متفرقات

29 لوحة يمكنك زيارتها فقط في متحف اللوفر


  • صورة لامرأة (القرن الثالث)

    صورة التابوت هذه من منطقة الفيوم وقد رسمت في العصر اليوناني الروماني. تشير كلمة الفيوم إلى منطقة خصبة جنوب غرب القاهرة. كانت تتمحور حول بحيرة اصطناعية ، بحيرة قارون ، مشروع هندسي طموح يعود تاريخه إلى الأسرة الثانية عشرة ، تم بناؤه في واد طبيعي. جاء سكان وادي الفيوم من مصر واليونان وسوريا وليبيا ومناطق أخرى من الإمبراطورية الرومانية. كانوا يزرعون المحاصيل ، بما في ذلك القمح والشعير ؛ كانت الأسماك من البحيرة تعتبر طعامًا شهيًا في جميع أنحاء مصر ؛ وتحت حكم أمنمحات الثالث(الأسرة الثانية عشرة) ، اشتهرت المنطقة بالحدائق المورقة والأشجار المثمرة الوفيرة. تشتهر المنطقة اليوم بعدد من وثائق البردي المكتشفة خلال القرنين التاسع عشر والعشرين ، بالإضافة إلى العديد من "صور الفيوم" التي اكتشفها علماء الآثار. يبدو أن هذه الصور بالحجم الطبيعي كانت تُستخدم لتزيين المنازل ، فضلاً عن استخدامها للأغراض الجنائزية. تضمنت تقنية إنكوستيك إذابة الشمع وخلطه بالتصبغ وربما زيت بذر الكتان أو البيض ، ثم تطبيقه مثل الطلاء على الخشب أو الكتان. هذه الصورة المرسومةتبدو حديثة بشكل مدهش. تشير عيون المرأة الواضحة وأنفها البارز وتصوير الفنان الدقيق للمجوهرات إلى أنه تم رسمها لتكون صورة يمكن التعرف عليها. غالبًا ما ينسب مؤرخو الفن إلى منطقة الفيوم ولادة فن البورتريه الواقعي ، وتمثل الصور العديدة التي تم الكشف عنها في هذه المنطقة وقتًا من التجارب الفنية الرائدة. (لوسيندا هوكسلي)

  • الصيف (1573)

    كان جوزيبي أرسيمبولدو ناجحًا للغاية خلال حياته ، ولكن بعد وفاته سرعان ما تلاشت أعماله ، ولم يتم إحياء الاهتمام به حتى نهاية القرن التاسع عشر. من الناحية الأسلوبية ، تتناسب لوحاته الخيالية والخيالية مع العالم الشعبي لفن Mannerist. المحاكم في جميع أنحاء أوروبا خلال القرن 16 يفضل بشكل خاص هذا النوع من بارع والرسم وهمية ذكية، وكان شاهدا على هذه المهمة Arcimboldo المطولة كما الرسام إلى المحكمة هابسبورغ بين 1562 و 1587. الصيفية تشكل جزءا من سلسلة فور سيزونز أن الفنان رسمت للإمبراطور ماكسيميليان الثانيفي عام 1573. كان هذا الموضوع الذي رسمه أركيمبولدو عدة مرات خلال حياته المهنية ، وكان هذا الموضوع ذائع الصيت. رسم لأول مرة سلسلة من الفصول الأربعة في عام 1562 ، وقد استقبل بحماس كبير مفهومه الخيالي المتمثل في إنشاء رأس من مجموعة من الفواكه والخضروات. لم تقتصر واجبات أركيمبولدو القضائية تجاه ماكسيميليان على الرسم - فقد تم استدعاء الفنان أيضًا كمصمم مسرح ، ومهندس معماري ، ومهندس. في وقت لاحق ، أثناء عمله مع الإمبراطور رودولف الثاني ، تم تكليفه أيضًا بالعثور على التحف والأشياء الفنية النادرة لمجموعة الإمبراطور. تخلق لوحات Arcimboldo تأثيرًا سرياليًا تمامًا ، وهي بالتأكيد من بين أكثر اللوحات إبداعًا وابتكارًا بذكاء في عصره. (تامسين بيكيرال)

  • صيد الأسماك (ج. 1588)

    وُلد أنيبال كاراتشي في منطقة بولونيا ، ومع شقيقه وابن عمه ، تم الاعتراف به كواحد من الرسامين الرائدين في مدرسة بولونيا. كان رسامًا ماهرًا بشكل خاص وركز بشكل كبير على الرسم الصحيح ، وغالبًا ما يصور مشاهد من الحياة ويضعها في مشهد خيالي أو مثالي. كانت موضوعات الصيد وصيد الأسماك شائعة في زخرفة الفلل في بولونيا في هذا الوقت. تم رسم الصيد كقطعة مصاحبة لعمل آخر بواسطة Carracci ، Hunting. بناءً على أبعادهما ، ربما تم تصميم كلاهما للتعليق فوق مداخل فيلا منزلية. تم رسم العملين في وقت مبكر من مسيرة Carracci ، وقبل انتقاله إلى روما في عام 1584 ، لكنهما يظهران بالفعل أسلوب الفنان المتميز للغاية. قام في هذا العمل بدمج عدد من المشاهد المختلفة في لوحة واحدة وابتكر تركيبته بذكاء بحيث يتم توجيه العين من المقدمة إلى كل مجموعة من الأشخاص وإلى الخلفية ، دون فقدان أي تفاصيل. من المحتمل أن تكون الأرقام مبنية على دراسات مباشرة من الطبيعة ثم تم دمجها مع المناظر الطبيعية. هذه اللوحة مثيرة للاهتمام لأنها تظهر كاراتشي يطور استخدامه للإيماءات ، كما هو موضح في الشكل التأشير على اليمين. كان استخدام الإيماءات المقنعة والواضحة إحدى مهارات كاراتشي الخاصة ، والتي أثرت على الرسامين اللاحقين في فترة الباروك. من الواضح أيضًا استخدام Carracci المقنع للمناظر الطبيعية ، والذي يتكون بشكل جميل في ضوء شفاف شفاف. (تامسين بيكيرال)

  • تربية لعازر (سي 1619)

