l'artista. El retaule es va crear per a la capella de Sant Jordi del Palau de Barcelona. Està format per un panell central que mostra a Sant Jordi matant el drac , que ara es troba a l'Institut d'Art de Chicago, i quatre panells laterals, que es troben al Louvre de França. Aquest panell lateralforma la part final de la narració i representa el martiri de Sant Jordi. La llegenda de Sant Jordi sembla originar-se en escrits d'Eusebi de Cesarea, datats al segle IV dC. Se suposava que era un soldat romà de naixement noble que va ser assassinat el 303 dC per protestar contra la persecució dels cristians. Fou canonitzat al segle X i esdevingué el patró dels soldats. La llegenda de Sant Jordi es va estendre a tota Europa a l'edat mitjana i, tot i que la història del sant matant un drac sembla més mitològica que miraculosa, es torna a explicar en moltes pintures medievals. En aquesta última escena de la llegenda, quan Sant Jordi està decapitat, cauen els llamps d’un cel vermell i daurat. L’estil pot ser gòtic internacional, però les cares horroritzades, la cria de cavalls, els cossos que cauen, i el maneig expert de la llum pertany a Martorell. (Mary Cooch)