    Giovanni Francesco Barbieri ، الملقب بـ Il Guercino، ولد في فقر في بلدة سينتو الصغيرة ، بين فيرارا وبولونيا في إيطاليا. كان إلى حد كبير من العصاميين كفنان. أصبح أحد الرسامين الرائدين في مدرسة بولونيا ، واستولى على استوديو Guido Reni المزدحم عند وفاته (من المفارقات ، حيث تشير الروايات إلى أن ريني كان ينظر إلى Guercino بتناقض). تغير أسلوب Guercino بشكل كبير خلال حياته ، حيث أظهرت أعمال مثل هذا العمل منذ وقت مبكر من حياته المهنية أسلوبًا باروكيًا للغاية مع الاستخدام الدرامي للأضواء المتناقضة والظلام. نموذجي للوحات الباروك ، التكوين معقد ومليء بالإيماءات الدرامية والطاقة والشعور. الأشكال مزدحمة في المقدمة ، كما لو كانت جزءًا من إفريز ، بينما لا يمكن تمييز الوسط والخلفية تقريبًا. تضع هذه التقنية المشاهد تقريبًا في نفس المستوى المكاني مثل الأشكال الموجودة في اللوحة ، مما يثير استجابة عاطفية قوية. والحدث هو أن لعازر الميت أقامه يسوع. يضفي Guercino على المشهد شدة سريعة وحماسة روحية كانت ستحظى بإعجاب كبير خلال فترة وجوده. قبل بضع سنوات من تنفيذ هذه اللوحة ، التقى جويرسينو بالفنانLudovico Carracci وكان مستوحى من تعامل Carracci مع اللون والعاطفة. يمكن تمييز تأثير كاراتشي في كتاب جويرسينو " تربية لازاروس" ، على الرغم من أن هذا العمل أكثر نشاطًا في الأسلوب. مات جويرسينو ، وهو فنان غزير الإنتاج ومطلوب ، رجلاً ثريًا. (تامسين بيكيرال)

  • القديس يوسف النجار (1635-40)

    قصة حياة وأعمال جورج دو لا تور غير مكتملة. على الرغم من أنه استمتع بالنجاح في حياته الخاصة ، فقد تم نسيان La Tour لعدة قرون - أعيد اكتشاف عمله في بداية القرن العشرين. رسام فرنسي ، غالبًا ما يُزعم أنه تأثر بلوحات كارافاجيو . ومع ذلك ، من المحتمل أن La Tour لم يكن على علم بعمل كارافاجيو وأنه استكشف بشكل مستقل تأثيرات الظل والضوء التي تلقيها شمعة واحدة. غالبًا ما رسم لا تور ، وهو روماني كاثوليكي متدين ، مشاهد دينية. عاد عدة مرات إلى موضوع توبة مريم المجدلية وكذلك رسم هذا المشهد المؤثريوسف يعلم يسوع في دكان النجار. الأسلوب واقعي ومفصل ومخطط بعناية - يحمل يسوع الشمعة لأنه ، في الإيمان المسيحي ، هو نور العالم ينير ظلام العالم. (لوسيندا هوكسلي)

  • الحنفاء (1642)

    قلة من الناس يمكن أن يفشلوا في إثارة اهتمامهم بهذه الصورة النوعية لمتسول معاق واضحًا من نابولي ينظر إليهم بوقاحة بابتسامة مسننة. خوسيه دي ريبيرا من أصل إسبانيقضى معظم حياته المهنية في نابولي ، التي كانت تحت سيطرة إسبانيا ، وأصبح الفنان الرائد في المدينة. ربما كان ينوي ببساطة تصوير فتى نابولي متسول ، لأنه كان لديه اهتمام كبير بالناس العاديين. ومع ذلك ، فإن الطريقة التي مزج بها الواقعية مع التقليد بشرت باتجاه جديد في الفن. لم تبتسم الحياة لهذا المتسول ، لكنه متحدي بمرح. يحمل عكازه على كتفه بهدوء ، ويمسك بالورقة التي تمنحه الإذن بالتسول ، وهو أمر إلزامي في نابولي في ذلك الوقت ، بدلاً من يائسًا. نصها باللاتينية: "أعطني صدقة على محبة الله". فبدلاً من أن يظهر رابضًا في شارع جانبي متسخ ، يقف شامخًا أمام منظر طبيعي هادئ يتذكر الأعمال التاريخية والأسطورية والدينية المرسومة على الطراز الكلاسيكي. يمنحه ريبيرا مكانة رائعة ، أعظم من وجهة النظر المتدنية والكرامة الإنسانية. يمكن أن يكون شحاذه أميرًا صغيرًا تقريبًا. تصبح الفرشاة السائبة أكثر نعومة على المناظر الطبيعية ، مما يجعل الصبي يبرز أكثر. كان لقدرة ريبيرا على نقل الشعور بفردية الناس بواقعية وإنسانية تأثير كبير على الفن الغربي وعلى المدرسة الإسبانية على وجه الخصوص. (آن كاي)

  • منظر داخلي ( النعال ) (1654-1662)

    كان Samuel van Hoogstraten رسامًا ماهرًا للصور الشخصية والديكورات الداخلية وكان مهتمًا بالاستخدام الصحيح للمنظور. منظر داخلي ، يُطلق عليه تقليديًا اسم The Slippers، يجسد استخدام الفنان المميز للأرضيات المبلطة الهولندية لإبراز عمق الصورة. يتم التأكيد على ذلك من خلال طائرات الصورة المتراجعة المتميزة ، والتي تتميز بإطار الصورة ، وأغلفة الأبواب ، وأخيراً الصورتان الموجودتان في الجزء الخلفي من اللوحة. من خلال إظهار جزء من الباب المفتوح في المقدمة ، يضع الفنان المتفرج في المدخل ، مما يزيد من التأثير الوهمي للرسم. يُلمح موضوع Hoogstraten إلى التفاصيل الدقيقة. تشير المكنسة المهملة ونعال المنزل والكتاب المغلق (توقف القراءة) إلى وجود علاقة عاطفية تحدث بعيدًا عن الأنظار. كانت النغمة الأخلاقية اللطيفة للرسم هي تلك التي عاد إليها Hoogstraten عدة مرات. (تامسين بيكيرال)

  • الحج إلى Cythera (1717)

    في عام 1717 أنطوان واتو عرض هذه الصورة للأكاديمية الفرنسية كما شهادته قطعة. تم الإشادة به باعتباره أفضل أعماله ، وأصبح له تأثير رئيسي على أسلوب الروكوكو الناشئ. بدأ الموضوع كتوضيح لمسرحية صغيرة. في فيلم Les Trois Cousines في فلورنسا دانكورت، فتاة ترتدي زي حاج تخرج من خط الكورال وتدعو الجمهور للانضمام إليها في رحلة إلى Cythera - جزيرة الحب ، حيث يلتقي الجميع بشريكهم المثالي. كانت النسخة الأولى من Watteau للموضوع ، التي يرجع تاريخها إلى حوالي عام 1709 ، تصويرًا حرفيًا للغاية ، ولكن هنا استغنى عن الإطار المسرحي ، وحول الحادث إلى خيال خيالي رومانسي حالم. والأمر المهم أنه اختار تصوير نهاية الرحلة وليس بدايتها. قام العشاق بإقران وتزيين تمثال فينوس على اليمين بالزهور ، وهم على وشك العودة إلى ديارهم. من خلال التركيز على هذه اللحظة ، تمكن الفنان من خلق جو من الكآبة اللطيفة التي تميز عمله. بينما يستعد معظم الأزواج للمغادرة ، بقي اثنان من العشاق بالقرب من ضريح الإلهة ، مفتون بالحب وأعمى عن كل شيء آخر. تستدير إحدى النساء الراحلات وتنظر إليهن بحزن ، مدركة أن هذا الجزء من الحب هو الأكثر عابرة. بعد وفاة واتو ، توقف فنه عن الموضة بشكل كبير. بالنسبة للكثيرين ، بدت صوره للمغامرات الغرامية مرتبطة ارتباطًا وثيقًا بالأيام القديمة للنظام الملكي. خلال الفترة الثورية ، استخدم طلاب الفن أعمالهCythera للتدريب على الهدف ، يقذف بها كريات الخبز. (ايان زاكزيك)

  • بييرو (المعروف سابقًا باسم جيل ) (سي 1718–19)

    هذه واحدة من آخر اللوحات التي أنتجها جان أنطوان واتو في حياته المهنية القصيرة. يُظهر مهرجًا يحدق في جمهوره ، بتعبير حزين قد يردد صدى المزاج الكئيب للفنان. كان Gilles اسمًا عامًا لمهرج في فرنسا ، وربما نشأ من Gilles le Niais ، وهو أكروبات وممثل كوميدي من القرن السابع عشر. بحلول يوم واتو ، كان هناك تداخل كبير بين هذه الشخصية وبييرو ، المهرج الرائد في كوميديا ​​ديلارتي ، وهو تقليد مسرحي إيطالي كان يتمتع بشعبية كبيرة في فرنسا. لعب كلا الشخصين دور الأحمق البريء الذي أصبح المفضل لدى الجمهور - نموذج أولي لتشارلي شابلن وباستر كيتون. هذه اللوحةربما تم إنتاجه كلوحة لافتة مسرحية مصممة لإغراء المارة بالعرض. ربما تم إنشاؤه للعرض الأول لفيلم Danaë ، وهو كوميدي تحول فيه أحد الشخصيات إلى حمار. بدلاً من ذلك ، ربما تكون قد أعلنت عن المسيرات - الرسومات الهزلية الموجزة قبل العرض الرئيسي. في هذه ، غالبًا ما كان الحمار يقود عبر المنصة ليرمز إلى الغباء المطلق لجيل. استخدم واتو نسخة أصغر من هذا المهرج باعتباره الشخصية الرئيسية في The Italian Comedians ، وهي صورة أنتجها لطبيبه حوالي عام 1720. في كلتا الحالتين ، كان الشكل الكئيب لجيل يشبه Ecce Homoلوحة ("هوذا الرجل"). هذا الموضوع الديني الشعبي يصور حلقة في آلام المسيح ، عندما قدم بيلاطس البنطي يسوع أمام الناس ، على أمل أن يدعوا لإطلاق سراحه. بدلا من ذلك ، دعا الغوغاء إلى صلبه. (ايان زاكزيك)

  • صامتة بزجاجة زيتون (1760)

    قاوم جان بابتيست سيميون شاردان المولود في باريس رغبات والده ، صانع الخزائن ، ليتبع خطاه وبدلاً من ذلك أصبح متدربًا في استوديو بيير جاك كازيس ونويل نويل كويبلفي عام 1719. ظل تشاردين طوال حياته عضوًا مخلصًا في الأكاديمية الفرنسية ، ولكن على الرغم من نجاحه ، مُنع من أن يصبح أستاذًا لأنه تم ترشيحه كرسام "في مجال الحيوانات والفاكهة". تم الانتهاء من الحياة الساكنة المبكرة التي اشتهر بها في فترة زمنية قصيرة ، مما يدل على السرعة التي اكتسب بها تقنيته المتميزة. تشير التقديرات إلى أن ربع إجمالي إنتاجه قد تم إنتاجه قبل عام 1732. يتميز أسلوبه بفرشاة غنية بالنسيج تدين بدين كبير للرسم الهولندي ، ولا سيما تأثير رامبرانت في التعامل مع الطلاء. هذا يفصل عمله عن النمط الأكثر شيوعًا للرسم الفرنسي في القرن الثامن عشر. رسم شاردان مشاهد منزلية بسيطة وأدوات منزلية مألوفة. ومع ذلك،لا تزال الحياة مع زجاجة زيتون نموذجية لمزاجه المقيد ، والإضاءة الخافتة ، والواقعية الخارقة التي تضفي على الأشياء والمشاهد اليومية هالة سحرية. ليس من المستغرب أن يطلق عليه معجبوه لقب "الساحر العظيم". تكمن موهبته في إنتاج لوحات كاملة الكمال مع مهارة فنية غير متأثرة ولكنها عالية. (روجر ويلسون)

  • بولت (سي 1777)

    كان جان أونوريه Fragonard أحد الرسامين الرائدين في أسلوب الروكوكو. كانت صوره تافهة ولكنها حسية ، ترمز إلى أناقة حياة البلاط الفرنسي ، في السنوات التي سبقت ثورة 1789. كان Fragonard معروفًا لدى معاصريه قبل كل شيء بأنه سيد sujets légers (مواضيع خفيفة). كانت هذه الموضوعات شهوانية بشكل علني ولكن تم التعامل معها بدرجة من الذوق والشهية التي جعلتها مقبولة ، حتى في الأوساط الملكية. في الواقع ، إنها تتحدث عن مجلدات عن الموضات في ذلك اليوم حيث يبدو أن هذه الصورة قد تم تكليفها كقطعة مصاحبة للوحة دينية. وفقًا لمصدر مبكر ، اقترب الماركيز دي فيري من الفنان بحثًا عن صورة معلقة بجانب إحدى الصور التعبدية النادرة لفراغونارد - The Adoration of the Shepherds. بالنسبة للعيون الحديثة ، قد يبدو هذا تجاورًا غريبًا ، ولكن ربما قصد فيري الجمع لتمثيل الحب المقدس والدنس - وهو موضوع فني كان شائعًا منذ عصر النهضة. عادةً ما ينقل الفنانون هذه الفكرة في صورة واحدة ، لكنهم أحيانًا يقترنون لوحة حواء بموضوع يتعلق بمريم العذراء (التي غالبًا ما كان يُنظر إليها على أنها حواء الجديدة). هنا ، التفاحة ، التي تظهر بشكل بارز على الطاولة ، هي إشارة تقليدية لإغراء حواء في جنة عدن. تم رسم بولت عندما بدأ أسلوب الروكوكو في الخروج من الموضة ، إلا أن الإضاءة الدرامية ودرجة التشطيب العالية تظهر أن Fragonard كان يتكيف مع النمط الكلاسيكي الجديد ، الذي كان رائجًا. (ايان زاكزيك)

  • قسم هوراتي (1784)

    يمكن القول إن جاك لويس ديفيد هو أكثر رسام الدعاية السياسية استثنائية في التاريخ. رسام البلاط لنابليون ، الكثير مما نعرفه عن شخصية الإمبراطور الأسطورية وأيقونات الثورة الفرنسية يأتي من لوحات ديفيد المسرحية والاستعارية. كان ديفيد هو والد الحركة الفنية الكلاسيكية الجديدة ، التي صورت الأساطير الكلاسيكية والتاريخ على أنهما يماثلان السياسة المعاصرة. قسم هوراتيتروي القصة ، التي سجلها المؤرخ الروماني ليفي حوالي 59 قبل الميلاد ، لأبناء من عائلتين ، الإخوة هوراتي الثلاثة والأخوة كورياتي الثلاثة ، الذين خاضوا الحروب بين روما وألبا حوالي 669 قبل الميلاد. يُطلب من الرجال القتال ، لكن إحدى النساء من عائلة كورياتي متزوجة من أحد الأخوين هوراتي ، وأخت هوراتي مخطوبة لأخ في عائلة كورياتي. على الرغم من هذه العلاقات ، حث هوراتي الأب أبنائه على محاربة الكورياتي والطاعة ، على الرغم من رثاء أخواتهم المنكوبة بالحزن. في تصوير اللحظة التي اختار فيها الرجال المثل السياسية على الدوافع الشخصية ، يطلب ديفيد من المشاهدين اعتبار هؤلاء الرجال قدوة خلال أوقاتهم المضطربة سياسيًا. بقدر اهتمامه بالواقعية في الرسم كما كان مع المثالية في السياسة ، سافر ديفيد إلى روما لنسخ العمارة من الحياة. كانت النتيجة نجاحًا هائلاً عندما عُرضت اللوحة في صالون 1785 في باريس. لا تزال لوحات ديفيد تلقى صدى قويًا لدى المشاهدين لأن قوة مهارته كانت بارزة بما يكفي للتعبير عن معتقداته القوية. (آنا فينيل هونيجمان)

  • مدام ريكامييه (1800)

    ومن المعترف به على نطاق واسع هذه جاك لويس ديفيد الصورة أروع صورة. بفضل جمالها وبساطتها واقتصادها ، تُعتبر أيضًا واحدة من أكثر الأمثلة نجاحًا للفن الكلاسيكي الجديد. نموذج ديفيد ، جولييت ريكامييه ، كان محبوب المجتمع الباريسي. كانت زوجة لمصرفي ثري من ليون ، على الرغم من أنها تلقت اهتمام مجموعة من الرجال الآخرين ، الذين تم رفضهم جميعًا بشكل متواضع. استوحى ديفيد الإلهام من سمعة ريكامييه الفاضلة. مع قدميها العاريتين ، واللباس الأبيض ، والإكسسوارات العتيقة ، تشبه عذراء فيستال في العصر الأخير. يتم تعزيز هذا من خلال الوضع. نظرة المرأة صريحة ومباشرة ، لكن جسدها مستدير بعيدًا ، لا يمكن الاقتراب منه. لم تسر جلسات البورتريه بسلاسة: انزعج الرسام من عدم التزام جولييت المستمر بالمواعيد ، بينما اعترضت على بعض الحريات الفنية التي تم أخذها. على وجه الخصوص ، استاءت من حقيقة أن ديفيد قام بتفتيح ظل شعرها ، لأنه لا يتناسب مع نظام الألوان الخاص به. ونتيجة لذلك ، طلبت صورة أخرى من أحد تلاميذ الفنانة. عندما علم بذلك ، رفض ديفيد الاستمرار ، وقيل إنه قال: "سيدتي" ، "السيدات لديهن نزوات ؛ وكذلك الرسامين. اسمح لي بإرضائي. سأبقي صورتك في حالتها الحالية ". قد يكون هذا القرار مفيدًا ، لأن الخطورة الصارخة للصورة تعطيه الكثير من تأثيره. يُقال إن المصباح وبعض التفاصيل الأخرى قد رسمها تلميذ ديفيد سأبقي صورتك في حالتها الحالية ". قد يكون هذا القرار مفيدًا ، لأن الخطورة الصارخة للصورة تعطيه الكثير من تأثيره. يُقال إن المصباح وبعض التفاصيل الأخرى قد رسمها تلميذ ديفيد سأبقي صورتك في حالتها الحالية ". قد يكون هذا القرار مفيدًا ، لأن الخطورة الصارخة للصورة تعطيه الكثير من تأثيره. يُقال إن المصباح وبعض التفاصيل الأخرى قد رسمها تلميذ ديفيدجان أوغست دومينيك إنجرس . من المؤكد أن الأخير أعجب بالصورة ، لأنه استعار وضعية Récamier لأحد أكثر أعماله شهرة ، La Grande Odalisque . (ايان زاكزيك)

  • The Bather ( The Valpinçon Bather ) (1808)

    في عام 1801 ، بعد الدراسة على يد جاك لويس ديفيد ، فاز الفنان الفرنسي جان أوغست دومينيك إنجرس بجائزة بريكس دي روما المرموقة. كانت هذه جائزة مقدمة من Academie Royale الفرنسية ، التي دفعت لأفضل فنانيها لزيارة روما لمدة أربع سنوات ودراسة أسياد إيطاليا في الماضي. لسوء الحظ ، لم تستطع الدولة تحمل إرسال فنانين إلى إيطاليا في هذا الوقت بسبب اقتصاد فرنسا الفاشل. ذهب إنجرس في النهاية إلى روما عام 1808. ذا باذركانت واحدة من أولى لوحات إنجرس التي تم تنفيذها في إيطاليا ، وعلى الرغم من أن الفنان كان محاطًا بقرون من فن عصر النهضة المهم ، إلا أنه خالف التقاليد. بدلاً من الكشف عن هوية موضوعه ، أظهر إنجرس موضوعه الضخم تقريبًا في مواجهة المشاهد مع جذعها الملتوي قليلاً لفتح ظهرها. هذا يسمح للمشاهد أن يعجب (ويجسد) المستحم دون أن تتحدىنا - فهي تظل مجهولة ، غير محددة ، وشخصيتها غير قابلة للفك. غالبًا ما اعتمدت أعمال إنجرس اللاحقة عن العراة الإناث مواقف أمامية أكثر. من المثير للاهتمام أن نلاحظ أن لوحة Ingres المحدودة من اللون الأخضر والكريمات والبني تتغير من درجات الألوان الداكنة للستارة على اليسار إلى الألوان الفاتحة للخلفية وغطاء السرير على اليمين. يمكن رؤية هذا التدرج في النغمة على أنه يعكس الطبيعة الرمزية للاستحمام ، فعل ينقي الروح وينقيها: عندما تتحرك الحاضنة بعيدًا عن الحمام تصبح أكثر بياضًا وبالتالي أكثر نقاءً. (وليام ديفيز)

  • طوافة ميدوسا (1819)

    قلة من الناس يمكن أن ينظروا إلى هذه اللوحة ولا يغمرهم شغفها وقوتها. تم رسمها بواسطة المحرك الرئيسي للرومانسية الفرنسية ، تيودور جيريكولت ، ويُنظر إليها الآن على أنها البيان المحدد لتلك الحركة. انفصل الرومانسيون عن فن القرن الثامن عشر الكلاسيكي للتأكيد على الواقعية والعاطفة. هذه اللوحة مثيرة للاهتمام بشكل خاص لأنها تربط بوضوح بين الكلاسيكية والرومانسية. عندما ظهر The Raft of the Medusa في معرض الصالون لعام 1819 ، تسبب في فضيحة كبرى أرعبت المؤسسة. يروي المشهد القصة الحقيقية لفرقاطة الحكومة الفرنسية الغارقة لا ميدوز، الذي أخذ قبطانه وضباطه غير الأكفاء قوارب النجاة الوحيدة لأنفسهم وتركوا جميع أفراد الطاقم والركاب البالغ عددهم 150 شخصًا ليهلكوا على زورق مؤقت ، ويغرقون في اليأس والوحشية وأكل لحوم البشر. تجرأ Géricault على إظهار حلقة مزعجة ومثيرة للقلق من التاريخ المعاصر (حدث الحطام في عام 1816) والتي انعكست بشكل سيء على جميع المشاركين ، بطريقة تشبه لوحات التاريخ البطولية الضخمة التي أحبها الكثير من التقليديين. من ناحية ، هناك مستوى مروع من الواقعية هنا (درس Géricault الجثث للحصول على التفاصيل بشكل صحيح) ، مع عمل فرشاة نشط للغاية يزيد من الحركة الدوامية والعاطفة. من ناحية أخرى ، فإن الأجسام والتكوين الهرمي الشكل كلاسيكيان في الأسلوب. على الرغم من الغضب الشديد إلا أن الصورة نالت استحسانًا فنيًا لـ Géricault وكان لها تأثير هائل على الفنانين الآخرين ،يوجين ديلاكروا . (آن كاي)

  • وفاة ساردانابالوس (1827)

    غالبًا ما يُقال إنه أعظم الرومانسيين الفرنسيين ، كان يوجين ديلاكروا رسامًا حقًا في عصره. مثل صديقه Théodore Géricault ، احتفظ Delacroix ببعض العناصر الكلاسيكية من تدريبه المبكر لكنه أظهر طاقة جريئة ، واستخدامًا فرديًا غنيًا للألوان ، وحبًا للغرابة جعله رائدًا. اللوحة الضخمة موت ساردانابالوسينفجر على الحواس بحركة برية ولون فخم ، عربدة من الغرابة الممتعة. كان ساردانابالوس حاكماً آشورياً من الأساطير القديمة مع طعم الانحطاط الشديد. رداً على عار هزيمة عسكرية كبرى ، قام ساردانابالوس بعمل محرقة ضخمة أحرق فيها نفسه حتى الموت مع كل كنوز قصره وعشيقاته وأفراده المستعبدين. استمتع ديلاكروا بمثل هذه الدراما البيرونية. يبدو أنه تخلى عن أي محاولة لمنظور واقعي أو تماسك تركيبي. الأجساد والأشياء المشوهة تدور في عالم كابوس مختنق بالألوان الشديدة والظل الحار الزاحف. تنقل اللوحة التفصيلية للمجوهرات المتلألئة والأقمشة الغنية بوضوح العالم الباهظ الذي يتم تصويره ، في حين أن الانفصال اللطيف الذي يستكشف به ساردانابالوس الفوضى من حوله يضفي مزاجًا شريرًا. يختبر ديلاكروا بدرجات الرمادي والأزرق على جلد الإنسان لإعطاء شكل لنمذجه غير التقليدي للأجسام. من السهل أن نرى كيف أن الاستكشاف غير المقيد للعنف ، جنبًا إلى جنب مع الطاقة المحمومة وتقنيات التلوين الجريئة ، قد أحدث الكثير من الفنانين في وقت لاحق. (آن كاي)

  • مؤله هوميروس ( تأليه هوميروس ) (1827)

    بحلول الوقت الذي تم فيه رسم Homer Deified ، كان جان أوغست دومينيك إنجرس زعيمًا معلنًا عن نفسه للرسم التقليدي الكلاسيكي ، ووضع نفسه ضد فن الرومانسيين الفرنسيين العنيد مثل أوجين ديلاكروا . لا يمكن أن تكون هذه اللوحة بالذات مثالًا أفضل على نهج إنجرس الأكاديمي ، وفي الواقع كان يقصدها أن تكون ترنيمة مدح للكلاسيكية. على الرغم من أنه كان لديه جانب أكثر حسية (على سبيل المثال ، The Bather ) ، فقد تم قمعه تمامًا هنا. يُعرف هذا العمل أيضًا باسم تأليه هوميروس ، ويظهر شاعر اليونان القديم الشهير كإله يتوج بأمجاد من قبل الشخصية الأسطورية النصر. تمثل امرأتان عند قدميه أعمال هوميروس الملحمية العظيمة ،الإلياذة و الأوديسة. يتجمع حوله حشد من العمالقة الفنيين من العصور القديمة والحديثة ، بما في ذلك رفاقه اليونانيون: يقدم المسرحي إسخيلوس رقًا على يسار هوميروس ، بينما يمسك النحات الأثيني فيدياس بمطرقة على اليمين. يهيمن على الشخصيات الأكثر حداثة فنانون من الفترة الكلاسيكية في فرنسا في القرن السابع عشر ، مثل الكاتب المسرحي موليير والرسام نيكولاس بوسين. ينضح التكوين المثلث المتماثل المثالية الكلاسيكية ، حيث وضع هوميروس مركزيًا مقابل معبد عتيق يحمل اسمه. تم استقبال هذه اللوحة بشكل سيئ في وقت إنشائها. انسحب إنجرس إلى روما لبضع سنوات ، لكنه عاد في الأربعينيات من القرن التاسع عشر ليعاد الإشادة به كرائد كلاسيكي. أصبح من المألوف أن تلعن تقاليد إنجرس ، لكن يُنظر إليه الآن على أنه فنان مؤثر للغاية يتمتع بمهارة فنية كبيرة. (آن كاي)

  • الحرية تقود الشعب (1830)

    ينتمي هذا العمل إلى الفترة ما بين 1827 و 1832 التي كان خلالها يوجين ديلاكرواأنتج تحفة واحدة تلو الأخرى. هذا ليس استثناء. تم رسم الصورة لإحياء ذكرى ثورة يوليو 1830 التي أتت لويس فيليب بالسلطة ، وقد أصبحت الصورة ترمز إلى روح الثورة. لقد تسبب في ضجة كبيرة في صالون باريس عام 1831 ، وعلى الرغم من أن لويس فيليب اشترى العمل بمناسبة انضمامه ، إلا أنه أبقه بعيدًا عن الرأي العام لأنه كان يُعتبر من المحتمل أن يكون ملتهبًا. تجمع الصورة ببراعة بين ريبورتاج معاصر وقصة رمزية بطريقة ضخمة. المكان والزمان واضحان: نوتردام مرئية من بعيد ، والناس يرتدون ملابسهم وفقًا لفصلهم ، مع الصبي القذر على اليمين يرمز إلى قوة الناس العاديين. تسببت شخصية الحرية المجازية التي تغلب على المشهد ، بألوانها الثلاثة فوقها ، في إثارة الغضب لأنه بدلاً من تجسيد الجمال المثالي ، تُظهر الفرشاة النابضة بالحياة امرأة حقيقية جدًا - نصف عارية ، وقذرة ، وتدوس على الجثث بطريقة قد توحي كيف يمكن للحرية أن تجلب بعض الاضطهاد من تلقاء نفسها. تُظهر هذه اللوحة أيضًا تحول ديلاكروا نحو النهج الأكثر هدوءًا لعمله الأخير ، حيث قام بغزوات خفية على نحو متزايد في الطرق التي تعمل بها الألوان جنبًا إلى جنب من أجل نقل إحساس بالواقع أو التعبير عن الحقائق. سيكون مثل هذا الاستخدام للون مؤثرًا بشكل كبير بين الانطباعيين والحداثيين القادمين ، من حيث قام بغزوات خفية على نحو متزايد في الطرق التي تعمل بها الألوان جنبًا إلى جنب من أجل نقل إحساس بالواقع أو التعبير عن الحقائق. سيكون مثل هذا الاستخدام للون مؤثرًا بشكل كبير بين الانطباعيين والحداثيين القادمين ، من حيث قام بغزوات خفية على نحو متزايد في الطرق التي تعمل بها الألوان جنبًا إلى جنب من أجل نقل إحساس بالواقع أو التعبير عن الحقائق. سيكون مثل هذا الاستخدام للون مؤثرًا بشكل كبير بين الانطباعيين والحداثيين القادمين ، منأوجست رينوار و جورج سورا ل بابلو بيكاسو . (آن كاي)

  • منظر لمتحف اللوفر الكبير (1841)

    رفض باتريك آلان فريزر ، ابن تاجر الحياكة الناجح ، فرصة متابعة والده في مهنة تجارية لصالح متابعة ميوله الفنية. أخذت الدراسات ألان فريزر إلى إدنبرة وروما ولندن وأخيراً إلى باريس ، حيث واجه غراند غاليري الرائع داخل متحف اللوفر. عند رسم منظر لغراند غاليري في متحف اللوفراستوحى الفنان إلهامه من مجموعة من الفنانين الفيكتوريين المعروفين باسم The Clique ، الذين التقى بهم في لندن. رفضت الزمرة الفن العالي الأكاديمي لصالح الرسم النوعي. كان Grande Galerie الذي يبدو بلا حدود ، والذي يمتد لمسافة ربع ميل ، مكانًا يتجمع فيه الفنانون والحرفيون في كثير من الأحيان ، ومع ذلك نواجه هنا جوًا هادئًا من التقدير والتفكير. في السنوات اللاحقة ، كان ألان فريزر ينغمس في ترميم المباني الجميلة وتشييدها ، وكان إعجابه بـ Grande Galerie بالغ الأهمية عند القيام بذلك. لا تسمح أشعة الضوء المتفرقة للمشاهد فقط بالتحديق في النشاط الداخلي ، بل تكشف أيضًا عن حجم القاعة وأناقتها. تم انتخاب آلان فريزر للأكاديمية الملكية الاسكتلندية في عام 1874 ، وقام بتكليف صور أعضاء The Clique ، احتراما لمن ألهمه. (سايمون جراي)

  • تذكار دي مورتيفونتين (1864)

    بدأ كاميل كورو مسيرته المهنية كصانع قماش قبل أن يقرر متابعة التدريب الفني. بدعم من والده ، درس أولاً مع Achille Etna Michallon ثم مع Jean-Victor Bertin ، على الرغم من أن Corot نفى لاحقًا أن يكون تدريبه قد أثر على فنه. سافر على نطاق واسع طوال حياته ، وقضى عدة سنوات في إيطاليا ، واستكشف سويسرا وغطى معظم الريف الفرنسي. في رحلاته ، رسم العديد من الرسومات الزيتية واللوحات الهوائية التي التقطت الفورية للضوء والجو ؛ كما عمل على لوحات بأسلوب المعرض داخل الاستوديو. تذكار دي مورتيفونتينهي واحدة من أفضل اللوحات من حياته المهنية الراحلة. إنه مغمور بضوء ناعم منتشر ، وهو عمل يسوده الهدوء المطلق ، وخلاصة الاستيعاب الشعري والغنائي لعالم الفنان. المشهد ليس مأخوذًا من الطبيعة ، لكنه يجمع بين العناصر الأساسية للإعداد الطبيعي لخلق صورة مثالية ومتناغمة. كانت الشجرة الرشيقة في المقدمة ، وامتداد المياه الراكدة خلفها ، والأشكال الهادئة المختارة بألوان ناعمة ، زخارف استخدمها الفنان غالبًا لتقديم عمل انعكاس جميل وهادئ. من خلال العمل في البداية على غرار الواقعيين ، تطور أسلوب كوروت ليشمل تصورًا رومانسيًا حالمًا. على هذا النحو ، يمكن اعتبار عمله بمثابة جسر بين الواقعيين والانطباعيين ، وفي الواقع يُشار إليه غالبًا على أنه والد الانطباعية.مناظر كلود مونيه لنهر السين في ضوء الصباح الباكر الذي تم رسمه خلال تسعينيات القرن التاسع عشر. (تامسين بيكيرال)

  • جلد المسيح (1455–1460)

    شهدت أراضي كاتالونيا ، المتمركزة في مدينة برشلونة ، عصرًا ذهبيًا رائعًا للفن في القرن الخامس عشر الميلادي ، وكان في طليعة هذا الإحياء Jaume Huguet . تشتهر Huguet بقطع المذبح المذهلة التي تجسد الفن الديني الزخرفي الجميل الذي أنتجته المدرسة الكاتالونية في هذا الوقت. في وسط هذا المذبح، المسيح يتعرض للضرب قبل أن يحكم عليه بالموت بالصلب. الرجل الذي أصدر الحكم - الحاكم الروماني على اليهودية ، بيلاطس البنطي - جالس على عرش عظيم إلى اليمين. تمتلئ صورة Huguet بألوان تشبه المجوهرات وتتفجر بالتفاصيل الدقيقة ، من بلاط الأرضيات إلى عرش Pilate وملابسه. هناك تناسق جيد البناء في التكوين: موقع المسيح المركزي ، يحيط به رجلان يقومان بالضرب وملاكين صغيرين عند قدميه ، بلاط الأرضية المتراجع ، صف الأقواس خلف المسيح ، ومنظر بعيد لمنظر طبيعي به قمم متساوية الحجم. التأثير كله زخرفي للغاية ، تقريبًا مثل قطعة نسيج. صنعت هذه القطعة من قبل نقابة صانعي الأحذية لمصلى سان مارك بكاتدرائية برشلونة ، وهذا هو سبب ظهور الأحذية في الإطار الزخرفي. كما تظهر على الحدود صور نسر وأسد وملاك وثور - وهي رموز لمبشرين القديس يوحنا وسانت مرقس وسانت ماثيو وسانت لوقا على التوالي. يعتبر عمل هوغيت على نطاق واسع في قالب أساتذة كتالونيين في القرن الخامس عشر مثل برناردو مارتوريل ، وأسلوبه الشخصي ساعد في تحديد الأسلوب الكاتالوني. (آن كاي)

  • رجل عجوز مع صبي صغير (ج .1490)

    كان دومينيكو غيرلاندايو فنانًا فلورنسيًا مشهورًا بلوحاته الجدارية وصوره الشخصية. الرجل العجوز مع صبي صغير هي صورته الأكثر شهرة. يقدم رسم في المتحف الوطني في ستوكهولم دليلاً على أن غيرلاندايو قام بدراسات عن الرجل العجوز ، بما في ذلك عيب الجلد في أنفه. يُعتقد أن الرجل عانى من تشوه فيمة الأنف نتيجة حب الشباب الوردية. لكن واقعية الصورة غير عادية في وقتها. يُعتقد أن تضمين غيرلاندايو لهذا العيب قد أثر على الفنانين اللاحقين ، مثل ليوناردو دافنشي، لرسم رعاياهم كما كانوا. هذا المشهد تأثر المشاهد بالتأكيد. يتناقض وجه الرجل العجوز مع تقدم العمر مع بشرة الطفل الناعمة والشابة. عندما تصل يد الطفل إلى الرجل العجوز ، تلتقي عيونهما في عرض مفتوح من المودة. يؤكد اللون الأحمر الدافئ على هذه الرابطة المحبة. (ماري كوتش)

  • العراف (سي 1508-10)

    تعتمد الشهرة الرئيسية للوكاس فان ليدن على مهاراته غير العادية كنقاش ، لكنه كان أيضًا رسامًا بارعًا يُنسب إليه الفضل في كونه واحدًا من أوائل الذين قدموا الرسم النوعي الهولندي. وُلد في لايدن ، حيث أمضى معظم حياته ، ويُعتقد أنه تدرب مع والده وبعد ذلك مع كورنيليس إنجبريشتش. سافر إلى أنتويرب عام 1521 ، حيث التقى بألبريشت دورر ، الذي سجل هذا الحدث في يومياته. يبدو أن عمل دورر كان له التأثير الأكبر عليه ، على الرغم من أن فان ليدن اقترب من رعاياه بحركة أكبر ، مع التركيز بشكل أكبر على شخصية الشخصيات الفردية. العرافوهي إشارة إلى غرور الحب والألعاب ، وقد تم رسمها في وقت مبكر من مسيرة فان ليدن ، ولكنها تظهر بالفعل براعته في الرسم ومهارته كرسام تلوين. إنها دراسة للشخصية ، حيث يصور كل فرد بحساسية حيوية. الرجل ذو اللحية السوداء في الخلفية آسر بشكل خاص ، بنظرته الثاقبة ووجهه الشرير الذي يتناقض مع شخصية العراف الشاحب. سطح الصورة مزخرف بشكل غني ، والأنسجة المختلفة ، من الفراء والحرير إلى الزجاج واللحم ، مصقولة بشكل رائع. يؤدي دفع التكوين إلى مقدمة مستوى الصورة إلى وضع العارض بين الأشكال الأخرى. اشتهر فان ليدن خلال حياته ، وعلى الرغم من أنه لم يكن لديه تلاميذ مباشرون ، إلا أن تأثيره كان عميقًا على تطور الفن الهولندي ، مما يمهد الطريق للتقليد الهولندي في الرسم النوعي. يُعتقد أيضًا أن عمله كان له تأثير علىرامبرانت . (تامسين بيكيرال)

  • انتصار تيتوس وفيسباسيا (سي 1537)

    ولد جوليو بيبي ، فنان هذه اللوحة أصبح يعرف فيما بعد باسم جوليو رومانو بعد مدينة ولادته. في سن مبكرة ذهب للدراسة مع رافائيلأصبح لاحقًا مساعده الرئيسي ، وبعد وفاة رافائيل أكمل عددًا من أعمال الفنان. كانت لوحة رومانو النابضة بالحياة والأسلوب الرمزي الجريء على النقيض من دقة معلمه ، ولكن من حيث الخيال المطلق والتأثير الوهمي الدرامي الذي تحقق من خلال التلاعب بالمنظور ، كان رومانو رائدًا في مجاله. بصرف النظر عن إنجازاته الفنية ، كان الفنان أيضًا مهندسًا معماريًا ومهندسًا. حوالي عام 1524 تم توظيف رومانو من قبل فريدريكو غونزاغا ، حاكم مانتوفا ، وشرع في مشروع ضخم لتصميم وإعادة بناء بعض مباني المدينة ، بالإضافة إلى عدد من المخططات الزخرفية. انتصار تيتوس و فيسباسيابتكليف من Gonzaga لغرفة القياصرة في Palazzo Ducale. يصور الإمبراطور تيتوس وهو يتجول في روما بعد الانتصار على اليهود. يعتمد التكوين على مشهد من الداخل لقوس تيتوس القديم في روما ، ويحتفظ بالكثير من الجودة النحتية للأصل ، لا سيما في خيول رومانو القوية. جعلت الألوان الرائعة والموضوع الكلاسيكي المقدم في يد رومانو Mannerist هذا العمل شائعًا للغاية في وقته. إن معالجته للمناظر الطبيعية - المفصلة بشكل جميل والمغطاة بضوء شفاف متلألئ - لها أهمية خاصة. (تامسين بيكيرال)

  • العذراء والطفل مع القديسة حنة (حوالي 1510)

    تدرب ليوناردو دافنشي على يد النحات الرئيسي أندريا ديل فيروكيو ، وبعد ذلك عمل لدى بعض من أغنى الرعاة في فرنسا وإيطاليا ، بما في ذلك عائلة سفورزا في ميلانو ، ملك فرنسا ، والفاتيكان في روما. لو لم يتحول Verrocchio إلى الرسم للتنافس مع منافسيه في الوقت الذي كان فيه ليوناردو في ورشته ، يعتقد بعض العلماء أنه من المتصور ألا يكون ليوناردو قد رفع الفرشاة بالضرورة. على الرغم من أن حياته وعمله مهمان للغاية لتاريخ الفن ، إلا أنه يوجد اليوم ما يقرب من 20 لوحة منسوبة بشكل آمن في أعماله. السيدة العذراء ووالدتها آن والرضيع يسوع موضوع هذه اللوحة، معًا أحد أكثر موضوعات ليوناردو شعبية ، كما يتضح من العديد من الرسومات واللوحات. وتشمل هذه الرسوم الكاريكاتورية المفقودة لعام 1501 والعذراء والطفل مع القديسة آن وسانت يوحنا المعمدان (حوالي 1508 ، المعروف باسم كارتون بيرلينجتون هاوس) ؛ قد يُفترض أن الكارتون الأخير كان يهدف إلى تطويره إلى عمل كبير ومرسوم بالكامل ، ولكن لا يوجد دليل على أن مثل هذه اللوحة قد تمت تجربتها على الإطلاق. هنا ، مع ذلك ، ترتكز السيدة العذراء على حضن القديسة حنة ، بينما يداعب الطفل المسيح بشكل هزلي حملًا صغيرًا كذبيحيًا ، تجسيدًا لمصير الرضيع. رسم صغير بالقلم الجاف والحبر للعذراء والطفل مع القديسة آنموجود في مجموعة Accademia ، البندقية. تشكل المواقف غير الرسمية والارتباط النفسي الرقيق بين الجالسات أعلى مستوى في الرسم الديني. (ستيفن بوليمود)

  • كوندوتييرو (1475)

    في ما أصبح واحدا من أنتونيلو دا ميسينا الصورة معظم لوحات شهيرة، يصور الفنان قائدًا عسكريًا لإيطاليا ، يُعرف باسم كوندوتيير. (ومع ذلك ، فإن الهوية الحقيقية للرجل غير معروفة). حتى القرن التاسع عشر ، كانت إيطاليا تتكون من مجموعة من دول المدن المستقلة ، وكان الطلب على كوندوتييري خوض معارك بين الدول المتصارعة. أنتونيلو مهتم بإظهار رتبة جليسه: فهو جالس أمام خلفية سوداء بملابسه الأساسية وغطاء رأسه بوضعية جيدة ، وبالتالي رفع مكانته فوق مستوى المحارب البسيط. في الواقع ، كان موضوع أنتونيلو على الأرجح يمتلك الثروة الكافية لمنح لقب أقرب إلى لقب رجل نبيل ، وكان سيكلف هذه الصورة للتأكيد على مكانته الاجتماعية. ومع ذلك ، يذكر أنطونيلو المشاهد أن هذا الرجل مقاتل لا يرحم. فحص عن كثب لكوندوتيرويكشف تفاصيل مثل جرح الحرب على الشفة العليا للحاضنة. (وليام ديفيز)

  • الموناليزا (سي 1503–09)

    بدأ ليوناردو دافنشي حياته باعتباره الابن غير الشرعي لكاتب عدل في توسكان ، ويمكن القول إنه أصبح الرسام الأكثر مناقشة في العالم. نشأ افتتان لا نهاية له من جانب العلماء والجمهور على حد سواء منذ اليوم الذي بدأ فيه الكتابة والرسم. كان أيضًا رجلاً به عيوب وقيود. وُلِد في بلدة أنشيانو على التلال التوسكانية بالقرب من فينشي ، وانتقل إلى فلورنسا في سن مبكرة للتدريب كمتدرب لأندريا ديل فيروكيو.، وهو نحات شهير في ذلك الوقت. من تلك الدروس المبكرة ، اكتسب ليوناردو تقديرًا عميقًا للفضاء ثلاثي الأبعاد ، وهو مفهوم خدمته جيدًا طوال حياته المهنية ، سواء كان يرسم أو يرسم تعقيدات النباتات أو أجزاء من جسم الإنسان أو آلات الحرب أو أعمال المياه العامة ، الهندسة الرياضية أو الجيولوجيا المحلية. اسم هذه اللوحة ، التي لم تُستخدم حتى القرن التاسع عشر ، مشتق من رواية مبكرة لجورجيو فاساري ، والتي توفر أيضًا التعريف الوحيد للحاضنة. تم رسم الموناليزا ، المعروفة أيضًا باسم ليزا غيرارديني ، في منتصف العشرينات من عمرها بعد أن تزوجت من تاجر حرير يُدعى فرانشيسكو ديل جيوكوندو ، الرجل الذي ربما يكون قد كلف بهذه الصورة. حتى يومنا هذا ، يعرفها الإيطاليون باسم La Gioconda والفرنسيةLa Joconde ، والتي تُترجم حرفيًا على أنها "المزاح (أو المرح)". في التاريخ الحديث ، قد تنبع شهرة اللوحة جزئيًا من حقيقة سرقتها من متحف اللوفر في باريس في سرقة مثيرة في عام 1911 من قبل قومي إيطالي ولكن لحسن الحظ أعيدت بعد ذلك بعامين. (ستيفن بوليمود)

    [هل تريد معرفة المزيد عن سبب شهرة الموناليزا؟ اقرأ هذا الغموض عن بريتانيكا.]

  • الصدقة (1518–19)

    في عام 1518 ، استدعى فرانسيس الأول من فرنسا الرسام الفلورنسي أندريا ديل سارتو إلى بلاطه الفرنسي ، حيث عاش الفنان الإيطالي لمدة عام. الخيرية هي اللوحة الوحيدة الباقية من إقامته في فرنسا ؛ تم رسمه من أجل Château d'Amboise. العمل نموذجي للوحات التي فضلها الملوك الفرنسيون في هذا الوقت. يصور شخصية الصدقة محاطة بالأطفال الذين ترعاهم وتحميهم. كان تمثيلًا استعاريًا للعائلة المالكة الفرنسية ، واحتفل بميلاد دوفين ، الذي يرمز له بالرضاعة ، في حين أن شخصية الخيرية تحمل بعض التشابه مع الملكة. الهيكل الهرمي للتكوين نموذجي للشكل التقليدي لهذا النوع من اللوحات ، وهو أيضًا انعكاس لتأثيرليوناردو دا فينشي على أندريا ديل سارتو. على وجه الخصوص أعجب الفنان ليوناردو العذراء والطفل مع سانت آن . (تامسين بيكيرال)

  • قطع رأس القديس جورج (1432-1434)

    عمل برناردو مارتوريل في برشلونة وربما كان يدرس من قبل لويس بوراسا ، الرسام الكاتالوني الأكثر إنتاجًا في ذلك الوقت. يُنسب عمل واحد فقط باقٍ إلى مارتوريل ، وهو مذبح القديس بطرس أوف بوبول (1437) ، الموجود في متحف جيرونا بإيطاليا. ومع ذلك ، فإن مذبح القديس جورج مميز للغاية في أسلوب مارتوريل لدرجة أن معظم الخبراء يعتقدون أنه كان الفنان. تم إنشاء المذبح لمصلى القديس جورج في قصر برشلونة. وهي مكونة من لوحة مركزية تظهر القديس جورج وهو يقتل التنين الموجود الآن في معهد شيكاغو للفنون ، وأربع لوحات جانبية موجودة في متحف اللوفر بفرنسا. هذه اللوحة الجانبيةيشكل الجزء الأخير من السرد ، ويصور استشهاد القديس جورج. يبدو أن أسطورة القديس جورج نشأت في كتابات يوسابيوس القيصري ، والتي تعود إلى القرن الرابع الميلادي. اشتهر بأنه جندي روماني من النبلاء قُتل عام 303 م بسبب احتجاجه على اضطهاد المسيحيين. تم تقديسه في القرن العاشر وأصبح شفيع الجنود. انتشرت أسطورة القديس جورج في جميع أنحاء أوروبا في العصور الوسطى ، وعلى الرغم من أن قصة القديس يقتل تنينًا تبدو أسطورية أكثر من كونها معجزة ، فقد أعيد سردها في العديد من لوحات العصور الوسطى. في هذا المشهد الأخير من الأسطورة ، بينما كان القديس جورج مقطوع الرأس ، يتساقط البرق من سماء حمراء وذهبية نارية. قد يكون الأسلوب قوطيًا عالميًا ، لكن الوجوه المروعة ، وتربية الخيول ، والأجساد المتساقطة ، ويعود التعامل الخبير مع الضوء إلى Martorell. (ماري كوتش)